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¡ JORDI BONELL, ya no está !

Tue, 19 Nov 2024 20:54:25 GMT

¡ JORDI BONELL,

ya no está !

La Guitarra Eléctrica con sabor a Barcelona.

Hace unos días hablé con Jordi Bonell, queria que sonase en un nuevo proyecto.

Hoy ya no está.

Una de sus cualidades era su Humildad y el Interés Desinteresado en torno al Flamenco como sonido Barcelona.

Descanse en Paz

Recuerdos para el Alma. Jordi Bonell con Flamenco Barcelona.

-Bajari Experience en el Club Astoria: le acompañan Miguel del Toleo, Raynald Colom, El Tobalo, Miguel de la Tolea, David Domínguez, Eduardo Cortés...

- Flamenco Barcelona Gracia. le acompañan Antonio Agujetas, Manuel Masaedo y Erik Castillo (Compota de Manana), Paco de Mode, MIguel del Toleo.

- Flamenco Barcelona Gracia. le acompañan Luís Salinas y Jaco Abel.

Quiero ser Libre LOS CHICHOS Ni más, ni menos.

Fri, 26 Apr 2024 20:18:56 GMT

Quiero ser Libre

LOS CHICHOS

Ni más, ni menos

Corrían los años 70 y la calle estaba caliente.

Los Chichos, a partir de sus vivencias y su tremenda conexión con gran parte de la sociedad, fueron testigos y protagonistas de una época. Dejaron escritas canciones que son parte de las páginas sonoras del pueblo, y el pueblo se volcó con ellos, creando un fenómeno de masas tan auténtico como real. Nadie pudo acusarles de no estar con su gente.

Ellos son el testimonio, cíclico, de la capacidad de la música popular para trascender las barreras conectando con las audiencias de manera auténtica y significativa.

A eso, cabe, añadir que los tres son artistas de cuna que supieron conectar con lo más profundo del flamenco y todo el resto de personal que no fuese sordo.

“ Quien canta de cabeza parece un mueble, hay que cantar de corazón ”, Julio González Gabarre

Barcelona fue y sigue siendo una plaza de primera para Los Chichos como quedó plasmado en sus canciones y vivencias. Era una ciudad en esos años que se vivía deprisa-deprisa como le gustaba al trío castellano.

Una de las primeras veces que vinieron les hospedaron en el Hotel Princesa Sofía, uno de los más lujosos de la ciudad en esos momentos, pero ellos se marcharon al día siguiente. Pidieron quedarse en los Apartamentos Gutenberg, hoy Hotel Sixties, en el pasaje Gutenberg, una puerta de entrada al Barrio Chino, en esos momentos aún vivito y coleando. Allí se sentían como en casa; un barrio que se volcaba con ellos. Cada vez que venían de dar un concierto, las vecinas les habían preparado siempre algo de comer. Dormían con las puertas abiertas. Las prostitutas, los huéspedes de vida errante, entraban y salían de sus habitaciones. Todos estaban pendientes de ellos, allí les trataban como reyes.

En uno de sus conciertos en Barcelona aparecieron unos policías que se identificaron ante su manager como miembros de la Brigada de Estupefacientes. Querían verlos en el camerino. Eduardo, el manager, pensó que era el fin. De hecho, justo al entrar, les pillaron metiéndose unos tiros, no había problema, esos agentes también eran seguidores suyos. Saludaron, se acomodaron y llamaron a un confidente para que les trajera más material. El sujeto llegó a toda mecha y según recuerda el manager:

“Era increíble, metían la mano en la bolsa y la sacaban a puñados”.

Jero deja Los Chichos

En un concierto en Barcelona, Jero llegó tarde y le sustituyeron por Junior, el hijo de Emilio, desde entonces miembro del grupo. Lo vio como una falta de respeto inexcusable y decidió abandonarlos. Era 1989.

Los Chichos siguió y ahora anuncian su retirada después de 50 años.

3 gitanos castellanos debutan en Vigo, nacen Los Chichos.

Jero se subió a un escenario por primera vez con 21 años en La sala Elektra, estaba situada en Urzaiz, Vigo, hasta donde viajaron en coche por las tortuosas carreteras del otoño de 1972, cobró dos mil pesetas.

“ A mi hermano y a mí nos había salido un contrato en Vigo, en la sala Elektra. Ya no existe, se quemó. Llamamos a Jero para que nos acompañara con los timbales ”, un amigo de toda la vida del Pozo del Tío Raimundo.

“ Íbamos para Vigo y él llevaba el coche; nos salimos de la carretera y dimos tres vueltas de campana. Salimos sin un rasguño ”, Julio González.

Se propusieron que la puesta en escena fuese moderna y rompedora: pantalones de campana, pelos largos y abrigos de piel. Jero no tenía abrigo, le tuvo que dejar uno rápidamente su hermana y, aunque le quedaba un poco entallado, la presentación quedó de maravilla.

A pesar del accidente, el concierto fue un éxito y les sirvió de pasaporte para nuevos contratos.

“ No paraban de aplaudir, de gritar, de dar palmas, se levantaban de sus sillas ”, Emilio.

“ Cuando se unió, ni siquiera sabíamos que componía. Pronto descubrimos que tenía una varita mágica para la música. Ha sido el mejor compositor de rumba de todos los tiempos y nunca saldrá otro igual ”, Julio.

Nacían Los Chichos: uno de los grupos con más ventas de la historia de la música en España sin ningún apoyo mediático y con una conexión social apabullante.

“ Eran tan pintorescos con aquellos trajes de pantalones acampanados, aquellas patillas, los enormes cuellos de las camisas abiertos por encima de las chaquetas con unos picos tan grandes que les llegaban casi hasta los hombros, y sobre todo, las cadenas de oro colgando en medio de su pecho” , el maestro Torregosa, responsable de la instrumentación de sus primeras canciones, tremenda labor

¿Qué importancia tuvo el productor José Torregrosa en el sonido de Los Chichos?

“ Torregrosa era un bicho… El maestro Torregrosa nos enseñó a hacer voces. Nos exigía unas voces por encima y por debajo y se ponía con el piano a practicar y por eso salían esos pedazos de discos y esas pedazos de voces en las que hay una cantidad de colores increíbles. Todo eso fue responsabilidad de Torregrosa ”, Emilio González Gabarre

“ Torregrosa era un catedrático. Después de él estuvo Miralles, el arreglista de Serrat. El maestro Torregrosa dijo:

-Hay que meter otro arreglista, que yo ya llevo cinco discos. ”, Julio González Gabarre

*José Torregrosa es el mismo Sr. que ha sido denunciado por la familia de Paco de Lucía; quizás sin ese Sr., ya muerto, la historia de la música española no hubiese sido igual.

Libre quiero Ser

“Ese era el mundo al que le cantamos desde el principio. A los presos, los engaños amorosos y los problemas con las drogas, algunos vividos por nosotros en primera persona o por nuestro entorno ”, Julio.

“ Los presos gritaban ¡otra, otra!, Jero se adelantó y les preguntó: ¿Qué queréis? Y todos a una contestaron a coro: ¡Co-ca-í-na! (Concierto de Los Chichos en la cárcel Ocaña I de Toledo, 1985). Emilio, el más largo de Los Chichos, apoyándose en un pelotazo de whisky para coger fuerza, me preguntaba cosas de mi contrato y me pedía consejos para sus reuniones, que siempre eran de pelas. También me contaba entre indignado y confuso que a pesar de estar en todas las gasolineras del país, y por lo tanto de vender muchas casetes, nunca estaban en las listas. Era verdad. ”, Miguel Ríos.

Del Pozo del Tío Raimundo al mundo

¿Quiénes eran esos tres gitanos castellanos con tremendas pintas?

Emilio González Gabarre de apodo: El Chicho pone las primeras semillas.

Emilio y Julio eran dos gitanos nacidos en Ciudad Real que emigraron al Pozo del Tío Raimundo, en el barrio de Vallecas, Madrid.

Emilio, siendo un crio, activa su afición por la música para ganarse unos cuartos cantando por los bares. De adolescente, se instala en el Barrio Chino de Salamanca, no paró de trabajar en las fiestas de los señoritos por recomendación de todas y cada una de las prostitutas de la ciudad, a las que se había ganado con su encanto y que le consideraban «su protegido».

“Yo antes había estado una temporada actuando con los hermanos Farina en otras casas de citas del barrio chino de Salamanca, en fiestas privadas de señoritos. Como era el único guitarrista, todos los cantaores me llamaban a mí. Pronto empecé a mandar a casa giros de 300 pesetas a la semana. Nuestro padre se quedó tan alucinado que se fue corriendo a Salamanca porque pensó que estaba robando o traficando”

“ Empezamos en las barras americanas de Salamanca, siempre había un señorito que pillaba a una, ah, una prostituta y se le calentaba el paladar, quería que se montara una juerga a base de fandangos y bulerías y allí estábamos los gitanos ”, Emilio.

Su hermano Julio por aquel entonces se ganaba la vida en el campo, iba a la vendimia y a la recogida del garbanzo. También trabajó en una fábrica en Santurce quitándole la cabeza a las sardinas.

El Lover de Vallecas: calle Arroyo del Olivar.

El piloto de motociclismo: Ángel Nieto inaugura discoteca con la aspiración de que fuese la más moderna del lugar. La cabina del pinchadiscos era un Seat 600 y las luces, de esas que permitían ver la ropa interior bajo los vestidos y que las dentaduras brillen. Se llamó Lover para allí se fue Emilio en busca del relaciones públicas: Eduardo Guervos que acabó siendo su primer manager.

Para camelárselo le sugirió que le acompañara por los bares céntricos de Madrid, la zona de Doctor Fleming, donde, como en Salamanca, también era amigo de todas las prostitutas.

“ Tenía locas a las chicas de alterne. Era un gitano de 1,90, divertido, con el pelo azabache y los labios carnosos. Las chavalas que se buscaban allí la vida «sucumben ante su porte ”, Juan Antonio Valderrama.

Era una de las principales zonas de alterne donde acudían al trapo parte de la buena sociedad madrileña. Allí estaba él para sacarse lo suyo, con la colaboración de sus amigas, a todo el que apareciese con el pico caliente. Eduardo, el manager, quedó prendado y le contrató para actuar en El Lover.

A los clientes les gustó y le propone que haga un dúo con su hermano, Julio, para hacerlo más vendible.

Pa Vigo me voy

En Elektra querían un trío, faltaba uno, el del medio:

Juan Antonio Jiménez Muñoz “Jero “ , nacido en Valladolid, también acabó instalado en el Pozo del Tío Raimundo para convertirse en un gran compositor y cronista social.

Desde temprana edad demostró un talento excepcional para el cante, cautivando a aquellos que lo escuchaban, una voz cargada de pasión y sentimiento.

Se buscaba la vida con la venta ambulante de colchas, telas o ajos con su abuelo, de donde coge el mote: ajero. Compaginaba dicha actividad con el burle, era especialista en ventilarse a cualquier con la bolita y los tres cubiletes.

¿Dónde está la bolita?

Por trilero en la Gran Vía, acabó en los calabozos de la Dirección General de Seguridad de la Puerta del Sol.

Una detención que marcó toda su vida, en esa celda compuso «Quiero ser libre», primer single del grupo y éxito atemporal.

“Fue una auténtica proeza que debutáramos con una canción que hablaba sobre cárceles ”, Julio

LOS CHICHOS 1973

Antonio Sánchez Pecino, padre de Paco de Lucía, los llevó a Polygram, compañía musical de Philips, estaba convencido de que tenían que grabar, un disco con unas letras, pinta y rabia no muy “correcta”. El director artístico del sello, Alfredo Garrido, nada más verlos pensó: «No puede ser, son demasiado gitanos», pero decidió apostar y grabaron su primer single. Cara A: «Quiero ser libre»; Cara B: «Si tú pudieras estar conmigo».

Había empezado una leyenda.

En solo un mes, vendieran 20.000 copias del single. El disco no se hizo esperar, se llamó: “Ni más, ni menos”, con el sencillo homónimo. Todo, sin el respaldo mediático establecido, pero con unas composiciones, letras y sentimiento, que se funden con unos arreglos musicales espectaculares para 1973, totalmente conectado con el sonido de las calles de los barrios Afro-Latinos del momento pero con tremenda cuna flamenca.

Cara A

1.Te Vas Me Dejas.

2.La Historia De Juan Castillo.

3.Yo Soy Asi.

4.LaCachimba.

5.Un Hombre.

6.Ni Más Ni Menos.

Cara B

1.Soberana.

2.No Me Convencerás.

3.Canusiro.

4.Si tu pudieras estar conmigo.

5.Si Tanto Me Querías.

6.Quiero Ser Libre.

Su primera aparición televisada fue con José María Íñigo, que dirigía el programa Estudio Abierto en TVE. Sin embargo, a la hora de grabar el programa, Los Chichos no aparecían, la Guardia Civil no les dejaba entrar a Prado del Rey. Íñigo tuvo que salir a decirles a los agentes que eran los músicos invitados de su programa, los tenían retenidos en la puerta preguntando de dónde habían sacado los micrófonos que llevaban.

Su aparición agrando el mito, los contratos surgían por todos lados y las ventas de discos se convirtieron en millonarias.

Los Chichos en el Parque de Atracciones de Montjuic - BCN -

El Kiki “No soy un Cantaor de silla” Santiago Cortiñas Barrul

Mon, 08 Apr 2024 21:53:09 GMT

EL KIKI

“ No soy un Cantaor de silla ”

Santiago Cortiñas Barrul

Kiki Cortiñas, no es un Cantaor de silla lo que le da unos matices y maneras que lo hacen un Cantaor original. También cabe destacar su labor como compositor, músico y productor.

¿Para cuándo su trabajo discográfico?

“Es muy importante aprender de lo antiguo porque ahí está la verdad ”

Santiago Cortiñas Barrull nace en el seno de una familia gitana en Lugo, 1985, criado en el barrio de Fingoi, vive hoy a más de mil kilómetros en Almería casado con una hija de Tomatito, del Atlántico al Mediterráneo.

"Como tengo hijos pequeños compongo cuando voy de compras al Mercadona"

Empezó componiendo en el desván de su casa con el multipistas de su tío, en lo que no queda dentro de los territorios flamencos oficiales, Lugo. En el 2019 “De Verdad”, de José Mercé y Tomatito, fue nombrado mejor álbum flamenco en los premios Odeon, firmó diez de los once temas.

José Mercé resalta su gran colaboración:

" Es una maravilla y nos está ayudando muchísimo. Nos ha hecho muchas cosas. Siendo tan joven nos está enseñando mucho a los dos ”

El Kiki se inició con cuatro o cinco años cantando en el Culto de la Iglesia Evangélica de su barrio, como es tradición en su familia. Allí empieza a aflamencar las canciones para Dios y las empieza a sentir desde una forma personal, el Pastor ya le da un papel protagonista en el Coro.

“Me inicié cantando en la iglesia evangélica de Lugo. Tenía cinco años. Iba al Culto con mis hermanos, mis tíos y mi familia”.

Su otra gran influencia le llega por su familia, el Flamenco está en la casa y en las fiestas que celebran.

“Cuando tenía cinco o seis años el disco que se escuchaba en la casa era el último de Camarón que era Potro de rabia y miel (1991) o Zyryab (1990), de Paco de Lucía. Yo creí con esa revolución, protagonizada por esos dos genios. Me tocó otra época de mayor fusión, pero después te enteras que existe una tradición y unos cánones. Eso tiene que estar presente siempre, igual que saber que estos dos genios nos abrieron paso a las músicas del mundo, abriéndonos al jazz, al rock, a la literatura, a todo”.

Otra puerta a la que entró como niño fue la escena musical gallega, allí descubre otros estilos, el Jazz entra en sus códigos.

“Debuté en el Clavicémbalo, un club de música en directo de Lugo, con 9 años, con Cuchús Pimentel”.

“Músicos como mi amigo Telmo empieza a hablarme del jazz, lo escucho en el Clavicémbalo,... Ella Fitzgerald, West Montgomery, Path Metheny,... Lo que me cuesta más entender es el free jazz por su sistema para improvisar”.

“Sonoramente. Me ayuda mucho en las transiciones. Aunque yo no sea consciente, está ahí”.

¿Cuál fue el repertorio?

“Cosas de Camarón, sobre todo. Temas de los discos que había hecho con Paco de Lucía. Lo que escuchaba en casa. Entonces nos parecía normal. Mucho después me di cuenta de que eran dos genios, dos personajes que marcaron época”.

La escena musical del flamenco y el jazz se dejan seducir por El Kiki, graba unas cintas y estas empiezan a salir de Galicia.

“Con ocho o nueve años me escuchó Antonio Carmona de Ketama y me llevó a una sala mítica de Madrid, la Caracol. Después me grabaron un disco con once años y hasta hoy”.

En 1996 graba su primer disco “Mala suerte”, en Santiago de Compostela con Clave Records, con 9 temas:

Mala suerte (tangos); Prohibido (bulerías); De menos (soleá); Consuelo (tanguillo); Rumba para José; Alegrías de mi tierra; Se me acabó el cante (fandangos); Canción del olvido (bulerías); Martinete.

Le acompañan: Jesús Pimentel "Cuchús", guitarra flamenca, eléctrica; Marcos Teira, guitarra flamenca; Pedro Onieva, cajón, tabla, bongos.

A partir de ese momento empezará su carrera como solista que sólo se vio interrumpida un tiempo debido a los cambios de voz.

“Cuando Josemi Carmona me llamó en 2011 para acompañarle en la gira de su disco “Las Pequeñas cosas” me dio una alegría que le agradeceré todo la vida".

“Mi primer concierto en Madrid, con 9 o 10 años, fue en la sala Caracol, que llevaba Antonio Carmona, y Josemi vino a verme. También vinieron a verme cuando presenté mi primer disco, con 12 años”

“Josemi lleva tiempo comentándome el proyecto del disco y su deseo de que esté en su banda. Es un orgullo que cuente con mis servicios musicale”.

Josemi Carmona le eligió para que le acompañe en la gira de presentación de su primer disco, “Las pequeñas cosas'” (Universal Music), se ocupó de la voz principal y de tocar la guitarra en los conciertos del músico madrileño.

“Somos compatibles porque no solamente es flamenco, son también otras músicas”.

"A través de Josemi conocí a mi mujer y a María Ángeles Fernández, mi cuñada"

Del Atlántico al Mediterráneo: entra en la casa de Tomatito.

De repente se ve cruzando el mundo con el grupo que acompaña a Tomatito, que en 2013 obtuvo su tercer premio Grammy latino con: “Soy flamenco” y en ese álbum ya colaboraba El Kiki.

"Trabajé con Tomatito en el disco, imagínate, mira que currículum... no hay nadie en España con más Grammys. Girar con él es trabajar con una exigencia continua, es un capitán. Siempre está corrigiendo cosas en cuanto estás en baja forma... pero dentro de la grandeza es muy sencillo, campechano. "

Otro de sus grandes retos fue componer los temas del disco de José Mercé y Tomatito: “De verdad”, 2019.

“Los primeros que presenté no me los aceptaron, pero al final, de los once temas que tiene el disco, metí diez”

“Ellos querían un disco de flamenco tradicional pero del siglo XXI, con los movimientos de melodías y armonías que hay”.

“En el flamenco hay muchos palos. Después, existen grandes cantaores que personalizan el palo. Figuras como Manuel Torres, Tomás Pavón, La Niña de los Peines... han sido grandes maestros que lo han logrado. Nosotros bebemos de esas fuentes y para componer tienes que tener un mínimo de conocimiento para darles a ellos material de calidad”.

¿Por qué ese respeto reverencial hacia el pasado?

“Ocurre también en el jazz. Hay que tener un respeto a la música tradicional. Sin ella no puedes hacer nada. Por ejemplo, en el disco de Jose Mercé y Tomatito hago una zambra dedicada a Lola Flores. Ese palo lo popularizó Manolo Caracol. Para poder cantar eso necesitas saber cantar por seguidillas, porque tiene tercios de seguidillas y también de la toná, que es un palo libre. Tienes que conocer eso para poder desarrollarlo. Es importantísimo aprender de lo antiguo siempre porque ahí está la verdad”.

¿Flamenco del siglo XXI?

“Tomatito decía el otro día que en el flamenco siempre ha habido mucha moda y mucho experimento. Lo bueno se queda y lo que no es tan bueno sale. Uno no sabe a dónde va a ir la música. Pero lo que tenemos claro es que la música es corazón y verdad y al final queda la verdad. Hay que dejarla fluir. A lo mejor el trap u otras músicas que se añaden al flamenco proponen otra vía. No se puede descartar nada. Lo que se hace con corazón, conocimiento y respeto puede ser un camino”

“Iba a empezar el 15 de enero -2020- a grabar en Madrid, pero salió una gala en Nimes con Tomatito y tuve que suspenderlo. Lo voy a retomar”.

¿Para cuándo el segundo disco de El Kiki?

Suena la Pena: El Cante para hasta los Pasos de la Semana Santa

Mon, 25 Mar 2024 15:25:09 GMT

Suena La Pena

El Cante para hasta los Pasos de la Semana Santa

Era la Semana Santa del ochenta y siete. Por destinos de la vida me vi involucrado en el desfile a paso lento de la Infantería de Marina, San Fernando, un acto meticulosamente orquestado y pautado, uno de los pocos capaces de pararlo es el Cante.

En el flamenco Manuel Torre, a través de sus sonidos negros, fue uno de los pioneros, le siguió el camino Agujetas.

La Pena Sonora

Contaba su hijo Tomás Torre que estando Manuel en el balcón de la casa de Don Eduardo Miura una mañana de Viernes Santo, al aparecer en la calle la Sentencia empezó a cantar Manuel con su voz densa y nasal una saeta, con tal enjundia que cuando acabó, la multitud congregada en la plaza de la Encarnación no sabiendo como expresar sus emociones y no pudiendo (estamos en Semana Santa) aplaudir ni vitorear, empezó a agitar pañuelos blancos en emotivo y silencioso homenaje al cantaor.

Un gitanillo que le acompañaba, le dijo a Manuel señalándole a Eduardo Miura:

“Fíjate, primo, con la “malage” que gasta criando toros y ahí lo tienes que lo has hecho llorar”

Ricardo Molina completa el cuadro y comentaba que a Manuel se le atribuye ser el causante de la costumbre sevillana y andaluza de mecer los pasos de la Semana Santa. Dicen que en una ocasión cuando el Torre cantaba una de sus estremecedoras saetas y el capataz dio orden de iniciar la marcha, los costaleros levantaron el paso, pero sin avanzar y lo siguieron moviendo a ritmo, en el mismo sitio, para poder escuchar bien la saeta del cantaor jerezano.

Según Juan Talega, su voz tenía un “sonío” que se metía en la cabeza y su eco te duraba tres días. Lo que es indudable es que, como mínimo, conseguía que quien le escuchaba acabara llorando a moco tendido.

Cómo puede una voz ante una multitud transmitir más que una orquesta?

Manolo Sanlúcar , que fue con el que primero grabó Manuel de los Santos Agujetas:

“Me preguntaba el misterio que tenía ese hombre.

Hace 35 años íbamos mi mujer, mi hijo de pañales y yo en el coche, camino de Madrid a Sanlúcar .

¿Saben qué le ponía al niño para que estuviese relajado?

Agujetas.

¿Cómo puede un niño de pañales quedarse hipnotizado escuchando eso?

¿Cómo es posible que este hombre desafine?

Me puse a analizar y descubrí que no desafina. Lo que hace es cantar en una métrica tonal que era la que existía antes de la escala atemperada. Este tío viene de recoger esto en su familia y en su mundo.

Eso es para volverse loco. Conlleva que desde nuestro oído atemperado de hoy, te parezca desafinación. Pero también conlleva que eso tiene un embrujo que no lo tiene la escala temperada”

El cante no cabe en un papel, Rancapino

el cante conserva una característica esencial, parte de sus melodías no caben en el pentagrama, la riqueza de la escala natural que utiliza sobrepasa los semitonos de la música escrita debido a que no está “temperada”,

¿Qué es la música templada, temperada?

La mayoría de los instrumentos musicales occidentales modernos están afinados en el sistema de temperamento igual. El temperado (o templado) es el proceso de alterar el tamaño de un intervalo haciéndolo más estrecho o más amplio.

La guitarra está temperada, templada, de hay la dificultad para acompañar el Cante, en particular a esos cantaores no ligados al temperamento mecánico.

Algo que lo vincula con eso que no es un tópico: los Sonidos Negros, algo similar conseguían con trompetas o saxofones los otros músicos de la diáspora africana, con el Son, Jazz o otros estilos donde buscaban esas notas fuera del papel.

Refiriéndose a esa Semana Santa del 87 mi conclusión no se acerca a esa que encuentra uno cuando busca algo sobre Las Saetas. Suelen atribuirle similitudes, por todas partes, a lo Islámico o Hebreo, para mí mucho de lo que vi me demostró lo inverso.

Tanguistas, Guiris, Valdepeñas, y Tira p'alante. Nou de Sant Francesc y Ginjol, otra ruta flamenca por Barcelona. La Buena Sombra, La Macarena, Los Cabales y Casa Matías.

Mon, 11 Mar 2024 12:17:23 GMT

Tanguistas, Guiris, Valdepeñas, y Tira p'alante

Nou de Sant Francesc y Ginjol, otra ruta flamenca por Barcelona.

La Buena Sombra, La Macarena, Los Cabales y Casa Matías.

El Convento de Sant Francesc y restos de las murallas desaparecieron en el siglo XIX y sobre él surgió un nuevo núcleo de ocio emergente en Barcelona.

Con las obras de reforma de la Rambla afloran los restos del antiguo convento de Sant Francesc, fundado a principios del siglo XIII por los franciscanos tras los pasos de Francisco de Asís, quien camino de Santiago de Compostela, se alojó en el hospital de Sant Nicolau de Bari, ubicado en los terrenos de la actual plaza del Duc de Medinaceli. Fue en este lugar donde la orden religiosa decidió construir su sede y así nació otro convento, antes de Santa María del Mar, la otra Catedral del Mar barcelonesa, acabó derruido a mitad del siglo XIX, nacía el flamenco convirtiéndose en una oferta turística desde el primer momento y lo “pecaminoso” iba a dominar la noche.

La zona se acabó convirtiendo en nuevos edificios de viviendas, reconvirtiendo la zona entre la plaza real, las ramblas y la plaza del Duque Medinacelli, en el laberinto del ocio, con epicentro en lo que es hoy la plaza Joaquim Xirau, en sacrificio de las calles Ginjol y Pasaje del Banys.

La degradación sufrida en la postguerra civil en lo que se conoció como Barrio Chino desplazó el ambiente, con él los locales flamencos más vinculados al turismo, al otro lado de la parte baja de la Rambla, a la zona de Escudellers, la plaza Real y los callejones de ese radio.

La ruta de muchos turistas, aficionados y famosos en la noche de Barcelona de la postguerra, en convivencia con todo el alterne permanente de vendedores ambulantes, donde encontraban el sitio idóneo donde colocar sus mercancías: caricaturistas, vendedores de tabaco, cerillas, flores, lotería o cualquier suvenir , con profesionales del burle: carteristas, camellos, tanguistas, adivinos, timadores, profesionales del juego o la prostitución, todos-todas, y alguno más, ofrecían servicio todas las noches acompañados, en gran parte de locales de artistas flamencos, fueron las noches de Ava Gardner, Robert Mitchum o John Wayne, por Barcelona.

La Buena Sombra

"Bebe Valdepeñas y tira p'alante".

La Buena Sombra, La Macarena, Los Cabales y Casa Matías.

CASA MATÍAS.

Taberna flamenca.

Carrer Nou de Sant Francesc 6 (1940-1946)

La calle Nou de Sant Francesc, se convirtió en una de las calles con más ambiente flamenco en esas dos décadas después de la guerra.

Matías el propietario del local, todo un personaje, vestido normalmente con chaqueta corta y sombrero cordobés. El local estaba decorado con fotografías de toreros y figuras flamencas, cabezas de toro y carteles de las corridas, acompañado de un rótulo con el eslogan:

"Bebe Valdepeñas y tira p'alante".

Matías sólo bajaba la persiana de su taberna durante las dos horas largas que duraban las corridas que se celebraban en Barcelona.

En 1946 Matías traspasó el local a un tal Calixto, que mantuvo la actividad flamenca, pasando a llamarse La Venta Eritaña. Hasta hace poco, aún, se podía ver la decoración de cerámica en la entrada al local, aunque lleva cerrado desde los años 90.

LA MACARENA.

Taberna flamenca.

Carrer Nou de Sant Francesc 5 (1941-2000)

Este es uno de los últimos que llegaron por los pelos a este siglo sin que nada cambiase hasta que en el año 2001 fue reformado para acoger las últimas tendencias en el campo de la música ¿avanzada?, tal como se define el local hoy en día y la mayoría de oferta tan original con que contamos hoy en día. Es el único local que mantiene el rotulo de la entrada flamenco y con el mismo nombre.

En el 1941 Domingo Escriba Rizo abrió su taberna flamenca en el número 5 del carrer Nou de Sant Francesc, uno de los callejones que embocan con Escudellers, a la altura del Restaurante Los Caracoles, con el nombre de La Macarena, frente con frente con Casa Matías.

Entre la oferta de tapas, se podían encontrar desde caracoles al pimiento, sardinas en escabeche, quesos manchegos o sus populares pajaritos fritos, acompañado de sus buenos vinos. Aunque lo que puso al local de moda fueron sus fiestas flamencas.

Entre la relación de artistas flamencos habituales estaban: Andrés Batista, La Chicarrona de Jerez, Manuel Morao, Antonio El Buchito, Antonia la Bizca, José Cortés, El Cojo Luque, Juan Habichuela, Fernando Terremoto, Juan El de la Vara, ...

"Al año de estar en Barcelona, donde me buscaba la vida con Rafael Farina y Antonio González 'El Pescadilla', el marido de Lola Flores, volví a Cádiz con dinero, un reloj, varios trajes y hasta una gabardina, aparte de varios pares de zapatos. Antes de irme a Barcelona los zapatos me los regalaba don Dionisio Akron, el dueño de las fotos que había en la calle Ancha, que gastaba un 42. Yo tengo un 37 y los tenía que rellenar, porque si no al andar me hacía la mosqueta al darme en la nariz con la puntera. Nos hicimos novios en 1946, cuando Conchita trabajaba en la sala "La Macarena", y el 5 de septiembre de 1951 nos casamos en la parroquia de la Merced” . Bendito de los Gitanillos de Cádiz.

Pepe Utrera se hizo cargo del local en 1979 manteniéndolo en marcha hasta el fin del siglo, fue el último reducto del flamenco barcelonés, ya dentro de este siglo ni Barcelona, ni su relación con él, fueron las mismas.

La Buena Sombra, tanguistas.

Con la llegada en 1956 de la Sexta flota norteamericana al puerto de Barcelona, el ambiente volvió a cambiar. La llegada de marineros americanos acentuó la popularidad de la zona, dirigiendo su oferta publicitaría a lengua inglesa, lo que ha perdurado hasta nuestros días, lo que no perduró en los locales flamencos fue el servicio de compañía de pago.

La zona empezó una decadencia total que siguió hasta la reordenación urbanística de la zona proyectada a en la mitad de la década de los en el marco de les olimpíadas de 1992. Con la reforma del entorno y la construcción de les dependencias de la Universitat Pompeu Fabra llegó la desaparición de ese ambiente vinculado al flamenco, también desapareció un estrecho callejón con dos locales flamencos, la calle Gínjol.

LOS CABALES.

Cabaret flamenco.

Gínjol 1. (1940's - 1980's)

En la entrada del carrer Gínjol, en el número 1 y pared con pared con el cabaret La Buena Sombra, se inaugura en la década de los 1940's otro local de flamenco conocido como Los Cabales. El local formaba parte de los que el cante, el toque y el baile alternaban con los servicios de compañía de todo género y condición, gozó del apogeo de los marineros americanos, continuando su andadura hasta la reordenación urbanística de la zona proyectada en la segunda mitad de la década de los 1980's.

Flamenco y señoritas para deleite del guiri

06 de mayo de 1954

Un tocayo, periodista, de nombre Cándido asiste a uno de esos tours organizados por la noche barcelonesa y cuenta sus impresiones en la revista Destino:

“ Entre las varias excursiones que Barcelona ofrece al turista figura un Tour nocturno recorriendo lo más conocido y transitado de la ciudad con tres visitas con espectáculo consumiciones comprendidas. Este trayecto a través de la denominada Barcelona de noche cuesta 140 pesetas por persona.

Nos conduce el guía al bar Los Cabales. Atmósfera espesa. Espacio vital reducidísimo. Sale a una persona por ladrillo o cosa parecida. Una cortina que se descorre un grupo de turistas que, procedentes de otro autocar se retiran con la manzanilla ritualmente instaurada en su estómago. Hacen sentarnos detrás de las mesas y nos sirven un chorrito de manzanilla. Y luego empieza el baile flamenco. Las bailaoras sudan, taconean gimen saltan, bailan en suma y tocan las castañuelas. El encargado, con cara de mayordomo de transatlántico, canta palmotea, sirve manzanilla, hace juerga, cobra y retira copas, los turistas se van animando. Algunas francesas quieren tomar lecciones de castañuelas y amablemente las bailaoras improvisan el cursillo. Una pausa nueva irrupción del cuadro de baile de la casa e invitación a salir a bailar flamenco a alguno de los componentes de mi grupo. El respetable y simpatiquísimo canadiense de cabello plateado y lentes a lo Truman no se hace rogar y salva la situación con desplantes muy graciosos del brazo de la bailadora que gira a su lado como un torbellino. Grandes aplausos al terminar. Luego viene el número en que todos los turistas deben intervenir dando desacompasadas palmadas. Consumida la manzanilla y el cupo de oles se ha terminado la sesión. El guía explica que la segunda visita tendrá lugar en el cabaret contiguo en el salón de variedades La Buena Sombra de la calle Ginjol.

En fila india irrumpimos en el salón. Olor a brillantina y polvos, luz discreta, parejas indiscretas baile en la pista y orquestina en el escenario. Aquí tenemos derecho a una copa de champaña.

-¿Ustedes son del grupo? - pregunta el camarero.

-Exactamente.

Las señoritas de la casa preguntan si queremos bailar y les contesta el fotógrafo que venimos a trabajar mejor que a divertirnos.

-¿Éste habla español? -pregunta luego una vampiresa a lo Conde del Asalto, señalándome a mí Y el fotógrafo suelta ese capotazo genial:

-¡Qué va! ¡Cualquiera sabe qué idioma habla el tío ese!...

- Después del baile, en La Buena Sombra empieza a funcionar el foco multicolor y van apareciendo las…

El personal femenino mariposea anheloso de consumiciones. Los dos turistas han accedido a la invitación de beber en compañía de dos señoritas más bien peso fuerte. El camarero se ha acercado servicial:

-¿Qué van a tomar?

-Whisky! -han respondido ellas- al limón

Cerca de tres billetes de cien pesetas se han evaporado en pocos tragos cambiados entre unas y otros.

El espectáculo prosigue, procurando que predomine el sello español. Canciones toreras + Andalucía+ castañuelas+ baile flamenco= sesión para turistas.

-¿Vienen muchos?

-Hay noches que han desfilado más de un centenar.

-¿Qué cobran ustedes por consumición mínima?

-Treinta y cinco pesetas.

-¿El día más animado es el sábado?

-Al revés. El sábado es un día muy poco turístico.

-¿Se paga para bailar?

-No, señor, se invita luego a la que ha accedido y asunto concluido

-¿Se trabaja?

-No podemos quejarnos

-¿Las señoritas de La Buena Sombra están preparadas para el turismo internacional?

-Las tenemos de todas las nacionalidades y algunas se defienden bien en francés

(Cándido. Destino 6-5-1954)

Los Cabales (revista Destino)

LA BUENA SOMBRA.

Cabaret flamenco

Gínjol 3. (1900's-1988)

Uno de los locales nocturnos más longevos de la ciudad fue: La Buena Sombra, en la calle Gínjol, 3 junto a la Plaza del Teatre. Fundado por el empresario Francisco Buxó y construido por el arquitecto Andreu Audet, especialista en locales de espectáculos. La historia del establecimiento se remonta a los 1880's como el Café Sevillano, cambió varias veces de nombre pero con la denominación de La Buena Sombra, 1910, fue cuando alcanzó su mayor prestigio. Por su escenario pasaron Raquel Meller o La Niña de los Peines. Con la Exposición Universal de 1929 el cabaret recobró más notoriedad gracias al empuje de un nuevo empresario: Pier Porta, 1924, teniendo en cuenta los gustos franceses que aquí se conoció como tanguistas.

En el local por 1935 actuaba una famosa tanguista, María Sacramento, saltó a la fama por su belleza y por matar a tiros a su macró o macarra, del francés maquereau. Se ocupó de su defensa un abogado de ERC, contó con el apoyo popular y de la prensa y, María resultó absuelta.

Las tanguistas o también llamadas, taxi-girls, bailaban por dinero en salas de fiesta, en lo que se llamó: bal musete. La sala vendía tickets cada uno daba derecho a bailar una pieza con la chica que escogiese. Al final de la jornada, los tickets recaudados por cada chica se le abonaban por la mitad de lo que le había costado el ticket al cliente. La otra mitad era para la sala de fiestas. Algunas veces, el baile era la antesala para otro tipo de actividades. Los problemas económicos que acompañaron a esta época provocaron que muchas mujeres adoptaran esta actividad para poder completar sus ingresos.

La innovación tuvo éxito, hasta el punto de que la mayoría de cabarets y salas de espectáculo dedicaron unas horas al bal musete y las tanguistas.

Machín en La Buena Sombra

Acabada la guerra y huyendo de los nazis llegó Machín a Barcelona, uno de sus primeros locales donde actuó fue en La Buena Sombra. Allí sembró la semilla del son por Barcelona, luego por toda España, uno de los Rumberos por excelencia aquí y en Cuba, un eslabón de la rumba catalana poco frecuentado hoy.

“Los primeros años no me fueron nada fáciles. Tuve que pelear mucho y recorrer casi todos los pueblos de España haciendo bolos hasta que logré situarme y darme a conocer. En los cafés-cantantes alternaba con cantaores y con violinistas que casi siempre interpretaban las Czardas de Vittorio Monti. Yo, a lo mío y sin dejar de la mano mis queridas maracas”.

A partir de finales de los años 50's el local fue frecuentado por la Sexta flota, llegaban tiempos americanos y todo empezó a decaer, todo. Atrás quedaba ese esplendor de La Buena Sombra de antes de la Guerra, en los últimos años inicio un proceso de decadencia creciente. Centro de encuentro de travestis y, a finales de los ochenta se instaló un peep-show con espectáculos de sexo en vivo desde las cinco de la tarde a las cinco de la madrugada. El año 1988 vio su definitiva defunción y desaparición, la finca fue expropiada en 1991 para construir el aparcamiento subterráneo de la plaça Joaquim Xirau i Palau.

Moría una Barcelona vinculada al ocio con el flamenco, que ya fue un atractivo para guiris.

Como en pocos lugares. La Niña de los Peines, entrevista en las Ramblas. Noticias del Flamenco en Barcelona, Francisco Hidalgo

Fri, 08 Mar 2024 13:26:02 GMT

Como en pocos lugares

La Niña de los Peines, entrevista en las Ramblas.

Noticias del Flamenco en Barcelona,Francisco Hidalgo

Francisco Hidalgo Gómez, natural de Posadas (Córdoba), en 1974 se trasladó a Cataluña, donde sigue residiendo en Cornellá, donde, además de su labor docente, desarrolla una intensa actividad cultural, social y política.

El flamenco, desde una perspectiva barcelonesa, y Carmen Amaya, han sido algunas de sus premisas, en sus libros vuelven a abrir sus puertas los legendarios Cafés Cantantes, volvemos a sentir el latir de las más míticas figuras y participamos de ese arte que alcanzó cuotas insuperables en las calles y locales de Barcelona. Recupera una parte de la memoria perdida, otra dimensión de la historia barcelonesa.

En “Como en pocos lugares. Noticias del Flamenco en Barcelona”, Francisco Hidalgo revive la época más fructífera de este arte y sus artistas, podéis encontrar sus obras publicadas en Ediciones Carena.

De su mano nos trasladamos a la parte baja de la ciudad de principios del siglo XX.

LA NIÑA DE LOS PEINES en las Ramblas.

Pocas figuras más emblemáticas que Pastora Pavón existen en la historia del flamenco, que simbolicen mejor y representen más ampliamente la aportación femenina al cante. Y siendo así, es normal que su presencia en los locales y escenarios catalanes fuese frecuente, y muy temprana. Cabañas Guevara la recuerda actuando en los años diez del siglo XX en el Salón Arnau y afirma que transfiguraba la petenera.

Durante la etapa de la Opera Flamenca fue una figura fundamental, primerísima, participando en un gran número de sus espectáculos y actuando por toda España. Es, pues, una época álgida en su carrera artística y así lo reconocen los más diversos medios de comunicación. “Hasta a los más alejados de las aficiones folklóricas debe haber llegado alguna vez el nombre famoso de esta mujer, verdadera institución del cante jondo”, afirma Ernest Guasp en Mirador, que quiere entrevistarla “en busca de su autorizada opinión y de cualquier cosa más interesante sobre su pintoresca persona”.

Tras algunas dificultades, la encuentra en la terraza de un café de las Ramblas, donde suelen reunirse todos los cantaores, toreros, guitarristas y las gentes que pululan alrededor de ellos. A pesar de ser un sitio público, la Niña de los Peines tenía visitas. Está rodeada de gitanos que se inmiscuyen en la entrevista contestando las preguntas del periodista antes que ella. Uno le dice decididamente:

“Usté, lo que tiene que poné en los diarios es que la Niña de los Peines es mundia”l.

Finalmente Guasp logra su objetivo y consigue la siguiente entrevista:

-Yo me llamo de verdad -nos dice la Niña- Pastora Pavón Cruz nací en Sevilla, hace cuarenta y tres años, en la calle del Valle, 19 y soy gitana como toda mi familia.

-Debuté, por casualidad, o mejor dicho por delegación, en una caseta la Feria de Sevilla, donde cantaba mi hermano Arturo, aquí presente ("Muy señor mío”, encajo), substituyéndolo un día que había bebido. Esta contingencia solía ser tan frecuente, que decidí comenzar a hacerme celebre. Entonces tenía ocho años, que ya hace treinta y cinco.

-¿Por qué me llaman Niña de los Peines? Pues por casualidad, a pesar mío, porque cantaba un estilo del cual hice creación personal. Era una especie de "tanguito", el Tanguito de los peines", una interpretación de una canción que de pequeña había sentido a un ciego de Pilas (Sevilla). No es un estilo de mucha pureza flamenca, y lo dejé correr pronto. Por eso, por este origen no me gusta mi nombre de guerra, me gusta más mi nombre primitivo, el que la gente me borró para decirme ya siempre la Niña de los Peines.

- Cuando comencé a ser célebre, me decían la hermana de Arturo (aquí se mira orgullosa a su hermano, segura de haberle dado una satisfacción).

- Mi debut formal como cantaora, y ya como Niña de los Peines fue allá por el año primero de este siglo, en Madrid, en el Café del Brillante, alternando con todo lo bueno y mejor del cante con fundamento (es como ella llama al cante bueno de verdad y de buen estilo). Entonces, en este café cantábamos Arturo Pavón (su hermano), Ángel de Baeza, Manuel Torres, una de las más inolvidables estrellas de la flamenqueria, Chacón (Don Antonio), un cantaor ante cuyo recuerdo hay que descubrirse. En aquel tiempo, yo ganaba cuatro duros. Don Antonio Chacón ganaba seis, y era el que ganaba más. Dos años después, fui contratada para ir a Jerez, ganando ocho duros diarios; superaba a Chacón, con gran enfado de los consagrados. En Jerez me quedé mucho tiempo en la Primera de Jerez, la taberna más famosa y reconsagrada del mundo, entonces la verdadera Meca del cante con fundamento, soleares, seguiriyas, gitanos, bulerías, todo aquello que de aquí a veinte años, si Dios no pone remedio, no habrá quien pueda sentirlo porque no quedará quien pueda cantarlo. Chacón hizo mucho por la conservación del cante puro, y en su lucha contra el mal gusto del gran público, sufrió mucho; los últimos años de su vida fue abundantemente silbado por no rebajarse a adaptar su repertorio, que era un tesoro de tradición, a los imperativos de la moda. Yo iba capeando el temporal y con un poco más de transigencia, sin olvidar lo que es el cante viejo y cultivándolo por poco que el ambiente lo permita.

-El año 13, antes de la guerra, fui contratada con el guitarrista Molina para grabar discos en París y en Berlín. Soy la primera que ha cantado flamenco para el gramófono. Cuando fui a las primeras pruebas, los ingenieros alemanes lloraban sintiéndome cantar soleares, tanto sentimiento ponía.

-He ganado muchos dineros, y guardo algunos para que me permitan tener una vejez tranquila. De cuatro duros que ganaba cuando comencé, he llegado a ganar cien, que es lo que ahora cobro por cada concierto.

-No os puedo decir quien me gusta más ni quien menos, pues nuestra gente es muy susceptible, y no podría hacer tantos elogios como haría falta para que tuviéramos la fiesta en paz. Os podría decir quién es hoy, para mi gusto, el más grande de los canta pero no estaría bien que lo dijese yo misma.

- No os penséis que hablo de mí. ¡Por favor...! Ni de mi hermano Arturo. Se trata de otro hermano más pequeño que yo y de la orientación del cual me enorgullezco, Tomás Pavón.

La Niña de los Peines no quiere ser más explícita, pero hemos podido saber que en este hermano suyo ve su heredero, el hombre en el que ella hará continuar la tradición de su nombre glorioso y toda la pureza del "cante con fundamento"

Para acabar, le preguntamos cómo nace, cómo se forma, como aprende y se perfecciona un cantaor, cómo se hizo ella misma...

Pero un gitanillo de aquellos que rodean siempre a la Niña, quiso sacarnos de dudas:

-¿Zabusté cómo fue que se dedicara la Niña al cante? Pue yo ze lo explicaré a uzté en dos palabras. La Niña, zabuste, fue a Madrid con zu mare, pa ve a zu tía Tomasa, pero en cuando llegaron la tía Tomasa s'habia muerto y entonces, pos claro, no tuvo más remedio que dedicarse al cante.

A la terraza donde se desarrolla la entrevista van llegando los que salían de los toros, de ver a Gallo y Belmonte. Todo aquello tomaba un aire nostálgico. La Porta de la Pau se coronaba ya de crepúsculo. El periodista enfila Rambla arriba recordando la copla por soleares que la Niña de los Peines famosa:

Deja que la gente hable,

que más hablaron de Dios

y era de mejor linaje...

Cuatro actuaciones hizo en esta ocasión Pastora. Con ella formaban parte del espectáculo lo bueno y mejor de los cultivadores de este género dificilísimo: Cepero, Niño de Marchena, Pena (hijo), Canalejas, Pepe Pinto y los guitarristas Montoya y Niño Ricardo. Por encima de todos ellos, y de casi todos los que se dedican, destaca el prestigio de la Niña de los Peines, que es hoy, además del valor más positivo de toda la gama contemporánea, la representación más genuina de lo que el cante jondo tiene de tradición y de historia, por bien que sea esta una historia casi inédita. La Niña de los Peines es la depositaria de las verdaderas esencias tradicionales del cante jondo puro, de la autenticidad de los bellos estilos, a través de todas las corrupciones causadas por la comercialización del género.

En la siguiente fotografía:

Niña de los Peines, sentada en las Ramblas, detrás suyo Sabicas, con Pepe el de la Flamenca, Pepe Pinto, El Carbonerillo y Manuel Pavón.

DUQUENDE "Mi forma de vivir" ALMA100

Wed, 06 Mar 2024 22:28:33 GMT

DUQUENDE

"Mi forma de vivir"

ALMA100

Alma100 fue una revista musical, de distribución gratuita, con artículos rigurosos que plasmó durante unos diez años lo acontecido en el mundo del flamenco, a través de entrevistas, reportajes, reseñas de: espectáculos, discos o libros… Sus directores fueron: Javier Primo y Keiko Higashi.

Con motivo de la publicación del disco del cantaor catalán: DUQUENDE "Mi forma de vivir" (K Industria Cultural 2006), Alma100 incluyó una entrevista donde habla de su nuevo trabajo, en un momento de apogeo tras sus giras con el grupo de Paco de Lucia.

Desde Can Puiggener (Sabadell)

Once cantes, grabados a su gusto, en Barcelona y rodeado de un personal mayoritariamente local, la guitarra de Chicuelo, el bajo de Benavent, la trompeta de Raynald Colom, la percusión de Roger Blavia y Piraña, y Niño Josele, también procedente de las filas de Paco, que colabora en una de las tres bulerías del disco.

“Han pasado más de cinco años desde que Juan Cortés 'DUQUENDE editara Samaruco, de la mano de Isidro Muñoz, pero el cantaor catalán no ha estado ocioso. Ha recorrido mundo en el equipo cantaor de Paco de Lucia, junto a Montse Cortés y la Tana, además de desarrollar proyectos junto a músicos paquistanies en el espectáculo "Qawaali Jondo: Ahora inicia nueva etapa con su más reciente álbum, "MI FORMA DE VIVIR, de la mano del guitarrista Chicuelo. "Dicen que es el mejor disco que he hecho", señala entre risas, en una de las dos conversaciones telefónicas que mantenemos con él. Un Duquende nuevo, comunicativo y expresivo, que nos habla de su relación con sus grandes referentes flamencos: Camarón y Paco de Lucia, su nuevo álbum, orígenes y estilo de vida. Paseando por su barrio de Sabadell le encontramos, aireando los pulmones del cante.

"Me pillas paseando por un campo que hay al lado de casa, ¡que estoy más bien!".

ENTREVISTA Y TEXTO por JAVIER PRIMO

“porque si no me siento bien pues no canto bien. Y si estoy a gusto, pues estoy mejor para cantar".

-¿Por dónde vives Juan?

"Vivo en un pueblecillo de Sabadell, una barriada de casicas donde la gente se conoce de toda la vida y nadie te marea por la calle. Eres una persona más y eso está muy bien. (Rie) Es un sitio muy tranquilo con campo y río al lado".

-¿Cómo es un día normal de esos que no hay trabajo?

"Pues me levanto por la mañanita, me voy a dar una vuelta y a tomarme un cafetillo. Tengo un pequeño estudio en casa y me entretengo haciéndome cosas, me toco la guitarra, meto un par de voces, por bulerías, tangos o seguiriya y me escucho en casa. SI".

- Es importante no salir de tu círculo íntimo y familiar.

"Es muy importante, sí, porque si no me siento bien pues no canto bien. Y si estoy a gusto, pues estoy mejor para cantar".

- Acabas de editar 'Mi Forma de Vivir' después de cinco años sin grabar. ¿Cómo te has planteado el álbum?

"Me he encerrado en Barcelona con Chicuelo y nos lo hemos hecho entre los dos. Ahora tengo mucha más experiencia a la hora de ponerme a grabar y cantar. Creo que estoy mejor. Estoy más hecho y no ha habido nadie que me dijera, esto por aquí, esto por allá. He hecho lo que me ha parecido bonito".

-¿Te has encontrado antes con el problema de que te digan...?

"No creo que sea un problema. Es como una enseñanza que he tenido con toda la gente que me ha 'toreado, en estudios y cantando para arriba y pa' abajo. Esta ha sido una experiencia nueva, de hacer ya las cosas mías con Chicuelo, de decir esto me gusta y esto se queda. Y me gusta mucho el disco".

- El disco se retrasó para que Paco de Lucía metiera su guitarra.

"Si, al final no pudo hacerlo porque tuvo algún problema y tuvo que salir de España. Y bueno, se quedó así la cosa. Chicuelo es el director musical aunque yo he seleccionado los palos y las ideas son mías, pero se puede decir que es un disco de los dos. Él toca la guitarra en todo el disco menos en una buleria en la que tuve e gusto que me tocara Niño Josele, la bulería del limón, porque la letra es de Javier Limón y quise hacerle ese homenaje". (Rie)

-¿Qué cambios observas con respecto a 'Samaruco'?

"Yo creo que 'Samaruco fue el disco que me dio el nombre de Duquende. No es que esté ni mejor ni peor pero en su momento era distinto. Gracias a ese disco puedo decir, ahora estoy aquí puedo hacer lo que quiera".

-Ya tenías un nombre antes.

“SI, pero siempre con la sombra de Camarón, de camaroncillo. Y gracias a ese disco, la gente ya me dice Duquende, hasta mis amigos. Noté al cambio".

-Era un disco más sofisticado y atrevido.

"Si, eran ideas de Isidro Muñoz. Es un disco muy difícil, pensado desde la cabeza de un guitarrista. Imagínate la de tonos, una locura, una locura muy bonita. Isidro me enseñó a hacer solfeo con la voz, me tiré con él, yendo a su casa, unos siete años y aprendí mucho".

-¿Qué cuentas en el nuevo disco?

"Es un disco para escuchar en el coche. Un disco flamenco, pero moderno, que te recuerda a lo antiguo pero que está actual ahora. Yo creo que es de mi época, de lo que yo he vivido en el flamenco, eso no se me puede quitar, ese corretaje que he tenido de escuchar a gente e irme a la época de atrás. Eso es lo que a mí me vale".

-¿Cuáles son para ti las características de ese sonido moderno?

"Bueno, quiero decir los giros míos, de voces y cosas que hago. Son cosas como nuevas, un flamenco moderno hecho en la imaginación mía. El disco tiene el lado más moderno, divertido, sin dejar nunca la tradición de la solea y esos cantes. Lo hago para la gente aficionada y a que no, que se acerque al flamenco pero que no les sea tan duro tampoco. Aunque luego te sorprendes, te llega por ejemplo una persona Sudamericana, que no sabe de flamenco, y te dice, me gusta la soleá. Y te quedas un poco pillado. Coño, ¡si por ti hice la rumba!" (Rie)

-Juan, ¿quién sabe de flamenco?

"Yo creo que nadie. Yo creo que saber de flamenco es que sientas Una voz y se te pongan los vellos de gallina".

-Abres el álbum por tangos, 'Tu Camisita de Flores'.

"Ese tema me pilló en un momento muy contento que venía de la gira de Paco. Este disco tiene mucha inspiración también por eso Seis meses con él y después, me notaba con muy buena energía".

-'Andar y andar se llama la primera buleria.

"Es de Chicuelo y fue lo primero que grabamos. Al principio no me gustaba mucho pero ahora me alegro de que no la quitáramos".

-En los tanguillos, 'Suena', tu eco inicial me recuerda el 'Campanas del Alba' de Camarón.(Ríe)

"Si, algo tiene por ahí. Son cosas de Chicuelo y la fantasía mía, no sé, son cosas que a lo mejor tengo en mi registro".

-'Al Son del Viento por alegrías.

"Al principio era como un homenaje a Farruco pero no se le mentó por respeto a su familia".

-Por jaleos, te vas a Extremadura, 'De Contrabando'.

"Si, nos vamos allí, son cosas tradicionales pero desde mi fantasía, siempre veo las cosas de otra manera, que se me abren los caminos. Yo he escuchado por ahí a muchos, a Guadiana, a aficionados que conozco en bodas que los cantan muy bonitos. Yo aprendo hasta del vecino que a veces me hace cosas por soleá, que aunque haga un fallo a mi me viene la inspiración y sale otra cosa".

- La soleá, que da título al disco, te ha salido grande.

"Si, es un palo muy bonito. Es una soleå soleá, la de Alcalá, y está inspirada en el Chiqui de la Línea, una persona que entiende mucho de cante y que sabe cómo cantar a los antiguos. Tiene mucha pureza y conocimiento. Lo he hecho a mi manera, basándome en sus cosas, y me gusta porque suena a lo de atrás, a la Bernarda, a la Fernanda, a Chocolate...".

-Otra buleria: 'Sombras'

"Esa tuvo su jaleo. (Rie) Es de un chico de Barcelona y los niños que hacen los coros, el Coco y el Juaneke, me decían que a mí me iría muy bien. Tiene unos cambios de tono que se le va a cualquiera la cabecita. (Rie) Es muy difícil de cantar".

- Incluye cosas que hemos escuchado en muchas voces, como eso de '... sombra que ilumina tu querer...'

"Si, también estaba un poquito harto de hacer cosas que no entiende la gente, cosas raras. Estas son tradicionales, flamencas y suenan gitano. Me encantan".

- 'El calor de la fragua' es el martinete.

"Lo hicimos en Madrid y el Piraña me hizo una base con cajón, con una especie de bombo que tiene de madera. Es un bicharraco. Yo canté por encima y fue comodísimo cantar por martinetes con ese ritmo de la selva. El Piraña tiene las manos de oro".

- Por fandangos cierras el disco.

“Para mí ha sido lo más difícil del disco. Hay 40.000 estilos de fan- dangos y ha sido una comedura de coco. Al final preferí irme con Chiqui e inspirarme en él. El fandango se pega al riñón cuando está bien cantado. Cuando ya has cantado por fiestas, bulerías o tangos, y se relaja la cosa, se echa a cantar uno por fandangos y entonces saboreas de verdad el flamenco".

- ¿Te gusta cantarlos de fiesta con los amigos?

"Yo nunca canto en fiestas. Prefiero escuchar a los demás. A veces me obligan y por no hacer un feo hago una o dos letrillas, y dejo que continúe la fiesta con ellos. No me siento a gusto cantado en una fiesta o reunión, le tengo demasiado respeto al flamenco. Cuando no me da ninguna vergüenza es en mi casa, encerrado en mi cuarto. Me pongo a tocar la guitarra y a escucharme. Y estoy a gusto porque estoy libre y nadie me dice si está bien o mal".

-Me ha llamado la atención el diseño de la portada, parece que estás bebiendo de un caño de agua.

"Sí, es al lado de mi casa que hay un río. Ahora mismo estoy por aquí paseando. Por las mañanas me levanto y doy una vueltecita a ver los patos. Bebo agua ahí. Y estaba allí y el hombre decía, qué bonita la foto, y me hice la foto allí y fíjate, es la foto del disco".

- ¿Querías expresar algo con la foto?

"Sí, bueno, yo creo que hay que beber del flamenco. Yo bebo del flamenco. La fuente quiere decir muchas cosas. Pero tampoco te creas, que todo fue inspiración, había un hombre con una cámara que me seguía para un reportaje que me estaban haciendo y me puse a beber agua porque tenía mucha sed. (Ríe) Es la verdad. Y el hombre vio la foto para el disco ahí".

- O sea, que te seguía para hacerte un reportaje, no es que te sigan habitualmente fotógrafos en plan 'Aquí hay Tomate'.

"No, no (Ríe), no me gustaría salir en esos sitios. Yo creo que los flamencos estamos más ocultos, escondidos, más por ahí en la sombra, mejor, mejor" (Ríe).

- Un poco de historia, Juan. ¿Recuerdas cómo empezaste a cantar?

"No lo entendí nunca. Estaba comiendo, jugando con los niños y me echaba a cantar sin darme cuenta. Eso lo tenía conmigo, creo que te viene en los genes. Yo creo que me vienen los genes de mi abuelo. Él también era flamenco, tocaba la guitarra y cantaba. Y mi madre. Pero aparte también, de encerrarme en un cuarto solo y decir, esto me gusta y sin tener conocimiento. Y con cuatro años me encerraba con Camarón (ríe), cuando venía en los carteles del montón, que no era una figura. Y yo tenía cuatro años y ya sabía que era el mejor. (Ríe) Y lo pienso ahora de grande. ¿Cómo me di cuenta en esa época?".

- Dices que es un poco genético pero también te encerrabas en tu cuarto. Hay un proceso de aprendizaje personal.

"Claro, yo creo que el cantaor tiene que tener mucha afición, es la que hace mover montañas. Escuchar a la gente antigua y saber lo que es bueno. Y también tener un oído especial para saber cuando un viejo se está quejando para cogerlo y hacerlo a tu manera. La gente escucha el flamenco antiguo y no le gusta, no lo entiende, ese gusto que tienen del flamenco. Es difícil, como el arte, que es invisible. Es como el toro. Considero que el cante se parece mucho al arte del toro porque cuando salen se 'coyan' y los cantaores también se tienen que 'coyar".

- ¿Qué quieres decir? No había escuchado esa palabra.

"Eso. Como 'coyarse' a una cosa, a un público, a un respeto. Son cosas que pienso, que tengo dentro y las tengo que decir. Tiene de mucho que ver con el toro. Se van pegando pases y a lo mejor rematando las cosas. (Ríe) A veces mejor y otras, peor". (Ríe).

-¿Qué significa para ti Camarón?

"Camarón es el mundo del flamenco. Entero. Para mí y para todo el mundo, yo creo. Es la perfección del flamenco. Cogió el cante de los antiguos, tenía ordo para saber lo que era bueno, se comía a lo flamencos como un pollo, no dejaba más que los huesos (Ríe)".

-¿Recuerdas alguna anécdota con él? "

“Si. Yo ya tenía como veinte años y habla hecho un disquillo. Fue a última vez que la vi en Barcelona, me miro y se reía. Decía, tu eres el camaroncillo (Ríe) Hostias, que me conocía como el camaroncillo cuando le canté con nueve años y entonces ya tenía veinte y me dio un beso. Imagínate.

-Tu primer disco, el Fuego, primo fuego, es de 1988. Es decir, a pesar de tu juventud son ya....

“Creo que si. Era una criatura y cantaba como un salvaje jungla, que no conoce a nadie y pega bocados por todos los lados. (Ríe)

-Son casi veinte años en la carretera. Te habrán sucedido cosas curiosas sobre el escenario. ¿Recuerdes alguna?

"Si, un día en Europa con Paco de Lucia. Faltaban cinco minutos para salir a cantar, levábamos casi dos horas de espectáculo y empecé a bromear con Joaquín Grilo y Carlos Benavent. Me gire patras, me di un golpe en la ceja y me la abrí entera. Cinco minutos antes de salir a cantar. Habla allí como unos médicos, me pusieron así unas tiritas y me salí a cantar. Pero cuando empecé a cantar por seguiriyas al nueve por el medio me empezó a subir la sangre a la cabeza y aquello era un grifo. Parecía que lo estuviéramos haciendo como un efecto. Como un Cristo chorreando de sangre y la gente mirando, Paco diciéndome que me metiera para adentro y yo dejaba que no dejaba de cantar y aquello no paraba de chorrear sangre. Porque me daba igual la vida, me daba igual todo... (Rie) Eso no lo podré olvidar en mi vida, que hasta cuando llegué al hotel, lloré y todo. (Rie) Que digo, tantos años y en un momento se puede matar una persona y no te das ni cuenta. (Rie)

-Has nombrado a Paco. ¿Qué significa para ti?

"Para mi es otro Dios. Es un científico del flamenco. (Ríe) Mira el flamenco con lupa, sabe y el gusto lo tiene todo abierto. Bueno, el oído, el corazón, todo, abierto al flamenco".

-¿Llevas ya muchos años con él?

"Pues llevo siete u ocho años si, tienes razón, recorriendo mundo".

-¿Qué diferencias encuentras de cantar solo a estar apoyando a una guitarra como en el caso de Paco?

"Es diferente. Con Paco, la música e grande y nosotros somos como pilotos que llevan una nave de música, de flamenco, pero a un nivel, imagínate, yo creo que pase tres dimensiones por encima de la gente. Y cuando te toca cantar en esa nave las cosas salen fantásticas porque la fantasía ya la tienes en la cabeza. Con otra gente también te pasa, o lo intentas, pero es distinto, porque ya nada más salir al escenario te tienes que 'coyar', como digo yo (Ríe) Estoy un poquillo loco, te estoy hablando de cosas... pero yo creo que me entiendes".

- En ese caso, con más gente, ya no eres el protagonista...

"Yo con Paco voy detrás a donde quiera".

- Te sientes protagonista igual.

"Claro. Siempre que canto, es mi manera de ser, lo doy todo Centrarme, coyarme, e intentar hacerlo lo mejor". (Ríe).

-Tu medio de expresión es el cante.

"Claro. De expresarme hablando, hasta hace poco no me salían las palabras. Soy una persona tímida. Y menos hablar de mí mismo, prefiero que lo diga la gente. Cuando canto, soy yo y siempre intento relajarme para darle a la gente lo que quiere".

-Te veo ahora más suelto que cuando te entrevisté la última vez.

"Bueno, ya empiezo a soltar mis locuras, lo que tengo en mi cabeza, mi manera de pensar y mi manera de verlo".

- Juan, no parece que salgan nuevos cantaores. ¿Cómo lo ves?

"Te digo una cosa. El flamenco está en peligro de extinción. (Ríe) Las épocas ya no se viven y esto va por vivencias. Se está cantando y mirando las cosas de otra manera. La gente está cantando demasiado moderno y no se acuerda de la verdad, de lo que hay detrás, lo puro. Es un peligro que no salgan chicos que les guste el flamenco antiguo y cojan cosas de esa gente para hacerlo a su manera. Así se hace un cantaor Y que suene a flamenco de verdad, a lo antiguo, a lo de atrás. Eso es lo que intento cuando escucho a alguien, a algún joven, digo, hostia, a ver si este niño es aficionado. Y te hacen cosas muy bonitas pero son cosas muy modernas que no recuerdan lo que son los caminos".

-Me dices que el flamenco está cambiando...

“Claro, ya no estamos en la época de antes, de tablaos y teatros a s que podían ir treinta artistas, que podía haber flamenco por un tubo y escucharse flamenco antiguo. Ya no existe, por desgracia".

-Ahora parece que cada uno va por libre, no coinciden en carteles, no se escuchan, no se aprende de esa manera...

"Si, uno hace un recital en una punta y otro en otra" (Ríe)

- Al ir por libre parecería que cada uno desarrollaría su personalidad pero, al contrario, parece que todos los discos suenan igual. ¿Tienes tú esa impresión?

"SI, también. Yo creo que mi último disco, por ejemplo, suena distinto porque lo hemos hecho nosotros, en Barcelona, sin copiarnos de ningún cantaor ni nadie. Yo creo que eso es bonito".

- Has hecho recientemente un espectáculo de 'Qawaali Jondo" con el paquistani Faiz Ali Faiz.

"Si, me gustaba mucho porque este hombre me inspiraba en gargantear parecido al indio. El cantaba y yo metía mis cosas: mis tangos, tientos y bulerias".

- ¿Te expresas de otra manera cuando te apartas del flamenco?

"No, no, a lo mejor le doy otro gustillo pero el rollo es el mismo, es mi manera de cantar. Lo que pasa es que a lo mejor me viene un saborcillo de inspiración de lo que están haciendo y por un segundo, a lo mejor, pues lo intento imitar. (Rie) Y luego a seguir con lo mío. Pero me gusta mucho porque me inspira y me da un buen rollo en la cabeza. Pero yo soy un loco del flamenco, no puedo quitármelo ni un segundo de la cabeza".

- Creo que tienes previsto editar pronto un disco en directo...

"Si, un disco en directo en Paris, un disco que me gusta y que me parece bonito. Lo grabamos meses atrás sólo con mi cante, la guitarra de Chicuelo y la percusión de Isaac Vigueras. Es un recital mío de todo lo que me vino a la cabeza. Me gusta mucho".

Jerez y/o Salamanca Rafael Farina y La Paquera 7 noches en el Teatro Calderón, Rambla Cataluña (Bcn): 1965

Fri, 01 Mar 2024 10:45:19 GMT

Jerez y/o Salamanca

Rafael Farina y La Paquera

7 noches en el Teatro Calderón

Rambla Cataluña (Bcn): 1965

El Teatro Calderón, estuvo situado en la esquina de diputación con rambla Cataluña, allí presentaron el espectáculo: “Bronce y solera”, como cabezas de cartel: La Paquera y Rafael Farina, entre otros destacados artistas. El teatro con un aforo de 1500 personas contaba, con otros espacios, como el Cine Cristina y una sala de fiestas que en su última etapa fue el Teatro Candilejas.

El teatro cerró sus puertas en 1967, dos años después de .las 7 noches del espectáculo “Bronce y solera”. Corrían tiempos de cambios y una tremenda influencia llegaba particularmente desde Hollywood, que hizo de la blanco, negro.

Otro concepto del espectáculo se nos venía a imponer, a pesar de ser el génesis creativo de su imperio de tendencias del espectáculo.

El elenco artístico contaba con las atracciones: Merci Peña, Fernando Esteso, Elena y Antonio, Presentación Palacios, Los Monosabios, Jesús Perosanz, el ballet Los Tarantos con su cuerpo de baile, Luis Flores, Margari Méndez, Moraito de Jerez, Vargas Araceli y la colaboración de Esmeralda Mistral. La coreografía de Luisa Pericet y la orquesta dirigida por el maestro César Antolín. Entre estos encontramos: cómicos, chirigotas, cantantes de otros estilos en boga en ese momento, orquesta… y flamenco, los espectáculos con los que triunfo por toda América Carmen Amaya, se acompañaba de Jotas o Muñeiras.

Farina Salamanca y La Paquera de Jerez, la Vía de la Plata.

Sin duda, en el Flamenco el Guadalquivir tuvo su qué, pero el Tajo y el Duero también tuvieron lo suyo, sin el componente Atlántico no chuta. La conexión entre el noroeste y el suroeste se la conoce como la Vía de la Plata, lo que nos hace entender que dos grandes cantaores puedan ser uno de Jerez y otro de Salamanca. Otra vía que tal como se explica hoy se queda coja, sin la aportación de las culturas del norte no se forja la Andalucía, ni el Flamenco, que hoy conocemos.

Artículos de La Vanguardia sobre el espectáculo, algo hoy incomprensible.

“Hoy, presentación de Rafael Farina y La Paquera de Jerez con "Bronce y solera".

Para una actuación de siete únicos días, hoy miércoles, noche, se presentan en el Calderón las famosas figuras del arte popular y flamenco Rafael Farina y La Paquera de Jerez, con su espectáculo «Bronce y solera», donde ambos ofrecen lo mejor de su arte tan aplaudido por todos los públicos. Figuran en el elenco las atracciones Merci Peña. Fernando Esteso, Elena y Antonio, Presentación Palacios, Los Monosabios, Jesús Perosanz, el ballet Los Tarantos con su cuerpo de baile. Luis Flores. Margari Méndez, los guitarristas Moraito de Jerez y Vargas Araceli y la colaboración extraordinaria de Esmeralda Mistral. La coreografía es de Luisa Pericet y la orquesta será dirigida por el maestro César Antolín. Por compromisos anteriores, no se podrá prorrogar la breve actuación de esta gran pareja del arte flamenco español”.

La Vanguardia, 27 de enero de 1965

“Presentación del espectáculo andaluz «BRONCE Y SOLERA»

En el Calderón se estrenó un variado, y vistoso espectáculo de arte folklórico andaluz que resultó muy del agrado de los numerosos aficionados al género y al público en general, con el sugestivo título de «Bronce y solera” Lo presentaron las primerísimas figuras del cante flamenco Rafael Farina y Paquera de Jerez, a los que acompaña la artista internacional Esmeralda Mistral y otros excelentes cantantes, bailaores, humoristas y guitarristas.

Rafael Farina renovó sus anteriores éxitos en nuestra ciudad, interpretando con voz potente e innatas facultades una extensa gama de fandangos, soleares, seguidillas y otras variantes del cante andaluz. Escuchó calurosas ovaciones, que alcanzaron el máximo entusiasmo en los números titulados Evocación a Carmen Amaya, Campanas de Linares y Recuerdo a Juan Belmontes. En medio de sostenidos aplausos, Rafael Farina tuvo la gentileza de dedicar un «fandangos a la Prensa barcelonesa.

Paquera de Jerez, flamenca de casta, con voz plena de brío y muy potente, consiguió entusiasmar a los amantes del género, interpretando con garbo y estilo popular los cantes andaluces, de los que sobresalieron bulerías, malagueñas, alegrías y otras coplas flamencas. Las muestras de entusiasmo llegaron a su apogeo en la Zambra gitanas, que canto acompañada por el cuerpo de baile y guitarristas.

Artista de clase internacional es la española Esmeralda Mistral, que interpretó, con gracia, brío y señorío, varias canciones, de las que citaremos Granada, de Agustín Lara, a la que dio un sello original y bello. Figuran en el extenso programa varios excelentes artistas, como el recio cantor Jesús Perozanz; el humorista y bailarín Fernando Esteso, que fue muy aplaudido en Pirata de nueva olas; la canzonetista Merci Peña, la pareja flamenca Antonio y Elena, los primeros bailaores Luis Flores y Margari Méndez, el ballet Los Tarantos y el trio Los Monosabios.

El cuadro final de Bronce y solera reunió a todos los que intervinieron en el espectáculo en un alarde flamenco, renovándose los plácemes de la concurrencia”. M. PLANAS.

La Vanguardia, 29 de enero de 1965

Flamenco en San Gervasio 1958: La Paquera, El Terremoto, Morao y la Chunga para el Ministro de Comercio Británico de mano de la burguesía barcelonesa.

Tue, 27 Feb 2024 22:57:26 GMT

Flamenco en San Gervasio 1958:

La Paquera, El Terremoto, Morao y la Chunga para el Ministro de Comercio Británico de mano de la burguesía barcelonesa.

Sant Gervasi de Cassoles, se anexionó a la Barcelona en 1897. Próximo a Collserola y con especiales condiciones naturales, con un terreno cuajado de fuentes y zonas verdes, convirtieron estas zonas rurales en un espacio residencial de las clases acomodadas.

En una de esas humildes moradas en junio de 1958 y publicado en La Vanguardia, una noche de flamenco en Barcelona.

"ECOS DE SOCIEDAD

EN HONOR DEL MINISTRO BRITANICO DE COMERCIO

Recepción ofrecida por los señores de Mata-Satrústegui.

Anteanoche, los señores de Mata-Satrústegui dieron una fiesta en su elegante residencia de San Gervasio, en honor del ministro británico de Comercio y lady Eccles, huéspedes de Barcelona con motivo de la Feria de Muestras, como se ha dicho.

La residencia de los señores de Mata y Satrústegui, rodeada de jardín, es grata y acogedora, con bellos salones, elegante comedor, patios y terrazas de excelente gusto. Pero no vamos a extendernos en describir esta elegante residencia, que nuestra alta sociedad conoce bien.

Al llegar los invitados eran recibidos por los señores de la casa acompañados de sus hijos Luis y María José y seguidamente pasaron a los salones, a las terrazas, al patio, etc., donde se distribuyeron.

Un espectáculo de alta calidad. Poco después de las once y media fue presentado un magnífico espectáculo flamenco, en honor de Sir David y lady Eccles. En un escenario que se había construido expresamente en el jardín, decorado con rojos claveles y con la retama, tan propia de estos días, actuaron varios artistas de «cante jondo» y baile flamenco llegados de Sevilla. Eran ellos Esperanza Rodríguez y su hermana, «bailaoras»; «La Paquera» y Fernando Fernández «Terremoto» (Cantaores) y el tocaor conocido con el nombre de “Moraito”. Pronto se echó de ver la elegancia y distinción de la monísima Esperanza Rodríguez, que atrajo la atención de toda la concurrencia con sus zapateados, su garbo, su belleza y su talento artístico, hubo quien dijo que Esperanza Rodríguez ya no era esperanza, sino realidad, una realidad como bailarina acabada perfecta.

En un intermedio se sirvieron a los invitados exquisitas bebidas y sabrosos manjares y luego continuó el espectáculo.

A las dos de la madrugada vino a reforzarse éste con la llegada de «La Chunga», la jovencísima bailarina gitana, acompañada de los bailarines que forman su cuadro flamenco. Venía la famosa muchacha (que por tierras de Ultramar ha levando un arco de admiración últimamente) con un traje encarnado y en un abrir y cerrar de ojos se puso otro, blanco con motas azules y en el cuello un pañuelo rojo. Llevaba un moño bajo y con él se sujetó unas rojas rosas en el pelo hasta que el frenesí de la danza dio con ellas en tierra y dejó la cabellera suelta. Bailo sola unas veces y acompañada de los «bailaores» otras y bailó sin cansarse toda la velada, hasta el final de ella, cuando alboreaba el nuevo día.

Brillante concurrencia. - Además de Sir y lady Eccles, asistieron las siguientes personas:

Sir Ivo Malet y lady Malet (él, embajador de S. M. Británica en Madrid); capitán general de Cataluña, don Pablo Martín Alonso y su esposa, marquesa de Villatorcas; gobernador civil de Barcelona, don Felipe Acedo Colunga, y su esposa, doña María-Josefa Vázquez-Zafra de Acedo; cónsul general de S. M. Británica en Barcelona, mister Harold Braham, y su esposa, mistress Braham; duquesa viuda de Monteleón; condesa viuda de Lacambra; condesa de Churruca; señoras: Inés de Moxó, viuda de Olano; Carmelina Verdaguer, viuda de Puig Palau; Lucy Cajiao de Vidal-Quadras, Mercedes de Sentmenat Garí e Isabel López Sert de Vega.

Marqueses y marquesas de Castell- dosrius, Casa Tremañes, Masnou, La- madrid y Castillo de Torrente; condes y condesas de Godó, San Miguel de Castellar, Montseny Sicart y Miraflo- res; barón y baronesa de Algerry, los señores y señoras de Basso-Mata, Bertrand-Batlló, Bertrand-Marfá, Bertrand- Vergés, Rosal-Bertrand, Bertrand-Ba- rraquer, Mata-Herberg, Le Monnier- Mata, Klein-Andreu, Perxés-Compte, Güell-López, Mateu-Quintana, Macaya- Santos de Lamadrid, Torra Balari- Cera, La Rosa-Eguilior, Roldán-Elosúa, Juncadella-Salisachs, Tarruella-Lacour. Calviño-Manén, Basso-Roviralta, Trías- Romero, Fabra-Muntadas, Darna-Galo- Bertrán-Caralt, Sans-Acevedo, Bernades-Caralt, Giró-Masana, Gili- Torra, Rivière-Bernades, Daurella-Franco, Cominges-Bertrán, Vilá-Recolons, Balaguer-Sánchez Arjona, Sala-Jimé- nez Dávila, González-Monegal, Ventosa- Gari, Leonori, Suqué-Puig, Sáinz de Vi cuña, Soler-Roig, Llopart-Vázquez, etc.

Señoritas Mercedes Bertrand Mata, Eulalia Estruch, María-Antonia Segur, Mary-Carmen y Maria-Rosa de Pallejá, Fefa de Lacambra, Mimí Basso, Mercedes Rivière, Carmen Vidal-Quadras.·"

Publicado en la Vanguardia 7 de junio 1958

Farruco y su caja de ritmos: los caballos, en las antípodas de los loops x bulerías, mientras el Campo va agonizando.

Sat, 17 Feb 2024 23:23:58 GMT

Farruco y su caja de ritmos:

los caballos, en las antípodas de los loops x bulerías, mientras el Campo va agonizando.

“No me gusta los que hablan de evolución y fabrican el baile como si fabricaran plástico. Si no hay esencia, sabor, memoria y arte, todo es plástico, mentira... mucho estudio y mucho ensayo".

Estos días que se habla del Campo hemos de recordar la aportación de este a nuestra forma de vida, para el bailaor Antonio Montoya Flores, El Farruco, todo esto estaba presente, particularmente los caballos, como su baile de medio lado y sus remates.

“Yo no he pasado por estudio de ninguna clase. A mí me han enseñado a bailar los caballos, soy el bailaor más autodidacta que hay, he creado mis propios bailes, y me siento orgulloso de eso”.

Sin el Campo y su conexión natural, no habría ni orquestas, ni templos, ni universidades, ellos son la base de nuestra cultura. Sin la interacción con animales, plantas y el medio, durante el paso de las generaciones, no estaríamos Civilizados, ni hablaríamos de Flamenco.

¿Quién? lo hizo posible.

Quién desarrollo toda la variedad de animales y plantas, en armonía con el entorno; observando, deduciendo, reunidos alrededor del fuego y las estrellas, crearon una fantasía, no había expertos, había Campesinos, normales y corrientes. Ellos crearon, también, la Música.

Desde que cada día hay más expertos que farrucos y, por supuesto, que farrucas, todo parece plástico.

Pero los farrucos, hoy, siguen observando:

“Nuestros abuelos todo era cultivado y criado natural.

Aquí el campo está difícil con la plaga de jabalís, es imposible lograr cultivar patatas, centeno, maíz,.. tampoco poder recoger las castañas o manzanas naturales. Los castaños enfermaron con la sequía,…

Qué pena

Cierto, castaños centenarios que sacaron mucha hambre de la gente y los animales”.

Hoy los que adentran en el flamenco utilizan bases creadas mecánicamente para estudiar toda esa locura de patrones, estilos y variedades rítmicas. Sí hacemos un símil con el Flamenco y el Campo los dos se están secando y ambos saben funcionar sin máquinas.

Farruco y su cajón de ritmos: los caballos.

“No se me mete que yo esté bailando por soleá y haya un violín, una flauta o una caja. Si la caja soy yo, soy el tambor con mis pies. ¿Y para qué necesito una flauta?, si no soy ilusionista de cobras”.

Contaba que aprendió a bailar en el vientre de su madre:

"Imagínate a aquella gitana con el lío, los caminos, las canastas, y yo por dentro.... Hacía la cuca, ese salto que dan las caballerías cuando se ponen farrucos”.

Gitano canastero, se definía como un completo autodidacta y aseguraba que fue dibujando su personal baile al compás que marcaban los caballos que le trasladaron por los caminos de la vida ya desde niño.

El caballo tiene tres formas básicas de desplazarse: paso, trote y galope, cada una con un equivalente rítmico.

Paso:

Es el aire natural del caballo más lento, es equiparable al ser humano caminando, éste se desplaza a cuatro tiempos.

Trote:

Hay muchos tipos de trote, aunque todos respetan los dos tiempos, es un aire de velocidad intermedia, con un aire saltado porque hay momentos en que el animal no toca el suelo.

Galope:

A correr, es el aire natural más rápido, es a tres tiempos.

Con la combinación de esos patrones rítmicos, la elegancia del caballo y sus conocimientos familiares de estos, como del Flamenco, creo su baile personal, sin escuelas, ni expertos.

“Lo que bailan los muchachos que están saliendo ahora está más cerca del clásico español, no tiene casi nada que ver con el flamenco-flamenco. Yo, a lo mejor, no soy capaz de dar seis piruetas, porque no lo he ensayado ni me lo han enseñado, pero uno de éstos no podrá dar la vuelta flamenca en la vida. Se puede caer de espaldas y partirse siete costillas. Equivocan al público. Ensayan hasta la sonrisa. Hay muchachos que, con la tercera parte de la fuerza que emplean, podrían hacer barbaridades. Parece que se están peleando con las tablas”

El Flamenco como el Campo sin su comunión con lo natural no tiene mucha sustancia, ambos vienen de un proceso de observación transmitido por nuestros antepasados y que poco a poco se va dejando morir, lo que no tiene mucho sentido a no ser que estemos dispuestos a comer pienso o plástico.

Farruco, con Andres Batista y El Chocolate, en la Venta del Toro de Barcelona, actualmente Bagdad.

CARMEN AMAYA: Google Doodle Parlem-ne

Thu, 02 Nov 2023 22:20:55 GMT

CARMEN AMAYA

Google Dooble Parlem-ne

Google, hoy 02 de noviembre de 2023, dedica su Doodle a Carmen Amaya. y una entrevista, desconcertante, en su participación en La hija de Juan Simón

El Google Doodle destaca acontecimientos importantes y personas que no siempre son bien conocidas, pero que son significativas para diversas comunidades de todo el mundo. Hoy, 2 de Noviembre, recuerda su legado en el 110 aniversario de Carmen Amaya.

Que dice hoy Google para evidenciar su legado:

“ Carmen Amaya cumple 110 años

2 de noviembre de 2023

El Doodle de hoy, ilustrado por la artista invitada Genie Espinoza, radicada en Barcelona, rinde homenaje a la bailarina romaní española Carmen Amaya. Considerada una de las mejores bailaoras de flamenco de todos los tiempos, la energía y personalidad ilimitadas de Amaya se manifestaban en cada uno de sus movimientos.

Amaya nació un día como hoy de 1913 en Barcelona. Nació en una larga línea de bailaoras de flamenco. El padre de Amaya era guitarrista y, a los cuatro años, ella bailaba en tabernas y bares mientras él tocaba. Después de recorrer lugares del vecindario durante años, el expresivo estilo de baile de Amaya llamó la atención de un showrunner de variedades. La contrató en lugares prestigiosos como el Teatro Español de Barcelona y el Teatro Palace de París; este último se convirtió en un elemento básico de su carrera.

En 1929, Amaya comenzó a realizar giras por España y Portugal con algunos de los bailaores de flamenco más respetados de la época. El baile flamenco tradicionalmente se centra en el movimiento de la parte superior del cuerpo, pero Amaya utilizó todo su cuerpo. Su rápido juego de pies se volvió icónico y le ganó fanáticos en toda América Latina. Finalmente se instaló en Buenos Aires y fundó su propio grupo de flamenco. Hicieron giras por todas partes, desde Cuba hasta Brasil.

Después de una década viajando, Amaya se mudó a la Ciudad de México. En 1941, actuó en Nueva York y se hizo fan del presidente estadounidense Franklin D. Roosevelt, lo que resultó en una invitación a bailar en la Casa Blanca. Amaya pasó el final de su carrera en Hollywood y actuó en películas como La Historia de los Tarantos.

Amaya ha sido honrada de muchas maneras, incluido el gobierno de España le otorgó la Medalla al Mérito Turístico de Barcelona y el Parque Montjuic de Barcelona cuenta con un monumento y una fuente en su honor. El legado de Amaya vive en los vericuetos de los bailaores de flamenco de hoy.

¡Feliz cumpleaños, Carmen Amaya!”

¿Pero nació en 1913?

En un artículo publicado en el portal Papeles Flamencos: “La edad de Carmen Amaya: un poco (más) de confusión”, plantea la incerteza de su año de nacimiento:

http://www.papelesflamencos.com/2012/04/la-edad-de-carmen-amaya-un-poco-mas-de.html

Pero lo más destacable, localmente, de este artículo es una entrevista-artículo para la prensa catalana, donde la sitúan nacida en el Sacromonte granadino, más confusión.

Buñuel propició la participación cinematográfica de Carmen Amaya, en la película La Hija de Juan Simón, de 1935, que es lo que más satisfacción le dio de su trabajo para Filmófono, dirigida por José Luis Sáenz de Heredia, para muchos, con ayuda de Luis Buñuel, su productor ejecutivo.

‘No me seducía la idea de realizar por mí mismo películas comerciales. Pero no tenía inconveniente en encargar a otros que las realizaran.

La segunda película que produje, que fue también un gran éxito comercial, al igual que la primera, era un abominable melodrama titulado La Hija de Juan Simón. El protagonista era Angelillo, el cantaor de flamenco, y el argumento inspirado en una canción. En esta película, durante una escena de cabaret bastante larga, la gran bailaora de flamenco, la gitana Carmen Amaya, muy jovencita todavía, hizo su debut en el cine. Años después, regalé una copia de aquella secuencia a la cinemateca de México ”, Buñuel

Con motivo del estreno de dicha película:.

“ Parlem-ne

Carme Amaya és una gitana “cent per cent

La genial ballarina “canyí” Carme Amaya que intervé a “La hija de Juan Simón”, producció nacional de Filmofono, no pot estar-se quieta ni un minut… Hem parlat amb ella diverses vegades als estudis Roptence de Madrid, on s´impressiona la pel.lícula i no hi ha hagut manera de completar les dades que sobre la seva interessant personalitat artística hem intentat reunir.

Carme, nom que per ell mateix expressa ja una raça i un carácter, sembla que té polvora en lloc de sang. Ha nascut ballant com assegura la seva germana, els ulls negres de la qual són un poema de García Lorca. I no ressisteix un interrogatori com el nostre, tan pessat com el de un fiscal. Quelcom, pero, hem pogut esbrinar a través de la serva pintoresca conversa:

Que té disset anys, que va neixer a Granada, que als quatre anys ja guanyaba diners ballant davant els turistes anglessos i que abans del sis anys es presentà davant del gran Públic –amb majúscula pel respecte que aixó fa- que la va rebre entusiasmada.

Tot això és poc encara, però no desesperem que s´acostomi a nosaltres i que poguem recollir més endavant noves dades sobre la genial “empreradriu de la dansa gitana”, tal com ja s´anomena entre els professionals del seu art”.

Es apreciable que Google se acuerde de Carmen Amaya, localmente su legado sigue sin identificarse como netamente catalán, ni en 1935 ni en 2023.

LA MERCÈ DEL 1987: EL PESCADILLA, CHIPEN Y ESTRELLAS DE GRACIA. GATO PEREZ, alma y espíritu de la concentración musical

Sat, 21 Oct 2023 21:20:27 GMT

LA MERCÈ DEL 1987

PESCADILLA, CHIPEN y ESTRELLAS DE GRACIA

GATO PEREZ, alma y espíritu de la concentración musical

La Mercè es patrona de Barcelona y se celebra en 25 de septiembre, en la Habana Vieja, sus fieles vestidos de riguroso blanco, también le rinden tributo a Obatala, obsequiando con flores, blancas, a la virgen de la Iglesia de La Merced habanera.

Ese sincretismo prendió la candela: La Rumba.

Nos transportamos a la previa de una noche de Obatala en Barcelona por 1987, de la mano de Marcos Ordoñez y Gato Pérez, según artículo del ABC, sección espectáculos del 20-9-1987.

La fotografía de El Pescadilla es del gran fotógrafo Jordi Pol.

“La noche de la rumba catalana”

llenará de ritmo la noche barcelonesa

Gato Pérez, alma y espíritu de la concentración musical

Barcelona. Marcos Ordóñez

¡ Canela fina filipina! Sólo eso puede decirse ante la macro propuesta que el próximo 25 llenara de rumbas, rumbosas esencias la, muy circunspecta y barcelonesa Plaza de San Jaime. Como informamos anteriormente, la Nit de Rumba Catalana, acontecimiento por todo lo alto, resucitará a leyendas vivientes como Antonio y Joan González o Pepe Amaya y presentará a la afición combos como Chipen y Estrellas de Gracia, todo ello bajo la alzada batuta de Gato Pérez, descubridor y divulgador ahora en la columna propincua.

El programa de la gran Noche de la Rumba Catalana pretende, según Gato Pérez, contar con los máximos exponentes del género, desde los pioneros o leyendas vivientes hasta la savia nueva. Este encuentro sin precedentes, rebautizado como, El pop auténtico de la Metrópolis, por su auspiciador (-Claro, claro que si interrumpe-. No hay actualmente en Europa otro folclore urbano equiparable, con unas señas de identidad, aun gozosamente mestizas, tan delimitadas...) pretende ser un cursillo acelerado que por fuerza ha de desembocar en la rumbamanía, feliz dolencia que, una vez inoculado el virus, suscita calambrazos rítmicos por espacio de largas horas.

Así pues, la noche del 25 nos traerá el retorno del carismático Antonio González Pescadilla, autentico fundador de la rumba catalana, predio que abandonó para dedicarse en cuerpo y alma a las tareas de faraón consorte, el apartado de los pioneros recuperados para la ocasión se completa con Joan González, Onclu Polla, apelativo que pierde un tanto traducido al castellano, y con Pepe Amaya, El Rumberu, (idem), siendo el primero hermano menor de Antonio y, al decir de la leyenda, inventor de la guitarra batidora o ventilador, que da su rítmica carta de naturaleza a la rumba al juntar en la guitarra la armonía y la percusión. En cuanto a Pepe Amaya, se trata de un veteranísimo guitarrista graciense, mano derecha de Antonio Mairena. La Chunga como no, la mágica Carmen Amaya.

La generación intermedia estará representada por Agustín Abellán Malla, Chango, probablemente el letrista más inspirado de la nueva rumba (El triunfo, Las tres Marías, Chivato, etcétera), corriendo a su cargo la presentación, y, si se tercia, una intervención estelar. De su quinta pero no de su barrio -ellos dos vienen de la calle de la Cera- son los Chipen (verdad, en caló), un dúo compuesto por Peret Reyes y Johnny Tarradellas, dos palmeros de Pedro Calaf con reciente plástico, Pasmao, en las tiendas del ramo. Y como ejemplo de combo plurirracial, intergeneracional y multidisciplinario nada mejor que los Estrellas de Gracia, formación que oscila entre los seis y los veinticinco miembros, según se tercie.

El origen de los Estrellas, que ya desde su nombre de guerra sombrerean a los salseros de Fania, se remonta a los tan míticos corno fugaces, Salsa Gitana, combo que alegró las postrimerías de la pasada década al fusionar, los talentos de Mayito Fernández, pianista de la puertorrisima banda de Tito Rodríguez, y del tándem formado por Ricardo Batista -Tarragona y Manolo González -Patata, a la sazón percusionistas y cantantes que, disuelto el grupo, retomaron la antorcha y a ella aplicaron los respectivos fuegos de payos como Ángel Blázquez (bajo). Xavier Ibáñez (piano) y los gitanísimos Ramón -Jumitus- del Pichón, Joan Abellán y -Chino- Granados. Con tan diversas esencias, el frasco de los Estrellas alterna salsa, rumba y -funky- Tras su debut público en los Festivales de Salsa del Salón Cibeles, esta es su primera aparición ante un público mayoritario.

Cabe señalar, igualmente, que Gato Pérez interpretara algunos de sus mayores éxitos --Luna brava, Viejos automóviles- con el estelar respaldo y que los neófitos podrán pasmarse con la insólita colaboración de Boy Tronics (también conocido como Jumitus de la Payoya), un singular-rapper- de Mataró que, armado de caja de ritmos suele realizar sus shows- gitano-negratas en las discotecas del extrarradio barcelonés. La sorpresa y la diferencia están pues, garantizadas Sin descartar una conjunta y masiva jam final. Estas cosas se sabe como empiezan, pero nunca cuando acaban.

fotografía: Manolo González "Patata", Joan González "Onclu Polla", Antonio González "Pescadilla", Ricardo Batista "Tarragona"

La rumba catalana y yo

Pronto se cumplirán catorce años desde el día en que yo. Gato Pérez -por aquel entonces un angustioso aprendiz del rock norteamericano descubría que a las puertas de mi casa existía una música popular nueva, genuinamente barcelonesa, que respondía al nombre de Rumba catalana.

Uno, que en aquellos primeros setenta era un snob, devorador de Melody Maker y escuchador, de Zappa y Wather Report, no podía dar crédito a lo que tenía ante ojos y oídos: en la acera del extinto bar Petxina (abriendo la cuadrícula calorra de la Villa de Grácia) cuatro maduros gitanos generaban un "swing" trepidante con tan sólo una guitarra flamenca, un bongó y dos incansables palmeros, al tiempo que hermosísimas calis de oscura melena bailaban a su compás.

Uno, que desde pequeñito andaba dando bandazos musicales en busca de un eficaz vehículo con que versar historias cotidianas, creyó que aquello podía ser punto de partida para fundar una carrera profesional como cantautor de un género que podría denominarse “No Reumático”. Así fue.

A partir de aquel momento, mi vinculación a los ambientes gitanos y en consecuencia rumberos se hizo cada vez más intensa, descubriendo que el pueblo gitano-catalán no sólo producía una música insólita en el continente europeo, por su originalidad, sino que me brindaba una emocionante y autentica amistad que es lo que por entonces yo andaba necesitando, como todo el mundo. Mi ignorancia de la rumba llegaba a los extremos de haber oído únicamente las graciosas rumbitas de Peret y las tenóricas filigranas de los hermanos Pepe y Delfín Amaya. A partir de mi entrada en la órbita rumbera se me enseñó que la rumba catalana, si bien era un género relativamente joven cuarenta años- gozaba de una tremenda solera, con sus pioneros y advenedizos, maestros y alumnos, sus genios, sus triunfadores y sus fenómenos incomprendidos.

Supe que los gitanos llevaban doscientos años en Gràcia, Hostafranchs y El Portal -calle de la Cera, cuna de Peret y Los Amaya y que de siempre habían hecho una música orgullosa de sus orígenes. Y aprendí esa historia de boca de un gitano desterrado de Murcia, que con él había traído a La Barceloneta el garrotín y los tanguillos, y me dijeron que había fundado una dinastía de guitarristas apodados los «Pescadillas», que habían cruzado el flamenco levantino, cant de llevant, con la música cubana gracias a los marineros caribeños que recalaban en, La Planxeta del puerto de La Barceloneta. Y que en el Charco de la Pava, de la calle Escudillers, El Legañas y El Pescadilla dejaron fecundar sus guitarras por el guiro y el bongo y que a ese potaje llamaron, Rumba catalana, y que Carmen Amaya, del Somorrostro, la paseo por todo el planeta.

Casi cinco años necesitó mi cerebro para procesar toda la ingente información sobre este género musical de un pueblo -el gitano- y de una ciudad, Barcelona. En ese lustro pasó la música layetana, el grupo Secta Sónica y mi trabajo de promotor en Edigsa, que actuaron como revulsivo para que yo rompiese de una vez por todas con el pasado pesado. Y, aligerado de tales influencias, comenzase a escribir canciones en un idioma que tanto debe a ese saber. El próximo día 25, en la plaza de San Jaime, actuaran en una Nit de rumba catalana, algunos de mis maestros y amigos. Ellos pondrán la música y yo, además, pegare los discursos. Esta vez si llegará la rumba. Para quedarse.

Gato PEREZ

Flamenco puro en Zeleste: Bernarda y Fernanda de Utrera, con sus sobrinos Luis e Inés, el Mono de Jerez, Juan Carlos Montoya y de maestro de ceremonias José Candado, una noche de 1982

Wed, 18 Oct 2023 21:03:30 GMT

Flamenco puro en Zeleste:

Bernarda y Fernanda de Utrera, con sus sobrinos Luis e Inés, el Mono de Jerez, Juan Carlos Montoya y de maestro de ceremonias José Candado, una noche de 1982

Victor Jou viajó en 1970 a Londres, de regreso a Barcelona contacta con la incipiente música progresiva local y decide crear un espacio inspirado en el Marquee londinense. Ese fue el primer Zeleste en la calle Platería (hoy Argentería), se inauguró el 23 de mayo de 1973 y el primer concierto que se realizó en la sala marcó ya el camino que iba a seguir: Gato Pérez, en los inicios de lo que se vino a llamar Ona Laietana, cuando aún no se había adentrado en la rumba.

Por Zeleste pasaron bandas punkies, mods, rockers… pero también estuvieron L. Shankar, Zakir Hussain, Bill Evans, Machito, Camarón o una noche de 1982: Bernarda y Fernanda de Utrera, con sus sobrinos Luis e Inés, el Mono de Jerez, Juan Carlos Montoya y de maestro de ceremonias José Candado.

Flamenco puro en Zeleste

Me dice Victor Jou que en su Zeleste siempre, y son nueve años ya, “ha dado flamenco”. “Los fuera de serie, los incunables", especifica.

Niñato

Presenta ahora, y hasta hoy, sábado, a la Bernarda y la Fernanda de Utrera, con sus sobrinos Luis e Inés. “Unos renovadores-según me cuenta el experto José Candado, que cantan por bulerías poemas de Hernández y de Machado, como la Virgen o el Cristo del Madero, esa de Serrat, y, chico, te caes de culo”. Y están, también en Zeleste, El Mono, José Vargas y Vargas, gitano de Jerez, de los Vargas de Jerez, casi ná en el cante, al que pusieron El Mono porque nació así de feo. “Pero baila muy bien -dice Candado-, tanto que era un mocoso y ya le llamaban para las fiestas y le daban mil pesetas, cuando a los grandes igual les daban cuatrocientas. ¿Y por qué ese niñato cobra más?, decían los otros. Y él: Porque tengo más..... pues eso. Tanto es así, que en su tarjeta de visita, ya que es El Mono, se ha puesto dos pal- meras cruzadas, y en medio dos buenos cocos”.

Jazz y olé

De la Bernarda y la Fernanda, me dice Victor Jou (“Pero el Candado de eso sabe más que yo», se disculpa) que es gente sin formalismos estéticos, gente pura, nada comercial. Son rancios. Es cante jondo... “En Zeleste siempre hemos hecho. jondo. Lo que no haremos nunca es canción española, para entendernos”, Y añade que entra dentro de la programación lógica del local: “Hay muchos puntos de contacto entre este género y el jazz. Es lo más ancestral”.

Y me cuenta Candado que yo estoy pez en la materia, que hay otro estilo, el laíno, de voz fina, aprendida, de escaparate. Así la voz de El Cabrero, o los grandes clásicos Vallejo y Chacón.

-¿Quién es ahora el mejor cantaor? -le pregunto.

-Bueno, la Llave de Oro del cante, que sólo la puede tener uno, el mejor, según la cátedra de flamencología de Jerez, cuyo actual presidente es Juan de la Plata, pues, la Llave de Oro la tiene Antonio Mairena, que lo canta todo.

-¿Y quiénes son sus delfines, sus posibles sustitutos?

-Los mayores candidatos son El Chocolate, Fosforito y Meneses. Pero es que hay que diferenciar entre los cantaores payos y los gitanos. Fosforito y Meneses son payos, y los candidatos más firmes. Para mí, el sucesor serial El Chocolate.

Bibliografía

-El lerdo en la materia que quisiera saber algo de flamenco, ¿dónde puede aprender?

-Hay cuatro o cinco libros fundamentales. De Cádiz y sus cantes, de Fernando Quiñones, Mundos y formas del cantes flamenco, de Ricardo Molina, Confesiones de Antonio Mairena, libro que le escribió Molina, y otro que se llama Recopilación de cantes flamencos, o algo así, de Demófilo o sea, Antonio Machado y Álvarez.

“La gente de Julián Peiró”

Artículo publicado en el Periódico de Cataluña

Flamenco Barcelona S.XXI: En Las Periferias

Wed, 05 Apr 2023 13:07:53 GMT

Flamenco Barcelona S.XXI

En Las Periferias: a los dos lados del Besos.

St. Roc - La Mina

Las nuevas generaciones del cante, toque y baile, criados en Las Periferias barcelonesas pero comentadísimos con las familias que tienen que ver con gran parte de la historia de esos menesteres en esta ciudad.

En el flamenco el compás es uno de los elementos principales, ellos son parte de esa tradición.

No es algo que ellos han creado, es algo que ya estaba sucediendo antes.

Sus mentores, todas las personas que les enseñaron, a quienes admiran, las personas mayores, fueron importantes para ellos, y así llegaron a esta tradición, para formar parte de una cultura que cuenta con el flamenco como su banda sonora de vida.

Está en la forma en que la gente camina, en la forma en que habla… Está en todo eso. Su música viene de ahí.

Juan Manzano : cantaor

Sebastián “El Chino” : bailaor

Adán Pérez : guitarrista

“Moskito” : percusión

Guzzo Club

Plaça Comercial, 10, 08003 Barcelona

6 de Junio 21 h.

Ricardo Manzano, 16 años, fin de fiesta.

Juan Manzano, Siguiriyas

Baila: El Chino

Al tercer mundo. Israel Fernández se mete la mano en el pecho.

Thu, 09 Mar 2023 13:26:33 GMT

Al tercer mundo.

Israel Fernández

se mete la mano en el pecho.

“Estaba viendo la televisión un día y me saltó un anuncio para ayudar a los niños de África y lo quité porque me da mucha pena ver eso…Al cambiar de canal me salió directamente una noticia de que la NASA había mandado una sonda espacial para buscar no sé qué planeta, con un gasto de millones de dólares. En ese momento me vino la primera estrofa:

“el tercer mundo lo llaman

como si aquí no estuviera

después se gastan fortunas

en buscar otros planetas”.

A partir de esa Queja ha compuesto la bulería: “Al tercer mundo”, como adelanto y primer single de su nuevo álbum. El cantaor de la localidad toledana de Corral de Almaguer: Israel Fernández, intenta plasmar la incapacidad humana de resolver los problemas cotidianos y dejarnos de cuentos de viajes a la luna para que los que ejercen el poder nos tengan, aún, más despistados.

“unos sin agua,

otros borrachos.

Muchas iglesias,

pocos rezando.”

Para ello, como ya viene siendo habitual, parte de la producción y a la guitarra está Diego del Morao. La otra parte corre a cargo de Pional, que a partir de su especialidad, la música electrónica, ha creado unos colchones sonoros diferentes. Lo que hace al tema actual y original, con letras que no nos hablan de castillos encantados; sí el flamenco es una Queja ha de estar con el presente, que se siguen incumpliendo muchos principios y la sociedad menos nos damos cuenta.

“El tercer mundo está donde hay calamidad o falta de las mínimas cosas humanas. ¿ No ?

No hace falta ir a 2000 km a buscarlo .” Israel Fernández

"Al tercer mundo", desde el corazón de Almería en formato videoclip: el asentamiento de chabolas de Atochares, los invernaderos del campo de Níjar , Las Salinas de Cabo de Gata, la Iglesia de la Almadraba de Monteleva, son los escenarios de la grabación y el encargado de ponerle imágenes, el director Santiago Moga.

"Me gustaría compartir esta pieza visual sobre Atochares, el asentamiento del Campo de Níjar (Almería), donde rodamos el vídeo de “Al tercer mundo”. Atochares es un lugar, donde viven personas migrantes en condiciones poco humanas, una de ellas, @noura.elhaimer , nos acerca un poco su historia y la de tantos otros. Ella es una luchadora, una mujer empoderada que vive día a día ayudando a su comunidad. Puro corazón. Gracias a ella y las personas que allí residen, pudimos ponerle imágenes a mi canción.

Esta pieza es obra de otra mujer sensible y con una mirada bonita: @martaorosa

Espero que ayude a sensibilizar sobre algo que tenemos tan cerca, pero que a veces no nos paramos a mirar".

de la cuenta de Instagram de Israel Fernández, para ver el video:

https://www.instagram.com/p/Cpimy9nv5WG/

Faustino Núñez ¿Usted conoce a Peret? Todo el género flamenco tiene algo de americano

Tue, 28 Feb 2023 11:11:31 GMT

Faustino Núñez

¿Usted conoce a Peret?

Todo el género flamenco tiene algo de americano

Faustino Núñez en su último libro publicado: América en el flamenco (CIOFF España, Ediciones Flamencópolis) busca otros rumbos a la enquistada historia del género, alejándose del misticismo oriental, en busca del occidente. Para ello reivindica la tremenda importancia de los viajes de ida y vuelta, pero no dejándolo sólo en una carpeta aparte, sino investigando la influencia en casi todo el árbol genealógico flamenco.

“Desde que empecé en esto de la investigación, hace ya tres décadas, siempre me llamó la atención cómo el flamenco había hecho un hueco para los estilos que, con su correspondiente ración de etnocentrismo, definió como de Ida y Vuelta, casi a modo de propina, negando así al Atlántico cualquier otra aportación al repertorio. Llevo muchos años estudiando la música europea en perspectiva atlántica, no solo el flamenco. Desde mi época de estudiante en Viena ya comencé a mirar hacia occidente buscando las fuentes de la música moderna, aquella forjada tras la época de los descubrimientos. No en vano, la historia marca en 1492 el fin de la Edad Media y el comienzo de la Edad Moderna. Siempre me ha llamado la atención cómo Europa, y especialmente España, y por supuesto Andalucía y en especial las provincias americanas de Europa –Sevilla y Cádiz–, han vivido de espaldas a América. Hay también su correspondiente de prejuicio de Leyenda Negra a admitir solo influjos que vengan de Oriente a la vez que se es muy reticente hacia aquello que pudieron venir de Occidente. Lo que es de cajón es que, si el flamenco nace en Cádiz y Sevilla, que además son protagonistas durante cuatro siglos de la empresa indiana, cómo es posible que la influencia atlántica se limite a estilos evidentemente americanos como la guajira, la rumba, la milonga o vidalita. No. América está presente en todo el género flamenco, aunque no queramos reconocerlo, y este libro intenta abrir una senda por la que circular para futuras investigaciones que no limiten la presencia americana a lo evidente. También la soleá tiene algo de americano, ni mucho ni poco, pero negar esa influencia es negar una realidad. Sé que serán muchos los que pondrán el grito en el cielo acusándome de poco riguroso. Soy de aventurarme en trazar hipótesis que podrán ser más o menos ciertas pero los datos están para interpretarlos, y las conclusiones habrá que desmentirlas no por no estar de acuerdo con ellas sino mostrando alternativas. Conozco compañeros que viven de desprestigiar a quien ose contradecir sus ideas. Esto no es una carrera de fondo y la vida son cuatro días y dos está lloviendo. Hubo uno que casi me amenaza de llamar a la policía por trazar una genealogía de la soleá partiendo del compás alterno de doce tiempos. Que cómo se podría permitir eso. El otro día otra estudiosa negaba la influencia del bolero en el flamenco porque decía que aquella era música culta. Fíjate, hablar de música culta en pleno siglo XXI, como si la música de tradición oral no tuviera cultura. Hay gente pa tó”.

Después de pasarse media vida buscando entre el flamenco, llega a las siguientes conclusiones:

“Mi experiencia de tantos años fuera de España, casi una década en Viena, un año en Cuba y los años que estuve con mi maestro Antonio Gades de gira por todo el mundo, he podido apreciar cómo el flamenco es adorado fuera de España y denostado hasta el ridículo (en los medios se refieren a él como flamenquito) en su patria chica. Es algo inaudito. En Andalucía seguramente no se aprecia tanto, pero aquí en mi tierra, en Galicia, el flamenco parece música china, no lo quieren ni en pintura cuando mis padres me contaron cómo en los sesenta vieron en Vigo a Antonio, a Caracol y a todos los grandes. Eso se acabó y fue sustituido por Siniestro Total y Os Resentidos. Menos mal que nos queda Carlos Núñez. Aquí el flamenco, excepto unos pocos aficionados, es algo totalmente anecdótico. Y que yo sepa el flamenco es la música española más apreciada en el mundo entero. Algo que muchos culturetas no pueden soportar”.

Hablando de todo esto y más, a modo de conferencia estará este próximo: jueves 2 de marzo a las 19 h en la Sala Sandaru – C/ Buenaventura Muñoz, 21. Barcelona-. Organiza: El Dorado Sociedad Flamenca Barcelonesa.

Dentro de las labores de Faustino Núñez también está la de publicar unos interesantes artículos en el portal www.expoflamenco.com , de donde he sacado sus declaraciones anteriores. La siguiente tiene que ver con Barcelona, Cuba y como ha influido el bloqueo para aislar también a la música, en la isla particularmente, ahora se llama Latino y huele a lo peor de norte América.

¿Conoce usted a Peret?

"Un buen día, Danilo me llevó a la casa de la trova, mucho antes de que la convirtieran en un lugar para turistas. Allí, a diario, se juntaban más viejos que jóvenes a echar sus décimas improvisadas, lo que ellos llaman controversias. No tardaron en percatarse de mi presencia y enseguida comenzaron a dedicarme sus letras. Confieso haber contenido la emoción y las lágrimas ante tanta muestra de afecto. Fue entonces cuando se acercó a mí un chaparrito de metro y medio de estatura y me preguntó:

— ¿Usted conoce a Peret?

— ¡Claro!, contesté.

No en vano mi estancia en Cuba se debía a querer investigar la presencia de la música cubana en la española, estudios que acabaron derivando en el tema de mi último libro, treinta años después, América en el Flamenco. El cubano me dijo, con toda tranquilidad y desparpajo, sin el más mínimo resquicio de ironía:

– Pues dígale de mi parte que gracias por cantar tan bien todas mis canciones.

Y se fue. Pregunté entonces a Danilo que quién era aquel hombrecito. Y, con ademán de ¡parece mentira que no lo conozcas!, me dijo:

— Es el gran Walfrido Guevara. Autor de…

Y empezó a enumerar sus más famosas guarachas: La juma de ayer, Cinturita, Que no muera el son, Aprieta en el rincón, La fiesta no es para feos. ¡Ea! ¡Alto ahí! ¿Que ese tremendo éxito de Peret es composición de este hombre? Enseguida me pregunté, a la vista del paupérrimo estado de las ropas que portaba aquel viejo maestro:

— ¿Y no ha cobrado nunca derechos de autor de esa popular “rumba catalana”?

Como no la han cobrado otros muchos músicos en Cuba y sus canciones han sido el detonante de la mayoría de músicas modernas.

Faustino Núñez un flamenco gallego, de Vigo, otro de los puertos de América, en Barcelona.

Enlace al artículo:

https://www.expoflamenco.com/a-cuerda-pela/walfrido-guevara-derechos-de-autor-artistas-cubanos-usted-conoce-a-peret-las-cozas-iii/

Manolo Caracol

Wed, 15 Feb 2023 23:41:56 GMT

Manolo Caracol

Manuel Ortega Juárez

Ningún "cantaor" electriza al público y la juventud ha perdido interés. El flamenco del tiempo lo ve comercializado. Raro. Así se despedía Manolo Caracol a principios de los setenta recién publicado su disco: “Bodas de Oro con el Cante

"Yo cuando canto no me acuerdo ni de Jerez ni de Cádiz, ni de Triana, ni de nadie. Intento hacer el cante a media voz, que es como duele, esa es la hondura, porque el flamenco no es pa' sordos, es caricia jonda".

Habían pasado 50 años:

“ De la celebración del Concurso de Cante Jondo de Granada, de 1922, que impulsaron Falla y Lorca, entre otros artistas e intelectuales andaluces y españoles de otras regiones. Según cuenta la historia, Manuel Ortega Juárez, Manolo Caracol, supo de la celebración del certamen y se fue a buscar al gran cantaor jerezano Don Antonio Chacón para que lo llevara, que quería participar. Era amigo de su padre, Caracol el Viejo o el del Bulto, y el chiquillo lo buscó sin haberlo hablado antes con su padre, seguramente temiendo que le dijera que no, como le ocurrió a Antonio Mairena, quien también quiso acudir.

Cuando el maestro vio al padre de la criatura y le dijo que Caracolito le había pedido que lo llevara a Granada, Manuel Ortega se sorprendió porque, según le aseguró a Chacón, ni siquiera sabía que su hijo chanelaba. Chacón sí lo oyó solo una vez, aquel día en el hotel, y algo le vería cuando convenció al padre de que tenía que ir a Granada. Chacón era la máxima autoridad en el cante en esos años y su influencia sirvió para que el niño ganara uno de los premios del certamen, en la categoría de infantil. El verdadero ganador fue Diego Bermúdez Cala, el célebre Tenazas de Morón, un anciano que guardaba celosamente los cantes de Silverio y Paquirri el Guanter.

¿Cómo podía cantar un niño que ni en su casa lo habían escuchado?

Caracol era de la dinastía flamenco-taurina más importante de la historia, la de los Ortega de Cádiz, que se cruzó con la de Antonio Monge Rivero El Planeta, cuando Manuel Ortega Feria, uno de los hijos de Enrique Ortega Díaz El Gordo, se casó con Manuela Monge Fernández, una nieta del Planeta. Por tanto, en los ancestros de Caracol hay artistas como Curro Dulce, el Fillo, el Nitri, Rafael Ortega, el Almendro, el Caoba, Rita Ortega, Gabriela Ortega y un largo etcétera. Nadie tuvo jamás una sangre tan flamenca. Por tanto, lo más lógico es que el niño lo llevara en las entrañas y que algún día le saliera el duende que vivía ya en su garganta de niño”. (*)

Nacido en la Alameda de Hércules sevillana el 7 de julio de 1909, entre sus rutinas de niño y camino a la escuela:

“ Los señoritos y los artistas por las mañanas, después de recorrer durante la noche las ventas de las afueras, iban a la Alameda de Hércules a terminar la juerga, tomando churros y aguardiente. Como mi padre era artista, iba entre ellos. Por eso, cuando yo iba al colegio por la mañana, me encontraba con los señoritos y con los artistas que remataban la fiesta. Unas veces me llamaba mi padre, y otras veces me acercaba yo y me quedaba pegado a un quicio escuchando cantar ”.

Madrid, 24 de febrero de 1973, pocas semanas antes finiquitaba su carrera profesional.

La Zambra empieza a perder sentido.

Un accidente de tráfico acabó con su vida de camino a: Los Canasteros, su rincón flamenco, donde se gestaron noches mágicas, previó al cambio a un Madrid de movida.

Después nada fue igual, él se convirtió en claro continuador de ese legado Andalusí: La Zambra, desde una tradición local, no visto como algo exótico. Las orquestaciones de sus discos no tienen nada que envidiar a ninguna orquesta “árabe”, de cualquier nacionalidad o credo, contando con el añadido de un matiz ibérico. Cuando la intelectualidad de la música y el arte intentaban sonar exóticos, árabes, orientales… emulaban una tradición que no conocían, en el legado de la Zambra y sus orquestaciones simplemente eran la continuación ininterrumpida. Su actualidad durante la primera mitad del siglo XX era clara, pudiendo encajar en cualquier teatro de Teherán, El Cairo o Fez.

Ahora se van a cumplir 50 años de la muerte de uno de los cantaores claves para entender la evolución del género y de una magnitud, hoy, incomparable.

Este es uno de sus últimos artículos publicados con motivo de la grabación de su último trabajo discográfico, de Europa Press.

MANOLO CARACOL; BODAS DE ORO CON EL CANTE

Ha grabado su último disco

Manuel Ortega ha grabado su último disco, "Mis bodas de oro con el cante". Manolo Caracol se despide de este modo del público. Han pasado cincuenta años desde que el muchacho de once años se llevó el primer premio del I Concurso de Cante Jondo de Granada.

Manolo Caracol ha puesto rúbrica a su testamento musical. Han sido demasiados años y ya no quiere cantar más. Asegura que ha llegado el límite y se siente satisfecho del lugar en que se encuentra. Ni insiste en quedarse, ni trata de erigirse en monarca del cante. Ha dejado atrás su labor. Sus discos se siguen vendiendo y Manolo dice adiós.

Después, regresará al tablao para vigilar el negocio. Antes enfrente del escenario, jaleaba a sus muchachos. Algún día, alguna copa de más le animaba a subir y templar la garganta. Aquel día, "Los Canasteros" estaban de fiesta. Hoy Manolo ya no sube. Quizá porque el médico le ha recomendado que cene: fruta y agua mineral.

"Quiero que sea mi testamento'

Manolo no quiere volver a trabajar, a no ser que le salgan mal las cosas. El hombre de la voz rota no ha pasado el cetro a nadie porque no cree que tenga sucesor. Sin embargo, Manolo no trepa al prestigio para nombrar heredero. No existe, y sin falsa modestia lo confiesa. No cree que hoy se cante flamenco.

Para Manolo el público de entonces era más exigente. En la actualidad nadie entiende nada. Ningún "cantaor" electriza al público y la juventud ha perdido interés. El flamenco del tiempo lo ve comercializado. Raro.

Sin embargo, no piensa que acabe el cante grande, porque hay muchos discos grabados donde escucharlo.

Manolo Caracol no cree en las escuelas. Nadie le enseñó a cantar. Nació "cantaor" y luego fue aprendiendo a crear.

DESPEDIDA

En el estudio de grabación los aparatos electrónicos servían de apoyo a las bandejas con tacos de jamón y queso. El estudio se había convertido en un improvisado "tablao". Alguien servía vino.

El disco ya está grabado, pero para celebrarlo, Manolo y su grupo "Los Canasteros" van a improvisar el tema que lo cerrará. La última grabación.

Cincuenta años han pasado ya desde el concurso de Granada, el concurso que promovió Manuel de Falla para llevar el cante a la máxima altura. Un concurso que ganaron al alimón Manolo Ortega, un chaval de once años, y Bermúdez, un viejo de sesenta y seis. Bermúdez murió al año siguiente del concurso. Dos mil pesetas de las del año 22.

Manolo insistió en el disco: "Esto es lo mejor que yo he grabado, con más gusto y con más emoción, y quiero que sea mi despedida a la afición del mundo y mi testamento discográfico" .

Pronto se va a cumplir el medio siglo sin Manolo Caracol, un cantaor que reunía todas las condiciones que Federico García Lorca apreciaba.

“El duende no está en la garganta; el duende sube por dentro desde la planta de los pies. Es decir, no es cuestión de facultad, sino de verdadero estilo vivo; es decir, de sangre; es decir, de viejísima cultura, de creación en acto.”

En Sevilla han empezado a celebrarse actos en su Menoría, en Barcelona ciudad donde hizo películas, grabaciones y abarrotaba sus teatros: nada.

(*) Extraído del artículo “Caracol o el niño que la lió en Granada” De MANUEL BOHÓRQUEZ

https://elcorreoweb.es/opinion/columnas/caracol-o-el-nino-que-la-lio-en-granada-BJ7685614

Carmen Amaya & The Salvajes Felices: Complot in U.S.A

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 12 Dec 2022 16:42:06 GMT

Carmen Amaya

& The Salvajes Felices:

Complot in U.S.A

Carmen Amaya, in U.S.A , se encontró confrontada con un racismo similar al de los artistas negros, de su relación sólo existe un vació con el fin de blanquear su salsa.

Carmen, gracias a su posición artística, después de girar por toda América con éxito total y apoyado por una intriga de la cultura española - ¿latina? -que florecía en los EE. UU., contó con el apoyo, más bien, el interés de América Latina en los artistas españoles exiliados. Todo eso y su identidad gitana, la convirtieron en víctima de la estrategia en torno a su posición en los orígenes del término Latino y en el desarrollo de la guerra mundial, quizás el interés de Roosevelt venía más por ese lado.

Sus trabajos rozaban casi siempre el punto de bufón, en personajes forzados, que no mostraban su capacidad interpretativa, sin llegar a trascender estilísticamente en una evolución del flamenco.

De su vinculación con la comunidad afro o con la hispanoamericana del momento no quedan apenas testimonios, lo que se me hace imposible es que esa mujer que se codeó con toda la aristocracia intelectual del momento no conectase con el movimiento afro hispano que se gestaba en NYC.

Menos me parece cuando lees en una entrevista de la bailaora La Chunga, publicada en la web del Tablao El Cordobés, explicando una anécdota buscando a Carmen en la gran manzana:

“¿Cuán grande es Nueva York, como que vamos a encontrar a Carmen en una ciudad tan grande? Así que decidimos ir al Barrio Latino... y realmente....Había Dios, porque no es normal, y lo primero que encontramos es la compañía de Carmen Amaya.

"Aquí está Chunga, Chunga por allá"

"¿Nos acompañas a ver a Carmen?"

Carmen Amaya vivía en uno de esos hoteles que tienen cocina, sala de estar y dos camas pequeñas ... así que solo que ella me vio se volvió loca, comenzó a abrazarme, besa aquí, besa allá ... y mire si era buena como bailarina, como persona, era triple”.

El barrio latino de NYC, era el Spanish Harlem, Carmen no hablaba ni papa de inglés, allí estaba en su salsa. Viviendo en El Barrio, embrión de la música latina mundial, se me antoja como imposible su no comunión, pero la única prueba palpable es una entrevista a Graciela, hablando de su cuñado:

“Mario Bauza era capaz de llevar varias orquestas. Cuando esa… Carmen Amaya venía a Nueva York buscaba a Mario para que le hiciera los arreglos orquestales”.

La reina del momento de la escena del Harlem Hispano era la orquesta liderada por Mario Bauza: Machito y los Afrocubanos. En el 1941, el año que llegó Carmen Amaya a NYC, llegó Graciela, quizás en el mismo barco desde La Habana, llegaba para sustituir a su hermano: Machito, que debía ingresar en el ejército americano, eran tiempos de guerra y las mujeres debían asumir roles masculinos.

Carmen embarcó en La Habana, donde aprendió a hacer su firma para poder entrar en los usa: La Habana era un hervidero musical muy superior al que se empezaba a gestar en Nueva York.

Mario, como director musical y músico, fue una pieza clave de la música afrocubana en nueva yol. Se instaló allí a principios de los años treinta, como Jefe indiscutible de eso que se vino a llamar: latin jazz o para otros: salsa, dos términos que no tenían ningún sentido en los años cuarenta, cuando la simbiosis entre la comunidad cubana, en particular, y la música afronorteamericana se dieron la mano. Mario fue una protagonista de todo eso, primero la pegó con El Manisero y Machín; dirigió las dos orquestas negras más populares de la ciudad la de Chick Webb y la de Cab Calloway, donde introducirá a una promesa de la trompeta Dizzy Gillespie, que con Chano Pozo, gracias al Sr. Bauza, grabaron: Manteca. Amasando esa experiencia, no como músico, como director musical de esas orquestas, que ponían a bailar a los jóvenes en el Apolo del Harlem, no hispano, acabó formando junto a su cuñado: Machito y los Afrocubanos. Con su banda fundan en el Palladium las míticas sesiones donde pusieron a bailar a: blancos y negros, un lugar interracial, cuando estaba prohibido, donde se bailó por primera vez todos esos: boleros, sones o montunos con un cierto acento gringo.

Todo lo que vino a llamarse salsa, que como decía él, era eminentemente afrocubano, ya que el noventa por ciento de los estilos que interpretan son de origen cubano; las variaciones pueden llegar con su reinterpretación o por aportes de otras nacionalidades, pero siempre acompañadas de su tremendo apoyo mediático, no por su originalidad creativa.

Un complot, con el fin de demostrar que Lo Latino, es algo gringo, Lo Hispano no existió, como No quedan registros de esa unión musical entre esos dos genios Bauza y Amaya. Siempre, muy bien empaquetado entre conflictos raciales, sociales o bélicos y con meros fines lucrativos.

Con la revolución cubana y las bases gringas en media España, se acabó la historia.

Conflictos bélicos: Los Amaya dentro de la estrategia americana durante la 2ª guerra mundial.

Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, 1939, Barcelona o Madrid eran un nido de espías. España se había declarado neutral. Pero ese país en ruinas, exhausto después de tres años de conflicto civil, tenía una importancia estratégica vital. Gibraltar, es y fue, puerto estratégico, si la posición ante el conflicto cambiaba en Madrid, nada hubiese sido igual.

Carmen y su familia salieron hacía América con el inicio de la guerra civil.

Después de sus giras triunfales apoyadas por el interés de América del Sur en la cultura española y con el respaldo de los refugiados, como ella: nostálgicos obligados. Luego y antes, llegaron los emigrantes.

Amaya se aventuró a NYC en 1941 en el momento perfecto, todavía estaban en el apogeo de "una locura española" que duró desde 1915 a 1945. La locura comenzó después de la dictadura española de Primo de Rivera, al ampliar los intereses turísticos con una nueva oficina de turismo en la urbe.

Mientras el deseo por el arte español florecía, varios artistas visitaban o hacían giras por todo el país, como La Argentina, Vicente Escudero o Federico García Lorca, preparando el escenario adecuado.

El flamenco se consideraba un arte moderno, y como el anhelo de cultura africanista en el modernismo, el flamenco también contribuyó a la modernidad. Por lo tanto, el flamenco era parte integral de la escena modernista que se gestaba en América.

Su llegada a los EE. UU., coincide con el interés en América Latina. Debido a la turbulencia en Europa por la Segunda Guerra Mundial, Hollywood cambió su interés para atender a la nueva América Latina, porque querían alinear las Américas contra las potencias del Eje.

Estados Unidos colocó a Carmen, española, en su propaganda en la categoría de las estrellas latinas estuvieran vinculados a la política del Buen Vecino creada en 1933 por Franklin Roosevelt para promover el “comercio” versus la “fuerza militar” en las Américas.

Este vínculo panamericano fue importante ya que unió y alineó a todos menos a Argentina contra las potencias del Eje de la Segunda Guerra Mundial.

El posicionamiento neutral de España probablemente apoyó su camino, siendo incluida en la propaganda latina junto con otros artistas de origen sudamericano, para ser vista como uno de los “correos no oficiales de la buena voluntad panamericana”. Quizás ese el motivo de su actuación para el presidente Roosevelt, pero de hecho actuaron para él todas los artistas latinos escogidos estratégicamente y todos muy bien obsequiados o comprados como se quiera ver. Tenía un interés, evidente, en que Franco no cambiase de opinión.

Teniendo en cuenta este contexto histórico, hubo condiciones e intereses específicos que apoyaron el éxito transatlántico Amaya.

“Imagináoslas tan renegridas y con abrigos de zorro plateado descendiendo por la pasarela del barco. El contraste era impresionante. La impresión que causaban era sorprendente. Ofrecían una imagen realmente exótica. Tanto, que Sol Hurok, el empresario que las había contratado, lo aprovechó para anunciarlas casi como un fenómeno de feria. Incluso montó un ring en el escenario del night club Beachcomber y las hizo bailar dentro de él la noche de su presentación.” Antonio “El bailarín” Ruiz Soler

Los Amaya y los Conflictos de raza o sociales: “Los Salvajes Felices”

Carmen Amaya se encontró confrontada con un racismo similar al de los artistas negros en los Estados Unidos, muy similar al que sufrían los artistas gitanos con los señoritos.

En ese momento dentro del mundo ¿moderno?, estaban en moda entre las elites los espectáculos de “raza” situados en una especie de inframundo, suspendido entre la civilización y el salvajismo, y entre el humano y el animal.

La única manera de que los negros, gitanos o extractos sociales sin pedigrí tuvieran una carrera estable como animadores e intérpretes era trabajar en la juglaría, como bufones.

Los Salvajes Felices

El legado de una dicotomía trágico/cómico se originó a través de situaciones creadas en los Estados Unidos, como obligar a los esclavos a aparecer alegres cuando lloran, que se deriva del deseo de una figura cómica de bajo estatus social. No es una cualidad esencialista de los afroamericanos sino que es debido a las situaciones históricas en las que se encontraban. Esta dualidad de bufón-sirviente contra la dura realidad de la esclavitud dio a luz al arte afroamericano que refleja una existencia irónica, contexto casi idéntico al trato colonial recibido en este lado del Atlántico, en el génesis del flamenco: Los Salvajes Felices.

Ese modelo se puede transportar al gitano, de hecho el contexto socio cultural de la elite que viene a llamarse señoritos, es de origen o influencias netamente, británicas o allende de los Pirineos. A la luz de la historia moderna u occidental los cambios debidos al declive de

España y su descalificación colonial, la hacía cada vez más ser percibida por otras potencias europeas como exótico y africano: el estatus de blanco no es un concepto fijo sino que se puede quitar y España estaba en negociación de su estatus de blancura y modernidad.

Se encontró confrontada con una discriminación racial que en ese momento primaba en América: el camino para que el artista popular tome prestado de las formas blancas, de la alta cultura, ha sido señalizado con señales de prohibido el paso. Existía la creencia de que el cuerpo negro que baila es inapropiado para el ballet, la danza clásica no era apta tampoco para un artista gitano.

Encasillaron a Amaya para que realizara lo que "se suponía" que su raza debía realizar, “baila mejor cuando hace bailes gitanos”, “el estilo gitano es racial”. La palabra raza se usó originalmente para describir una mancha en la lana de oveja y que este sistema se amplió para dar soporte a un sistema de esclavitud y colonias

Hiper-Gitana / Hiper -americanizada, Gitana/ Clásicos, Masculina / Femenina.

Para ayudar a crear el producto Carmen Amaya americanizado, Sol Hurok contrató a Antonio de Triana, quien había trabajado con La Argentina, para ayudar a Amaya a desarrollar actuaciones que fueran agradables para el público estadounidense.

Mientras Triana trabajaba en el baile, Hurok se centró en la publicidad, creando una campaña de propaganda fabulosa en el New York Times sobre los Bailes gitanos originales, desde su llegada.

El cortometraje de Hurok: Original Gypsy Dances, crea una leyenda o bufonada más, casi nada es verdad.

“Desde la histórica ciudad de Granada en la España morisca ha llegado a este país la mayor bailaora gitana de nuestro tiempo, Carmen Amaya. De niña bailando a la sombra de la milenaria Alhambra, Carmen aprendió a expresar el alma vibrante de su pueblo”

Una Gitana catalana en NYC, un conflicto de identidad.

“La comunidad a la que pertenecemos, ¿Qué es? Con demasiada frecuencia, aparece como una opción entre nativo y extranjero (u Occidente y Oriente, blanco y negro, colonizador y colonizados): O identidad A o No A. Pero las inmigraciones habían dejado a uno sintiéndose era ambos, divididos por una línea divisoria que también podría verse, paradójicamente, como la línea a lo largo del cual se unen las piezas. Una identidad límite, perteneciente a ambos bandos o ¿ninguno de los dos?”, Maharaj .

La Hipergitanización de Carmen:

Hurok le creó una imagen estratégica de Hiper-Gitana. El marketing y la publicidad apoyaron una personalidad exagerada porque sabía que lo gitano, racial, era lo que la hacía única de otras artistas españolas, así que esto es lo que enfatizó, algo que se llegó a volver en contra cuando la crítica empezó a notar que perdía autenticidad, el hecho de estar fuera del contexto flamenco natural tanto tiempo la apartaron de su normalidad. A pesar de su intención de exagerar sus dones gitanos, se incluyó a Carmen bailando elementos del Clásico español, también dándole un toque de hiper-españolización sin sentido. En sus giras por sudamericana, incluía piezas de clásico o folclóricas como muñeiras o jotas, pero no las bailaba ella, eran un complemento a su espectáculo para llegar a todos los emigrantes españoles por esas tierras.

Le crearon un paquete sin demasiada consistencia, donde perdió flamencura y fue criticada y comparada por su acercamiento al clasicismo, un terreno acotado.

“En su mayor parte, estuvo sofocada por una velada de baile español convencional y en gran medida mediocre. Jamás debió hacer un número como su primer solo a la 'Córdoba' de Albéniz vestida con traje clásico con castañuelas y presentando, según el programa, 'una feroz caracterización del espíritu gitano'. No hay nada clásico en ella”.

Sin embargo, John Martin , también decía:

“Cuando, sin embargo, ella arrastra su falda con volantes por el suelo y rompe en el canto maravillosamente estridente de ‘¡Ay! Que Tu, haciendo muecas, bizco, burlándose de su amante imaginario, empiezan a pasar cosas”

Mientras que el crítico reprende la apropiación clásica, elogia: los ojos cruzados y las muecas, suena a un vocabulario juglar.

Dada la política del racismo, era predecible que los poderes fácticos intenten convertir este intercambio en una calle de sentido único. Lo 'alto' está autorizado a tomar prestado de lo 'bajo', los blancos de los negros, el ballet de la danza folclórica,..

Amaya traspasaba fronteras custodiadas por la crítica. Martin, que había criticado el uso de elementos clásicos se alegró cuando regresó al Carnegie Hall en 1942 y bailó más gitana:

"El programa en general fue superior al del concierto debut de Amaya a principios de temporada, en gran parte porque el material de Carmen era menos clásico"

El anuncio de Hurok sobre la gitana Carmen fracasó ya que algunos críticos querían encasillarla en que interpretara a la gitana en lugar de obras clásicas

Carmen llegó en el momento adecuado para bailar en pantalones.

EE. UU. no participó en la Segunda Guerra hasta después de Pearl Harbor en 1941, los hombres tenían que ir a la guerra y las mujeres a trabajar en trabajos masculinos.

Las actuaciones explosivas de Carmen llevan a los críticos a compararla con;

“fuerzas violentas no humanas, incluidas ametralladoras y tornados”

”Un soplete femenino”

“Amaya puede hacer más ruido […] que media docena de remachadoras”

Su explosiva presencia femenina bailando con atuendo masculino encajaba con una era en la que las mujeres eran llamadas a trabajar en trabajos masculinos con vestimenta masculina. Una forma de convencer a las mujeres de que era aceptable vestirse como un hombre y sobresalir en el trabajo de un hombre. Amaya, que se vestía de hombre y bailaba el vocabulario de la danza masculina, fue un modelo a seguir para que las mujeres se apropiaran de la vestimenta masculina y trabajaran para la Segunda Guerra Mundial.

Todas esas contradicciones en Carmen: andaluza/no andaluza, gitana/clásica, femenina/masculina no contaron con un sonido moderno y actual, sin tener que recurrir a clásicos o clichés demasiado Hollywoodianos, en una ciudad donde lo Hispano y lo Afro se salían en romper moldes y eran muy familiares con el flamenco.

زرياب El canto del Mirlo Negro Ziryab

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Thu, 01 Dec 2022 00:13:41 GMT

زرياب

El canto del Mirlo Negro

Ziryab

El mirlo tiene como seña de identidad: su canto, uno de los más melódicos del mundo animal, se les puede escuchar con más fuerza durante el amanecer y el atardecer en el campo, jardines, incluso en la ciudad, con la capacidad para cambiar el tono de su canto. Canciones repletas de silbos y ricas melodías que suele acompañar moviendo las hojas del suelo, generando un sentido rítmico.

Se adapta a diferentes entornos, siendo habitual su presencia en las zonas urbanas. Su canto nocturno es una las adaptaciones al ámbito del ruido, en el bosque no cantan de noche. Han decido cantar durante la noche cuando el nivel de decibelios desciende considerablemente y su canto puede ser escuchado más lejos en ciudades o pueblos.

Según donde habite, es migratorio o no. Los mirlos que pasan el invierno en los países que formaron parte de Al Ándalus, no realizan viajes migratorios y residen en el mismo territorio durante todo el año.

Algo similar le pasó a Ziryab, después de migrar por varios destinos, por donde fue acrecentando su leyenda, acabó asentado en Córdoba para definir la musicalidad andalusí, dejándonos tradiciones imborrables y formas de concebir la vida que se han mantenido hasta la actualidad. Fue uno de los responsables del refinamiento que consiguió Al-Ándalus en el siglo IX, cuando en Europa ni se lavaban, Córdoba tenía 600 baños públicos o una biblioteca con más de 400.000 volúmenes catalogados.

En 822 pisa suelo peninsular en Algeciras, en la época al-Jazĩra al-Hadrã, la Isla Verde:

“Algunos lo describieron cuando su llegada a al-Jazĩra, con un sombrero de astrakán que cubríale la frente hasta las cejas, despejando sus orejas y cuello, con su barba teñida de henna y, bajo sus párpados ennegrecidos con kohol, sus ojos brillan… A su paso, rodeado de sus mujeres jóvenes y hermosas y sus muchos hijos, emana un agradable aroma de flores”

Ziryab, del persa, زرياب, Mirlo Negro

Abul-Hasan Alí ibn Nafí, nació en Mesopotamia, en los tiempos de las mil y una noches, por el año 789. Su apodo le viene de su tez negra, su hermosa voz y su carácter agradable, atributos que recordaban a un mirlo.

Ziryab pasó a la historia por su labor musical como uno de los precursores de la guitarra actual, instrumento imprescindible en el flamenco, al añadir una quinta cuerda al laúd. En Córdoba fundó el primer Conservatorio de Europa, contando con una muy prolífica labor de composición, llegando a crear unas 10.000 piezas que era capaz de memorizar. Su máxima aportación a la música islámica fue la creación de la Nawba, una “suite” clásica: vocal e instrumental, que englobaba influencias cristianas, judías y africanas, con el clasicismo oriental.

Sus enseñanzas sobre música e instrumentos tendrían gran influencia sobre sus contemporáneos cristianos, judíos o ateos.

Este hombre polifacético ya hablaba de las propiedades terapéuticas de la música hace once siglos, labor que compaginaría con la de poeta, astrónomo, gastrónomo y creador de tendencias en la forma de comer, de servir la mesa, en el vestir o en la estética de su momento, marcando los patrones de lo que era y no era elegante. Deslumbró a toda la sociedad de aquella época, con sus refinadas forma de vestir y manera de actuar.

Fue el creador de un calendario de la moda marcando las temporadas: los vestidos de lino y sedas exóticas, el color blanco y las transparencias serían propios de primavera-verano. Los colores más sobrios y materiales más gruesos como la lana quedarían reservados para el otoño-invierno. Pero fue mucho más allá creando el primer instituto de belleza del mundo, donde enseñaban técnicas de depilación, cosmética y peluquería. También puso de moda las pastas de dientes con sabor, el hábito de bañarse dos veces al día, creó un desodorante o instauró el flequillo como peinado de moda masculino.

Fue el impulsor del corte de pelo al estilo Camarón, con flequillo y largo por detrás.

Gastronómicamente, instauró el orden de los platos que aún hoy deberían perdurar en las mesas de casi toda la península: primero las sopas, luego los entremeses, continuamos con el plato principal y finalizamos con el postre. Aportó a las recetas del momento nuevos ingredientes que hasta entonces eran desconocidos e introdujo la cuchara y las copas finísimas talladas en cristal para el vino, anteriormente se usaban las de oro y plata, así como los manteles de cuero fino.

El Ziriabí, es una receta de habas al estilo persa que aún se conserva en Córdoba a S.XXI recordándole.

Pero el plato que más influencias dejó en varios países fue su Zirbãya, elaborado con queso fresco o leche, cordero, almendras, vinagre y azúcar. Trocando el cordero por pollo se convirtió en el menjar blanc catalán, el blanc-manger de Francia o el biancomangiare de Italia.

Falleció en Córdoba en el año 857, donde impulsó el desarrollo intelectual de la ciudad y del mundo musulmán, a nivel europeo eran la vanguardia intelectual.

Abũ-l-Hasan Alí ibn Nãfi (أبو الحسن علي ابن نافع), nació aproximadamente en 789 d.C. en la ciudad, actualmente iraquí, de Mosul.

Desde niño fue discípulo del eminente músico Ishãq ibn Ibrahĩm al-Mawsilĩ , venerado maestro de la escuela Udist en Bagdad y músico oficial de la Corte califal, quien lo aceptó entre su muy escogido alumnado ante su ansia de saber, su inteligencia y notables dones.

Pasado el tiempo, fue presentado por el maestro como su alumno más aventajado ante el califa Hãrũn al-Rašĩd que le pidió que le hiciera una demostración, a lo que respondió el joven:

“ Si Su Alteza quiere oírme tocar algo a la manera de mi maestro, me acompañaré de su instrumento, pero si quiere conocer el método que inventé, necesito el ũd que elaboré para mí mismo. Mi instrumento, si bien tiene las mismas dimensiones y madera que el ordinario, es alrededor de un tercio menos pesado; sus dos primeras cuerdas (zĩr/mathnã) están hechas de seda hilada en agua fría, bien tensadas, pero flexibles sin ser blandas, y son más fuertes que las cuerdas utilizadas habitualmente, cuya seda ha sido torcida después de empapadas en agua muy caliente. En cuanto a la tercera y la cuarta (mathlath/bamm) de mi ũd, se hacen con los intestinos de un cachorro de león, lo que les permite sonidos más melodiosos, claros y densos. Su uso es más duradero y son más resistentes a los cambios de temperatura que las cuerdas hechas con los intestinos de otros animales“.

Autorizado por el califa, el joven Ziryãb entonó los versos y la música que había compuesto especialmente para él, y lo hizo tañendo su propio ũd. El soberano no pudo ocultar su entusiasmo y manifestó su afán por convertirlo en músico de su corte.

A partir de ese momento todo el afán de su maestro estribó en librarse de su rival al verle las dotes, incluso superiores de lo que él había intuido,

Dolido con la actitud de su admirado maestro y no ignorando el poder que había llegado a acumular, Ziryab determinó emigrar.

Después de pasar por Alejandría, viajó por todo el norte de África hasta llegar al-Magreb y se asentó en Qayrawãn, fue dándose a conocer, relacionándose con los músicos más afamados, hasta que consiguió deslumbrar al emir aghlabí Ziyãt-Allãh I quien contrató sus servicios con muy ventajosas condiciones y emolumentos. Allí la reputación del genial artista creció pronto y se extendió hasta más allá de las fronteras del país. La vida artística del barrio donde residía hervía de animación gracias a él; la alegría y el nivel de sus actividades creativas lograron que aquel barrio llegara a ser conocido por su nombre: “al-hay al-ziryãbĩ “. Y así fue gracias a la protección del emir; hasta que perdió ese favor con que era distinguido al sentirse ofendido por unos versos del artista, que en consecuencia fue sentenciado al látigo y, más tarde, desterrado. Corría el año 821 d.C.

Este penoso incidente fue presenciado, casualmente, por un embajador del emir omeya al-Haqem I, ya que hasta Córdoba había llegado noticia del ambiente cultural que Ziryãb había creado . Al-Mughannĩ lo invitó a seguirle hasta Córdoba para entrar al servicio del emir omeya. Pero, ya en 822, apenas pisado suelo peninsular en al-Jazĩra al-Hadrã (Algeciras, la Isla Verde), la suerte le volvió una vez más la espalda al recibir la noticia de la muerte de al-Haqem I.

No obstante, aunque hubiera muerto, Abd al-Rahmãn II, su hijo y sucesor, era aún mayor amante de la poesía y la música que su padre y contrató sus servicios; le ofreció un palacio en Córdoba, una al-munya en su alfoz valorada en 40.000 dinares, una pensión anual de 5.640 dinares, 300 almudes anuales de cereales y otros muchos privilegios, y todo ello antes de haberlo oído cantar.

No tardó en darse a conocer Ziryab en la corte cordobesa; no era su misión pasar inadvertido y, además, estaba incapacitado para conseguirlo. Pronto alcanzó renombre, y todo el que quisiera deslumbrar con sus fiestas no podía olvidarse de invitarlo; entre la jassa (aristocracia andalusí) ya no se pudo prescindir de él.

El pago tan generoso que recibía de Abd al-Rahmãn II fue considerado excesivo por otros personajes de la corte andalusí, como fue el caso del célebre poeta Yahya al-Ghazãl y del mismo tesorero del emir, quien se negó a abonar a Ziryab las desorbitadas sumas que tenía asignadas; pero tan convencido estaba el soberano de los merecimientos de su protegido que terminó pagándolas de su propio bolsillo.

Las prósperas condiciones de vida del músico en Córdoba causaron asombro incluso fuera de al-Ándalus, y otro eminente músico de Bagdad llegó a lamentarse ante el Califa de que,

“mientras Ziryãb con los omeyas de al-Andalus cabalgaba rodeado de más de un centenar de esclavos y poseía treinta mil dinares, él, probablemente moriría de hambre…”

“ A Ziryab nunca le tentó ni la política ni el poder ni quiso inmiscuirse en las intrigas palaciegas, lo que contribuyó a elevar su posición en la corte y aumentar una fortuna calculada en 300.000 dinares, además de varias alquerías de la campiña cordobesa. Ni en Bagdad ni en Bizancio había sido jamás pagado tan generosamente el arte de un músico ”,Mahmoud Guettat

La rápida y enorme arabización que originó su influencia en la lengua y las costumbres alcanzó a las comunidades de cristianos, judíos o de otros credos. Pero en nada era comparable a su caudal musical.

Su labor docente como pionero en crear el primer conservatorio de música en Europa, a través de su método pedagógico, que generó con el tiempo en al-Ándalus rodeado de los mejores especialistas de su época, seguía las siguientes fases:

1) Estudio preliminar de la voz del estudiante, que, sentado erguido en un taburete alto debía gritar lo más alto posible: «¡Yã hajjãm!» (¡Oh barbero!), para sostener esa «ãh» prolongada entonando la escala, ascendente y descendente. Con esta prueba descubría las virtudes vocales del candidato y si mostraba timbre nasal o dificultades respiratorias. Si la voz era débil, practicaba el vendaje del vientre con un turbante para reducir el espacio y el aire en la zona abdominal, facilitando la emisión de los sonidos. A los discípulos que presentaban dificultades para la apertura total de la boca les aconsejaba colocar entre los dientes un trozo de madera de un ancho de tres dedos durante el sueño de varias noches seguidas.

2) Sistema pedagógico en avance progresivo desde lo fácil hasta lo complejo:

– Recitación del poema con acompañamiento de percusión para apreciar ritmos y acentos.

– Aprendizaje de la melodía en toda su sencillez y despojada de adiciones superfluas.

– Estudio de matices y ayudas ornamentales para aportar a la obra la expresión, el encanto y la creatividad del artista o instrumentista.

3) Canto sometido a la secuencia musical llamada “nawba» o nuba, regla que aportó y que supuso el predominio del ritmo musical sobre la métrica poética.

Mahmoud Guettat describe la magia del mirlo:

“preponderancia a lo misterioso, lo mágico-místico y religioso de la música, así como su poder expresivo y terapéutico y sus poderosos efectos sobre el alma humana. Esta concepción ganó todas las consideraciones en el Occidente musulmán, donde constituirá los cimientos mismos del edificio musical: las veinticuatro nubas imaginarias y el árbol simbólico de los «temperamentos» (shajarat al-tub’) —colérico, sanguíneo, flemático y melancólico—, según una tabulación que asigna un carácter para cada nuba; la concordancia de las cuerdas del “ũd” con los dones cósmicos y las diversas manifestaciones psicofisiológicas del hombre; la estrecha relación entre el origen mágicoreligioso de la música y la cosmología, la medicina, las matemáticas y la ética”

Ibn Khaldun escribió sobre él:

"Fue autor de un repertorio inmenso de canciones que llegó hasta el período de las taifas y, como un océano, sumergió a Sevilla para luego alcanzar a las otras provincias andaluzas y más tarde al Magreb".

Con el tiempo, estas creaciones llevadas a los reinos cristianos peninsulares por juglares y juglaresas mudéjares y moriscos, o otros músicos peninsulares , alcanzarían el ámbito de los trovadores provenzales e influirían en la música de toda Europa."

Sus hijos siempre colaboraron con él y contribuyeron al negocio familiar, primero como discípulos y propagandistas de su escuela, luego como sus sucesores.

Ziryab murió en Córdoba en 857 d.C., y su muerte fue llorada por todo el pueblo, por los nobles y los intelectuales, siendo acompañado hasta su última morada incluso por el emir Mohamed I y su sequito.

Ziryab fue un trabajo del guitarrista Paco de Lucía buscando en su imaginario los tiempos del califato cordobés. Gracias al archivo visual YouTube, podemos apreciar como sigue viva parte del legado andalusí, en el fascinante y expoliado: Afganistán en el siglo XXI, que no sólo se debe conocer por los talibanes, sino por ser un enclave estratégico en la ruta de la seda, paraíso sensorial hasta la llegada de los hippies.

Amjid Malang, al rabab, versión oriental del Ziryab:

Laúd y cantes, a lo Gangsta bajo la luz de una lámpara de gas y el cantaor invitado con su kalashnikov. Me recuerda muchísimo al flamenco, se oye el baile sin que nadie baile:

Gul Mohammad , dombura y cante, y amigos:

Los hippies en sus caminos a la India, encontraban Afganistán, donde lo sensorial se daba la mano con la hospitalidad. Hoy los intereses son los mismos pero con más avances que combinan futuro con guerra. Así y todo,su orgullo les hace seguir siendo los otros hippies. Amjid Malang y otros amigos, tema pop psicodélico sin querer serlo, y otras esencias afganas.

El sonido Ziryab sigue presente en la música universal.

DesNEGRificaciOn: Cantos gregorianos, Cornetas y Tambores

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 21 Nov 2022 00:30:20 GMT

Des NEGR ificaci O n : Cantos gregorianos, Cornetas y Tambores

"La mente africana tiene mucho que aportar, no solo a la comprensión mundial de las artes, sino también a la comprensión del espiritismo. Esa es la contribución que África hará al mundo del futuro: una inyección de cordura en el entorno del universo mismo. " Fela Kuti

En estos días que Coca Cola, estará a punto de lanzar su nueva campaña de Navidad Blanca Anglo Sajona., mostrándonos la última actualización de su patente de Papa Noel que, tal y como todos lo conocemos, nació en 1931 por encargo a una agencia de publicidad con el objetivo de crear un personaje a medio camino entre lo simbólico y lo real, como han hecho con gran parte de la historia.

Me gusta más imaginarme las escenas de la Navidad como en un Belén y según me dicen lo más parecido a esa imagen está aún en Etiopía, a siglo XXI.

Que tienen que ver los cantos gregorianos, el cante y San Tiago.

Como cristiano pasivo me ha tocado asistir a varias liturgias y nunca le cogí el compás. En las procesiones de San Fernando, que como soldadito español me comí a paso lento acompañado de una tremenda orquesta de tambores y cornetas, con olor a salinas, se empezaba a intuir su cercana procedencia, mucho más evidente que mis visitas a Montserrat, a pesar que La Moreneta , es negra, aunque digan que está ahumada.

Gracias al archivo histórico africano, vivito y coleante, podemos imaginarnos otra Navidad, con otros cantos, tambores y cornetas, siempre sacándonos de encima todos los arquetipos mentales que nos han metido en la cabeza, los escenarios de Jesús están más conectados allí que en el Vaticano.

Nace una nueva corriente espiritual, el camino a Santiago, atrae a gente de todas partes y a africanos también. Por otra vía, los Pirineos, se tiene constancia de la presencia de unos peregrinos que vía Barcelona buscan el fin del mundo, estos por primera vez: Los Gitanos.

Para ello hay que trasladarse a otro escenario, en lo que se ha llamado el sustrato del flamenco, a partir de mediados del siglo XV, periodo de expansión del cristianismo, tras varios siglos en que gran parte de la península seguía los preceptos de Ala y de los nuevos pobladores, la gran mayoría de ellos Negros.

Barcelona, 20 de marzo de 1455

Andreu Català, lugarteniente de la tesorería real de la Corona de Aragón, recibía 55 sueldos barceloneses de manos de un grupo de libertos negros. Se pagaban los costes de la redacción y aprobación de unas ordenanzas con el fin de oficializar una cofradía formada por negros LIBRES cristianos, residentes en la ciudad de Barcelona. La sede fue la iglesia parroquial de Sant Jaume que reunía a todos los negros de la ciudad, libres y esclavos, bajo la advocación al apóstol Santiago, “a quien siempre invocan y tienen en gran devoción”, convirtiéndose en el testimonio más antiguo de cofradía de negros, de la que se tiene constancia, en todo el Occidente cristiano.

En esa época la iglesia estaba ubicada, lógicamente, en la plaza Sant Jaume, hoy está en la calle Ferrán.

Su integración en el movimiento asociativo cristiano propició su participación en los primeros rituales ceremoniales públicos de la Europa occidental, y de Barcelona, en particular, en el fin de lo medieval y las primeras décadas de la Era Moderna.

En Barcelona, entre las disposiciones fundacionales de la cofradía de Sant Jaume se establecía su participación en la procesión anual del Corpus Christi.. El texto normativo afirmaba que los negros cofrades ya acostumbraban a exhibir el gran cirio de la hermandad, así como sentenciaba que la profesión de fe hacia el apóstol Santiago era igualmente anterior. Hay constancia documental de su participación en la festividad en 1508, año en el que fue aprobada una disposición que regulaba el orden de desfile, en un intento de zanjar las disputas surgidas entre las cofradías a causa del lugar que le correspondía a cada una de ellas, que en la segunda mitad del siglo XVI ya eran una veintena de compañías de danza negras.

El negro Joan Marquet

La compañía de atabaleros de la ciudad estuvo formada por percusionistas negros y así fue durante varias generaciones.

La primera referencia la encontramos fechada a 25 de mayo de 1533, cuando el negro Joan Marquet, atabalero mayor, recibió del clavario de la ciudad un sueldo y cinco dineros como soldada propia y de la compañía “para sonar los atabales el dicho año en el día de convocatoria, vigilia y día del Corpus Christi”. Pronto ocuparon, no sólo la percusión, formaron parte de las secciones de trompeteros y desempeñaron cargos de arrieros.

Barcelona y, poco después, en Valencia surgieron las primeras hermandades de esclavos y libertos negros, a lo largo de la baja Edad Media estos dos puertos acumularon una sólida experiencia en el comercio de esclavos, muchos años antes de introducir, al despiste, al Marqués de “Comillas”, Antonio López, que no se vea muy català, para eso estaba su maestro y suegro.

Cuando se habla de África se suele asociar a una imagen de NOculturales, para lo cual la esclavitud es el único pasado que se le asigna desde occidente, borrando su impronta en gran parte de la cultura modera. Menos se suele pensar que en la cristianización peninsular y definición de sus cantos, toques y bailes ceremoniales estuvieron marcados por gente negra que eran cristianos desde que este salió a la palestra.

Cofradías, Negros y Procesiones: la asimilación de la negritud en el Occidente Cristiano a principios de la Era Moderna, supuso su inspiración y ayudaron a dibujar las músicas tanto cultas: Canto Gregorianos, como las populares, para mi evidentes en el flamenco y en la música gallega, en particular, y en otras músicas populares. Su influencia no sólo fue peninsular, en Europa el efecto fue el mismo, no se podría explicar el arte, literatura o música, moderna, sin la influencia africana.

Lalibela la Compostela africana

La peregrinación de los cristianos coptos de Etiopía y Eritrea, después de caminar durante semanas, les lleva a rezar en alguna de las once iglesias de Lalibela, cavadas en la roca en el siglo XII, el mismo en el que se acabó el Pórtico da Gloria. Los dos templos, el etíope y el gallego, nacieron prácticamente a un tiempo y se convirtieron en centros de la cristiandad.

La austeridad de las iglesias y el vestuario de los fieles, blanco para los oficios religiosos, nos hace pensar en una comunidad anclada en el pasado, es como volver a la época de Jesucristo, que ha conservado imperturbables sus costumbres.

Lalibela y Santiago fueron centros de la cristiandad simultáneamente, la conexión entre sus fieles está presente en sus obras arquitectónicas y musicales, la presencia gallega en esa zona montañosa etíope es evidente como muestran sus templos y palacios.

Etiopía se cristianiza en el Siglo IV al estar desde el siglo I, a principios de la era cristiana, en el camino de un comercio muy activo con el Mar Rojo, debido a lo cual la llegada de comerciantes judíos y cristianos fue relativamente fácil.

Es copta por sus ritos, aunque no dependan de Alejandría

No es Calcedoniana, es decir se aleja de las tesis romanas

Es monofisita, es decir, aceptan el predominio de la naturaleza divina

Es ortodoxa, es decir, separada de la iglesia de Roma

Es etíope, es decir, “autocéfala”

San Tiago

En hebreo es Jacob, pero con el tiempo se ha ido deformando en Jacobo, Iago, Yago, San Iago, San Yago, Santiago, Tiago o Thiago, Diego, Jaime, James, Jim, Jimmy, Jackes, Jacques o Jaume.

Decir San Santiago es un error.

San Yared (505 - 571) fue un músico etíope, al que se le atribuye la invención de la tradición de la música sacra de la iglesia ortodoxa etíope, y su sistema de notación musical. Patrón de la música, es representado con un sistro, instrumento musical del que se dice que tiene el sonido de los clavos de Cristo. Es el liturgista de la iglesia Etíope y el que compuso los ritos que aún perviven.

Para muchos. que gente negra llegó a cristianizarnos, les suena como del revés, contradiciendo las corrientes culturales surgidas a partir del siglo XVI. Antes de que la fe por Jesús se predicase en Europa, era tradición en África y lo sigue siendo, sólo lo verás si quitas el estigma que se les atribuye: Esclavos, hubo esclavos de todos los colores.

A partir del siglo XIX se empieza a hablar de flamenco, surge una nueva era la Industrial y será terrible con todo lo que este entre El Ebro y el Cabo de Buena Esperanza.

Hoy gracias a la escuela mística de Youtube tenemos acceso al mundo en una pantalla. Para ello les convido a una noche de Navidad en Lalibela, bastante actual, donde toda la liturgia de nuestra cristiandad está presente como se ha hecho en los últimos 2000 años, Cantos, Tambores y Cornetas. Aquí, SI, se puede ver como influenció el Canto gregoriano en el flamenco, en los actos litúrgicos barceloneses con el Negro Joan Marquet llevando el paso o en la actual: Hermandad de los Negritos de Sevilla. Pero también son evidentes las influencias en los tambores bata o el movimiento Rastafari , en el Caribe y en los espirituales o la música de John Coltrane.

Indio Gitano Sufí

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 14 Nov 2022 00:36:26 GMT

Indio Gitano Sufí

Desde la Cumbre del Clima en Egipto.

Nusrat Fateh Ali Khan, Bernardo Silva y Aziz Balouch,

por el tajo de Suez o en caravanas.

"En el cante jondo, lo que hay que buscar siempre, hasta encontrarlo, es el tronco negro del Faraón"

Estos días se desarrolla la Cumbre del Clima en Egipto, una de las subdivisiones del África colonial, negociadas sin la presencia de un solo súbdito africano. Como recordaba, siempre, el faraón del cante gitano, las raíces hay que buscarlas hasta encontrarlas, en el origen Negro, de la dinastías faraónicas en el corazón del África, no en el mediterráneo sino más bien en torno al hoy llamado Congo (Belga), una reserva inagotable de ecología vital, en expolio constante. Por allí cerca nace el Nilo Blanco, por Etiopía el Azul, en Sudan se juntan.

Desde una perspectiva intelectual se ha tendido a distorsionar, el flamenco ha sido también uno de los manipulados. A menudo los términos gitano o las raíces religiosas se confunden.

Mucho más al norte de los orígenes del Nilo, una ciudad balneario en mitad del desierto ha sido el escenario elegido para la celebración de la cumbre, en la que precisamente el agua será uno de los temas a debatir.

Sharm el Sheikh, epicentro del turismo de lujo, cuenta con más de 200 complejos hoteleros, equipados con grandes piscinas y, en algunos de ellos, campos de golf, se extienden por la franja costera del Mar Rojo.

Mar Rojo , paraíso natural, intervenido con graves daños, de nuevo sin contar con la opinión de un solo súbdito africano. Cuando Dios creó el mundo no unió el mar Rojo con el mediterráneo, lo unió el hombre, creó un canal Suez en medio de la cuna de todas las religiones modernas. Un inmenso tajo volvió a herir a África, pero esta vez tuvieron que trabajar en las obras y sufrir los cambios medioambientales de la zona, dónde había tierra hay una frontera acuática. Buscando ese tema tan actual, el comercio de proximidad.

Cuando los antepasados del cantaor Bernardo Silva pusieron rumbo a Extremadura el canal no estaba operativo y llegaron por vía terrestre.

En las negociaciones climáticas, quienes tienen que proteger el planeta llegan en jets privados, una hora en un jet de esos produce dos toneladas de CO2. Debatiendo el futuro ambiental está presente el lobby más destructor del medio, el de los combustibles, vinculado a las compañías de petróleo, gas y carbón inscritas para participar.

No hacía falta que llegasen en burro, ni buscar un lugar mejor integrado en el medio, pero que no sea a peor.

Aziz Balouch, Flamenco Hispano Sufi.

El canal de Suez, es de vital importancia para el abastecimiento europeo de petróleo y el comercio mundial en general, puesto que permite la comunicación entre Europa y el sur de Asia sin rodear el continente africano por el cabo de Buena Esperanza. Convirtiéndose en la nueva vía de contacto con la población del Indostán y resto de Asia, para el flamenco también.

Se inauguró oficialmente el 17 de noviembre de 1869, fue la ruta de Aziz Balouch, que unos años más tarde llegó hasta Barcelona para grabar el primer disco de fusión: flamenco sufí, para Parlophone Records.

“Llegamos a Gibraltar, el histórico Jabal al-Tariq; cuando contemplé el Peñón y el Castillo de Tarik, las fronteras y las primeras vistas del sur de España, me sentí como quien vuelve a su propia casa”.

En su segunda casa acabó apadrinado por uno de los cantaores en boga:

UNAS PALABRAS DE PEPE MARCHENA, EL GRAN EJECUTOR DEL “CANTE GRANDE”

AZIZ,

Así le llamo yo cariñosamente muy orgulloso de poder llamarle mi discípulo, ya que es un case único en la Historia del Cante Jondo. Algunas veces, cuando olvido que viene de un país lejano, pienso que es español, como Aziz siempre dice:

“Que España es su Patria, igual que Pakistán”

Con un don de Dios para el Arte y la Voz, cantor magnífico de Jondo, que con su cante parece llevar el alma al Cielo.

También me ocurre considerar que pueda ser una segunda encarnación de Zyriab, aquel que vino hace ocho siglos a enseñar música a la Andalucía de entonces.

Teniendo la suerte de conocer las dos Músicas práctica y profundamente, con toda lógica debe considerársele como una auténtica autoridad en la materia.

Para mí ha sido un gran orgullo el haberle enseñado las cosas más delicadas del cante nuestro, estando conforme con él sobre el origen del Cante Jondo.

Le deseo el mayor de los éxitos con este libro, como él se merece.

José TEJEDA

(«Pepe Marchena»)

Extraido del libro de Aziz “Cante jondo. Su origen y evolución” (1955).

Azizullah Abdurahman Balouch nació en Baluchistan, aún bajo el Imperio Británico, en 1909. Su familia se trasladó a Sindh, estableciéndose en la ciudad de Pir-jo-Goth, en el centro de la comunidad sufí de Hur, encabezado por Pir Pagaro, protagonista de distintos actos de insurgencia contra el colonialismo británico. Allí inició sus estudios en la madraza de Dargah, aprendiendo sindhi, árabe y farsi, así como estudios coránicos a partir de los versículos de Maulana Jalaluddin Rumi y el poeta sufí Shah Abdul Latif Bhittai, entre otros. En el oratorio, se familiarizó con las canciones devocionales sufíes a través de los cánticos de los devotos que llegaban hasta allí desde distintos lugares, durante las ferias. En la escuela secundaria comenzó a interpretar y recitar los versos y las melodías populares de Sindhi.

Las primeras grabaciones de flamenco llegan vía el canal de Suez a Pakistán.

Mientras preparaba sus exámenes para entrar en la Universidad, tuvo su primer contacto con el flamenco, escuchó la colección de discos de un exitoso hombre de negocios hindú, Hotu-Khemchand, que había establecido su empresa y su residencia en Gibraltar.

Así que aceptó su oferta de trabajo y llegó a Gibraltar, que contaba ya con numerosos comerciantes hindúes que operaban a través de ese puerto tras la apertura del canal. Como resultado de esa transformación en las rutas marítimas, la comunidad hindú de Gibraltar empezó a conformarse en 1870, a partir del mercado textil del algodón. Era el caso de la familia Hotu-Khemchand, que contaba con diversas tiendas en Main Street.

Balouch llegó a Gibraltar en barco en julio de 1932. En sus memorias, escribe:

“Durante mucho tiempo en la historia de Gibraltar, la frontera terrestre con España ha sido relativamente fluida, con la gente viviendo, trabajando y socializando a través de la frontera en la vecina ciudad de La Línea de la Concepción”.

En La Línea asiste, lo antes que le es posible, a una actuación de artistas flamencos, entre los que destacaba: Pepe Marchena y La Niña de los Peines.

Recuerda el escritor gibraltareño, Williamson Fa:

“Entusiasmado por la interpretación, Balouch le insistió a sus amigos que invitaron a los artistas a su casa en Main Street al día siguiente ya que deseaba cantar para ellos. Aceptando su requerimiento, los artistas visitaron al empresario y Balouch interpretó varias piezas flamencas y canciones Sindhi, acompañándose a sí mismo con un armonio que había traído desde Sindh. Sorprendido por el breve recital, Marchena le invitó a actuar en escena a la tarde siguiente en el Teatro Cómico de La Línea. Balouch realizó una versión de un cante de Marchena, La Rosa –presumiblemente la cantiña de La Rosa–, que resultó tan popular que tuvieron que bajar el telón siete veces”.

El hindú que canta flamenco, discípulo de Marchena, con su instrumento mágico: el harmonium.

En los periódicos de Gibraltar, llegó a calificarse aquella velada como

“un extraordinario acontecimiento en la historia del flamenco”.

Marchena le acogió como discípulo, con el nombre artístico de Marchenita y, en Madrid, le abrió las puertas de numerosos artistas relevantes de la época. Los carteles le anuncian como

“El hindú que canta flamenco, discípulo de Marchena, con su instrumento mágico”.

El director de la casa de discos Parlophone Records, de Barcelona, le ofreció grabar sus canciones y así apareció un EP con cuatro cortes en los que se aprecia un primer intento de experimentación y fusión con la música flamenca. Se tituló, curiosamente, Sufí Hispano Pakistaní.

No tuvo demasiado tiempo para expandir sus ideas, con el estallido de la Guerra Civil, se exilió en Londres.

Volvió en 1952, como agregado a la Embajada de Pakistán, y aprovechó su vuelta para publicar “Cante jondo. Su origen y evolución” (1955), uno de los primeros tratados que establecen el origen del flamenco en las músicas de Oriente Medio que penetraron en España durante el periodo árabe. Uno de los ejemplos que da en el libro relaciona la saeta con la marsiya, un canto pakistaní que conmemora el martirio del Imam Husayn, y que, al igual que en Semana Santa, apenas tiene otra compañía que la de un tambor. En el libro destaca la figura de Ziryab como el músico clave, la figura esencial que logró ensamblar las dos tradiciones de forma definitiva.

En 1963 participó en Córdoba en el “I Festival de Poesía Árabe”, donde aquel sufista pakistaní impartió una conferencia en la que, además de volver a trazar el paralelismo entre el flamenco y la música sindhi, también recitó un poema escrito para la ocasión, titulado:

“A la Mezquita de Córdoba”.

Santuario de los que aman el arte.

Puerto glorioso de la fe.

Tú has hecho el suelo de Andalucía sagrado,

tan sagrado como el de la Meca.

Quince años después de pronunciar aquellos versos en Córdoba murió en Surrey, en las afueras de Londres.

Aziz Balouch había mezclado poesía persa, sindhi, árabe e hindi con las melodías y letras en español del flamenco. El resultado de aquellas sesiones grabadas en Barcelona fueron cuatro canciones que hoy constituyen uno los primeros ejemplos de experimentación y fusión en la música flamenca. El disco hace unos años fue reeditado por una compañía británica.

“Estoy muy contento con haberme casado. Tanto la familia de La Josefa como la mía son muy católicos”, Bernardo Silva.

Más allá de tradiciones o creencias, razas o religiones, la música es universal, constantemente nos recuerda, hoy más que nunca, que somos hermanos y hermanas, ya que descendemos del mismo sitio.

Bernardo Silva Carrasco, gitano extremeño, conocido como “ El Indio Gitano ” o “El Moro”. De familia entroncada en Badajoz, nace en 1940 en Miajadas, Cáceres. Acabó instalado en el esplendor del Madrid flamenco donde murió, en el año de 1999, como figura en el Cante.

Sí Aziz llegó en barco a Gibraltar sin mucha escala. los antepasados de El Indio tuvieron que llegar, según cuentan, por tierra y peregrinando a Santiago, sin un canal suez que se lo impidiera. Como consecuencia, según cuenta el cantaor, su familia conserva la tradición gitana, pero su otro vinculo espiritual es lo católico, año 1973; hoy la situación ha variado un tanto pero en nada se asemeja a la tradición Sufí.

Tras diecisiete años de matrimonio gitano...

BAUTIZO Y BODA CATOLICA DE UN FAMOSO "CANTAOR CALE" EL INDIO GITANO SE HA CASADO CON SU ESPOSA, A LA QUE RAPTO CUANDO TENIA DIECISEIS AÑOS

Los dos tienen la misma edad: treinta y tres años. Los dos son gitanos legítimos, naturales de Badajoz, y se conocieron cuando eran muy jóvenes: ella, Josefa Silva, una chiquilla muy morena, esbelta, y tímida; él, Bernardo Silva, un galancete greñudo, como buen calé, que ya apuntaba el "cante grande" soleares, "seguiriyas", tarantas, que más tarde habían de convertirle en figura conocidísima en "tablaos" y salas de fiesta, el célebre Indio Gitano, también conocido por el Moro.

Ambos se enamoraron. Poco después, como la familia de ella se oponía a las relaciones, él la rapto, y una noche, tras casarse por el rito gitano, huyeron a Portugal.

Vivieron felices; tuvieron dos hijos: José, de dieciséis años, y Quica, una gitanilla muy guapa, de ocho. Bernardo se hizo "cantaor" profesional y viajó por medio mundo, mientras "la Josefa" cuidaba aquí la prole y suspiraba por él.

Hasta que hace cerca de tres años ingresó en el cuadro artístico del Café de Chinitas. Entonces, siguiendo los consejos del dueño del local, don Manuel Verdasco, y empujado a la vez por la "parienta" y los chiquillos, que ya se hacían mayores y querían legalizar su situación, decidió bautizarse y celebrar la boda católica. Así lo han hecho hace unos días en la parroquia de San Gerardo. Actuaron de padrinos otros dos artistas gitanos: el "tocaor" Luis, el Habichuela, y su esposa, la "bailaora" Conchita Vargas. Asistió al enlace una completa y genuina representación del mundillo gitano, encabezada por los dos hijos de los contrayentes, la gran "bailaora" María Albaicín, el guitarrista Serranito, los "cantaores" Candelas y Chaquetón, el "bailaor" Tomás de Antequera, el torero Bernardo, etc.

El Indio Gitano, al final, como los grandes políticos, hizo declaraciones:

“Estoy muy contento con haberme casado. Tanto la familia de La Josefa como la mía son muy católicos”

Febrer o de 1973

Dos culturas diametralmente opuestas, dos estilos de vida completamente diferentes, y un sentido común del ritmo y la música.

Bernardo encarnaba la tradición, gitano por los cuatro costados. Pero según los entendidos de donde viene: Gitano .

“La palabra “gitano” proviene de la denominación de “egipcianos” que se daba a los primeros gitanos llegados a España, que decían venir de una región griega llamada Pequeño Egipto ”. Según la web de Fundación secretariado Gitano

"En el cante jondo, lo que hay que buscar siempre, hasta encontrarlo, es el tronco negro del Faraón"

Según Manuel Torre:

“Todo lo que tiene sonidos negros tiene duende”.

Cuando se atribuye el origen del pueblo gitano, se le asocia, exclusivamente, a la zona del Rajastán, donde me consta que hay comunidades gitanas, pero también las hay en Egipto y al Sur de Egipto.

Sí se asocia gitano a egiptano, algo debería tener de eso, quizás venían de paso por otros lugares europeos, pero el termino Egipto tiene demasiado peso.

Comparto la premisa de Manuel Torre, piedra filosofal del cante gitano, los primeros y quizás últimos Faraones eran negros, como su cultura, de la cual afloran las, hoy, vigentes. De lo cual se podría deducir que el pueblo gitano pudo tener orígenes africanos, uno de sus caminos fue hacía Asia, nada se lo podía impedir y las caravanas de camellos se lo facilitaron.

“Una de las leyendas que relatan la partida de los Gitanos desde la India, se sitúa hacia el año 400. Según la misma, Bahram Gur, Rey de Persia, pidió al entonces Rey del Norte de la India que le enviara diez mil músicos y sus mujeres para unas fiestas”.

“Hace unos 1.000 años, los Gitanos emigraron en sucesivas etapas desde la India hacia Occidente. De los primeros que llegaron a Europa, se conservan referencias de pequeños grupos de peregrinos…” , Fundación secretariado Gitano.

El islam, nace en el s. VII d.C. a partir de las revelaciones de Alá a Mahoma. Si los gitanos partieron en el siglo V, no hubo ninguna relación con la música sufí del Indostán ni persa.

El Qawwali, versión sufí, es un tipo de música religiosa tradicional sud asiática originaria de la India islámica, conformada por una fusión de ritmos arábigos e indostaníes que se fueron asentando desde la invasión islámica mogol a partir del siglo XIII.

Existe una influencia preislámica del éxodo de gitanos hacía Europa, la infinidad de las muy diversas músicas de la Gran India estaba presente. Antes de la intervención británica comprendía la actual India, Pakistán, Bangla Desh… un gigante que había que dividir para controlar mejor: religiones y guerras.

Para El Indio su primera fe era la gitana, la segunda la católica, en un contexto extremeño que superficialmente poco se parece al sufismo pakistaní, pero en las entrañas mantienen algo previo a la conversión a cualquier religión.

El flamenco como sentimiento auténtico de estar haciendo algo con cientos de años de historia, el vivir cada nota, cada cante, hacerlo de corazón y su conexión con lo ancestral, lo unen a cualquier música con Alma de cualquier rincón.

El sufismo / At-tasawwuf, surge bajo influencias del misticismo católico en el bajo Egipto, Etiopia y alrededores.

At-tasawwuf, misticismo en árabe, como creencia y práctica mística y ascética en el Islam apareció por primera vez en el oeste del mundo islámico: Egipto, bajo la influencia del monaquismo cristiano oriental a principios de los siglos VIII. Se fue extendiendo ampliamente por todo el mundo islámico desde Egipto hasta España en el oeste, hasta el Turquestán oriental en el este, incluyendo Irán, Afganistán, India y Asia central.

Etiopía un Al Andalus, sin el toque ibérico, en el Siglo XXI.

Se ha tendido a mitificar Egipto, pero más al sur surgen las bases.

Etiopia un país con hondas tradiciones ancestrales, que rezan a una Virgen María Negra, su escritura recuerda a la hebrea y visten como musulmanes, con una belleza natural y rica en música, aún conectados con el animismo, pero desde años sometido a los intereses internacionales en rebelión constante. Es el único país de África sin colonizar como Dios manda, siendo pioneros en esos menesteres. De allí dicen que surgen las bases religiosas con que comulgamos hoy. Una realidad muy semejante al idolatrado Al Andalus, desde sus raíces hasta el siglo XXI en directo.

A los africanos en la India se les conocía originalmente como Habshis, que en persa significa abisinio, el antiguo nombre de Etiopía era Abisinia. Hoy siguen camuflados en la zona con el nombre de Siddi, que tiene su origen en el sayyid árabe, que significa maestro. De los africanos que llegaron antes no hay constancia.

De los cuarenta del siglo XX eran Bernardo Silva y Nusrat Fateh Ali Khan, con un parecido particular, tanto física como emocionalmente, dos Faraones de la música y ambos criados según una base musical familiar.

Nusrat Fateh Ali Khan

Nació en el año 1948 en la localidad de Faisalabad en Pakistán, en el seno de una familia de tradición musulmana punjabi, conectados a la música desde hace más de 600 años. Con 10 años empieza a cantar Qawwali, llegándose a convertir en el mejor cantante de este estilo musical de toda la historia y pieza clave para darlo a conocer al mundo. Las tonalidades que salían de su garganta impresionaban y se podía estar hasta diez horas recitando. Cantaba principalmente en idiomas como el urdu y el punjabi, aunque también a lo largo de su carrera se le vio hacerlo en hindú, persa o bhasha, llegando a ser considerado un referente local de sus músicas.

En los años 80 se muda a Birmingham, UK, contratado por la Oriental Star Agencies, para con el tiempo llegar a convertirse en una artista internacional en el nuevo fenómeno de ese momento la World Music.

Falleció en Londres en 1997 a causa de un infarto, dos años antes que El Indio, ni este, ni ningún flamenco han estado casi presentes dentro del circuito internacional de la World Music, siendo una de las más internacionales sin ese apoyo.

Como pasa en las cumbres climáticas debe pasar con las flamencas que no cuentan con las personas que los deberían representar, siguiendo el ejemplo de las reuniones por la paz, influidas el lobby armamentístico o las de salud a merced de farmacéuticas o los señores de la droga.

El flamenco ha creado caminos paralelos para moverse por el mundo vinculado a lo ancestral, aunque sus detractores se cuelan en sus modos.

La Niña de los Peines y los Tarantos británicos de Linares. Por Carmen de Burgos: Feminista, cuando aún no se había inventado el término.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 08 Nov 2022 21:28:58 GMT

La Niña de los Peines

y los Tarantos británicos de Linares.

Por Carmen de Burgos: Feminista, cuando aún no se había inventado el término.

"Linares era muy extraña. Allí las clases de la sociedad no se confundían. A un lado los indígenas, clase media, pueblo y escasa aristocracia; a otro, la rica colonia inglesa, en su lujoso barrio, con su pastor protestante, su capilla, su casino, sin mezclarse en la vida de los otros. Separadas de una y otra, la población minera, el rebaño trabajador, dividido también en diversas categorías.".

"Le parecía imposible que los hombres aceptasen semejante servidumbre; viéndolos así, nació en su alma el sentimiento de la rebeldía contra la injusticia, contra la estupidez de los humanos, que en vez de coger los frutos brindados óptimamente a sus necesidades en toda la superficie de la tierra, se agrupan en ciudades, se esclavizan, y mientras los frutos maduros se pudren al sol en las selvas vírgenes, arañan las rocas para sacar un miserable sustento. Sin duda, la idea del anarquismo nació en la mente de un minero"

"Los tarantos, que trabajaban la temporada de invierno en las minas de Linares en vez de emigrar al África, v pasan sin cambiar de ropa más que una sola vez desde la varada de Noche Buena a la de San Juan. Venían con su petatillo al hombro, con la muda limpia, y salían con la muda sucia para sus casas, cubierto el cuerpo de una corteza de tierra y sudor".

"En Linares se llama tarantos a los mineros de las provincias de Almería y Granada. Se cree que el origen de la frase es por elipsis de estarantos, a causa de la unión fraternal que reina entre ellos, y que les hace acudir unos a otros en los momentos de peligro".

Carmen de Burgos i Seguí (Almería, 10 de diciembre de 1867 – Madrid, 9 de octubre de 1932) periodista, escritora, traductora y activista por los derechos de la mujer, también conocida como Colombine. Perteneció a la generación del 98, se la considera la primera periodista profesional, cubrió la Guerra de África en Marruecos, como una de las primeras mujeres corresponsales de guerra.

Maltratada por los críticos y escritores que parecían recelar de su libertad destaca entre sus novelas “Puñal de claveles”, escrita al final de su vida y basada en el suceso conocido como el crimen de Níjar, que tuvo lugar en 1928 en el Cortijo del Fraile, y que fue una de las inspiraciones con que contó Federico García Lorca para sus “Bodas de Sangre”.

Su otra pasión fue el flamenco, escribió letras por soleares, fandangos, tarantas que aparecen en su primer libro, “Ensayos Literarios”.

Como el sol de Andalucía

no hay otro sol en el mundo

Como el amor que te tengo

tampoco hallarás ninguno.

Soñé que me había muerto

y a mi tumba te acercaste

y entonces resucité

tan sólo por abrazarte.

Nunca conocía los celos

hasta que tú me los das

y quisiera que me dieras

mejor veinte puñalás.

Es la flor de mi cariño

una flor tan delicada

que se marchita y se seca

cuando dejan de cuidarla.

Una de sus favoritas:

CONFESIONES DE ARTISTAS

TOMO II

LA NIÑA DE LOS PEINES

Así como la belleza japonesa, hasta con su Venus de ojos oblicuos, chata y de pómulos salientes, hay otra belleza frente a la belleza evidente. La Niña de los Peines es muy morena, chata, de boca grande y de ojos rasgados. Es de una juventud desgarrada, profundizada, por los ardores de su canto. Le dan una gran seriedad esas cejas suyas, reflexivas sobre sus cuatro ideas de pasión. En el tablado, sentada en su silla como una reina dominadora, dejando que la guitarra se entone para entrar en el cantar, La Niña de los Peines se eleva sobre sí misma; los golpecitos del pie con que acompaña a la guitarra son elocuentes e imperiosos.

"Tin-tipitín-tipitín."

Mira hondamente a la sala, mira cómo se mira al vacío cuando se está loco de pena o de amor, cuando se piensa en otra cosa, en una cosa gravísima que turba el corazón. Son largos los solos de esa guitarra que la acompaña. Ella, llena de importancia, sé deja esperar mucho, mucho, y al fin dice la primera queja de su cantar. Es un alarido, primero desgarrado, muy desgarrado, casi ritmo, pero al que salva una cadencia profunda con que ella lo ordena y lo armoniza de un modo inimitable. Así se ve que el grito salvaje, desacertado y sincero, era necesario a la belleza del cantar para darle unas entrañas vivas y conmovedoras.

Esto es lo maravilloso, de este flamenco que canta La Niña de los Peines del verdadero flamenco que es

la prosa, el grito desesperado, bronco, cortado, espontáneo, de una altura inaudita; la salida brusca, la ocurrencia estupenda, convertida en un canto de clavijas apretadas, de medida precisa, de admirable enlace con la música.

Nada más serio que este cante flamenco de La Niña de los Peines y a la vez nada más gracioso cuando ella lo acaba o lo salpica con esos triquitraques de palabras, con esos estribillos arbitrarios y cortados en que se olvida y se burla de su dolor haciéndolo más agudo, en que juega y coquetea con su pena, con el malabarismo admirable de su voz, siempre llena de una sensibilidad sangrienta.

Me será inolvidable cómo he visto a La Niña de los Peines de litúrgica, de erguida, pestañeando mucho sus ojos, como esas estrellas que titilean nerviosas algunas noches, su boca abierta, negramente abierta y torcida, para dar toda su voz, respirando ávidamente el mucho aire que necesita su cantar. La Niña de los Peines es frente al canto académico el canto libre, que sorprende con matices desconocidos de la voz, con honduras desconocidas del alma, ecos misteriosos y combinaciones extrañas de una cadencia áspera a la par que dulce.

Movida por la curiosidad de ver de cerca a esta mujer tan genuina representante del alma andaluza, de ese al a elegíaca, apasionada, consumida en su propia pasión, he ido a ver de cerca a La Niña de los Peines para oírla hablar como la he oído cantar, como si deseara que se completase en mí su figura.

El cuarto de una fonda donde viven dos mujeres, con ese desorden natural de las artistas, una sola gran cama, en la que duermen la madre y la hija, y esa tristeza de los cuartos de fonda, en los que todo es siempre extraño a todos, con una frialdad de asilo, de rincón de café, donde no se es más que transeúnte.

Me recibe la madre, un tipo de gitana, guapa, matronil, de carácter insinuante y entro metido.

Mi hija duerme-me dice-; la pobre está cansada, esta tarde ha dejado de ir a los toros por esperar a usted..., pero como tardaba...

Antes de que se lo impida llega a la cama y llama:

-Pastora; Pastora...

La joven duerme vestida, tapada con la gran manta roja de la cama, y hace un movimiento para levantarse presurosa. Yo la de tengo.

-Hablemos así le digo-; esto nos dará mayor intimidad; me hablará usted como se habla a las amigas que se sientan a la cabe cera del lecho.

Pastora sonríe con una sonrisa algo ingenua, bastante triste, y se recuesta boca abajo, apoyada sobre los brazos, con los cabellos deshechos cayendo sobre el rostro, y con la mirada lejana a todo, que le es habitual.

A todas las preguntas sonríe y calla, no contesta más que con monosílabos; pero en cambio su madre se adelanta y me lo dice todo.

-¿Es usted andaluza?

Me dice que sí con la cabeza mientras sus ojos miran a Andalucía.

-Del propio Sevilla-me contesta la madre y criada en uno de los barrios más castizos hasta los once años, que vinimos a Madrid para ver a una tía suya.

-¿Desde cuándo empezó a cantar?-pregunto deseando que ella me conteste.

-Dende entonces-ataja la madre. Todos me decían: "tiene un tesoro en la garganta"; pero yo decía: "Jesús, María, ¿cantar mi niña?" Pero la necesidad obligó... y ya ve usted... Empezó entonces... en ese viaje, a los once años...

-¿Dónde?

-En el café del Brillante, en la calle de la Montera... después, en todas partes.

-¿Ha estado en el extranjero? Ella dice que sí con la cabeza.

-¡Ya lo creo!--responde la madre. En Santander, París, San Sebastián y Berlín.

He ido a impresionar gramófonos; pero no he trabajado más que en España-dice ella.

Su voz es llena, musical, agradable, y tiene ese gracioso acento andaluz que no se puede representar gráficamente, por como la letra se alarga, se adelgaza y se suaviza entre los labios.

-Siempre estamos de viaje-dice la madre, y gracias a Dios, nunca nos ha pasado nada malo. A América nos da miedo ir, porque al venir de Melilla por poco nos ahogamos, y le tengo miedo al mar.

Cuénteme usted alguna historieta de su vida--le pregunto con la esperanza de hacer le hablar.

-Nada, nada se apresura a decir la madre, Usted querrá saber los artistas que más le gustan. De cantaores, Chacón...; tocaores, Ramón Montoya, Habichuela...

-No es necesario...

-Puede usted decir que es muy buena, muy generosa; podía ser muy rica, y es el amparo de toda la familia: hermanas, tías, primos...; no sabe lo que gana, y es su madre la que lo arregla todo.

Miro con cierta lástima a la pobre criatura, callada y sumisa, tan buena hija, que se anula y se somete en todo a su madre.

-¿Qué cantos le gustan más?

-Las coplas que ella arregla e improvisa.

-Dígame algunas.

-Allá van.

De tango:

“Diez céntimos le di a un pobre

y me bendijo mi madre;

¡ qué limosna tan chiquita

pa recompensa tan grande!”

De malagueña:

“Los pícaros tartaneros

un lunes por la mañana,

los pícaros tartaneros”

¿Sefardí + Católico + Musulmán? + Gitano + X = Flamenco

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 06 Nov 2022 18:15:21 GMT

¿Sefardí + Católico + Musulmán?

+ Gitano + X = Flamenco

Un enigma sin resolver, quizás una de sus grandezas.

Como una coletilla, que se nos pega a cualquiera, cuando intentas saber sobre el tema, surge el enigma: ¿creía que el flamenco venia de los judíos, de los católicos, de los musulmanes o de la China, pero algo más habrá?

Desde que presto atención, no específica, en el Flamenco, todo el mundo se obsesiona en buscar al género musical orígenes exóticos, justificando casi, que alguien trajo el asunto ya cocinado y, acompañado de un poco demasiado de ningunamiento, a un largo pasado.

Nadie, o casi, se para a pensar que antes de que todos esos personajes, que han sido por norma conquistadores, pasasen por aquí, ya vivían hace millones de años pobladores, la historia no son 4 días y en la música menos. Quizás influenció en su música más su experiencia ibérica que lo que pudieron aportar, sí existió lo sefardí, gregoriano o andalusí, no se gestó en ningún exótico y lejano lugar.

El pueblo gitano, según nos dicen, llegaron justo cuando salieron musulmanes y judíos, curioso, no constan en ningún momento anterior y menos consta en ese Al-Ándalus o Sefarad, distorsionados. Lo que hace deducir que el contacto con esas músicas fue con las gentes que quedaban (X) y que cuatrocientos años después llamaron Flamenco.

X = todas esas personas que convivieron con estos escenarios y poco tuvieron que ver en esas contiendas, sino que fueron parte de un sincretismo de supervivencia, muchos con costumbres, hábitos anteriores y particulares, que no tenían confianza ni a Católicos, ni a Musulmanes, ni a Judíos muy ortodoxos.

Paco de Lucia, buscando inspiración, se instaló en Toledo para preparar su disco “Cositas buenas”, publicado en el 2004, hace unos días corría una entrevista donde el guitarrista comentaba algo al respecto, quizás más influenciado por sus viajes internacionales que por los nacionales.

“Yo descubrí unas partituras sefarditas y pude ver ahí la gran influencia que tiene esta música en el flamenco, yo pensaba antes que era más de los árabes pero estoy casi seguro que el flamenco que hacemos hoy está muy, muy vinculado a la música que hacían los sefarditas”.

2,5 millones de años antes de que nadie mentase Flamenco

La península ibérica ha estado poblada por el género Homo desde el Paleolítico inferior, cuando se datan los restos más antiguos del yacimiento de Atapuerca, uno de los más significativos de la paleo antropología mundial. Es la etapa más larga de toda la prehistoria, que se considera que comenzó hace unos 2,5 millones de años.

Su peculiar configuración ecológica la hicieron ser reserva clave para la persistencia del hombre de Neandertal, y quizá uno de los lugares donde se produjo el contacto entre sus últimas poblaciones y las primeras del hombre moderno, ya en el Paleolítico superior.

Es también la fase prehistórica más rica en especies de homínidos y en ella está representada casi toda la evolución humana.

De lo que se puede deducir un pasado bastante largo.

El Grito.

El Sentir la vida y esa forma de cantar desde las tripas, vomitando las alegrías o las penas del vivir es quizás el primer cante, más conectado con la voz del pueblo que con movimientos religiosos o culturales, estos si vinculados con el poder.

El hombre primero recolector, nómada por naturaleza, a donde le lleva el tiempo en comunión con el medio, descubre una orquesta natural. Igual que el hombre siente la vida y los ciclos naturales, el resto de seres vivos también, todos afinan y van a ritmo, más en un lugar donde hay cuatro estaciones marcadas.

Los primeros instrumentos musicales y voces, nacen con el Grito y las percusiones corporales, que no han dejado ni restos arqueológicos, pero por tradición oral han perdurado hasta el siglo XXI.

Sí la música se descubrió en un momento similar a la aparición del lenguaje, la música nace por imitación a patrones acordes a su rutina vital. Hasta la llegada reciente de lo industrial y hoy virtual, los trabajos iban a ritmo a modo de metrónomo. Una de las cabezas del baile Farruco, aseguraba, que aprendió a bailar escuchando los pasos de los caballos; la otra, aprendió con las olas del mar, Carmen Amaya, ambos de Despeñaperros pa arriba.

Sería estúpido pensar que si llevamos 2.5 millones de años cantando, tocando y bailando, ininterrumpidamente, sólo desde hace 200 años gozamos de ese acento particular.

Se tiende, intelectualmente, a tratar la música como un artefacto cultural, pero realmente deberíamos considerarla como una fuerza más natural y entroncada con las rutinas diarias. Con la llegada del flamenco surge un nuevo orden mundial en el que reina la productividad industrial en contra de lo natural, la música empieza a ser empaquetada comercialmente y es controlada por unos, quizás sea esta la máxima unión que tiene el flamenco y los sefardí. Paco de Lucía que viajó y conoció como funcionaba el mercado bursátil musical debió ser consciente del hecho adaptando su carrera musical a esas circunstancias, llevó el flamenco a planos interesantes, pero él no fue el único.

Por otro lado la comunidad sefardí goza del privilegio de optar a la nacionalidad desde hace unos años, aunque siempre han estado presentes, y no me consta que hagan una música como lo es el actual flamenco, quizás sea la nueva evolución, lo dudo. En cambio la comunidad andalusí, no goza de los mismos privilegios, constándome una comunión mayor con ellos a pesar de todos los perjuicios, mucho más evidente y superficial. Para ellos como para el resto de emigrantes conseguir la nacionalidad es una odisea.

Quizás sea la comunidad gitana la que ha mantenido mejor esa ceremonia vital natural, en la cual la música forma parte activa de sus quehaceres. Los otros transmisores de ese legado, toda la comunidad agraria y rural milenaria que se extiende entre Vigo, Cádiz y Palamós, en vías de total desaparición con las últimas generaciones vivas. Sí cogemos el fandango como uno de los estilos flamencos, encontramos una variedad de estilos que casi cambia de pueblo en pueblo y se extiende por toda la superficie con el único obstáculo de los pirineos o el mar.

Musical y espiritualmente, antes de las creencias monoteístas aún existentes, las personas ya comulgaban con Dios.

BarrioXChino: ritmo AMAYA

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Thu, 20 Oct 2022 14:42:30 GMT

BarrioXChino:

ritmo AMAYA

Alterne, Embriagadores y Flamenco, el rincón más Bohemio del planeta:

Los Amaya Flores, Wu-Li-Chang, Cal Manquet con el Ballet Ruso de Montecarlo y la calle del Olmo.

Sí Carmen Amaya, era del Somorrostro, su Barrio y Maestro fueron El Chino, una escuela que la llevó a conquistar el mundo.

“Él cogía la guitarra y yo me ponía a bailar. Me decía: no, eso no, hazlo otra vez, así, eso; está bien, o está mal, o no entras a compás. Todas las cosas las sacaba yo. Sin enseñarme ningún paso de baile, fue él el que me enseño. Mi padre me hizo poner los pantalones y bailar por alegrías. Los pantalones no perdonan: se ven todos los defectos del mundo y no tienes dónde agarrarte.” Carmen Amaya

José Amaya Amaya: “El Chino”, nacido el 17 de Mayo en Barcelona, guitarrista y padre de Carmen Amaya.

Muchos han puesto en duda el origen de la bailaora, pertenece a una familia gitana enraizada en Barcelona desde hace muchas generaciones: Los Cafeletes.

Barcelona, a pesar, del misticismo Al-Andaluz y del rechazo local, fue la capital de un género musical totalmente vinculado a su revolución industrial, con carácter urbano y sabor portuario.

El Barrio más flamenco del planeta, hasta mal pasada la guerra civil, tenía un rincón donde lo surreal convivía con lo cotidiano, en total armonía con los sentidos. Ninguna ciudad contaba con la amplia oferta lúdica y anticultural que se ofrecía en sus calles, en convivencia con la rutina diaria de una ciudad que se salía de sus murallas.

Ni los barrios bajos de Génova, ni el barrio del puerto de Marsella, ni la Villete parisina, ni el Whitechapel londinense, tienen nada que ver con el ambiente bohemio de nuestro Barrio. Sí pensamos en Jerez, Sevilla o Madrid, en la época, El Chino acumulaba más locales donde se perseguían las quejas desgarradoras del cante Flamenco, que las tres capitales anteriores juntas. NYC o cualquier metrópolis americana actual, copiaron el patrón condal.

Fue conocido también como Distrito V, que según nos recuerda Sebastián Gasch en una de sus crónicas:

“ Es precisamente en este Distrito V donde os persiguen, implacables y obsesionantes, insistentes, los lamentos desgarrados del maravilloso cante, y donde os llega constantemente el eco conmovedor y dolorido de los tablados estremecidos, que se quejan patéticamente al ser fustigados vigorosamente por los tacones ardientes y desesperados, exasperados, de tantas bailaoras, subyugadas e hipnotizadas, por un ritmo seco y preciso, alucinante. Nuestra gente ignora que es precisamente en este distrito donde el Flamenco, sin gota de escenografía, se manifiesta con una crudeza terrible y con patetismo conmovedor. Puede que más puramente que en la misma Andalucía. ”

Barcelona entre 1888 y 1929, fechas en que celebró sus dos Exposiciones Universales, contará con un barrio picante, donde la comunidad China ya estaba presente.

Sí la zona que comprende ese triángulo formado entre: El Liceo, El Molino y Colon, fue su enclave; donde adquiría su máxima expresión era en la cuadratura que formaban las calles de: Nou de la Rambla, Portal de Sta. Madrona, Sta. Madrona y Av. de les Drassanes. Allí estaba el corazón, conectado con el mundo con la puerta de los navegantes, La Santa Madrona, y portal de entrada terrestre a la montaña de Montjuic y a todo lo que llegaba de la vertiente del Llobregat.

Hoy, de todo eso sólo queda la nostalgia, cuatro calles que conservan aunque sean las edificaciones en: Olmo, Arc del Teatre, Nou de la Rambla y Sta. Madrona, todo lo demás ha sido destruido, perduran los recuerdos de cuatro ancianos que siempre esperaron que su barrio mejorase y que no acabase así, expulsados en post de una Barcelona que olímpicamente: Ni Fu Ni Fa.

El boom económico hizo que la ciudad fuese impulsora del Flamenco dando estrellas internacionales como la bailaora Carmen Amaya, de los Cafeletes, Amaya Flores, aunque ella era flamenco y algo más. Sus inicios fueron en el Cal Manquet y en la calle del Olmo vivió su tía, compañera y maestra, La Faraona. Nacida en el Somorrostro, su barrio artístico fue como el apodo de su padre: El Chino.

La urbanización de la Rambla nace con el flamenco y las fábricas.

En 1790 se inauguró la calle Conde del Asalto, actual Nou de la Rambla, con ella se abrieron la mayoría de las calles de la zona, donde se instalaron las primeras fábricas de indianos y los palacios de sus propietarios. Con el tiempo, el Barrio se fue transformando en una zona plenamente industrial, construyéndose viviendas de pésima calidad para alojar a los obreros y sus lugares de ocio, donde sacarles el salario.

Con los frutos del negocio colonial y la llegada del S.XX, el Plan Cerdà se vuelve a salir de las murallas, nace el Eixample. La burguesía instala sus negocios y sus residencias en la nueva ciudad, dejando el Barrio en olvido.

El Barrio Chino

Portal de Santa Madrona, una de las puertas de entrada o salida a un laberinto de pasiones.

Barcelona llegó a tener tres patronas: la Virgen de la Mercè y Santa Eulalia, la tercera, la protectora de los navegantes y la que dio nombre al Portal de Santa Madrona, que hoy sigue uniendo la Rambla de Santa Mónica con el Paralelo, bordeando la trasera de las Drassanes, marcando el límite sur del barrio y conectando a la ciudad al mundo por tierra y mar.

Ya poco se parece a esa vía de entrada a una ciudad encerrada en una muralla, a pesar que sea el único Portal que se conserva, a día de hoy. Con la llegada de la guerra in-civil, de la aviación masiva, los acuerdos internacionales y los lobbys turísticos, entre todos los otros que pululan; hoy, sólo le falta la puntilla, da Pena.

El Portal a lo Prohibido.

A comienzos del siglo XX en el barrio se vivía en las calles porque la gente no cabía. Los pisos se compartían, eran pequeños y los olores tremendos, pero peor eran las casas de dormir, muchas eran lugares infames donde la gente, de toda edad y condición sexual, dormían sobre jergones o paja extendida en suelo, sin apenas ventilación, hacinados.

Durante el siglo XIX y hasta bien pasada la guerra in-civil fue una calle muy concurrida, donde lo extremadamente marginal, convivía con lo portuario, entre: fábricas, vaquerías, locales de alterne de todos los sabores, afiladores, pastelerías, animales en los terrados, cuadras de caballos, mercados callejeros improvisados y sin improvisar en donde cualquier sustancia estupefaciente o utensilio de cualquier rincón del mundo era comercio constante, entre carnicerías, casas de comida, traperías, farmacias, panaderías, bodegas, médicos o curanderos que curaban cualquier mal o predecían los acontecimientos, tiendas de alquiler de carromatos, de pianos, de bicicletas, armerías, pescaderías o fruterías, fábricas de licores, casas de comer barato y caro, talleres industriales y muchos burdeles y tabernas.

Todo ello aliñado con los olores que cada uno desprendía de sus actividades, más lo húmedo y salado del mar y el Almizcle humano a flor de piel, en perfecta armonía con la vecindad.

Durante el día todo convivía con un mercado callejero en Arc del Teatre, donde cualquier cosa se podía encontrar, cogiendo su máximo apogeo cuando se pasaba el cruce con Migdia: “els quatre cantons”, el lugar más animado del barrio, dirección Paralelo.

Cae la noche en El Barrio más Picante: Sexo, Drogas y Flamenco.

De noche, el aspecto de los callejones era sobrecogedor. Iluminados algunos de sus fragmentos por farolas de gas, la oscuridad total era lo que dominaba en la mayoría de las zonas, afloraba otro mercado callejero: el del Pecado, contando como banda sonora principal con el cante, toque y baile.

Tabernas, cafés cantantes y burdeles mal alumbrados por luces de acetileno salpicaban el lugar. A partir de la medianoche, no antes, salían las prostitutas o personas de cualquier condición sexual a la caza de clientes; su valor no dependía exclusivamente de su atractivo físico si de su habilidad en complacer a los clientes. Era el otro mercado al aire libre del barrio. Si una de ellxs caminaba por las calles antes de la medianoche, procedían a detenerlos.

Allí llegaban gentes de cualquier rincón del planeta, en particular toda la intelectualidad de las elites, a convivir con el pan nuestro de cada día, quedando totalmente fascinados, como se evidencia en las obras artísticas de cualquier índole o nacionalidad, en la cultura moderna de la época.

Dentro de esa cotidianidad el Barrio, contaba con una destacada delincuencia autóctona y heterogénea, un lugar peligroso incluso para la misma policía, pero con un respeto hacia los vecinos del entorno y sembrando el temor del resto de la ciudad, convirtiéndose en personajes notorios, inmortalizados por artistas de toda índole y nacionalidad.

Con la llegada del siglo XX se acabó consolidando como la calle del vicio, donde las casas de alterne y las tabernas estaban en pleno apogeo sensorial. Durante la Primera Guerra Mundial, Barcelona se transformó en el destino turístico de muchos europeos que acudían a una ciudad en paz y con una espectacular oferta de ocio que duraba las 24 horas del día.

Para muestra un botón:

CAL MANCO

Local de Alterne

Portal de Santa Madrona 22

(1920 - 1938)

“ En la puerta una mujer gruesa con cara de hombre y los pechos caídos, con un cigarrillo y las nalgas desarrolladísimas, acaso por estar tantos años sentada en la misma silla de enea, sirve de portero.

Alrededor de la gran sala hay una banqueta adosada a la pared forrada con hule rojo y lamentable. En el fondo una mesa de mármol y una pianola. La pianola funciona casi permanentemente. Las pupilas se encargan de ir pidiendo a cada cliente diez céntimos para darle marcha

De cuando en cuando pasa el Manquet que observa cómo funciona el negocio y mira a toda aquella gente con harta compasión” . Paco Madrid, 1926.

Pasados siete años y gracias a los avances tecnológicos, la pianola fue sustituida por un gramófono, lo demás funcionaba como siempre.

“ La casa llamada del Manco es ya popular en Barcelona por ser la más acreditada en su género y al mismo tiempo la más económica. El dueño procura tener siempre a su disposición los más variados ejemplares de la fauna prostibularia, en lo que algunas son destacadas maestras.

El salón es amplio, rodeado de divanes. En él hay una gramola que funciona mediante la introducción de una pieza de diez céntimos. Las mujeres corren de un lado para otro en camisa breve y transparente. Todas ellas fuman y parecen contentas de su suerte. Algunos sábados y domingos se calcula que desfilan por la casa cinco mil hombres.

Todas ellas practican el safismo y generalmente sienten asco hacia el hombre al que solo ven a través del tipo que las ha perdido para dejarlas en manos de otros que forman cola y que por imperio de sus tres pesetas les exigen el máximum de asquerosidades.

Son máquinas de provocar espasmos, insensibles al goce que proporcionan ”. Francisco Oliva, 1933

El Manquet era el apodo y condición física del amo del negocio: Rafael Salvà, que abrió a pocos metros:

Cal Manquet: “el ambiente flamenco era muy intenso”, Carmen Amaya sube al escenario.

El Barrio y el flamenco dieron más fama internacional a Barcelona que las dos Exposiciones internacionales.

El Senyor Salvà, contaba con otro negocio paralelo a sólo unas puertas, una taberna flamenca, cuna artística de la bailaora.

Agustín Castellón, Sabicas, uno de los maestros universales del toque flamenco, en una de sus estancias en Barcelona, descubre a esa niña que destacaba en Cal Manquet:

“ El ambiente flamenco era muy intenso. Me quedé completamente asombrado por lo que podía hacer, sus manos, sus pies, se nos metió a todos en el bolsillo. La vi bailar y me pareció algo verdaderamente sobrenatural, nunca había visto a nadie bailar como ella.”

La Anti-escuela al servicio de los ¿Intelectuales?

Y en mayo de 1933, se volvió a meter en el bolsillo al Ballet Ruso de Montecarlo, que estaba en esos días inaugurando la temporada del Gran Teatro del Liceo y toda la cultura catalana a sus pies… Una noche Sebastián Gasch los llevó a todos sus componentes, imagínense más de treinta rusos en el Barrio, con Léonide Massine a la cabeza, al Cal Manquet a ver bailar a Carmen Amaya y a su tía Juana La Faraona. El sentimiento y lo Pop-ular se apoderó otra vez de las escuelas y las elites, dejaron a los rusos embobados.

Massine, con la danza, pero se podría buscar un ejemplo de artistas de todas las modalidades posibles, se queda prendado de la variedad, diversidad y profundidad, con la que cuenta todo el territorio ibérico. Aquella visita al Manquet era la conexión con el viaje que empezó, unos años antes,1916, de la mano de Falla para nutrirse directamente del folklore español, que tanto amó y del que nacería su obra maestra: “El sombrero de tres picos”

“ Trabajaba en casa El Manquet, había un gran cuadro de baile: Micaela, El Gato, El Farruquero, Tobalo, Lolilla la Cabezona, mi tía la Faraona, El Bulerías y mi padre. El Gato era físicamente extraordinario. No ha habido una mujer con una cintura como ésa. No ha habido hombre como él. El Farruquero era el mejor que ha habido de todos los tiempos. Cuando no estaba la policía, me dejaban bailar, figúrate era una niña. Todo el mundo me daba dinero en cantidad ”, Carmen Amaya

LA TAURINA, comparte calle con La Criolla y Cal Sagrista, locales de diversidad sexual embriagadora.

La calle Cid, hoy no queda un solo edificio de la época.

Durante los años veinte y treinta, la calle del Cid no es solo, La Criolla, Cal Sacrista, y las casas de dormir del patio interior de La Mina dentro de edificios postindustriales, es una calle con personalidad suficiente.

La Criolla y Cal Sacrista fueron los reductos donde los burgueses, deseosos de rozar por unas horas el universo de los hombres que se visten de mujer, perdían el norte, acompañados de la intelectualidad internacional.

"Miseria, vicio, prostitución, droga, robo, travestismo, invertidos, homosexualismo, artistas maricones, lugar de pseudo intelectuales...” son las palabras que utilizaba la prensa de su tiempo cuando hablaba de los dos locales. La izquierda más radical y los anarquistas calificaban a la población de la zona como lumpen. Pero a más crítica de prensa y moralistas, más éxito de la zona. La "gente bien" de la ciudad no se quería perder el espectáculo.

Rafael de León, poeta del 27, conoció bien el ambiente de esta zona, escribió para su amigo, Miguel de Molina: "Ojos verdes", en recuerdo de algún joven conocido en los bajos fondos de Barcelona.

Pero estos locales, también, eran frecuentados por anarquistas que no leían la prensa de la CNT, ya que, mayoritariamente no sabían leer, allí estaban las gentes de hechos no de palabras.

Las peleas llenan de usuarios las casas de socorro y el uso de narcóticos en la bebida de los clientes despistados, que suelen acabar dormidos con el resultado de dejarlos sin cartera, y si tienen suerte no los dañan demasiado.

A media tarde, se empieza a despejar el mercado callejero, abren todos los establecimientos del negocio de la prostitución y del espectáculo, y aparecen, peculiaridad de la calle, los travestidos que alternan el negocio de la carne con la venta de estimulantes, cocaína sobre todo.

Hasta estas fechas, la cocaína era vendida en las farmacias por sus capacidades anestésicas y se podía adquirir sin receta a un precio muy barato. Con la llegada masiva de turistas con ganas de fiesta, especialmente alemanes, la demanda se disparó. Pronto la cocaína entró masivamente por el puerto procedente de Marsella, e iba principalmente al mundo del espectáculo. El consumo perdió su consideración de remedio a ser asociada a la fiesta y no a la medicina.

Hasta entonces la absenta y el opio habían sido las sustancias más consumidas, en el Barrio eran numerosos los fumaderos de opio. En la película Los Tarantos, cuenta con una escena en uno de estos fumaderos.

El bajo precio de la cocaína y las dificultades para encontrar opio, muy perseguido por la policía, hicieron que triunfara rápidamente.

La Taurina : otro de los escenarios Amaya, allí lo que premiaba era el flamenco y también en la calle Cid, fue también cuna artística de Carmencita, allí se quedaba prendado, Sebastián Gasch:

“Apenas levanta un metro del suelo. Sentada en una silla sobre el tablao, La Capitana permanecía impasible y estatuaria, altiva y noble, con indecible nobleza racial, hermética, inatenta a todo lo que sucedía a su alrededor. De pronto, un brinco. Y la gitanilla bailaba. Lo indescriptible. Alma. Alma pura. El sentimiento hecho carne. El tablao vibraba con inaudita brutalidad e increíble precisión .”

¿Chino?

Lo de los chinos no es nada nuevo, Pekín, en el Somorrostro y el Wu-Li-Chang en la calle Cid.

En los años veinte, los chinos se confundían entre prostitutas, marineros y pistoleros.

En el litoral barcelonés, pasado el Somorrostro, hubo una zona de barracas conocida como Pekín por sus habitantes chinos, que llegaron para trabajar en la creación de las líneas ferrocarril.

Los chinos iban y venían calle arriba y calle abajo con sus mercancías, que vendían en la acera. Los muchos que llegaron, sobre todo en los años veinte, al Barrio vestían traje y portaban maletines con las baratijas y mercancías como abanicos, pipas, collares y dragones de papel, que ellos mismos confeccionaban.

Estos muchachos hallaron ocasión de huir de su país masivamente. Unos entraron de contrabando en los Estados Unidos; otros fueron directamente a Marsella, y luego vinieron a Barcelona. En el flamenco no triunfó ninguno, pero un tal, Vicens Hong, llegó a ser novillero.

Cal Sagristà se transforma en Wu-Li-Chang, la especialidad de la casa, en números de transformismo y espectáculos de variedades, sigue adelante con nuevos decorados. La tipografía del interior del local fue diseñada por el dibujante tarragonés Ricard Opisso, que publicó su trabajo en ¡Cu-cut!, L’Esquella de la Torratxa, El Patufet, el TBO, la Campana de Gràcia, Quatre Gats, Pèl i Ploma o el Diario de Barcelona, imitando la escritura china, y a los clientes se les entregaba un gorrito chino a la entrada.

Con la llegada del 36, todo se complicó, hasta El Barrio.

Carmen Amaya decide viajar a Portugal y de allí a la conquista de América. La Faraona no abandona y se instala en El Barrio, como muchos de sus familiares que formaban parte del vecindario

Los Gitanos del Chino, Cafeletes.

Els Amaya Flores y Sebastià Sorribas i Roig.

El Barrio acogía una vecindad diversa, la comunidad gitana estaba presente, formando un entramado social mágico.

Hasta que llegaron los nuevos rumbos olímpicos la ciudad contó, en su vertiente Sur, con la presencia de gitanos formando parte de ese engranaje social.

En la calle del Olmo 10, esquina con San Bertrán, en una finca regia, con un escudo nobiliario en la puerta, tuvo la residencia La Faraona, la tía de Carmen Amaya. Las calles del Barrio, contaban con la vecindad de gitanos, destacando como locales: los Amaya Flores, Cafelete.

Un niño en la posguerra, el hijo de la panadería de la calle del Olmo, nos dejó un libro, entre otros, donde recoge sus experiencias como vecino del Barrio. Como no, esta Carmen Amaya, su tía y toda su familia entre sus recuerdos.

“La Carmen era neboda de la gran Faraona que vivia al número 10 del meu carrer”.

“ Barri Xino: una crònica de postguerra ” (2008) de Sebastià Sorribas i Roig, y dice:

“Encara que nascuda al Somorrostro, al Barri Xino hi havia una mena de sentiment de pertinença, respecte a la genial bailaora com si ella també formés una mica part del barri. Hi ha raons per a aquesta apropiació indeguda de Carmen Amaya, per part de la gent del Xino: al capdavall, ella va començar a actuar - de molt menuda- en locals del meu barri i els seus entorns. Anys més tard, Carmen Amaya es va casar a Santa Mónica, la parròquia del barri.”

“Quan l'any 1946, la Carmen va tornar a Barcelona des dels Estats Units, va visitar el barri. Jo la recordo passejant pel meu carrer, en olor de multitud de bracet amb la seva tia, la Faraona. I al cap de poca estona, va córrer pel barri una notícia que demostrava la sangre gitana de l'artista. Sembla que en la seva passejada pel barri, en arribar al carrer del Cid, es va topar amb l´enterrament d'un gitanet que havia estat atropellat per un carro. Les dones del seguici mortuori llançaven pregons crits de pena. Aleshores, diuen que la Carmen es va treure les sabates de taló que calçava, i es va afegir, descalça, al seguici, com la resta de les gitanes”.

“Quan era el temps de renovar les targetes de racionament, jo em guanyava uns centimets omplint les noves targetes a gent que era analfabeta. Bé, de vegades no em donaven cèntims, sovint cobrava en espècies: uns moniatos, una llibreta, uns mitjons... La Pitoña, de nom Teresa Amaya Flores, em pagava amb un cistellet de vímet que feia el seu marit, el Pitoño, tot dient-me, la dona, que el seu marit no treballava per a qualsevol.

Omplir les targetes dels gitanos era una llauna. D'entrada, no entenia com era que si els pares, tots dos, pare i mare, tenien per cognoms Amaya Flores, com podia ser que els fills i filles també es diguessin Amaya Flores”.

Toda esta escena que sobrevivió a los bombardeos italianos en la guerra incivil, las penurias de los traumas bélicos y el posterior hermetismo político, fue muriendo lentamente con la modernidad. Hoy ya no quedan casi ni los edificios, ni el rastro de esas gentes, que fueron expulsadas. En el caso de la comunidad gitana redirigidos a otros barrios o destinos, la mayoría en la periferia urbana: St.Roc, La Mina, Nou Barris…., el resto de vecinos también tuvieron que cambiar de residencia.

Muy pocos siguen allí y viven con la promesa de que les iban a cambiar el Barrio, que mejoraría, mentiras: El Barrio y su excelente ubicación continuará siendo pasto especulativo.

¿ Raval ?

Estocada democrática al Barrio Chino : Adiós a una identidad original e inconfundible, que inspiró a la cultura moderna tremendamente y de la cual no queda ni un solo recuerdo.

Corría la demócrata fecha del 18 de enero de 1984, y el Consistorio del Ayuntamiento de Barcelona decide la nueva división administrativa de la ciudad que la dividía en 10 distritos. El Districte I o de Ciutat Vella incluyó entre otros el antiguo Distrito V, que pasó a denominarse Raval, absorbiendo las barriadas de Santa Madrona o Atarazanas y del Hospital.

Desde entonces surge éste término: ¿Raval?, para el cual se pone todo el sistema promotor en marcha: hay que arrinconar y hacer desaparecer para siempre el popular de "Barrio Chino", como objetivo.

La estrategia municipal de "lavar la cara" , ofrecer una nueva imagen alejada de la marginación y las posteriores actuaciones urbanísticas encaminadas a una regeneración, iniciadas durante los años ochenta y aceleradas tras los Juegos Olímpicos de 1992, han contribuido a una transformación dirigida a hacer olvidar el viejo y popular término para imponer únicamente el oficial. Para ello todos esos lumbreras han eludido que la flor y nata de sus antepasados frecuentaron sus calles, al igual que la intelectualidad mundial, para disfrutar de lo que ellos llamaron cultura. Hoy no hay un triste recuerdo de todo eso, ni de sus moradores que fueron los que lo hicieron posible.

Uno de los últimos gitanos que andaba por el Barrio, Juan De Dios Ramírez Heredia y su asociación del pueblo gitano, también ha desaparecido de la calle Cid.

A unas puertas de la casa de La Faraona y antes de llegar a la farmacia, vivieron durante varias generaciones una familia de afiladores, contaban que los primeros llegaban andando al barrio, cuando este empezaba a entrar en ebullición, mitad del siglo XIX. Yo desde el año 1966 he estado vinculado al barrio por ellos, que siempre se sintieron orgullosos de ser del Barrio Chino, compartiendo todo ese escenario activamente; lo más parecido a las ferias gallegas, que contaban con los mismos actores pero en un decorado de alta montaña. Echaron de menos el éxodo que primero con la comunidad gitana y luego con casi todo Dios, dejaron el Barrio vacío.

En ese Barrio no falto su orgullo y su emblema, les gustase o no el flamenco, era Carmen Amaya.

RITMO AMAYA:

La Memòria Selectiva:”Café-chantant Colonie-X–Lisme y las Alegrías anti-Borbónicas”, marcando los orígenes del nuevo orden mundial. ¿Con él, el Flamenco? Al mismo Gas que está hoy Senegal, estuvo

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 11 Oct 2022 12:30:14 GMT

La Memòria Selectiva:

”Café-chantant Colonie-X–Lisme

y las Alegrías anti-Borbónicas”,

marcando los orígenes del nuevo orden mundial. ¿Con él, el Flamenco? Al mismo Gas que está hoy Senegal, estuvo Jerez, no le falta una Jota rebelde.

“Desiertos esconden
océanos llenos de agua
y sí los sabes encontrar
y sino lo que venga ya vendrá ”

Con producción catalana y el dominio de los franceses, entre otros, la península ibérica se convierte en el experimento para colonizar medio mundo, se estaba iniciando el siglo XIX. Seguimos en la misma era, nada parece moverse, atado y bien atado, ni las letras, ni el liderazgo han variado con el paso del tiempo.

En este contexto histórico nace el Flamenco, siendo tan netamente financiado por el lobby.cat, en detrimento de otros, ¿Por qué hoy se siente falto de ideas y ninguneado? Con el olvido no se come, perdurará viendo el panorama musical internacional como se presenta. Hoy sigue marcando los caminos de la música popular universal, como hicieron primero con el Spanish Tinge, el Flamenco y la revolución musical Afrocubana, con caminos muy claros en torno al Blues, el Jazz y el resto de estilos afro, y autopistas para el Rock & Pop con todos sus sucedaneos. En las calles la juventud lo perdura, desde el Hip Hop al resto de la música urbana actual: Fight The Power. De lo más repudiado por nuestra sociedad a volver a marcar tendencias internacionales.

La Memoria Histórica selectiva

Audiencias y expertos coinciden que la artista es un fenómeno que culmina el “crossover” de la música en español en EUA. “ Oír música americana se ha hecho aburrido”, comenta una seguidora, en el concierto de Rosalía, en el Radio City Music Hall de NYC.

Cañones de artillería
Aunque pongan los franceses

Cañones de artillería
No me quitarán el gusto
De cantar por "Alegrías"

El Flamenco expresa cómo hemos vivido los principales sucesos de los últimos tres siglos,

“Aquellos que han encadenado a la humanidad durante siglos no pueden enseñarle nada a la humanidad” , Fred M'membe

Esa historia empieza con la ocupación francesa, con el inicio del siglo XIX. Llegan provocando graves crisis migratorias, que se ven en nuestras calles sin fijarse mucho, aún, hoy en día y de las cuales el flamenco no quedará inmune.

A Napoleón, con las tropas borbónicas, invadiendo el país hasta el fondo, le queremos agradecer que contemos con un rey de origen francés en estos lares, siempre preocupado porque la riqueza natural y humana de sus lacayos sean las óptimas, de la mano de los socios adecuados. Nace la era industrial en que seguimos sumergidos a la espera de la próxima y a medio Gas. Cataluña se anexiona transitoriamente a Francia y con su apoyo, puertos y comarcas con riqueza explotable, son saqueados, como se ven saqueados hoy países africanos, en particular Senegal, siempre con un patrón peninsular.

Nace el Colonialismo moderno y el Flamenco le da la espalda desde el principio.

Con las bombas que tiran

Los fanfarrones

Se hacen las gaditanas

Tirabuzones

Que las hembras cabales

En esta tierra

Cuando nacen, ya vienen

Pidiendo guerra

¡Guerra! ¡Guerra! ¡Guerra!

Y se ríen alegres

De los mostachos

Y de los morriones

De los gabachos

Y hasta saben hacerse

Tirabuzones

Con las bombas que tiran

Los fanfarrones

Cádiz resiste el asedio hermanándose con la Jota y en Jerez los franceses ponen en marcha los Cafés Cantantes para distraer las tropas.

Las murallitas de Cádiz,

Son de tierra y no se notan,

Pa que en ellas los franceses

Se rompan la cabezota

El asedio de Cádiz y San Fernando que tuvo lugar del 5 de febrero de 1810 hasta el 24 de agosto de 1812 contó con Jerez como parte del cerco, en manos francesas, y:

una mujer, primito, y un cañón

y un puñaíto de valientes

hicieron en Zaragoza

retroceder a los franceses

Cádiz recibió la ayuda de soldados aragoneses, con ellos llegaron las Jotas, para surgir uno de los palos del flamenco: Las Alegrías. Quizás el más gaditano y a la vez con un deje baturro más que evidente, lo que tira por tierra todo ese surrealismo que atribuye al género aires andalusís netamente.

Sin negar que muy contadas melodías de la jota hayan presentado algunas de las características de la cadencia arábiga, es lo cierto que, aparte de ellas, ninguno de los estilos y tonadas conocidos y cantados en Aragón tienen sabor islámico y sí rasgos definitivos que demuestran su especificidad local, según citan los conocedores de la jota.

Las alegrías recogerán en sus letras el día a día de la contienda y los dejes joteros de los compañeros de armas.

Yo le di un duro al barquero
Por pasar el Ebro a verte
Yo le di un duro al barquero
Los amores de Navarra
Son caros pero son buenos

Vente conmigo y serás
Capitana de mi barco
Virgen de la soleá

Las Alegrías, no sólo hablan del Pilar, fanfarrones y suenan a jotas, pero con el nacimiento del flamenco cogen un protagonismo que dura hasta hoy.

Le Café Chantant arriba a Jerez para acuñar y comercializar: cante, toque y baile, lo encontraban exótico.

Los Cafés Cantantes de Jerez surgen con la invasión de los franceses y se prodigarían en la ciudad hasta mediados del pasado siglo XX, convirtiéndose en los “primeros escenarios”, ante un público, con el flamenco como banda sonora, antes que en ciudades como Barcelona o Madrid.

Ante el gran contingente de las tropas ocupantes, se hacía necesario buscarle una distracción. La autoridad francesa autorizó la apertura de tres cafés cantantes, al estilo de los que ya existían en Francia, donde se aglutinaban los servicios musicales, con el juego y el alterne, acompañado de la degustación de cualquier sustancia aturdidora con el fin de sacarte todos los cuartos que fuese posible.

El café cantante había llegado a Jerez, pero a cambio de un vergonzoso sometimiento que duró dos largos años, fueron muchos los abusos y tropelías cometidos por parte del mismo y también de particulares, especialmente por aquellos al servicio del gobierno francés, que así parece ser que ejercían, solapadamente, su derecho a la revancha, con toda clase de robos, fraudes indirectos y cometiendo cuantos abusos podían.

La Barcelona franco-americana se convierte en plaza de primera del ¿arte?

En la misma época, Francia influencia a las elites culturales, quizás excesivamente y el desparrame da hasta para creerse de otra galaxia: provocando un Modernisme insultante, hoy seña de identidad un tanto oscura.

“A Barcelona, de fet, hi residien aleshores, la major part de les empreses (i la majoria dels seus accionistes) que més clarament foren capaces de convertir en dividends el colonialisme espanyol a les Antilles i al mar de la Xina.

D’aquesta manera, el triangle format pel sucre cubà, el cotó nord-americà i els telerrs catalans era fonamental per a la vida econòmica del Principat”. L’ESCLAVISME, ASSUMPTE CATALÀ? ,Francesc Tur

La zona baja de Barcelona, El Chino, se llena de locales con aires afrancesados donde se cobijarán los flamencos, dentro del despliegue de luz y de color sensorial, donde todo estaba permitido, sí te lo pagabas.

Al hilo de la cuestión, unos años más tarde.

“ Antes de discriminar y odiar a sus compatriotas africanos, recuerde siempre que en 1884, alrededor de una docena de naciones europeas se reunieron en Berlín, Alemania, para dividir el continente africano como niños pequeños que dividen una pizza. Sin preocuparse por la cultura o las familias del continente, se redibujó el mapa y se reclamaron tierras. Lo que siguió fue la destrucción sistemática de África. Nosotros nunca olvidaremos.

Nuestros reinos fueron invadidos, desintegrados y fusionados por la fuerza, se trazaron fronteras y nos obligaron a usar la nueva identidad de los nuevos países que crearon.

No debemos dejarnos llevar por sus líneas imaginarias dibujadas en el mapa para causar división entre nosotros, sino que debemos abordar nuestros problemas con un frente y un propósito común para evitar un colonialismo mucho mayor que el que sufrimos hasta ahora.

África todavía tiene mucho potencia l”. Mustapha Hajji

El embajador español en dicha reunión era el ¿muy español?: Francisco Merry i Colom, aunque nacido en Sevilla, muy flamenco no debía ser; denota claramente quien se repartió el siguiente pastel que aún se nos está atragantando cuando camínanos por Barcelona.

La Teranga senegalesa y el Gas: Colonialismo S.XXI

Nuestros vecinos de origen senegalés están preocupados, sí todo en África está complicado, las nuevas noticias crean una inseguridad palpable: el Gas puede romper su Teranga.

En el subsuelo de la plataforma continental africana, a unos 125 kilómetros de sus costas, ¿un tesoro?, una enorme bolsa de gas de 15 trillones de pies cúbicos, suficientes para 30 años de producción. En Saint Louis, la ciudad más cercana y con el nombre un tanto afrancesado, esta ilusión viene mezclada con una gran inquietud sobre el impacto medioambiental que la extracción del gas puede tener en su principal actividad económica, la pesca. Sí con las condiciones actuales, la pesca está afectadísima por los grandes buques que no permiten que el pescado llegue en la cantidad que lo hacía a la costa, la afectación de la extracción de Gas y sus daños medioambientales y sociales, son más que preocupantes.

El yacimiento se llama Gran Tortuga y se encuentra repartido entre dos bloques que en la actualidad detentan tres empresas, British Petroleum (BP) a un 60%, la estadounidense Kosmos Energy (30%) y la compañía nacional senegalesa Petrosen (10%).

El Colonialixme, sigue presente y la música busca otros caminos.

“Desiertos esconden
océanos llenos de agua
y sí los sabes encontrar
y sino que lo que venga ya vendrá”

Antonio Rancapino “Ranki y Cheikh Baye Fall en el estreno de la película “Princesa de África”, de Juan Laguna

Pre-RUMBA-Catalana. VIGO y las Anduriñas de Cuba a Mali, vía NYC.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 05 Sep 2022 21:02:28 GMT

Pre RUMBA Catalana

VIGO y las Anduriñas de Cuba a Mali, vía NYC.

Debido al desarrollo intelectual de las elites económicas, las Antillas y en particular Cuba, se llenaron de esclavos. La inmensa mayoría llegaron obligados desde África, como meras operaciones financieras. Llegaron de varias zonas diferentes y cada uno portaba un bagaje y una cultura propia, lenguas y músicas diferentes, pero con ganas de cantar y bailar a pesar de las adversidades.

Congos, yorubas carabalís, fulanis o mandingas se juntaban todos con un nexo común el ritmo, el tambor, la comunión musical era casi africana, los dueños esclavistas los miraban con desprecio, intentando marcar una clara diferencia estilística aunque con el tiempo la mayoría de sus estilos fueron a mamar de ellos, lo suyo estaba vacío.

Un contexto muy similar a las gañanías del colonialismo ¿andaluz?, donde los gitanos cantaban y bailaban, después de su explotación.

Ese fue el génesis de lo que conocemos como Rumba. Su comunión musical llegó desde Vigo y volvió a África para marcar los orígenes de su música moderna.

Rumba, de los barracones a triunfar por el mundo. Pa Vigo me voy.

Vigo a mitad del siglo XVIII, fecha del inicio de lo que conocemos hoy como flamenco contaba con unos 300 habitantes, pero misteriosamente, en pocos años, pasó a convertirse en el primer puerto en conectar los cantes de ida y vuelta.

Aunque parezca mentira, Vigo es una de las ciudades con mayor número de habitantes descendientes de catalanes: Massó, Coma, Serrat, Pujol, Colomer, Barret, Marcet, Bolíbar, Detrell, Fábregas, Palau, Haz, Puch, Crusat, Escofet, Barreras, Torres, Millet, Carsi, Curbera, Puig, Portanet, Durán,…, y así cientos y cientos. Simplemente a mediados del Siglo XVIII llegó a la Ría de Vigo, Bonaventura Marcó del Pont i Bori, natural de Calella de Palafrugell, como los de la habanera standard en catalán: El Seu Avi, como avanzadilla por dos razones para muchos irrelevantes: la primera ver las posibilidades del sector de la pesca industrial con el fin de acabar con el sistema de pesca local y de cercanía, sometiendo a los pescadores y paisanos a la precariedad, con la excusa de que en el Mediterráneo estaba lo que se dice esquilmada. La otra razón establecer una Base Corsaria en Vigo para ir empezando y sin pausa establecer un puerto por el que embarcaron miles de personas muchos libres, pero como no, muchos fueron esclavizados coincidiendo con el fin del negocio con africanos: los otros protagonistas de la Rumba.

Consideran que entre mediados del siglo XVIII y comienzos del XIX llegan no menos de 15.000 catalanes y se instalan esencialmente en el barrio del Arenal, que será atacado por los pescadores locales, a causa de la descomunal competencia que para la pesca tradicional supuso la introducción del arte de la “Jábega” que, pese a su prohibición, a finales del siglo XVIII ya extraía de la ría del orden de las 10.000 toneladas de sardina, que en gran medida era exportada al resto de España y acabó alimentando a las tropas en la primera guerra mundial, todo con un gran éxito económico, que como era tradición era enviado a Cataluña.

Nacen los Cantes de Ida y Vuelta: Tiempos de emigración, rutas hacia el desarraigo.

Con la aparición de los grandes buques trasatlánticos a vapor y gracias a las condiciones naturales de la Ría, Vigo acaparó buena parte del tráfico hacia América, para convertirse en el primer puerto de pasajeros a nivel nacional. Desde Cádiz, no salieron en esa época los barcos hacia América con emigrantes, la mayoría de estos que tampoco eran andaluces, salieron desde Galicia, lo que la convierte en pieza importante en la creación de dichos estilos.

Cientos de miles de personas partieron camino del desarraigo, entre la segunda mitad del siglo xix y la llegada de los vuelos comerciales transoceánicos, en barcos sobre todo británicos, alemanes y franceses, que se disputaban esta carga humana, todo ello coordinado por el lobby catalán que imagino contaba con sus barcos propios. Todo junto constituía un excelente negocio generando fortunas para algunas familias y otras también hicieron más fortunas como consignatarios, cuyos ingresos se basaban en las comisiones por pasajero, el cobro de los gastos preparatorios para el embarque, así como en el aprovisionamiento de las naves, etc…, que sirvieron para el desarrollo del modernismo catalán.

Wilber Calver, gaiteiro de origen jamaiquino.

¿Música tradicional gallega?

La gente suele pensar en gaitas y personas con trajes coloridos dando brincos, sin llegar a intuir lo que esconde todo ese jolgorio, alma y voz de una región que es “terra de meigas”, como pasa con el flamenco, sino no lo conoces.

Tal vez su música, sus percusiones conservadas desde tiempos inmemorables sea el hechizo necesario para juntarse, de nuevo, con la música africana y crear tantos estilos que siguen haciendo bailar a medio mundo. Uno de ellos: La Rumba, con epicentro en la Isla de Cuba.

Las maletas de los emigrantes que embarcaron a hacer las Américas desde el siglo XIX portaban lo imprescindible para construir una vida, pero, aun así, “la gaita” siempre ocupó un lugar preeminente en el manual de la supervivencia, acompañado siempre de su conexión espiritual antropológica.

Los gallegos de Cuba no sólo llevaron con ellos su legado sonoro y lo cultivaron, sino que lo ampliaron. De igual modo que la genealogía de cientos de miles de gallegos pasa por la isla caribeña, también las raíces de la música popular germinaron en ese pedazo de tierra abonado por el cruce de culturas. Su huella sonora alcanzo a formar parte de la música popular moderna internacional, influyendo en los orígenes de la música sajona tremendamente.

La Rumba vuelve a Galicia, con los primeros barcos al son de Pa Vigo me voy, entrando a formar parte del repertorio bailable desde sus principios, por la segunda mitad del siglo XIX. Pero en NYC se instaló. Con Machín viajo Mario Bauza y tras el Machito o Curbelo, para poner las bases de lo que se llamó y facturó desde USA como salsa.

¿Quién es capaz de tocar salsa, sin dar más pistas?

El creador del danzón, el ritmo nacional de Cuba, fue Miguel Faílde

El matancero, Miguel Failde, uno de los primeros músicos populares en la isla, venía a ser el claro ejemplo de un nuevo fenómeno musical con unos protagonistas destacados. El inventor del danzón era hijo de Cándido Faílde procedente de Galicia, su primer maestro y descubridor de sus aptitudes para la música y Justa Pérez, mulata matancera.

Un fenómeno que sin duda fue clave para el surgimiento de una hermandad entre los descendientes de África y Galicia fue su conexión, rompiendo tópicos racistas, reconociendo y formando, cada uno con sus costumbres, a los hijos de dichas relaciones. Hasta esos momentos los hijos eran abandonados y criados dentro de la comunidad afro, con un cierto rechazo, al estilo Bob Marley.

No había Rumba sin: comida, bebida y baile, algo que no podía unir más a sus gentes.

En Cuba, hoy, sigue existiendo y nunca dejó de existir una riquísima variedad de músicas fruto de las gentes llegadas de diferentes partes de África; al ser la antilla mayor, la hace muy diversa y rica. Todo eso se mantiene dentro de una tradición infranqueable.

Las mismas circunstancias se dan entre la comunidad gallego descendiente, mantienen y mantuvieron su tradición musical, pero también sus ganas de bailar, comer y beber.

Otro detonante para marcar que era popular o que era intelectual fue la interrupción del tráfico de esclavos de origen Africano. Entonces llegaron los esclavos gallegos.

Miles de gallegos engañados aceptaron viajar a Cuba y caer esclavizados. La única opción fue escaparse y con ellos muchos africanos, alguien empezó a luchar contra la esclavitud y esto como la música se extendió por medio mundo.

Uno de los elementos que permitió romper las rígidas normas interculturales fueron esos hijos, formando una unión entre blancos y negros, con ellos surgen las primeras bandas interraciales.

La Rumba surge en los barracones de los ingenios azucareros. Para formar una rumba era imprescindible conseguir comida, bebida y a ellas acudían los destacados percusionistas y bailadores. Machito, criado en una bodega, tienda de víveres familiar, recordaba que se metía en todas las rumbas ya que se encargaba de conseguir la jama, de ese contexto salieron todos los destacados músicos populares cubanos.

Las 3 Marías: Mani, Tanga y Manteca

En 1930 Machín lanza al mundo la Rumba, El Manisero llegó a NYC, y allí se instala su compañero Mario Bauza, José Curbelo y Machito. La Rumba Gallega y toda la tradición afrocubana irrumpen en la urbe, empezando a definir lo que se llama Latino, parte de la intelectualidad americana y la comunidad afro norteamericana, que no sabían ya de tambores, ni lenguas africanas, caen fascinados.

Machin abandona pronto la ciudad, no soporta el racismo imperante, allí se quedó Mario Bauza fascinado por los sonidos relacionados con el jazz y las orquestas de la comunidad negra norteamericana que triunfaban en el Savoy o Apolo. Pronto se convierte en director musical de dos grandes orquestas del género: la de Chick Webb y la de Cabe Calloway, será también el encargado de descubrir a Dizzy Gillespie o Ella Fitzgerald

Ahora sólo le faltaba su cuñado y cuñada para formar La Machito Afro Cuban Jazz Orquesta, marcando la ruta de la música latina en Nueva York a partir de ese momento. El epicentro de tal liderazgo fue La Conga Club, por la que desfilaron varios alternantes, antes de arribar una orquesta capaz de rivalizar con la banda de Bauzá: la de José Curbelo, otro de los pioneros de la música afrocubana en Estados Unidos y del jazz latino.

Desde las 5 y 30 de la tarde y a un precio de un dólar con 50 centavos, se podía ver en La Conga el show de Curbelo en abierto duelo ante los Afro Cubanos de Machito. Eran las dos orquestas más en forma de comienzos de los cuarentas en la New York latina y sus duelos equivalían a verdaderos combates de buena música. La acogida de un público entusiasmado por la rumba, fue evidente.

De aquellas sesiones surgieron las bases de lo que sea ha llamado Latin Jazz, allí estaban todos los caballos del jazz alucinando y procesando lo que venía a ser el Be o CuBop. También marcaron las bases de un Nueva York interracial, hasta esos momentos que en la misma banda o local alternase gente negra y blanca era impensable, todas esas bandas fueron diversas y a los locales acudían gentes de todas las razas. Cuando empezó Machito la etapa del Palladium, la cola daba la vuelta a la manzana, el dueño judío se quejaba de que iban muchos negros, ante la pregunta si prefería más los verdes o los negros, la respuesta no era otra que los verdes.

Las otras dos odas a la hierba son:

Machito llegó con una Tanga tremenda que invita a bailar en 1943. Bauza buscó para un Gillespie, aducido por lo cubano al percusionista Chano Pozo, que le cantó una línea de bajo que rompía los esquema del bajo y la música, hasta ese momento, Manteca .

Hasta el fin de la emigración a la isla y avanzada la revolución, el binomio: gallego y africano funcionó, propiciando el nacimiento de formaciones y géneros musicales. En los primeros sesenta todo eso volvió a África o quedó embargado en Nueva Yol, como le pasó a la música cubana.

Maravillas du Mali: Anduriñas

Cuba ya en su periodo revolucionario, 1964, acogió a diez jóvenes estudiantes de Mali para estudiar música y preparase para promover el movimiento en África. Un año después surgen Las Maravillas du Mali, una de las primeras formaciones modernas del continente que contará con una tremendo sustrato cubano. En esos días estaba de moda en la isla na tonada:

En Galicia un día yo escuché

Una vieja historia en un café

Era de una niña que del pueblo se escapó

Anduriña joven que voló

Anduriña es uno de los primeros temas grabados de Maravillas de Mali y que causó la revolución en el oeste africano. En gallego es un ave o una joven con ganas de volar, que fue la inspiración de Juan Pardo, triunfo por todo el mundo emigrado.

Hoy Vigo sigue teniendo el mismo barrio, hoy se conoce como el de los catalanes. El Seu Avi no fue sólo a Cuba, a Galicia también fue. Mali y Cuba no pasan por grandes momentos, para pesar de sus gentes, como le pasa a la que se conoce como Rumba Catalana desde su nacionalización. Su boom coincidió con los años sesenta, contando con la comunidad gitana como abanderados, llena de energía, originalidad y, flamencos hasta la médula. Hoy todo eso ya es otra cosa.

Machito, actuó en el verano de 1983, unos meses antes de su muerte en el Festival de Jazz de Vigo con un memorable concierto y se congratuló por estar en Galicia.

"porque de aquí eran mis abuelos"

Salsa Gitana: Hey , una de las ultimas joyas de la rumba catalana.

FLAMENCO EN CUBA 2022,

un ejemplo claro de lo anterior sigue VIVO, ensayo en un local de la Habana.

“Tres golpes” de Tomás de Perrate: Él Gitano, Los Gaiteros de San Jacinto y África, intentando alejarse del señoritismo.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 21 Aug 2022 00:34:59 GMT

“Tres golpes” de Tomás de Perrate:

Él Gitano, Los Gaiteros de San Jacinto y África, intentando alejarse del señoritismo.

Tomás Fernández Soto , Utrera-1964, dados sus orígenes familiares está emparentado con los orígenes mismos del flamenco.

Afirma que su padre, El Perrate , le diría:

"Adáptate a los nuevos tiempos que vamos a terminar otra vez en manos de los señoritos. Por supuesto, todos estamos sometidos al señoritismo.”

El cantaor ha publicado recientemente su nuevo trabajo: “Tres Golpes”, sintiéndose legitimado para evolucionar los cánones del Flamenco, como hicieron sus ancestros, buscando el tronco negro del faraón.

"Yo me siento legitimado para hacer lo que hago. Me puedo equivocar, evidentemente, pero lo asumo. Lo que digan los críticos más radicales me da igual, aquí el radical soy yo".

"Yo no le hago ascos a la vida. Pero ni me gusta precipitarme, ni me gusta quedarme atrás. Mi carrera es una forma de autodescubrimiento".

"Cuando empecé a investigar sobre esta música del Siglo de Oro me di cuenta de que iba toda en el mismo compás que muchos palos del flamenco, el 3x4, y claro, yo soy especialista en el 3x4. Es lo que mejor hago. Eso y los guisos de arroz con pollo"

Pedro G. Romero, le propuso abordar un repertorio de esa época, con once temas que mezclan formas de hacer el cante propias con chaconas, romances, folías o jácaras, abordadas con sonoridades actuales. Le acompañan músicos como los guitarristas Paco de Amparo y Alfredo Lagos, y la dirección musical de Raül Refree.

“A raíz del disco empecé a interesarme por la esclavitud. En Sevilla y Cádiz un 15% de la población era negra. Y en el entorno de Doñana hasta La Puebla del Río había muchos. Sobre 1450 ya había negros, negreros, tráfico de esclavos en esa zona y allí estaban los cimarrones, los clérigos, los nobles, el que quería vivir la cultura africana, y putas y orgías. Eso pasó aquí, como para no rendirle culto”.

"A esas criaturas desarraigadas de su tierra, el único nexo que les quedaba era su cultura, y es lógico que al juntarse con otros desposeídos se acabaran mezclando".

"Los gitanos entramos en España en el siglo XV, y yo me imaginé que era un gitano que se coloca de estibador en el puerto de Triana cargando sacos de minerales, de especias.... descargando mercancías. El gitano ya traía sus seguidillas, su soleá, sus bulerías a su palo, pero no quería trabajar más descargando. ¿Y qué es lo que mejor hace un gitano? Adaptarse al medio donde vive. ¿Y qué es lo que hay en España en ese momento? Pues había folías, zarabandas, chaconas... El gitano se las apropia, las mezcla con el compás que traen los cimarrones, y así nace el flamenco".

“Me decían que tenía voz negra cuando empecé; eso es más grande que yo, no es voluntario. A raíz de este disco, Refree hizo una gran aportación a mi voz porque me propuso cantar una octava más grave y me ha encantado. Ésa sí que es negra, completamente misisipera”.

"Se habla de que hasta un 15% de la población del siglo XVI en Sevilla era negra, cómo no va a influir su cultura en la cultura popular"

La presencia de africanos en estas tierras no es un fenómeno reciente: son parte de nuestra historia y cultura, pero si nos referimos a nuestras músicas, es fundamental, a pesar de su falta de reconocimiento. Su in-visibilización, no es casual, permite presentarles actualmente como un fenómeno anómalo y desestabilizador de patrias, alimentando discursos de rechazo y racismo. La labor de este trabajo de Tomás de Perrate nos viene a demostrar las sentencias de su abuelo, Manuel Torre:

“Todo lo que tiene sonidos negros tiene duende”

Un Fandango Callejero entre Gaitas y Aguardiente, Caraj(ll)o, con Los Gaiteros de San Jacinto.

Tres Golpes, es un fandango callejero del Caribe colombiano, reinterpretado por el cantaor de Utrera, en otro ejercicio de ida y vuelta.

En esta época que quiere recordar Tomás de Perrate, surge un nuevo fenómeno, invento, relacionado con los señoritos: la reconquista y América, otros dos misterios tan poco ligados a la realidad como el tráfico de esclavos. La gran epopeya fue el reparto de la tierra y sus valores tangibles para unos (señoritos) y para otros repoblarla con beneficio, con control de los primeros. Dentro de este contexto aparecen dos elementos más, por un lado todos los pueblos nativos americanos y por otro el gallego, este presente tanto en lo que vendría a ser Andalucía como en América, en la mayoría de los casos actuando como elemento dinamizador entre africanos, nativos o gitanos.

Los Gaiteros de San Jacinto, pre litoral de la costa caribe colombiana, son un ejemplo claro donde convergen como en las novelas de García Márquez, lo africano, lo nativo caribe, lo gitano y lo gallego. La zona, en particular, es la tierra del aguardiente, las gaitas y el carajo está en boca de todos, no creo sea una casualidad.

Tres Golpes na mas

Enlace artículos y entrevistas completas:

https://www.diariodesevilla.es/entrevistas/Tomas-Perrate-Cantaor-Bienal-Tres-Golpes_0_1705929818.html

https://www.epe.es/es/cultura/20220520/cantaor-flamenco-tomas-perrate-tres-golpes-13681575

“Da Booty” no es el estado en que se encuentra el Flamenco catalán, el Jazz esta Dabuti.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 11 Jul 2022 22:08:15 GMT

“Da Booty” no es el estado en que se encuentra el Flamenco catalán, el Jazz esta Dabuti.

“Pregunta

¿Qué es lo que todo el mundo tiene

y algunos piratas y usurpadores tratan de coger?

Da Booty

A Tribe Called Quest, Marcus Miller o La Orquestra Mirasol, canta “El Tarragona”.

Recientemente, la necesidad de aprobar un plan de difusión del flamenco volvió a debatirse en la Cámara catalana, ante las quejas del sector. Nada se está haciendo al respecto, los socios de Govern se remiten a su inclusión en una revisión del Plan Integral de la Música, pues si bien se ha creado una subcomisión sobre el jazz.

El Jazz como modo de expresión de la comunidad afro americana, en particular, no es una música culta y estática, como nos la pintan.

"El jazz tiene esa capacidad de encontrar una manera de sobrevivir, de quedarse y cambiar lo suficiente como para seguir atrayendo gente"

"Estás tocando la música que escuchas en las calles, pero también estás tocando la tradición al mismo tiempo”

Marcus Miller, uno de los protagonistas de la introducción del bajo eléctrico en el jazz presenta estos días su nuevo trabajo 'Laid Black'.

“Había hecho un álbum antes de Laid Black llamado Afrodeezia y con ese disco decidí explorar mis raíces, la música de los negros de África occidental, el Caribe y el sur de Estados Unidos para seguir mi camino. Colaboramos con músicos de Senegal, de Mali, de Trinidad en el Caribe, y luego algunos músicos del sur de Estados Unidos. Cada uno representaba una parte del viaje de mis ancestros, y terminamos en la última canción que resumía todo un poco. Con Laid Black decidí que quería intentar hacer un álbum que reflejara el presente y escuchar influencias de hip hop, trap, R&B, funk, gospel... Creo que los dos discos van juntos y hablan de mi historia”.

“Siempre encuentro formas de incorporar los nuevos sonidos a la música que hago. No quiero simplemente hacer un álbum de hip hop, pero me gustaría coger los elementos, particularmente el ritmo y los sonidos, y ver si puedo crear una fusión de jazz usando estas nuevas sonoridades que escuchamos en las calles”.

“Puede ser específico si nos referimos a la música en la que la gente piensa cuando dices jazz. Pero es muy amplio. No es fácil siempre, pero a veces se siente muy natural. Estás tocando lo que escuchas en las calles, pero también estás tocando la tradición al mismo tiempo”.

El jazz, para muchos, viene entroncado a una tradición pero no está exento de actualidad. Todos los grandes del jazz han ido adaptando su actualidad sonora a la de los chavales del barrio, los únicos que han sido capaces de darle la vuelta a la tortilla y ser criticadísimos, que si vulgares….., todos los adjetivos posibles para hacerlos pasar por una amenaza, totalmente: ACulturales. Pero el Da Booty hace cambiar el mundo.

Algo parecido le pasa al flamenco, particularmente en Cataluña, se le ha ido estigmatizando y dejando de lado, como si nada tuviese que ver en todo esto. Lo que es indudable es que sin la empenta de la mayoría de los que no valoran como catalán el fla menco, nada de todo esto hubiese sido posible, sin duda fueron los protagonistas de poner esta máquina en marcha. Curioso, es también, que el jazz si goza de unos privilegios que no está claro de dónde vienen, quizás con vínculos históricos con el lobby norte americano.

Seguimos con Marcus Miller:

"El flamenco es el blues español".

“Toqué muchos años con Miles Davis y él amaba la música española. Si eres fan de Miles, al instante te conviertes en fan del flamenco. De hecho, trabajé en la banda sonora de una película en los años 80. La compañía pidió a Miles la banda sonora de la película, que se hacía en España, y él me llamó a mí para escribirla. La película se llamaba Siesta y me dio la oportunidad de explorar aún más el sonido español que es tan hermoso. Recuerdo que tenía problemas con una composición de esa película y llamé a Miles para contárselo. Me invitó a su casa mientras él hacía una fiesta, pero me metió en una habitación y me puso música española. Yo simplemente me senté allí y escuché durante unas dos o tres horas para inspirarme. Miles tenía una manera de inspirarte sin hacer demasiado trabajo. Yo escucho flamenco todo el tiempo en casa, a artistas como Carles Benavent y Josemi Carmona, y acabo de tocar en un disco de Vicente Amigo”.

“No creo que nadie en ninguna cultura haya desarrollado la guitarra como España con el flamenco. Quizá la guitarra tenga sus raíces en el norte de África, no estoy seguro, pero los españoles han cogido ese instrumento y lo han explotado por completo. No toco la guitarra, toco el bajo, pero sigue siendo la misma técnica. Todos los guitarristas se fijan en España para conocer todas las posibilidades del instrumento”.

“La técnica nunca está separada de la pasión y la emoción. Tienes que crecer con eso. Cuando estuve en España la última vez, fui con Josemi Carmona a un club donde su padre tocaba para nosotros. Ahí pude ver que este arte no es solo para una persona, se pasa de generación en generación. Los niños crecen y simplemente imitan a sus padres”.

"Desde aquella grabación con Miles para la película Siesta (1987) de Mary Lambert he querido hacer mis propios Sketches of Spain. Entonces concebimos algunos temas interesantes, como Lost in Madrid, pero para serle sincero nunca me he perdido en la ciudad. Y la verdad es que tengo ganas. Tengo ganas de perderme con Pepe, Jose y Amir y encontrarnos en un disco que demuestre, una vez más, que el flamenco es el blues español".

“La música cubana es fantástica. Visité La Habana hace unos cinco años porque actué en el Día Internacional del Jazz, que se celebra todos los años el 30 de abril, y vimos que la cultura allí es similar a la de España en que los jóvenes músicos empiezan muy temprano y muchas veces sus padres ya son músicos. Me enamoré de eso”.

En el inicio de la música Afro Norteamericana fue el sur, y la influencia de Cuba, México y el Spanish Tinge fueron de la mano en lo musical y, en el argot de la calle, Dabuti.

Dabuten o Dabuti, es un término cuyo origen está en la palabra de la lengua caló ‘bute’. El significado de esta palabra es ‘mucho’ y cuando se junta con la preposición ‘de’ (de bute) se utiliza para referirse a que algo vale mucho, es excelente, de gran calidad y/o valor. Este término llegó a Cuba, México, resto de la América latina y el Caribe, donde sigue presente en la calle. Entre la comunidad norte americana, particularmente afro, este mismo significado tiene el Da Booty.

El jazz goza en Cataluña de una empatía institucional envidiable, en cambio el Hip Hop y similares no, curioso cuando en los orígenes del Spoken words o luego Rap el jazz fue su premisa y siempre contaron

con los caballos del género, que lo incorporaron al sonido del jazz, que no es una pieza de museo estática.

A Tribe Called Quest, grupo de Hip Hop reivindicaron tener el jazz y una tradición.

“Pregunta

¿Qué es lo que todo el mundo tiene

y algunos piratas y usurpadores tratan de coger?

Da Booty

Bulería catalana

Cuando Marcus Miller salto al ruedo años 70, el Dabuti estaba de moda y en Barcelona surgieron varios grupos influenciados por el jazz eléctrico y la fusión. Uno de los destacados, La Orquestra Mirasol, se reagrupó a finales de los años 90 con la colaboración estelar a la voz y la percusión de Ricardo Batista, “El Tarragona”, de donde salió un disco grabado en directo y un tema “Paredes”, Bulería catalana 100xcent y letra al hilo de la cuestión.

"no som d'aquí

ni som d'allà

perquè posar barreres on no hi ha"

El flamenco tiene esa capacidad de encontrar una manera de sobrevivir, de quedarse y cambiar lo suficiente como para seguir atrayendo gente, sabe cambiar e incorporar cosas nuevas, aunque hoy ande un poco despistado.

entrevista a Marcus Miller publicada en Crónica Directo

de Alba Giraldo

https://cronicaglobal.elespanol.com/cronica-directo/famosos/marcus-miller-ningun-pais-desarrollado-guitarra-espana-flamenco_697346_102.html

Sr. Moral y Los Grandes Creadores de Pasos: ¿Innovar cuando no se puede con el cante?

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 06 Jun 2022 19:10:21 GMT

Sr. Moral y Los Grandes Creadores de Pasos:

¿Innovar cuando no se puede con el cante?

Mr. Morale & The Big Steppers: es el título del nuevo trabajo de Kendrick Lamar .

¿Innovar cuando no se puede con el cante? , titular de un artículo de Manuel Bohórquez.

La hibridación musical como espacio en el que se dan múltiples maneras de transgredir a través de la transculturación y la fusión, es uno de los detonantes de la mayoría de las músicas comerciales, una de las primeras de esta era tecnológica fue el flamenco. Sí a eso se es capaz de dotarlo de actualidad a partir del conocimiento, casi espiritual, del género desde que se hace, estamos delante de artistas que consiguen hacer mover la rueda del mercado, creando un estímulo comercial del género que interpretan.

Mr. Morale

Otra cosa es:

“¿Innovar cuando no se puede con el cante?

Salirse del flamenco porque no se puede con él no es crear: es echarse a lo fácil, a la ojana, para ganar dinero.

Cuando Don Antonio Chacón era anciano y con escasa salud, o sea, con lógica merma de facultades, creó otra manera de cantar y gracias a esa aportación revolucionaron el cante Manuel Vallejo, el Niño de Marchena y Juanito Valderrama, entre otros. Cuando Antonio el de la Carzá no podía ya con su fandango veloz, el de antes de la guerra, creó otro estilo ayudado por el Niño Ricardo para que acabaran de revolucionar el estilo Rancapino, Pansequito o Camarón.

Hoy, los intérpretes del cante que no pueden con él, a pesar de ser jóvenes, se apoyan en la ojana y se ponen a “crear”, según ellos." Manuel Bohórquez, destacado crítico flamenco.

¿Crear, sobre qué?

"En los tiempos que corren, hay mucha confusión con la definición de lo que es flamenco y lo que no, y es bueno dejarlo claro. Flamenco es quien lo ha mamado toda su

vida, quien lo ha vivido desde pequeño, no quien lo ha estudiado o practicado un par de años, y mucho menos quien coge alguna cosa del género para hacer una fusión moderna. No quiero faltarle el respeto a quien lo hace, pero tiene que reconocer que eso es otra cosa. Eso sí, desde el flamenco se pueden hacer muchas cosas. No quiero ser elitista ni clasista, pero flamenco se es o no se es" . Josemi Carmona, un innovador nato.

Mientras el mercado del flamenco oscila entre una representación magistral del género por artistas que fieles a la tradición aportan su forma, sin crear grandes cambios estilísticos que puedan crear tendencia. En el otro lado hay una parte que ven un hueco en el que expresar la falta de creatividad actual ante un nuevo mercado, pero sin mucho trasfondo.

The Big Steppers

Steppers en el Barrio tiene mil significados, uno es Bailaor.

Igual que Manuel Bohórquez, Kendrick Lamar es un maestro de lo que llaman “Spoken Words”, conectado con el legado musical que lo incluye dentro de la Música Afro-Americana como claro continuador de una tradición.

En su nuevo disco doble: Mr. Morale & The Big Steppers, sus rimas narran su visión actual de las circunstancias, siempre con un claro compromiso, convirtiéndolo en vanguardia de la actualidad musical.

Como ha pasado durante todo el siglo XX la comunidad Afroamericana ha marcado las tendencias musicales de medio mundo, pero también marcaron la forma de comunicarse: influenciando tremendamente en la intelectualidad académica, convirtiendo lo que estos en un principio rechazan, con desprecio, en nuevas tendencias culturales.

“Le debo todo a la cultura negra. La comunidad negra me ha brindado amistad, tutoría, amabilidad, amor, música, inspiraciones creativas, modelos a seguir y mucho más. La lucha para acabar con la injusticia racial es larga, pero me comprometo a ser parte de ella a través de mi arte y mi voz. Las vidas de los negros son importantes”.

A través de los lamentos de sus antepasados construyeron Espirituales y canciones que hablaban de la injusticia del trabajo, del amor roto, de su esperanza depositada en Dios y el más allá, y sobre crímenes, alcohol y desesperación.

Kendrick recoge todo ese inmenso legado y a través de su dinamismo rítmico captura la complejidad de la moderna vida afroamericana, durante su nuevo trabajo están presentes los zapateados, steps, pasos…que se repiten en varias de sus canciones.

Los encargados de ejecutar esos pasos, steps, son dos gemelos que recogen toda la tradición del zapateado con sólo trece años: Freddie y Teddie.

“¡Somos verdaderamente privilegiados y agradecidos de haber podido trabajar con Kendrick Lamar en su fenomenal nuevo álbum Mr. Morale & The Big Steppers! ,” Freddie y Theodore Tisdale.

El Tap, Step forman parte de su tradición musical que si no me equivoco está vinculada a sus orígenes en la zona de Nueva Orleans, la influencia flamenca en el génesis de la música afro americana fue constante hasta la actualidad. Escuchando el trabajo se puede palpar, que desde una forma no consciente, está lleno de Spanish Tinge y puede ser un buen ejemplo de cómo llevar a la actualidad el flamenco sin perder los estribos.

El mundo del flamenco sigue vivo, lleno de elementos y conexiones que lo unen desde sus orígenes a los sonidos negros.

¿Innovar con el cante, el toque y el baile?

Enlace Mr. Morale and The Big Steppers:

Kendrick Lamar - We Cry Together

Enlace articulo Manuel Bohórquez:

https://elcorreoweb.es/opinion/columnas/innovar-cuando-no-se-puede-con-el-cante-KA7929950

Joselero de Morón en Zeleste

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 15 Apr 2022 00:37:48 GMT

Joselero de Morón en Zeleste

En el mundo del flamenco, Morón no es un lugar de paso: a Morón hay que ir y a Barcelona, también.

Al cantaor Luis Torres Cádiz, Joselero , cuñado de Diego del Gastor , y figura clave del cante de esa zona lo podemos vincular a Barcelona ya en sus inicios profesionales, fuera de las fiestas de señoritos que tanto odiaba su cuñado, aquí pisó los escenarios mucho antes de que el mundo Zeleste condal empezase a coger otros rumbos.

“El cante es un veneno que corre por las venas y no lo deja a uno tranquilo” , Joselero.

La sala Zeleste de Barcelona en 1975 era el templo de la música moderna y programaba actividades de todo tipo, el flamenco tuvo su espacio en el amplio abanico que paso por la sala, también pasaron los sonidos negros de Morón.

El causante de tal aventura fue un joven Toti Soler aducido por la guitarra de Diego del Gastor.

“El flamenco era una cosa que me intrigaba, pero lo desconocía absolutamente hasta que hice un viaje a Andalucía y de repente empecé a notar las vibraciones, o como quieras llamarlo. Me busqué un profesor, hice viajes allá, empecé a estudiar. Y fue el interés, porque yo nunca hago nada para ganar dinero, sino porque me gusta.

Creo que el flamenco es algo que hay que vivirlo. Quizá nacerlo... pero vivirlo más.

El flamenco es una música que ha salido de un pueblo y es una música natural. Una música que lleva siglos funcionando como otras músicas de todo el mundo.

Hace falta sentirlo. Y mucho” . Toti soler

De ahí, lo de Joselero, cuñado del genial tocaor, por Zeleste y según cuenta un asistente:

“que la sala estaba llena de jóvenes educados en otras músicas y unos pocos gitanos. Los jóvenes, expectantes; con la curiosidad propia de quien no ha asistido nunca a una actuación de cante y los gitanos perdidos en aquel ambiente ajeno para ellos. Las alegrías, soleares y los tangos se apoderaron de Zeleste y creo que muchos jóvenes asistentes descubrieron algo nuevo”.

“Os voy a cantar por solea, a gusto, y ya esta”

Junto con la guitarra de su hijo Diego Torres Amaya, dejaron una grabación en directo con un cante por cantiñas, otro por tangos, dos cantes por solea y un toque por tarantas, publicado un año más tarde por Edigsa.

"Viva Barcelona que saben escuchar"

Tarantas, sólo guitarra, herencia Diego del Gastor

"Viva tu que lloraba tu tío Diego cuando te escuchaba"

En 1976 vuelve Joselero y su hijo Diego a Zeleste, de esa noche dejo Jordi Tarda un artículo publicado en Disco Express:

“Mucho ambiente flamenco en la sala.

'Señores, vamos a cantar primeramente una soleá para hacer el amor”

Soy arroyo y no me enturbio

y aunque me caiga una tormenta

yo me mantengo tan claro

y luego unas bulerías que tienen cuarenta años y se llaman “Los pajarillos”

Solitos quiero que amen

solitos con mi recuerdo

solitos con mis pesares

sirve a modo de presentación Joselero.

"Y el Joselero se fue a tomar unos chatillos y vuelta a flamenquear otra vez. La segunda parte está iniciada ¡toma castaña! por un,

'señores les voy a cantar un cante bueno que se pega a los riñones, unas seguidillas por gitanos'.

Joselero se desenvuelve magníficamente en este campo -apunta el Esteban-, mientras Dieguito es motivo de elogios

¡viva los toques de majestad!

¡viva la pureza gitana!

yo me mantengo en mi fe

yo soy un cuadro de mi tristeza

' Seguidamente voy a cantarles un tango de creación mía. Gitano'.

El tango es lo mejor de la noche

la virgen va caminando solita

y no lleva más compañía

que el niño en la barriguita…

En todo el vecindario

no hay nadie que me dé una escopeta

para matar a mí contrario…

En el monte mataron a mi caballo

y mi cuerpo cayó en la arena

El Joselero juega ahora con la voz y la ovación es de gala. Una feliz noche flamenca en el Zeleste ¡y que no decaiga, tío!".

Que no siga decayendo

LA CHANA

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 28 Mar 2022 21:41:49 GMT

LA CHANA

BAILE GITANO CON SELLO BARCELONA

Bailaora autodidacta, Antonia Santiago Amador, nació en el Hospital Clínico de Barcelona, el 24 de diciembre de 1946 y se crio, en la calle Juventud, en Hospitalet. Fue una niña de la posguerra, y de su mente nunca se ha ido el sabor de:

“las rebanadas de pan y vino negro con azúcar que me daba mi abuela para quitarnos el hambre mientras venía mi madre”.

Con muy pocos años sentía que algo corría por sus venas, descubrió que el flamenco era su alma y su vida. Ella sola, con una radio, escuchaba y memorizaba el ritmo, los compases, y se ponía a bailar.

“En aquel tiempo se vivía mal, y la gente tenía sueños, el mío era bailar”

Los comienzos no fueron fáciles. Su padre no quería dejar que una mujer saliera de casa para bailar “porque decía que las mujeres artistas eran malas”. Su tío El Chano, guitarrista, fue el que la ayudó en sus inicios artísticos, sin el consentimiento familiar.

En 1961, empezó a bailar en salas de fiestas de la Costa Brava. Su forma de bailar era, desde el comienzo, improvisada, sus únicas armas eran su velocidad de pies y su capacidad de reacción. Ella no ensayaba nunca, sólo entrenaba velocidad y fuerza para que en el momento de salir al escenario su cuerpo obedeciera a su mente, el dominio del compás era absoluto.

Fue madre a los 18 años, con el primer hombre que dijo amarla, al principio todo parecía de color de rosa, hasta que llegó la ira, las palizas y los celos. Ya sólo sería feliz bailando, hasta que dejó a su marido.

En Los Tarantos, de plaza real, donde estaba contratada, la descubre el actor británico: Peter Sellers, que cerrará la sala para grabarla e incluirla en la película: The Bobo, de Robert Parrisch, en 1967. El actor le propone desarrollar su carrera artística en Hollywood, lo que no contaría con el consentimiento familiar.

En 1968, Manolo Caracol, regentaba su tablao Los Canasteros, en Madrid. Caracol se mostraba reacio a contratarla por ser rubia y de Barcelona, dijo, textualmente:

“¡No hombre, no, de Barcelona y rubia, no!”

después de verla bailar la contrató inmediatamente y pronunció un

“¡Viva Cataluña!”

En esos años actúa por toda Europa y Australia, donde obtuvo el primer Premio del Certamen Internacional de Danza de Perth.

En los años setenta y con el auge de la televisión, consigue su momento de máxima popularidad. José María Íñigo la presenta en su programa de máxima audiencia: Esta noche fiesta, lo que le da un reconocimiento nacional. Estrenó el espectáculo "Flamenco 73" en el Teatro Arniches, actuará en el Florida Park y en el Music Hall Xairo, en su etapa madrileña. En 1978, en el momento más álgido de su carrera profesional, decide asegurar sus pies con la compañía Aseguradora Nacional Francesa.

Dejó de bailar completamente durante cinco, de nuevo su marido, esta vez le prohíbe seguir actuando.

Con 39 años, regresó a los escenarios, con la compañía del bailaor Luisillo, empresarios y artistas la animaron a volver. Trabajó durante cuatro años para la Cumbre Flamenca dirigida por Paco Sánchez, al lado de Antonio Canales, Cristóbal Reyes, Juana Amaya, El Veneno y Los Losada. Realizó giras con gran éxito por todo el mundo.

Se casó en 1990, con Félix Comas, vecino de Premiá de Mar. Ese mismo año, actúa en el Joyce Theater de Nueva York, recibiendo muy buenas críticas de la prensa.

Con 45 años empieza su retirada de los escenarios, pero sigue actuando esporádicamente. Actuó en la decimoséptima edición el Festival de Flamenco de Ciutat Vella y en la Bienal de flamenco de Sevilla, del año 2016, participa como artista invitada en el espectáculo de la bailaora: Rocío Molina. La propia, Rocío Molina, dejo estas efusivas declaraciones:

“Hablaré ahora de mi Diosa ¡Mi inspiración…ella tiene su Dios por el que vive, baila y ama, pero ella no sabe que para mí, mi Diosa es ella, te adoro Chana! Y no sé explicarlo, pero yo quiero ser como tu baile. Gracias es poco, lo que te puedo decir, tanto yo, como el público y artistas que tuvimos el honor de verte, ¡nos dejaste locos de arte! Los flamencos no debemos olvidar a esta gran bailaora jamás en nuestras vidas. Chana, de mayor quiero ser como tu…”

La Chana todavía baila, ahora sentada en una silla. Una de las pocas cosas que aún la hacen disfrutar, sigue siendo el flamenco, pero como dice ella,

“sólo el que es natural. El de gente como los Farruco o Antonio Canales”,

a los que considera compañeros, una familia que la aprecian, como lo que fue: una de las mejores bailaoras de la historia.

Producción RTVE, presentado por Fernando Quiñones. LA CHANA

le acompañan:

José Mercè , cantaor

Indio Gitano , cantaor

Luis Habichuela , guitarrista

Miguel León , guitarrista

José Carmona , bailaor

Baila:

Solea por Bulerías

Tangos

Bulerías

+mini entrevista.

Cantes de las Minas @.Cat: los oscuros túneles Modernistes de las migraciones, ¿la mayor plaga?

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 06 Dec 2021 16:32:47 GMT

Cantes de las Minas@.Cat

Los oscuros túneles Modernistes de las migraciones,

¿la mayor plaga?

Uno de los escenarios que influyó, tremendamente, en el génesis del flamenco fueron las oscuras galerías de las minas.

Los Cantes Mineros , se desarrollan a lo largo del siglo XIX, en otro triángulo, el formado por los caminos que unen Jaén, Almería y Murcia, a medida que resurgen nuevas explotaciones. Fundiendo el carácter campesino, con brotes urbanos, y con una nueva socialización, al desarrollarse en un medio industrial y proletarizado, cantan los peligros a que se ven expuestos, los míseros jornales y la represión ante cualquier movimiento reivindicativo.

“Minero, ¿por qué trabajas?,

si para ti no es el producto;

para el rico es la ventaja

y para tu familia el luto”

“Las minas se han levantado

por cuestiones del jornal

y la tropa está cargando

a bayoneta calà”

“Quieres, Martín, que yo cante

al clero y la monarquía;

¿no comprendes, ignorante,

que esa opinión no es la mía?

¡Que vaya el nuncio y le cante!”

Los mismos sentimientos que cantaron, un siglo después, afro descendientes a su llegada a las metrópolis gringas, en forma de Blues y dos siglos después, lo repitieron, con el Rap; lo que convierte al flamenco en la primera música urbana de protesta en un medio industrializado.

Las Minas de La Unión, Cartagena y Mazarrón, eran el lugar adecuado.

Allí encontraremos de nuevo la presencia de un núcleo catalán, repartiendo el juego, lo que hace evidente que sin su espectacular producción y apoyo económico, lo de: “cante, toque y baile” no sería lo que es, aunque las influencias musicales llegaron, más bien, de donde procedían los que sacaban los minerales.

Hoy quedan Paisajes de Otro Planeta, con un excelente daño medioambiental, en manos de los mismos especuladores, con el Turismo Insostenible, como una de sus pocas salidas.

Allí, como en otros tantos núcleos mineros peninsulares, llegaron miles de trabajadores dispuestos a meterse en esos túneles que les llevaban, en la mayoría de los casos , a gastarse más de lo que les pagaban en sus negocios, donde: “Alterne, sustancias estupefacientes y cante” , entraban en comunión.

Las “Partidas” sería la forma de explotación minera, el régimen laboral sería el de autónomos, si lo ponemos en contexto actual. Los trabajadores debían arrendar las minas a sus propietarios para ser explotadas bajo su responsabilidad y, sin ninguna garantía de éxito; cuando se descubría una veta el propietario se quedaba con la mayor parte, habiendo cobrado de antemano, ya, todos los enseres pirotécnicos para poder destrozar la sierra, que también los producían ellos; generando un sentimiento de individualidad en los túneles oscuros. Para los mineros, habituales campesinos, es traumática la experiencia vital de la oscuridad del pozo, un lamento de esa muerte potencial que, en gran parte, se apodera de su cante.

“A la mujer del minero

se le puede llamar viuda,

que se pasa el día entero

cavando su sepultura.

¡Qué amargo gana el dinero!”

José Cepero

Naturalmente, estos cantes no se hacían en el interior de las minas en horario de trabajo debido a la dureza del mismo. Entre jornada y jornada, se reunían en bares, tabernas y otros lugares de distracción, como una necesidad de saberse libres y a salvo de los peligros de la mina, al menos un día más.

“Quiero hacer fuerza y no puedo,

siento de la muerte el frío,

quiero hacer fuerza y no puedo.

No me abandones, Dios mío,

porque queda otro barreno

entre el escombro perdío”

Minera y Cartagenera

Mayte Martin , cante, Barcelona

Pedro Sierra , guitarra, L´Hospitalet

Los cantes mineros se convertirán en crónica de las condiciones de vida y trabajo de los mineros, de sus sueños, deseos, realidades y pesares. Por otros caminos, de feria en feria: tratantes, comerciantes, arrieros y tartaneros llevan de un lugar a otro aquellas coplas y cantes, contribuyendo al afianzamiento y expansión del cante minero.

Con la revolución industrial, un nuevo boom de la minería da comienzo y con él, el surgimiento de un nuevo estilo musical: el Flamenco.

En el siglo XIX, las nuevas tecnologías industriales permitieron hacer de nuevo rentable la producción de mineral. La Sierra de Cartagena, así como la de Mazarrón fueron intensamente explotadas por sus minas de plata y plomo y otros minerales desde la antigüedad. El control sobre estos recursos mineros fue una de las principales causas del establecimiento de los cartagineses y de la posterior ocupación romana. La prosperidad generada por la minería hizo de la ciudad de Carthago Nova, actual Cartagena, una de las más florecientes de la Hispania romana.

Hacia 1850 había en Cartagena treinta y ocho fábricas de fundición de plata. Durante el siglo XIX, la producción de plomo y zinc de las minas de Cartagena y La Unión constituyó el grueso de la producción nacional.

Con la riqueza generada por la actividad minera se gestó en Cartagena una poderosa burguesía enriquecida que invirtió sus ingentes fortunas en lujosas casas y palacetes de estilo Modernista. Este nuevo estilo arquitectónico cambió por completo la fisonomía urbana tanto de la ciudad de Cartagena como de La Unión.

El esplendor económico en la década de los setenta y ochenta, del siglo XIX, trajo consigo la proliferación de cafés cantantes. Solo en la calle Mayor, de La Unión, en 1895, había más 16 centros de este tipo, Café Cantante del Estrecho, El Casino, la Taberna de Pepe El Flamenco, Café Cantante de El Rojo, Café de José Aguirre, Café Habanero, Café de la Villa, Ventorrillo de la Roja, Café del Mena, Café de Paco, Café de José María, Teatro Circo... No eran cafés cantantes al estilo del de Silverio o el Burrero, en Sevilla, donde se asistía a un espectáculo, eran más de consumo, alterne y juego, dirigidos para sacar el suco a los mineros, convirtiéndose en lugares de creación y recreación del cante, en manifestación artística íntima y particular.

Los ríos de dinero y la afición al cante de los mineros atraerían a los profesionales, y los más inquietos, los más artistas, recogerían las fuentes de información local musical, recreando y engrandeciendo los cantes mineros, como sería el caso de Don Antonio Chacón.

¿Cómo llegó Chacón a La Unión?

En Cartagena, como en otros muchos municipios murcianos, el catalán está presente en las conversaciones de la mayoría de aborígenes de esas zonas. No comen guisantes, ni judías verdes, ni alcaparras: comen pésoles, bajocas y tápenas. El viento del suroeste es el lebeche, y si es del sudeste es el jaloque, y el trueno es un llampo. Seguro que se ha bañado en Cala Reona y en Calblanque, ha visto la isla Grosa o la Perdiguera, el Carmolí, los Esculls, el Farallón, las salinas del Rasall y Calnegre. Los montes cartageneros no tienen niebla, tienen boria, para muchas familias la abuela es la yaya y los diminutivos acabados en -eta como serreta, replaceta, pareta… son cartageneros de tota la vida. Por no mencionar los numerosos apellidos catalanes que pueblan la nomenclatura cartagenera: los Ros, Perello, Puche, Sabater, Ferrer, Conesa, Ballester o Grau.

“Ha llegado un forastero

a la sierra de La Unión,

no trabaja de minero

y le llaman en la región

el Rojo, el Alpargatero”

Nombre a destacar es el de Antonio Grau Mora « El Rojo el Alpargatero », considerado uno de los creadores de los cantes mineros, gracias a su experiencia recogida entre los cantes de los mineros, desatados en tremendas borracheras, en sus descansos laborales. Su labor fue más de productor que de creador, los que crearon los cantes fueron los mineros.

Alrededor de 1896, el Alpargatero contrata, para actuar en La Unión, a Don Antonio Chacón, quien ya había escuchado los cantes mineros en voz de Conchita la Peñaranda, en Sevilla. A partir de la buena relación con El Rojo, asimila e interioriza las formas y contenidos de los cantes de la zona que grabará en los soportes de la época (discos de pizarra y cilindros) en diferentes etapas de su vida cantaora. Por primera vez, y gracias a Chacón, se nombran de forma correcta la cartagenera, las tarantas mineras, la taranta cartagenera; además, acuña el vocablo de minera para el cante que hoy conocemos como tal. Imprimió su sello personal a casi todos ellos, los fijó y los dotó de la estructura musical que hoy tienen. Diez estilos distintos de estos cantes dejó grabados este insigne jerezano y que se hacen imprescindibles en el estudio de los matices que los significan y diferencia n.

Antonio Grau, el Rojo el Alpargatero , nació en Callosa del Segura, gracias al negocio familiar y su comercialización por la cuenca minera de Cartagena y Almería, es donde empieza a descubrir como cantan los mineros.

En 1868 cumple servicio militar en Málaga donde conoció y asimiló el flamenco. De vuelta a casa inicia su formación como cantaor, dedicándose definitivamente a este menester a partir de 1880. Posteriormente se marcha a Málaga con su mujer, María del Mar Dauset, donde alterna y comparte cante con las primeras figuras de la época, llegando a ser un buen intérprete de malagueñas.

En 1885 se traslada a La Unión para regentar su negocio: Café Cantante de El Rojo dándose a conocer como cantaor. Su hijo, Antonio Grau Dauset, continuó su labor cantaora docente entre los artistas flamencos. Conoció a Don Antonio Chacón y asistió a la configuración definitiva de los Cantes Mineros de la mano de su padre y de toda su escuela: Chilares, El Pajarito, El Niño de San Roque …

En Madrid, aprovechó su primera estancia para actuar en sus cafés cantantes y transmitió, al cantaor sevillano Manuel Escacena sus conocimientos sobre los palos mineros, de hecho, el hispalense fue un perfecto dominador de los cantes de levante. En 1952 regresa a Cartagena para presenciar la Semana Santa y se produce su encuentro con Antonio Piñana, padre. Se inicia una amistad entre ambos y el trasvase de la herencia de El Rojo El Alpargatero y su vinculación con el nacimiento del “ Festival del Cante de las Minas ” hasta su fallecimiento.

El antiguo Mercado público de La Unión de estilo modernista, sede del Festival Cante de Las Minas

Los principales Cantes de Levante que, con más o menos frecuencia, se interpretan en la actualidad son las tarantas, el taranto, las cartageneras, las murcianas, las mineras, la levantica, el cante de madrugá y el fandango minero.

Otros célebres y destacados cantaores de esta época, y que contribuyeron a la propagación y desarrollo de estos estilos de cante, fueron el Ciego de la Playa, Pedro el Morato, el Pajarito, la Peñaranda, el Cabrerillo, Chilares, el Cojo Luque, Enrique el de los Vidales y el Fruto de Linares entre otros.. Más recientes, y de los que se conservan algunas grabaciones, podemos citar al Cojo de Málaga, Pencho Cros, Manuel Escacena, Encarnación Fernández y Antonio Piñana que rescató muchos de estos cantes aprendidos del hijo del Alpargatero. Todos los grandes cantaores han seguido cantando a la minas y, como no, Camarón, los incluyó en sus repertorios.

Por mineras en el Pirineo, ahora los murcianos en Cataluña.

A principios del siglo XX, este apogeo dorado del sector minero en Cartagena comenzó a descender súbitamente por la aparición de fuertes competidores en el mercado internacional, el colonialismo se instala en África, desapareciendo la actividad minera casi por completo.

La mayoría de las explotaciones se abandonaron en un estado ruinoso, conformando paisajes que nos transportan a otros mundos, causando la desaparición de una importantísima extensión de terreno convertido ahora en una zona estéril, así como la pérdida de numerosos hábitats y especies.

Cela de excursión por el Pirineo, escuchó:

"En el camino de Esterri trabajan los murcianos en la polvorienta y la aparatosa remoción de tierras de una presa. Unas niñas francesas, arregladitas y monas, pasean, pastoreadas por una institutriz muy puesta en su papel, mientras un murciano en camiseta empuja una carretilla acompañándose por cartageneras:

"Del cante cartagenero

Son los más firmes puntales,

La Peñaranda, el Chilares, el rojo el Alpargatero

Y Enrique, el de los Vidales"

Encaramado en una hormiguera trepidante, otro murciano renegrido se consuela cantando por mineras, que es cante amargo y social:

"Madrugar y trasnochar,

Subir y bajar la cuesta

Y ganar poco jornal;

Eso a mí no me trae a cuenta

Y a las minas no voy más."

"Viaje al Pirineo de Lérida” (Alfaguara, 1965), Cela.

Con la llegada de un amplio contingente de trabajadores peninsulares llegaron a Cataluña los cantes de las minas y los murcianos. Expulsados de las zonas mineras por el abandono del negocio por los propietarios, dada la situación internacional y contando con buenos aliados, la inversión era mejor en África. La mayoría de los mineros fueron reclamados para su explotación en otras zonas que gracias al apoyo franquista gozaron de prosperidad.

Contrastando todos estos movimientos, se me hace difícil digerir o entender el lamento de un amplio sector de la población catalana, que no sabe o se hace el loco, ante barbaridades como las que se tienen que escuchar como reivindicaciones de un pueblo oprimido:

“la immigració és la principal amenaça de Catalunya”,

“m'agradaria una Catalunya sense immigrants”

O el deseo, de alguien que era ¿Republicano? y de ¿Izquierdas? , ver unas Ramblas por donde paseen personas de “ raça blanca ”. Auténticas reivindicaciones proletarias, la canción protesta debería ser otra cosa y se parece más a los Cantes Mineros, que hoy han quedado en la voz de los principales cantaores flamencos. Muchos murcianos ya eran catalanes antes de pisar Catalunya o más, ya que no necesitaron unir su cultura a la de barbaros europeos, que los hacen bailar.

Pero fue también una catalana la que los bailó por primera vez, con la guitarra de Sabicas convirtió el cante de Tarantos en baile. Carmen Amaya adaptó unos cantes que nacieron libres de compas al ritmo Amaya. El cantaor, sin ser esclavo del ritmo, estiraba los tercios personalmente, ella los empaquetó para el gran público y los acabó de internacionalizar.

Taranta:

Sabicas, guitarrista

Rafael de La Unión . violín

La música no tiene patria. “Bésame Mucho"

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 29 Nov 2021 16:32:27 GMT

La música no tiene patria “Bésame Mucho"

Una melodía popular acunada por las aguas del Atlántico, conquista al mundo, el flamenco fue su inspiración.

Moldeada entre el Modernisme, Beats británicos, el Bolero mejicano, y - como si no hubiese un Yesterday - , con sal de la Bahía, vuelve a África y conquista el mundo.

Banda Sonora:

Rancapino, Granados, The Beatles, Alba Molina o Consuelo Velázquez , son algunos de sus protagonistas.

El Flamenco atesora cantes que viajaron y se forjaron navegando entre: la nostalgia de lo que dejaban y la ilusión del destino. Cantes que conservan vivencias de travesías de muchos, que la historia moderna ha encasillado, su historia no tiene origen: todo es de Ida y Vuelta.

La Sal de la Bahía.

Rancapino , es uno de los cantaores con más historia viva del Cante, en particular los de su tierra, el litoral gaditano.

Chiclana pone en marcha ‘Rancapino 75’, un año dedicado a la figura del cantaor Alonso Núñez, nieto de ‘La Obispa’ e hijo de ‘Manuel Orillito’, hermano de ‘Orillo’ del Puerto, nacido en junio de 1945.

“De chiquitillo yo siempre estaba corriendo en cueros y un gitano al que le llaman ‘El Mono’ siempre me decía, “Dónde vas que pareces un pino quemao”.

"El cante es el cante, se nace con él o no se nace… y eso no se puede remediar. Que unos lo hagan con la voz más bonita o más ronca, es lo de menos".

"¡Doler, sí! ¡Pero con faltas de ortografía!"

"Ahora no hay afición al flamenco. Antes se escuchaba a un cantaor y se paraban cuarenta personas. Ahora se levanta de su sepultura el monstruo número uno que para mí era Juan Talega... y se tiene que ir pa su casa".

"Camarón y yo siempre andábamos juntos. Hasta lo casé con la Chispa. Me iba a la Línea porque me gustaba una hermana de la Chispa. Me quería toda su familia menos ella. Ya que no me casé yo, casé a Camarón".

‘‘Paco, ¿y cuándo me vas a hacer un disco tú a mí?”. ‘‘¿Tú? ¡Tú vas a grabar en un queso!”

"Ayer mismo vino una japonesita a Chiclana a estar conmigo. Y se puso a cantar. Y yo decía: ‘‘¿Cómo puede ser?”, ¡que cantaba por soleá!"

¿Y es lo mismo?

"¡Cómo va a ser igual! ¡Eso nunca!"

"Hay que tener valor, porque yo tampoco soy Robert Redford".

Pese su escasa discografía, como cantaor, ha gozado del aplauso de la crítica y de la complicidad del público.

Su momento como galán con voz tizná, le llego en el disco Territorio Flamenco, de la mano de Isidro Muñoz, una reunión de esas primeras voces de lo jondo dispuestas para darse un capricho.

El capricho de Rancapino.

Se dice que la mujer de Rancapino, que en Paz Descanse, le comentó:

“ ¡Te van a echar de España! ” cuando pudo escuchar esa versión del “Bésame Mucho”.

Como su tierra natal, los cantes que aprendió desde niño, recogen todo el sabor de la ida y vuelta, quizás sea la plaza grande de dichos cantes. No es de extrañar que uno de los cantaores más relevantes de lo jondo no se deje impresionar por los tiempos de este tema.

Méjico nace un bolero, el estándar de oro de la música Romántica.

Una joven estudiante de piano, con 16 años se encontró con una melodía y se la guardó. Al cumplir 19 años, cuando no había conocido el Beso, le buscó una letra.

Como la pólvora el tema arrasó en Méjico y ocupó durante 11 semanas consecutivas el primer lugar de las listas de éxitos de Estados Unidos. A la vez se incorpora en ocho películas norteamericanas y en México se rodó otra con el mismo título.

Rápidamente esta hermosa y muy singular melodía se convirtió en una de las canciones más populares del siglo XX, recorriendo el mundo a través de las voces de cientos de cantantes y orquestas.

Esta joven estudiante de piano, atribuyó, al principio, la autoría de la canción a una amiga, pero cuando le preguntaron quién era y ante la necesidad de registrarla, reconoció su composición.

Consuelo Velázquez escribió "Bésame Mucho" en 1941 para convertirse en una de las Canciones del S. XX internacionalmente.

La otra sorpresa se encuentra en su inspiración musical, pero ahora veamos como influenció en el surgimiento de la música moderna.

Desde el Jazz al Rock and Roll la redibujan, para crear la identidad de sus nuevas músicas En U.S.A. arrasa y pasa a formar parte del repertorio de sus artistas, desde Elvis a Parker, jazz y rock, empiezan a besar mucho.

El tema se popularizó por toda Europa, especialmente en las bases militares y puertos del planeta. Toda esta corriente creativa viaja a UK, despertando en la metrópolis una revolución.

El Mito: Yesterday se inspiró en un bolero. La Bamba de Liverpool y los campos de fresas: en Almería.

Liverpool fue el puerto por donde llegaron las nuevas músicas fraguadas en América. Son notables las influencias negras en las nuevas corrientes británicas, pero también lo fueron las ibéricas, rebotadas en los estilos de Ida y Vuelta.

The Beatles interpretaron «Bésame mucho», durante las dos audiciones para optar a un contrato. La segunda, el 6 de junio de 1962, para EMI fue un éxito, pero el tema no fue publicado hasta 1995, en el álbum compilatorio "Anthology". No había que dar pistas desde el inicio y mostrarse como originales.

Fue interpretada, de nuevo, para cerrar su historia como grupo, en 1969, en el estudio Apple y publicada en la película documental "Let it be".

También para sus inicios y con un clásico suyo: "Twist and Shout" muestran un claro sonido ibérico, por no decir copia, esta vez de "La Bamba", pero con otro título.

En 1966, Lennon participó, sólo, en el rodaje de "How I won the war", en la costa almeriense. Allí, define su imagen con gafas redondas, la inspiración le llegó para un nuevo sonido, "Strawberry Fields Forever", SpanishTinge.

En 1965 graban " Yesterday" pieza escrita e interpretada por Paul McCartney como solista, rompiendo el esquema habitual.

Paul afirmó que "Yesterday" apareció en su mente a partir de un sueño, sembrando dudas sobre los orígenes de la canción antes de ser publicada. El tema rítmicamente es un bolero, con una letra que contrasta con la temática usual del grupo, demasiado amor. Paul conocía bien "Besame Mucho". Se han encontrado muchísimas coincidencias fonéticas y tonales, ambas con una estructura y cambios armónicos casi idéntica, con compás y cadencia bailable, provocando la clara impresión de que McCartney utilizó el bolero de Velázquez, como un patrón sobre el que calcó el esquema de "Yesterday". Algo que cancela la posibilidad de que sea una simple casualidad, pero los sueños...

La inspiración musical

La formación desde niña de Consuelo fue disciplinada, alcanzando su licenciatura de pianista concertista.

A sus 16 años se le cruzó una melodía fruto del estudio de un aria de la suite: "Goyescas", de Enrique Granados: "La maja y el ruiseñor".

Según confesó la compositora esa fue la semilla musical de su "Bésame Mucho" considerada la canción más cantada, y más grabada mundialmente.

La Música no tiene patria.

Granados, emblema del Modernismo Catalán, continuador de la escuela de Felip Pedrell.

¿Hubiese tenido alguna repercusión sin lo ibérico?

“Al Orfeó se le quiere dar un color político catalanista, y en eso no estoy conforme. A mí me parece que el Arte no tiene nada que ver con la Política… Esto me ha causado algunos disgustos, llegando a recibir desprecios y anónimos en que se me acusa de escribir danzas andaluzas. ¡Como si eso fuera un pecado!… Yo me considero tan catalán como el que más, pero en mi música quiero expresar lo que siento, lo que admiro y lo que me parezca bien, sea Andaluz o Chino” , Granados.

Isaac Albéniz, Enrique Granados , Cristòfor Taltabull, Pedro Blanco, José María Peris Polo, Joaquín Turina o Manuel de Falla fueron herederos de la escuela de Pedrell, el primer músico que se encargó de estudiar la música tradicional peninsular. Encontró de forma particular en el flamenco la inspiración para desarrollar la búsqueda de una música propia. A raíz de su trabajo los compositores posteriores, como él, incluyeron temas, escalas y ritmos tradicionales creando un nuevo universo musical para admiración de todas las corrientes artísticas europeas.

Felip Pedrell , mal nombrado como el padre de la música tradicional catalana, cuando fue el “padre del nacionalismo musical español”, como parte de su obra más famosa, lo que no quita que fuera un músico catalán, a veces se quiere confundir las churras con las merinas.

Pantaleón Enrique Joaquín Granados Campiña, (Lérida, 27 de julio de 1867-canal de la Mancha, 24 de marzo de 1916), compositor, pianista y pedagogo vinculado a los movimientos modernistas y a L´Orfeó Català. Es conocido principalmente por su obra pianística, especialmente por la suite Goyescas en la que basó también la ópera homónima.

Desde su inauguración en 1908, el Palau de la Música Catalana fue el lugar elegido por Granados y allí se estrenó “ Goyescas “, 1911. Su consagración mundial tuvo lugar en 1914 con el estreno en la Sala Pleyel de París, tan grande fue el éxito que se le concedió al músico la Legión de Honor de la República Francesa.

A raíz del éxito de la suite, la Ópera de París le encargó una ópera. El estallido de la Primera Guerra Mundial hizo fracasar el proyecto del estreno parisino, y el Metropolitan Opera House de Nueva York se ofreció para la primicia.

Poco antes de embarcar comentó bromeando: « En este viaje dejaré los hueso s».

Granados embarcó en Barcelona, escala en Cádiz, llegando a Nueva York el 15 de diciembre de1915. Comenzó enseguida una actividad frenética de preparativos, contactos y ensayos con la orquesta, tal y como se había planeado con su compañero Pau Casals.

El estreno tuvo lugar finalmente el 26 de enero de 1916, con éxito apoteósico, y la duración de las ovaciones histórica. Granados escribió a su amigo Viñes:

“Por fin he visto realizados mis sueños .Toda mi alegría actual la siento más por todo lo que tiene que venir que por lo que he hecho hasta ahora”.

Los Granados se embarcaron, de regreso, en el puerto de Nueva York, vía Londres, el 11 de marzo de 1916. La despedida en el muelle fue muy emotiva, le fue entregada una copa de plata conmemorando el estreno de Goyescas, firmada por todos los artífices del acontecimiento y con más de cuatro mil dólares en su interior.

El 24 de marzo el matrimonio abandonó Londres, tras una estancia de unos días, embarcan en un vapor , pero extrañamente, hacia las 14:30 el Sussex fue detectado por un submarino de guerra alemán, que aparentemente lo confundió con un barco minador lanzó un torpedo que impactó en el medio del casco, partiendo al Sussex por la mitad. Granados se lanzó al agua y fue izado al poco a bordo de una de las lanchas de salvamento, pero al ver poco después a su esposa debatiéndose entre las olas, se lanzó a rescatarla, siendo engullidos los dos por el mar.

Granados y Goya

Granados sentía una verdadera pasión por el tiempo de Francisco de Goya y el ambiente que el pintor supo retratar. Consideraba a Goya como «el genio representativo de España». De esta devoción nacen los dos cuadernos de Goyescas, para piano que en su cuarta parte con el nombre de: “Quejas, o la Maja y el Ruiseñor ”, surgió la inspiración del “ Bésame Mucho”

Mi Triana, Alba Molina Montoya.

"Nací aquí y vivo aquí. Así que, como recuerdos, pues toda mi vida. De jugar, de fiestas, de estar con mi padre, de encontrarte a un montón de artistas, de aprender. Sigue siendo Triana, obviamente, sigue siendo hermosa y alucinante por donde la mires. Pero sí que la gente de Triana de verdad ya no está".

"El flamenco tiene mucho reconocimiento, pero creo que se merece mucho más. Es algo muy nuestro, pero parece que cualquier otra cosa se vende mejor. Hay muchos tipos de flamenco, y muchas fusiones. Pero el ortodoxo es algo que deberíamos preservar y difundir".

"Un arte que solo existe conectado a nuestra raíz pierde su sentido cuando solo queremos huir hacia adelante y olvidar esa raíz”

"Creo que el flamenco es algo delicado, hay que hacer las cosas con respeto. Por eso a mí me da tanto miedo cantar flamenco.".

"Está todo bien. Innovar, hacer cosas nuevas, fusionar… Como las razas se unen o como las banderas se deberían unir. Pero también hay que conservar."

"¿Sueno flamenca? Soy gitana, más bien. Sí, se me nota que soy hija de la Lole. Pero bueno, no tengo ni intención de dejar de ser flamenca ni intención de dejar de ir a otros sitios".

Con el sentimiento flamenco que tanto admiro Granados, desde Triana: Alba Molina y Tucara.

Flamenco: ¿Un sueño romántico europeísta, sobre un cuento Andalusí, llega a ser Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad?

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 17 Nov 2021 01:27:20 GMT

Flamenco :

¿Un sueño romántico europeísta, sobre un cuento Andalusí, llega a ser Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad?

Lo exótico, para la intelectualidad europea del siglo XIX, se convierte en una de sus premisas, lo que hizo que numerosos viajeros descubrieran al mundo a los gitanos y gitanas. Con ellos nació el Flamenco, una marca comercial llena de connotaciones que nada tienen que ver con lo que es, una música en constante evolución según los mercados.

Su visión los asociaba con una forma de vida primitiva, nómada y libre muy acorde al gusto por lo oriental de esta corriente de pensamiento, conectándolos como en un cuento con un pasado andalusí, parado en el tiempo cinco siglos. La carta escondida de esos románticos siempre fue de la mano de la construcción de una ficción estereotipada e inferiorizada donde el senyorito podía mirarse construyendo su supremacía y su convencionalidad.

El mismo imaginario romántico llevó a identificar los rasgos de la identidad gitana con la cultura española y en particular, la andaluza. La inmensa mayoría de la península ibérica representaba la periferia colonizada que se presentaba como una realidad primitiva y exótica frente a la Europa industrializante.

Un pretendido subdesarrollo cultural que sirve para justificar la colonización económica que padece esta tierra, expoliada en sus materias primas y explotada para el turismo insostenible.

Lastre, que lamentablemente no se ha superado a día de hoy que se celebra el nombramiento del flamenco: “Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad”.

Vivir un cuento de hadas, darnos la mano

Tú me llevaste a la Alhambra, hace mil años

Negar la aportación del legado andalusí, a parte de nuestro día a día, sería absurdo, lo que no quiere decir que su influencia fuese el detonante de la aparición de un nuevo estilo musical en el S. XIX: el flamenco. Sí se tratase de un género surgido al norte de los pirineos nadie dudaría en llamarla la primera música pop, nacida con el esplendor del capitalismo colonial, mucho antes de que en el hipotético mundo desarrollado, se lo pudiesen plantear. Por lo tanto se hace evidente quien influenció a quién y con qué fines.

África empieza en los Pirineos.

Esta es, quizás, una gran declaración de intenciones si incumbe a la riqueza cultural africana y su aportación al surgimiento del rico abanico musical peninsular. Pero la expresión, con tono despectivo, surgió en algún momento de la Francia Napoleónica, con ella empiezan a asomar los primeros brotes flamencos. ¡Y se metieron hasta Cádiz, con todo el apoyo noreste peninsular, en su afán de dominar África! El corredor del mediterrani una vieja formula.

“No lo permitáis

que los franceses que están en La Isla

se metan en Cádiz”

Siguiriyas de los Puertos.

En Europa surge, en las elites artísticas, un extraño interés por lo oriental, lo exótico, lo popular, la exaltación a los sentimientos. La nostalgia del pasado, la rebeldía ante las reglas del arte, el culto del yo y del individualismo, la valoración de la originalidad o la sublimidad, serán algunas de sus premisas, surge el romanticismo.

Aquí se daban todas esas características y más. Si las analizamos son todas netamente flamencas.

Por otro lado la intelectualidad, apoyada por el poder económico, emprenderá una lucha en post del Nacionalismo.

Andalucía el paraíso de los Románticos.

La Andalucía geográfica que conocemos no se corresponde con la de Al Ándalus, que ocupó cuatro veces más en el territorio peninsular.

Andalucía nace como nuevo concepto nacional, gran parte de su intelectualidad cae en la trampa, y se inventan un imaginario más propio de un sueño encantado en la Alhambra.

Con el Romanticismo llegan todos esos forasteros de viaje por el sur en busca de inspiración. Se encontraron un decorado vacío, un pasado oriental por descubrir y se lo inventaron para ellos. Con el nace el nacionalismo andaluz como herederos de esa Al-Ándalus, en pausa durante más de cinco siglos.

Desde sus inicios, como tal, los guiños de artistas flamencos hacia el mundo árabe no han pretendido una búsqueda de sus fuentes originarias, sino ampliar la gama musical del género, siempre ávido de incorporar a su soniquete nuevas sonoridades con el fin de ampliar la oferta musical del momento. El flamenco, cómo música, es un arte bicentenario que necesita sangre nueva con la que seguir viviendo y no caer en la momificación.

A `pesar de la extensa opinión, aunque superficial, de que “cante, toque y baile”, son herencia de Al-Andalus, parece que la influencia morisca en el flamenco es más bien escasa y difícil de concretar, si es que queremos evitar la coletilla: “dejaron su huella musulmanes, judíos y cristianos”, algo tan inconsistente como que las tres culturas vivieron en paz y armonía.

“Ni la revelación del flamenco ni su apogeo se deben a influencias árabes, ni indias, ni checoslovacas”

Tomás Borrás en ‘Arte y artistas flamencos’

Si consideramos, aisladamente, a Andalucía, como el crisol de lo flamenco y su puesta en escena el S.XIX, el legado musical árabe sufría el mismo deterioro que el legado material, había pasado al olvido. La Alhambra y la mayoría del patrimonio mudéjar, estaba en total abandono, en la música ya lo árabe se había convertido en orientalismo.

Marketing Gitano : los turistas llegan con sus cámaras de fotos y los internacionalizan, las ventas se disparan.

Tú me llevaste a la Alhambra, hace mil años

Los dos fuimos por un sueño, sueño encantao

Las ensoñaciones morunas distorsionan la visión que los extranjeros tienen de nosotros, sobre todo, de Andalucía. Como buenos hombres de tratos, de ello se dieron cuenta rápido dos gitanos granadinos, dos fenómenos del marketing y la puesta en escena.

“Chorrojumo” y “El Cujón”, los dos abandonan la fragua para buscarse la vida con los guiris, S.XIX, sus fotografías recorrieron toda Europa.

Chorrojumo fue seleccionado por el pintor Mariano Fortuny como modelo. Vestía las ropas que utilizaban los gitanos, para el mundo era un personaje del antiguo Al-Andalus. Le vio color al asunto, desde entonces paso a buscarse la vida contando historias de la Alhambra y dejándose retratar ataviado con sus vistosas ropas a cambio de suculentas propinas, más si llevaban cámaras de fotos. Creó escuela, le salieron competidores por todas partes.

Más información de Chorrojumo:

https://www.flamencobarcelona.org/pintor-fortuny-chorrojumo-y-carmencita

“El Cujón” tocaba la guitarra y cantaba. Hacia 1840 organiza la primera fiesta de gitanos y le llamó: Zambra, en la plaza del Humilladero. Por allí pasaron, entre otros muchos, Washington Irving, Hans Christian Andersen o la reina Isabel II. También le salieron seguidores, los hermanos Amaya se dieron cuenta del potencial turístico de la idea de “El Cujón” y montaron su zambra en 1881 en el incomparable marco de una cueva del Sacromonte frente a la Alhambra.

Zambra: quien mejor que los gitanos para recrear “Las mil y una noches” las escribieron en Persia y en Granada las adaptaron a la demanda de las elites europeas. El aliño lo puso la rica diversidad musical de cada rincón peninsular que se instaló por toda Andalucía, ocupando los restos que los europeos no quisieron. Fijándose en la nomenclatura de las partes de una zambra podemos apreciar que no tienen nada de árabes, me suenan muy gallegas. Por otro lado el contenido no está inspirado en un ritual árabe, sino una boda gitana.

“El ritual que agrupa a los distintos bailes que celebran los gitanos del Sacromonte recibe asimismo el nombre de zambra, representada de continuo en sus cuevas para regocijo de la extranjería. Integra tres bailes principales: la alboreá, la cachucha y la mosca, cada uno de los cuales simbolizan un momento del ritual de la boda gitana ”, Faustino Núñez.

Si nos trasladamos a lo que se considera el epicentro flamenco universal, Lebrija y préstamos atención a lo que el ilustre gitano y profesional del género argumenta en su libro “Los gitanos flamencos”, llegamos a la misma conclusión, “el cante, el toque y el baile” poco tienen de árabe.

“Como modesto músico, llevo ya muchos años trabajando y contactando con profesionales que interpretan la música andalusí, que hoy prolifera en Marruecos y que es considerada como la más cercana legataria de los últimos musulmanes que en Andalucía residieron. Sin entrar en calificaciones comparativas, es evidente que, apartando cierta brisa común orientalizante (que puede despistarnos), es bien distinta a la nuestra. No solamente en lo que concierne a melodías, estructuras, compases y tonalidades propiamente musicales, sino que igualmente la voz de los cantantes andalucies, es gutural y silabeante, y no utiliza los quiebros desgarradores y microtonales características de los gitanos. Al estar sustentadas en culturas distintas, las expresiones, tanto literales como musicales, son diferentes. Su discurrir melódico, sin sorpresivos resaltes, contrasta con el grito y la trágica profundidad de la músicas de los gitanos flamencos”.

Pedro Peña Fernández.

Como buen cuento debe tener sus protagonistas, esos que estaban bien conectados con las frecuencias europeas. Representando el perfil del andaluz y al azar: tres senyoritos ¿flamencos? , hay bastantes más. Sin ellos todo esto no hubiese sido posible.

-María del Rosario Cayetana Fitz-James Stuart y Silva: Duquesa de Alba y herederos.

-Aceites Carbonell

“ El abuelo de todos, Antonio Carbonell, junto con su hijo Carlos dejaron un recuerdo imborrable en Córdoba ”.

-Los Osborne, Domecq, Byass, todos apellidos claramente andaluces.

El patrimonio, material e inmaterial, andaluz de la Humanidad sigue en manos europeas, por extensión y en igual grado, en el resto peninsular.

2 formas musicales con aromas Andalusis.

Uno de los principales músicos del mundo islámico, el compositor, actor, cantante y laudista

Farid Al-Atrash . Del laúd del músico sirio solían sonar, en sus improvisaciones, fragmentos de melodías españolas.

Video Farid Al-Atrash:

Alguien del público le dice:

“¡ Hay está, por España Farid! ”,

con lo que pasa a tocar un breve trozo de soleá, seguido por Asturias de Albéniz, que engarza con la Malagueña de Lecuona.

Arabian Dance: Sabicas

En NYC, el maestro hace sonar su guitarra con los sonidos más árabes o africanos de la América del momento,En plena definición del sonido negro americano, se convierte en un claro referente del sonido del Jazz y el Black Power. Sonido navarro para el mundo.

Flamenc-o, el origen catalán del término y génesis del “senyorito”.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 08 Nov 2021 18:39:56 GMT

Flamenc-o:

el origen catalán del término y génesis del “senyorito”.

“Indicios lingüísticos que apuntan, pienso que muy claramente, a un papel fundamental de la cultura y la lengua catalana en la formación del baile flamenco en la Nación Catalana y en Andalucía”.

Sevilla, Cádiz y los Puertos, el epicentro de muchas cosas, cuenta con una tremenda influencia catalana en el génesis Flamenco. Un triángulo geográfico que alumbró los inicios del nacionalismo colonialista, cuyo personaje más destacado fue el “senyorito”, aquí, en América o en África, siempre que el terreno esté bien abonado por el caos. No debemos olvidar tampoco la etimología catalana del término, ¿demuestra?, según destacados estudiosos, otra visión muy diferente de lo jondo. Quizás todo ello, poco ha cambiado, cuando vemos a Puigdemont, siempre a la verita dels Flamencs.

En cambio: Flamenco, hoy y lo fue siempre, en términos cabales (otro término flamenc), es una actitud ante la vida, ser echado “pa´lante”, orgulloso… pero con unos ciertos principios morales y con un remiendo en los calzones. Una actitud arrogante, donde el respeto siempre intentó equilibrarlos, que no imitó nunca la de los que cedieron el nombre, que manipularon, robaron, mataron, violaron, saquearon, comerciando si era menester con personas, sólo por poder.

¡Nunca he conocido un Flamenco de esas guisas! .

“Estoy convencido de que la historia entera del baile flamenco en España está por hacer por falta, como digo, la parte catalana. Así pues, creo firmemente que también hay una vertiente catalana del género flamenco totalmente descuidada por los investigadores.”

“Flamenco(o) “es catalán: estudios, reflexiones y deducciones”

“Francesc Magrinyà ha confeccionado un pequeño estudio, una primera aproximación, sobre el origen del término flamenco y concluye que viene de una palabra únicamente catalana u occitana, como todas las que acaban en -enco. La lengua castellana adoptó en forma de préstamo la palabra «flamenco» y otros términos que acaban en nuestro «–enco» y las adaptó a su fonética. El «baile flamenco» debe tener un origen catalán”.

Y se queda tan ancho.

El estudio firmado por un profesor de Urbanismo de la Universidad Politécnica de Barcelona y pagado con dinero de la Generalitat, nos remonta a la época, musicalmente, del Pre-flamenco. Una época en que el nacional colonialismo delimitó el mundo en West & East Indies, donde aparece un nuevo personaje, en estos lares, conocido como “senyorito”. En él confluyen, como en la zona del “triángulo flamenco”, varias nacionalidades que hoy comprenden Reino Unido, Países Bajos, como protagonistas. Francos o germánicos, socios prioritarios. Y como el que no quiere la cosa, la elite nacional catalana. Entre todos se reparten la “miseria” de la península ibérica, América, África y lo que conocen como las Indias del Este, y no les llega para vivir tranquilos.

¡No será suyo el flamenco!

El ilustrado, Francesc Magrinyà, llega a esta conclusión a través de una alianza del arte jondo con Cristóbal Colón.

"Sería en 1998 cuando empecé a interesarme de verdad para las teorías en torno a la catalanidad de Cristóbal Colón. En ese año había aparecido el libro Brevísima relación de la destrucción de la Historia de Jordi Bilbeny. Me impactó. Y recuerdo que a continuación lo relacioné con el libro del ibicenco Nito Verdera titulado Colón ibicenco, que yo había visto publicado unos años antes. En Colón ibicenco, el investigador pitiuso defendía la catalanidad lingüística del descubridor europeo de América y le hacía nativo de la isla de Ibiza. En verdad lo hacía, pues, ibicenco en castellano, un adjetivo que es una adaptación clara e indudable de nuestro ibicenc"

De ibicenc, ibicenco

De flamenc, flamenco

De Flandes, Carlos I

flamenc pa toita la vida.

Y de Francia, los borbones

“Los catalanes de principios del XVI debieron de tener la necesidad de utilizar mucho el término «flamenc» como gentilicio. Seguro que se vieron forzados a hacerlo para designar a la gente que venía de Flandes. ¿Pero de dónde vendrá el adjetivo «flamenc»?. ¿Verdad que hay un partido ultraderechista de Flandes llamado Vlaam...? Seguro que la raíz Vlaam- indica o indicaba el nombre del país o parte del país. Me parece que no me equivoco en absoluto si digo que en neerlandés, la "v" baja inicial se pronuncia como una efe, así como ocurre en alemán, con el que el neerlandés está muy emparentado lingüísticamente. Y acontece lo mismo en neerlandés, el idioma de la corte donde se crió el futuro emperador Carlos.

Y es evidente que el gentilicio «flamenco» pasó al castellano como préstamo y que, por tanto, es muy verosímil pensar que Carlos I y los suyos hicieran primero recalada en la Comunidad Valenciana y en Cataluña antes de ir hacia Castilla. Si no hubiera sido de esta manera, es decir, que el emperador Carlos hubiera entrado en la Península por el Reino de Castilla, los documentos en lengua castellana habrían designado al monarca y emperador con el gentilicio flamés, flameño o flamense —y no flamenco—, las cuales denominaciones los escribanos castellanos habrían registrado en los documentos y los escribanos catalanes las habrían esparcido por la Nació Catalana adaptándolas a la manera en que se construyen en catalán los finales fonéticos de palabra, como ocurre con «madrileño», por ejemplo. Pero no es el caso. En ningún documento en castellano consta ningún flamés, flamense o flameño.”

Según el estudio, el término “flamenco”, para designar a las personas de Flandes, sería una adaptación catalana del neerlandés “Vlaam-”, nacida seguramente con la llegada del rey Carlos I para expoliar los reinos peninsulares.

Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánic, rey de España, Nápoles, Sicilia y Cerdeña, duque de Borgoña, soberano de los Países Bajos y archiduque de Austria, y siempre por el bien de los aborígenes peninsulares.

Volviendo al caso:

“Así pues, creo firmemente que también hay una vertiente catalana del género flamenco totalmente descuidada por los investigadores.”

“O si no, ¿de dónde sale la palabra toná, palabra que es de procedencia claramente catalana al venir de «tonada»?"

Defesem nostre cultura

que del poble s ha heredat

Si els senyors s han proposat

I a dornarli sepultura

Si els senyors s han proposat

I a dornarli sepultura

la cultura cor perill

I entre tots l hem de salvar

El testimoni deixant

Els nets i els nostres fills

I els nets i els nostres fills

Que nos l haruan d importa

I d una altre vorera

I no la podrem cantar

i Perque ho será forastera

I No la podrem cantar

I Perque ho será forastera

Canco mallorquina de sa pagesia: la letra lo dice todo.

Comentario sobre el video desde Mallorca, otra sorpresa, por allí pasó lo mismo:

“No merci se diu gracies”

"Evidentemente una foto vale más que mil palabras, no se parecen a los payeses catalanes en nada , ni en folclore, ni traje regional , en idioma.

Por lo que podemos decir muy alto: Somos Baleares y no Catalanes. Y todo lo demás, sólo forma parte de oscuros intereses y una manifiesta incultura de la clase política.

El catalán, no se habló en Cataluña hasta finales del siglo XIX ya que lo que se hablaba como vulgar era el lemosín francés. Y en Mallorca teníamos la Universidad Luliana que era la más antigua de España, y Diccionarios y Gramáticas del Mallorquín, mucho antes que la primera gramática catalana del químico Pompeu Fabra."

Retornando al estudio:

“Y, para mí, también la palabra cante. Pienso que “cante” sería la primera persona del presente de indicativo valenciano del verbo “cantar” que se usaba en un primer momento para avisar de que algún valenciano o alguien de procedencia valenciana se disponía a cantar diciendo “[yo] cante”.

“Y saeta, ¿de dónde puede venir sino de nuestra palabra «sageta»?”

“En cuanto a mí, en este artículo sólo he querido aportar indicios lingüísticos que apuntan, creo que muy claramente, hacia un papel fundamental de la cultura y lengua catalanas en la formación del baile flamenco ya sea en la Nación Catalana como en Andalucía.”

Lo siguiente tampoco tiene desperdicio:

“Desde otro orden de cosas, no me pasa por alto el hecho de que en América no hay, que yo sepa, ninguna danza exportada de la Península Ibérica que se le parezca. La explicación sería que los gitanos, ahuyentados continuamente de todas partes, no debían de tener permiso de pasar a las Indias, como tampoco lo debían de tener los moriscos. He aquí porque no hay escombros de baile flamenco en la América de los siglos XVI-XVII-XVIII y XIX. Estoy convencido de que la historia entera del baile flamenco en España está por hacer por falta, como digo, la parte catalana. “

En América, norte y sur, casi todas las músicas modernas tienen un cierto acento español, sin duda.

Los gitanos viajaron en los primeros viajes a América, de la era de las Indias. Tampoco se debe obviar que uno de los castigos en la época era el de galeras, así llegaron muchos más. Sólo hace falta fijarse en la forma de vestir y actitud de gran parte de la comunidad latina, más gitana no pudo ser, ¿de dónde sale Pedro Navaja?

Los moriscos llegaron quizás antes que los gitanos y que els flamencs.

En la parte catalana debería incluir como mínimo a Carmen Amaya, que con eso ya lo justificaba todo, pero no es la única, ni será la última.

Enlace al estudio del Sr. Magrinyà

https://www.inh.cat/articles/-Flamenc-o--es-catala-estudis,-reflexions-i-deduccions-?fbclid=IwAR1gYnunEGVEYCNV-VE5sRIUS5icERE9KxXjpLyglWW1Jays4MwTvqtWPag

Sin duda la música no va ligada a la historia. Nacen los “senyoritos”

Sevilla, Cádiz y los puertos: el mejor ecosistema para que se engendré cualquier cosa.

“Cuando en Sevilla se hablaba catalán”

La historia la escriben los que ganan, La leyenda Negra.

Marc Pons, autor de un estudio sobre la Sevilla desde la llegada católica, donde nos define perfectamente el perfil y orígenes del “senyorito”. Este caso no es específico, a una ciudad, se puede extrapolar a cualquier urbe del triángulo comprendido entre Vigo, Gibraltar y Barcelona.

“Sevilla, 23 de noviembre de 1248. Las tropas castellanoleonesas del rey Fernando III entraban en la ciudad después de un largo asedio de quince meses.

La Isbiliya andalusí iniciaba una nueva etapa de su historia. Pasaba a dominio cristiano y durante los siglos inmediatamente posteriores (XIV y XV) conocería una explosión económica y demográfica que la convertiría en el gran centro comercial del valle del Guadalquivir y en una escala obligada del tráfico marítimo entre el Mediterráneo y el Atlántico. En el proceso de construcción de aquella Sevilla mercantil, los mercaderes extranjeros tuvieron un papel protagonista: genoveses, venecianos, portugueses, franceses, neerlandeses e ingleses. Y catalanes, valencianos, mallorquines, sicilianos y napolitanos, llamados y documentados genérica y exclusivamente "catalanes", incluso cuando procedían de Aragón.

Los primeros catalanes en Sevilla

La presencia comercial catalana en el puerto de Sevilla está documentada desde mediados de la centuria de 1300. En las décadas centrales del siglo XIV Catalunya era la primera potencia económica del Mediterráneo, en competencia con las repúblicas mercantiles de Génova y de Venecia. Son las Galeras de Catalunya, comandadas por el almirante Jofré Gilabert de Cruïlles, la primera fuerza naval europea que libera el estrecho de Gibraltar de la piratería bereber (1339). Y son los mercaderes barceloneses de la época los que, a partir de este hecho, abren las primeras rutas navales estables entre el Mediterráneo y el Atlántico norte. La potente clase mercantil barcelonesa sería pionera en la transformación de Sevilla en escala obligada entre Barcelona y València, Amberes y Londres.

Los catalanes, Colón y Sevilla

Pero sería durante el siglo XV y, sobre todo, durante los viajes colombinos (1492-1502), que se produciría un fenomenal desembarque y establecimiento de comerciantes catalanes y valencianos en el puerto de Sevilla. Contra lo que ha predicado la historiografía nacionalista española, no es cierto que el comercio catalán del XV fuera una triste sombra de lo que había sido el siglo anterior; ni tampoco lo es que los comerciantes catalanes se establecieron en Sevilla a la sombra de la Casa de Contratación, la institución creada por la monarquía hispánica que pretendía monopolizar el comercio con el Nuevo Mundo. Las fuentes documentales revelan que a inicios del siglo XVI, antes de la creación de la Casa de Contratación (1504), la colonia comercial catalana de Sevilla tenía una fuerza y una influencia muy superior a la del resto de comunidades extranjeras que operaban en aquel puerto.

Los catalanes, extranjeros en Sevilla

Las fuentes de la época engloban a los catalanes en la categoría de "extranjeros". Por ejemplo, las mismas fuentes revelan que, a inicios del siglo XVI —coincidiendo con el cuarto y último viaje colombino—, en Sevilla había 310 familias de comerciantes catalanes —la gran mayoría originarios de Barcelona; y en menor medida de Perpinyà, de València, de Alacant y de Palma—. Si hacemos un cálculo de la masa demográfica que podía representar este colectivo (y considerando que eran familias extensas formadas por personas de varias generaciones, por los empleados y criados de aquellas compañías mercantiles familiares y por los escl avos domésticos), podemos dar por bueno que sumaban un colectivo entre 2.000 y 3.000 personas. "

Las estirpes de comerciantes catalanes en Sevilla

Esta cifra representaría un 5% de la población total de Sevilla (60.000 habitantes a principios del siglo XVI). Y eso, demográficamente, sería un porcentaje casi insignificante. Pero, en cambio, su fuerza económica y su influencia política superaban con creces este porcentaje. Las fuentes, de nuevo, ponen de relieve el protagonismo, por ejemplo, de las estirpes Ferrer, Planes, Desclergue, Forcadell, Fonoll, Ràfols, Pedralbes, Tries, Círia, Jorba, Morell, Torregrossa, Aymerich, Cereroles, Ros, Font, Miquel, Jové, Robert, Codina, Vendrell o Sadurní en la vida económica y política de Sevilla. Estirpes fundadoras y propietarias de compañías mercantiles familiares pioneras en el comercio internacional; que, a principios del siglo XVI, ya ostentaban cargos municipales. Por ejemplo, los Cereroles en Sevilla, o los Ràfols en Cádiz.

El barrio catalán de Sevilla

Los investigadores de la época ponen mucho énfasis en el fenómeno que llaman "vecindad". Afirman que los comerciantes catalanes, como cualquier otro colectivo extranjero de la ciudad, se concentraban en un mismo barrio. Los investigadores sitúan la comunidad catalana de Sevilla en torno al convento de San Pablo, sobre una manzana de casas de trazado medieval perfectamente delimitada. Los mismos investigadores ponen de relieve que la documentación generada por aquellos catalanes (contratos de flete, libros de cuentas, letras de cambio, dietarios personales) está redactada exclusivamente en catalán (con algunas anotaciones esclarecedoras en latín). Y eso los lleva a la conclusión de que aquella comunidad fue catalanohablante durante generaciones. Muy probablemente durante dos siglos: desde la mitad de la centuria de 1300 hasta las décadas centrales de la centuria de 1500.

¿Por qué el catalán se mantuvo durante dos siglos?

El porqué aquella comunidad se mantuvo culturalmente inalterable durante dos siglos nos lo aporta la misma investigación. Son los investigadores, de nuevo, los que destacan la cultura endogámica de aquellos catalanes de Sevilla. Cómo pasaría más tarde en el barrio catalán de Montserrat en Buenos Aires (1750-1820), los comerciantes catalanes de la capital del Guadalquivir priorizaron los matrimonios entre miembros de la comunidad o con jóvenes y jóvenes de sus socios comerciales, por ejemplo, de Barcelona, de València o de Cagliari. Cuando menos, hasta que —después de los cuatro viajes colombinos (1492-1502) — la monarquía hispánica impone el monopolio de la Casa de Contratación (1504). El propósito de aquella endogamia era clarísimo: estrechar las relaciones comerciales o, incluso, crear nuevas alianzas mercantiles entre las compañías familiares de aquel colectivo.

El monopolio castellano y la desaparición del catalán

La creación de la Casa de Contratación no tan sólo pondría fin al libre comercio catalán con América, sino que representaría el principio del fin de la comunidad catalana de Sevilla. A partir de la imposición de aquel monopolio (en manos del aparato político y clientelar de la monarquía hispánica), los catalanes de Sevilla optaron, en algunos casos, por abandonar la ciudad y desviar su actividad hacia el contrabando; y en otros, por redirigir su política matrimonial hacia al colectivo funcionarial castellano que se había apoderado del gran negocio americano. La progresiva castellanización del colectivo catalán en Sevilla (o de lo que quedaba) está fechada a partir de 1520. Un catalán probablemente con una fuerte influencia fonética del castellano de la baja Andalucía, que, si se hubiera conservado, en la actualidad resultaría de un singular exotismo y sería un patrimonio cultural extraordinario”.

Enlace articulo Sr.Pons: " Quan a Sevilla es parlava català"

https://www.elnacional.cat/ca/cultura/marc-pons-sevilla-parlava-catala_625937_102.html

Carlos I, como no seríamos flamencos si el rey lo era.

Este estudio nos hace ver que a partir de 1520, lo catalán de Sevilla desaparece, cosa del todo falsa. A partir de ese momento el Rey sería flamenc y no tendría nada de flamenco. Siguiente estación toda América y grandes partes de África. Ciertamente, hay que revisar la historia.

Los Coros de Anselmo Clavé

Con el siglo XIX aparece uno de los primeros estilos musicales urbanos. El flamenco nace como un grito de libertad a los cánones establecidos que para nada miraban por la gente. Como el hip hop en los noventa, es un golpe en los morros al represor, en ambos casos: "els flamencs".

Los mismos que cuando se coscaron que los trabajadores pasaban más rato en las tabernas que descansando, les sugirieron como actividad extralaboral ir a cantar a los Coros flamencs, pero ellos querían Flamenco.

Versión original de unos hits de los coros del Clavé. "El noi de la mare", plagio de una melodía gallega. A la guitarra el maestro: Sabicas.

Antonio Machín: superó el millón de ventas con un son pregonando las virtudes de la Marihuana, le llamaron Rumba, en Barcelona y en medio mundo.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 31 Oct 2021 17:13:49 GMT

Antonio Machín :

superó el millón de ventas con un son pregonando las virtudes de la Marihuana, le llamaron Rumba, en Barcelona y en medio mundo.

“ Sí te quieres por el pico divertir,
comete un cucuruchito de Maní”

Un afro gallego graba en NYC, una de las primeras odas a la Marihuana. El Manisero se convierte, con más de un millón de copias vendidas, en el primer hit en castellano en U.S.A, año: 1930. Para el mundo de la música afro-norte-americana fue, como lo fue para la de España, y de rebote en África, un rayo de alegría en sus vidas.

“Nací en Cuba de casualidad, pero podía haber nacido en Galicia.”

“Soy un cincuenta por ciento gallego. Además, te voy a decir una cosa: las gallegas más guapas están en Cuba o en Miami, chico. Son las que tienen la piel canela. ¡Te enamorarás de alguna cuando las conozcas! ¡Ya verás!”

Machín no fue un cantante muy conocido en Cuba porque emigró muy temprano, pero sí es una gran figura, la más importante de la música cubana en España.

“La figura de Machín está ligada a la cultura sentimental de la radio, que suponía una pequeña ventana por donde penetraba la luz en unos tiempos muy sombríos. He aprendido mucho de Machín y de la música que él hacía. Porque Machín era una esponja tremenda, en la cual cabía 'El manisero', 'Angelitos negros' y el repertorio de Oswaldo Farrés. También podía cantar guarachas con idéntica y pasmosa tranquilidad. Se lo sabía todo. Y alrededor de aquellas canciones, que eran historias, nacieron las vidas sentimentales de las gentes. Machín resultó fundamental", Serrat.

Embajador del tropicalismo en la Barcelona de los años cuarenta, se convierte en un elemento clave en el génesis de la rumba de Barcelona. Llegó en 1939 huyendo de los nazis, después de triunfar en las principales ciudades europeas. En Barcelona actuó por primera vez al sur de los pirineos, su segunda casa fue la coctelería Boades, donde se fundó una asociación de amigos de Machín y aquí es donde tenía pensado venir a retirarse.

Pronto lo de Las Maracas de Machín se convierte en un fenómeno nacional.

Y con los flamencos:

¿Cómo conoció el bolero?

“Lo conozco desde Antonio Machín.” Cigala

Antonio Canales recuerda a su abuelo cantando los cuplés de su compadre Antonio Machín por bulerías. Lo que se generalizó en el flamenco, cantar los boleros por bulerías, y, muy bien.

Compartió giras por todo el país con artistas como: Juanito Valderrama, Manolo el Malagueño, Manuel Vallejo, Niño Ricardo o La Princesa Gitana.

Sin firmar un documento, ni mediar un previo aviso, Sevilla y Antonio Machín sellaron un compromiso.

El día de Navidad de 1941 actuó Machín para una ciudad que lo conquistaría y que él haría suya para siempre. Acabo enamorado de Sevilla y de una andaluza. Él, curtido conquistador, se enamoró en la Boite Hernal de una muchacha mucho más joven, Angelita Rodríguez, cordobesa, amiga de la hija del dueño. Él se enamoró de ella, y ella —« el negro es pa mí.. .».

Murió en Alcalá de Guadaira, cantando. Tuvieron que retirarle del escenario al que ya no pudo regresar. Lo enterraron en el Cementerio de San Fernando de Sevilla, por expresa voluntad, era el año 1977.

Sevilla lo tiene inmortalizado en bronce frente a la capilla de Los Negritos, de la que fue hermano cofrade.

Un cantante y persona recordado por una generación que, de lo canutas que lo pasaron, encontraron en su música y forma de ser, alivio.

“Cuando en 1946 explotó el polvorín de la Marina de Cádiz, él estaba allí para actuar en El Cortijo de los Rosales, y como el polvorín se encontraba junto a un orfelinato, Machín y su empresario estuvieron codo con codo levantando escombros y sacando los cadáveres de los niños. Ese era Antonio Machín como persona», Botafogo

Músicos cubanos visitan la tumba de Antonio Machín en Sevilla, un ritual desde 1994.

Compay Segundo, en 1994 cuando el sonero puso el pie en Europa para participar en el encuentro El Son Cubano y el Flamenco, quiso visitar la tumba de su paisano Antonio Machín. Desde entonces, los grupos cubanos que llegan a Sevilla acuden al cementerio de San Fernando cargados de ritmo y de ron, para rendir homenaje a su compatriota. Pancho Amat, el tresero más famoso de la isla, en su visita dijo:

“Machín el hombre que más aportó a la fusión de la cultura cubana y española”.

Antonio Machín nació en Sagua la Grande, Cuba: 1903.

“Porque mi padre, José Lugo Padrón, era un emigrante español que se fue a Cuba de casualidad… Así que permíteme decirte que soy negro de cuerpo por mi madre, Leoncia Machín; y blanco de alma por mi padre, el gallego José”. Machín

Sus padres, el orensano José Lugo Padrón y la negra cubana descendiente de esclavos Leoncia Machín, tuvieron 16 hijos, y todos fueron criados bajo la máxima de "pobres pero honrados".

"Él y yo éramos de la última hornada, estábamos entre los cinco más pequeños. Su nombre era Antonio Abad Lugo Machín, pero él optó por el apellido Machín porque era más comercial. Eso a mi papá siempre le molestó. Decía:

'Si es mi hijo legítimo, por qué va a ser Machín, si es Lugo".

"Él iba los domingos a la iglesia y cantaba en el coro. Lo hacía tan bien que el cura quiso propiciar que fuera barítono; es lo que él quería ser, pero en aquella época, por el color, no pudo realizar ese deseo".

"Papá se oponía a que él cantase. Por eso lo metió a trabajar en la bodega de un amigo español en el central azucarero de Sagua. Pero allí na'mas que hizo comer y engordar, y eso fue lo que aprendió, “ah” y a hablar gallego. No aprendió más nada, je, je, je", dice con picardía Gloria Esther Lugo Machín, Chiquitica, hermana del artista.

"A los 22 años marchó solo a La Habana y aquí empezó a trabajar de media cuchara en una obra", donde conoció a José Martínez, un sevillano que fascinado por su voz le presentó al trovador y guitarrista Miguel Zaballa. Con él Machín creó su primer dúo y se presentó en distintos centros nocturnos y en la radio.

"Cuando él empezó tocaba las claves. También se sabía acompañar a la guitarra pero su fuerte eran las maracas. Las primeras que tuvo las llamaba las abuelas; él las guardaba en una vitrina con todos sus trofeos, y aunque tenía otras, él siempre prefirió las abuelas".

Modesto Azpiazu, director de la orquesta que amenizaba las noches del famoso cabaret del Casino Nacional, lo conoció y lo fichó para su agrupación, convirtiéndolo en el primer cantante negro de una orquesta de blancos. Con Azpiazu viajó a Nueva York en 1930. Tras grabar El manisero, Machín saltó a la fama y ésta ya no lo abandonó jamás.

¿Y cuál es la canción a la que le tiene más cariño?

“ El Manisero ” por ser el primer éxito y “ Angelitos Negros ” porque es un gran canto social para defender a los míos.”

Dame de tu maní, dame de tu maní

Que esta noche no voy a poder dormir

Sin comerme un cucurucho de maní

En Cuba, víboras y en norte América, vipers: El Manisero llegó.

En el barco que lo llevó a NYC iba su compañero de orquesta: Mario Bauza, con el que formó su cuarteto en la gran manzana. Machín saltó a Europa detrás de la bailarina Delita, y Mario Bauza, se quedó para crear las mejores páginas del Latín Jazz y afianzarse en su defensa del uso de la marihuana. Juntó a Gillespie con Chano Pozo y nació Manteca, años después bautizo su obra maestra del género con el apelativo de: Tanga, ambos títulos huelen a mani.

Con la conexión entre New Orleans y La Habana, llegaron los tambores, el mandinga, yoruba y otras lenguas africanas, el animismo, pero también llegó la Marihuana. De hecho, las autoridades americanas, mantuvieron el vocablo castellano para asociar su consumo con la comunidad latina. Por extensión, los que la recibieron con extremo cariño fueron la comunidad afro, en particular los músicos del jazz y el blues, se la hicieron como los tambores y las lenguas, también suya. Pronto la formar de tocar de los músicos cogió otro tumbao, surgirían nuevos patrones rítmicos, en particular en los bajistas.

«Te hace sentir bien, tío. Te relaja, te hace olvidar todas las cosas malas que le suceden a un negro. Te hace sentirte querido, y cuando estás con otro fumador de hierba, te hace sentir una afinidad especial. Una de las razones por la que apreciábamos la hierba, como lo llamáis ahora, era la simpatía que sacaba siempre de la otra persona, sobre todo de los se encendían un buen porro”. Louis Armstrong, nunca dejó de consumirla.

Machín fue el primer artista internacional en grabar una canción elogiando los placeres de la marihuana, con esos cucuruchos que hacen divertir, detrás de él todos los grandes del jazz y blues norteamericanos le siguieron: «Muggles» (Louis Armstrong), «Sweet Marihuana Brown» (Benny Goodman), «Viper Mad» (Sydney Bechet), «That Funny Reefer Man» (Cab Calloway), «Viper’s Drag» (Fats Waller), o «Gimme a Pigfoot» (Bessie Smith).

Después de tener varios grupos en Estados Unidos, Machín viaja a Europa, la situación para un negro, aunque fuese gallego, era tremenda. El Ku Klux-Klan tenía millones de miembros, los músicos negros eran constantemente humillados debido a la segregación racial y a la represión, y muchos de ellos pasaron por experiencias muy traumáticas.

Vuelta escalonada a Galicia, vía Barcelona, Madrid o Sevilla, siempre llegaba al mismo sitio.

Cuba es Sevilla, con más negritos y, en ambas, muchos gallegos.

Machín recorre Inglaterra, Alemania, Suecia, Italia, Holanda... En París forma su propia orquesta y se presenta en La Coupole, pero al estallar la Segunda Guerra Mundial, cuando estaba a punto de alistarse en la lucha contra los nazis, coge rumbo a Barcelona.

Pese a la dura posguerra, Machín sale adelante y triunfa con unos temas antológicos. Fue, uno de los pocos, pero el máximo exponente de la música latina en el país. En los comienzos de su carrera española le recordaban subiendo a los destartalados escenarios, de las fiestas de aquellos días en los pueblos, con las maracas en los bolsillos del pantalón. Siempre se acompañaba de ellas.

El manisero, entona su pregón
Y si la niña escucha su cantar
Llama desde su balcón

La sala Shanghai, en Rambla Catalunya, 24, fue el primer escenario para Antonio Machín, era septiembre de 1939. Sus actuaciones gozaron de tanto éxito que llevó a la sala a cambiar su nombre por el de "Bolero". En Barcelona grabó sus primeros boleros a este lado del Atlántico: "Amar y vivir", "Yo te diré", "Toda una vida" y "No vuelvo contigo", que fueron profusamente radiados y formaron parte del universo musical nacional.

En 1945, dejó de vivir en la capital catalana y se casó en Sevilla con Alicia Rodríguez, pero seguía viniendo para actuar y grabar todos sus éxitos. "El cantante del corazón en la voz" vendió nada menos que 48.000 discos de la primera edición de su éxito "Angelitos negros”, estrenado en el Salón Novedades, con tres sesiones diarias, Barcelona 1947.

El éxito que tuvo el bolero en la España de los años cincuenta, y en particular, Machín en Barcelona, fueron inspiración para el génesis de esa Rumba que los gitanos empezaron a hacer suya. Su legado es evidente en la figura de Moncho, que una vez muerto Machín, recogió el apelativo del Rey del Bolero, antes lo tuvo el cubano, protagonizando giras peninsulares con Juanito Valderrama.

"Soy gitano y me he criado con el flamenco en mi barrio de Barcelona. Desde que tenía 12 años cantaba y bailaba con "El Pescadilla". Era un bolero-flamenco lentito.” Moncho

Rumba Gallega

Existen testimonios acerca de la inclusión de la Rumba en el repertorio de la gaita gallega desde el siglo XIX

Las maletas de los emigrantes embarcados en los puertos de Vigo y A Coruña a hacer las Américas portaban lo imprescindible para construir una vida, pero, aun así, la gaita siempre ocupó un lugar en el manual de supervivencia. Los gallegos de Cuba no sólo llevaron con ellos su legado sonoro y lo cultivaron profusamente, sino que lo ampliaron. De igual modo que la genealogía de cientos de miles de gallegos pasa por la isla caribeña, también las raíces de la música popular germinaron en ese cruce de muchas culturas.

La gente suele pensar en gaitas y personas con trajes coloridos dando brincos, sin llegar a intuir lo que verdaderamente esconde todo eso, el alma y voz de una región que bien es sabido “é terra de meigas”, y si ciertamente es así, tal vez su música sea el hechizo, algo que los vinculaba con la tradiciones afro en el caribe.

Hasta los años sesenta, y la eclosión de la mafia musical britano-americana, la comunidad hizo tradición propiciando el nacimiento de formaciones y géneros musicales.

La Rumba Gallega, en los orígenes del Latin Jazz.

Igual que paso por NYC Machín, se quedó Bauza y la formó. Por allí había llegado otro gallego que puso a bailar a la metrópolis, José Curbelo, le acompañan, entre otros, Chano Pozo y Tito Puente, tremenda sección rítmica.

Machín en Orense.

Con motivo de una actuación en el Café Teatro Xesteira, en la tierra paterna y publicado en Galiciaunica.es. Extracto del artículo y entrevista.

El negro tenía sangre gallega:

Pero, déjame que te cuente de Machín aunque todo lo sucedido aconteció en diez minutos, sentados en la silla plegable de un cutre camerino, indigno de una estrella como él…

-Don Antonio…

-¡Uyyy, chaval! Empezamos mal… Yo soy Antonio. Los artistas solo tenemos el don del arte y ese no se antepone al nombre”

-Perdone, Antonio… ¿Usted por qué se marchó de Cuba si nació allí? ¿Es de derechas? ¿Le gusta Franco?

-Mira chaval. Yo no hablo de política nunca pero te voy a contestar: Nací en Cuba de casualidad, pero podía haber nacido en Galicia. De ti para mí, lo único que me gusta de verdad son las mujeres y cantar.

-¿Por?

-Porque mi padre, José Lugo Padrón, era un emigrante español que se fue a Cuba de casualidad… Así que permíteme decirte que soy negro de cuerpo por mi madre, Leoncia Machín; y blanco de alma por mi padre, el gallego José.

Recuerdo que hube de esperar a que terminase el concierto para seguir conversando… algo que agradecí infinitamente porque lo vi entre bastidores…

Poca percusión… Un piano… Una guitarra acústica… Una batería que solo utilizó las escobillas… Sus maracas… ¡Y su voz!

No tenía micrófono delante como tienen todos ahora… Cantó todas. “Dos Gardenias”, la “Madrecita”, “Angelitos Negros”… Mi “Camarera”… Y terminó con tres bises para cerrar con el “Manisero”.

Fue apoteósico. Un exitazo que el público premió con largas ovaciones. Luego…

-Estoy agotado, chaval. Venga, dos preguntas y me voy a descansar…

-¿Siente que los gallegos somos racistas?

-Conmigo no, porque soy un cincuenta por ciento gallego. Además, te voy a decir una cosa: las gallegas más guapas están en Cuba o en Miami, chico. Son las que tienen la piel canela. ¡Te enamorarás de alguna cuando las conozcas! ¡Ya verás!

-¿Cuántos años tiene y cuantos conciertos ofrece al año?

-Los años ya me he olvidado y conciertos, unos doscientos.

-¿No son muchos?

-Ya descansaré cuando cante solo aquella… “Ya estoy en el cielo, corazón…”

Extraído articulo Galiciaunica:

https://www.galiciaunica.es/antonio-machin/

Antonio Machín con la Orquesta Radio de Vigo , en riguroso directo, años sesenta, esto si es sonido "mestizo". Antonio Moreira, funda la Orquesta en 1945. Muy al estilo Afro-Latin-Hood, el local de ensayo y de reunión de músicos y amigos será una barbería, alternando con su trabajo de peluquero hasta levantar la orquesta.

Cuando actuaba en Galicia , Machín viaja sin orquesta , sabía que allí lo sabían acompañar.

A Baracoa me voy:

El éxito de Antonio Machín en España duró hasta el día de su muerte, en 1977, en Madrid. Y hasta entonces él se ocupó de su gente en Cuba.

" En navidades aquí nunca faltaban los turrones, pero después de ese día, nada. ”, su hermana.

Cada 7 de junio, se reúnen familiares, amigos y fans para rociar con ron su tumba y cantar sus canciones.

3 Gitanillos de Cai, se la buscan, en la Barcelona flamenca de la postguerra.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 20 Oct 2021 21:42:43 GMT

3 Gitanillos de Cai, se la buscan, en la Barcelona flamenca de la postguerra.

El Flamenco, en la Barcelona de finales de los 40, cuando aún era tremendo foco de atracción y bullía por sus calles, cuenta con un sinfín de historias a punto de pasar al olvido.

Conchita y “Bendito”, conocidos en Cádiz como los patriarcas del compás, se enamoraron y casaron en Barcelona. En 1953 con otro paisano “Cascarilla”, y también en Barcelona, forman los Gitanillos de Cádiz y recorren medio mundo, para volver triunfales a su tacita de plata.

Sus escenarios, condales, desde el Palau de la Música, a los grandes espacios del género:

“Villa Rosa ", “La Macarena” o "El Catalán”.

Y sus compañeros, entre otros, El Pescadilla, padre e hijo, Manolo Caracol, Beni de Cádiz, Peret, Chano Lobato o Rafael Farina.

Esta es su historia y sus protagonistas:

'Bendito' , Alfonso del Valle Scapachini. Bailaor y palmero.

“Nací en la plaza de San Juan de Dios. Mis padres fueron Antonio del Valle y mi madre Luisa Scapachini Jiménez, era cantaora, conocida con el sobrenombre de "La de los ojos bonitos". Mi abuelo paterno, Alfonso, también era flamenco. Mi padre murió joven y como éramos cinco hermanos entré a trabajar en el muelle pesquero, de cuatro de la madrugada a doce del mediodía, por seis pesetas, y también cargaba y descargaba nieve para los barcos.

Allí en el muelle trabajaba el cantaor Chano Lobato al que ya yo le bailaba por bulerías. También frecuentaba rincones festeros como 'La Costa Azul', la tienda de la Habana o 'La Parra de la Bomba' y me iba a la puerta de la sala de fiestas 'Pay Pay' para ir luego a las juergas que al salir organizaban algunos clientes en la Venta de la Palma, en las que se podía ganar cinco duros. Un día Pericón de Cádiz me llamó para ir a cantar al barco " Villa de Madrid". Después de bailar oí al capitán del barco comentar con el contramaestre que yo podría ganar un buen dinero en Barcelona. No se me olvidó y cuando el barco regresó a Cádiz, donde había mucha hambre y mucha miseria, me metí de polizón rumbo a Barcelona, donde trabajé en las salas 'Villa Rosa' y 'La Macarena'.

“Conchita” , Concha Aranda.

“Nací en la calle Yedra, en el barrio de Santa María. El baile me atrajo desde joven y mi padre me apuntó en la única academia de baile que entonces existía en Cádiz, la de Bernardo 'El Aceitunero', pero no me iba ese tipo de "baile por lo fino" y lo dejé pronto. En mi casa vivía Eloy Blanco, el guitarrista, y se celebraban muchas juergas flamencas, a las que me invitaban a bailar. Allí empezó todo.

En 1946, cuanto tenía 15 años, me fui a Barcelona formando parte del cuadro flamenco "Los Chavalillos de España", con los gaditanos Antonio Mera 'Almendrita' y Paquito Gutiérrez. En el cuadro el primer bailarín era Goyito Reyes y cantaba Naranjito de Triana. A Bendito ya lo conocía de Cádiz, pero allí nos hicimos novios”.

"Los Gitanillos de Cádiz".

"Fue en 1953, el mismo año que nació mi hijo Alfonso, bautizado en la basílica de la Merced de Barcelona. Lo formábamos el recordado José Vargas Fernández 'Cascarilla', que también llegó a Barcelona como polizón en el "Villa de Madrid", Bendito .

“Cascarilla” , José Vargas Fernández, cantaor.

Nació en el Barrio de Santa María un 4 de abril de 1929, proviene de una vasta estirpe flamenca.

Por parte paterna, estaba emparentado con Joseico, Tío de la Perla y con Juana Cruz, madre de Camarón. Por la materna; con Gaspar Fernández Espeleta, hermano de su madre y padre de Alfonso el de Gaspar y con Paulita Fernández que a decir de los antiguos habitantes de su barrio:

"bailaba estupendamente en la superficie de una losa de 35 x 35, sin salirse un ápice de su perímetro".

Con apenas 10 años, fallecen sus dos padres en el intervalo de apenas un año, lo cual obviamente marca su carácter y su modo de vida, dejando el colegio para "buscarse la vida". Se dedica a cantar por el muelle, La Bella Sirena, bar Pepín, Calle Nueva, pero según sus propias manifestaciones, sin resultado alguno, pues solo le querían pagar con vino, así que decide meterse a polizón en un barco y viajar a América. Lo descubren y lo devuelven cuando el barco iba por el Faro de las Puercas con un práctico a Cádiz.

No sería su única aventura, pues cuando cumplió los 16 años se embarca nuevamente de polizón, rumbo a Barcelona, en el buque Villa de Madrid escondido tras una piña de plátanos y gracias a la comprensión y ayuda del mayordomo del barco, pasa a formar parte de la Sala Macarena de la Ciudad Condal, siendo su primer tocaor, Antonio González, padre del Pescadilla.

Los Gitanillos de Barcelona, a París y a la conquista de medio mundo.

“Actuamos en Barcelona y luego nos ofrecieron ir a París. Conocimos a grandes artistas de entonces, como Rita Hayworth, Gary Cooper y Anthony Quinn o Brigitte Bardot, mientras que actuábamos en tablaos como 'La Guitarra', 'La Puerta del Sol', "La Venta', 'El Catalán' y en El Teatro de las Naciones, donde nos ofrecieron un homenaje”, Bendito

“Estuvimos diez años viviendo en dos hoteles, concretamente en 'La Luisiana' y 'Bordeaux' , y luego nos mudamos a un apartamento. Allí vivimos el Mayo de 1968. Holanda, que recorrimos durante tres meses de verano en los años 60 junto con Josefine Baker, la bailarina, que era conocida como la "Venus de bronce", la "Perla negra" y la "Diosa criolla", y con Narciso Yepes, el conocido guitarrista clásico español.” Conchita

“Fueron muy buenos años. Recuerdo que, por mediación de Juan Vargas, el de la venta de San Fernando, también viajamos a México Distrito Federal con Manolo Caracol, en una gira que duró un año y que incluso quiso que prorrogáramos después a Argentina, concretamente a Buenos Aires.” Bendito

“Trabajamos con Lola Flores en Madrid, con la que actuamos varias veces en Televisión en el programa 'Galas del Sábado', además de en los tablaos 'Torres Bermejas' y "El Duende', en Barcelona en la sala 'Catalán' y en la sala 'Tío Pepe' de Bruselas. También en 1971 realizamos una gira por Australia que duró cerca de dos años, actuando en varias salas de fiesta de Sidney.” Conchita

“Grabamos una docena de elepés, visitamos medio mundo, fuimos a Australia, inauguramos en Cádiz 'El Tablao', en la calle Santa María de la Cabeza, con Fernanda y Bernarda de Utrera, El Chocolate, José Meneses, Fernando Terremoto y María Jiménez, entre otros artistas. El grupo se deshizo después de 17 años juntos y en 1997 el Ayuntamiento acordó ponerle el nombre de 'Los Gitanillos de Cádiz' a una calle en el barrio de La Laguna.” Bendito

Uno de los elepés, contó con la guitarra de un joven Peret, y un tema fue:

“Rumba gitana catalana”

“Nos vinimos para Cádiz y a partir de 1974 nos dedicamos a la enseñanza del baile flamenco con academias en El Cantábrico y en las peñas 'Canalejas', de Puerto Real, y 'La Amistad', 'La Perla de Cádiz' y 'Juanito Villar', hasta que nos llegó la edad de la jubilación”.

“No se me olvida el homenaje, con motivo de la medalla de oro de la ciudad, que con ese motivo nos ofrecieron a principio de los años 80 en el desaparecido Cortijo Los Rosales, en el parque Genovés, al que se sumaron Fernando Terremoto, Camarón, Tía Juana La del Pipa, Chano Lobato, Juanito Villar, Chiquetete, Alfonso de Gaspar, Rancapino, Gineto y Pablito de Cádiz y el Niño del Mentidero.” Conchita

“Otro homenaje, a principio de los 90, fue en el Teatro Andalucía, porque estaban arreglando el Gran Teatro Falla. Allí estuvieron Fernanda de Utrera, Adela La Chaqueta, Mariana Cornejo, Alfonso de Gaspar, Manuel Sordera, Chano Lobato y Rancapino, entre otros”. Bendito

“Tampoco se nos olvida que tuvimos la suerte de bailar en el Palau de la Música de Barcelona, donde Conchita interpretó unas bulerías acompañada a la guitarra por Antonio González, el padre de 'El Pescadilla'. Compartimos cartel nada menos que con Joan Magriñá, que era primer bailarín y maestro de baile del Liceo.” Bendito

“No solo me volvería a dedicar al baile, sino que pienso que ahora lo aprovecharía más, aparte de que me ha servido para conocer medio mundo y a personajes de todo tipo, desde reyes a Jean Cocteau, el poeta y novelista francés.

En cuanto al baile flamenco actual, creo que sobra técnica y falta sentimiento”, Conchita.

“Yo coincido con Conchita, pero no me gustaría tener que estar de nuevo toda una madrugada aguantando a un tío de juerga por cinco duros. Aparte, la crisis económica afecta también a los artistas flamencos, que trabajan muy poco y por eso ahora ya no hay ni señoritos”, Bendito

Pasaron sus últimos años en esa ciudad, crucial en la historia y cuna del flamenco. Cádiz les rindió homenajes, nombró calles con su nombre o estatuas y no los olvida como embajadores de la ciudad en el mundo, cuando el mundo era grande, difícil y sólo al alcance de unos pocos.

“Ahora, cuando el tiempo es bueno, salimos todas las mañana a andar, desde las once hasta la una de la tarde, y en verano cambiamos el paseo por la playa de la Caleta. Las tardes las pasamos en casa. Tenemos una vida muy tranquila.” Conchita y Bendito.

Ninguno de los tres esta ya con nosotros, pero su legado y su vinculación a Barcelona, que siempre guardaron en el corazón, debe ser una confirmación que esta es una plaza de primera, en terrenos flamencos.

fotografía: Gitanillos de Cádiz, Gary Cooper -al piano-, Lola Flores y compañía.

Caminos cruzados, de Buenos Aires a la Star Band de Dakar. Por Malagueñas.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 13 Oct 2021 22:18:02 GMT

Caminos cruzados , de Buenos Aires a la Star Band de Dakar.

Por Malagueñas.

A lo largo del siglo XIX, La Malagueña , se convirtió en uno de los géneros musicales más populares, logrando entrar a formar parte del repertorio de artistas, en los lugares más distantes del planeta.

Uno de los primeros procesadores de este ritmo de moda fueron, los artistas flamencos, que empezaban a emerger con el siglo XIX.

Su aflamencamiento consistió en prescindir del ritmo abandolao que tiene en sus orígenes bailables, para interpretarse libre de compás por el cantaor. Es uno de los cantes más populares, y de difícil ejecución. Las diferencias entre ellas se basan en la melodía del cante, dando lugar a un frondoso árbol de variantes dentro del flamenco, particularmente, en las provincias sur orientales: tarantas, cartageneras o granaínas.

Igual que los cantaores se la hicieron suya, La Malagueña, también llegó a América y de rebote a África, en ambos casos una influencia en la génesis de sus músicas modernas, un siglo después que en la península.

El Jazz llega a la península.

“Anoche se presentó en Sevilla la agrupación de artistas negros que dirige el famoso bailarín Harry Flemming. La boga del arte negroide ha destacado a artistas muy notables, conocidos y aplaudidos en todos los teatros de Europa. Flemming es un bailarín extraordinario. Su agilidad y su sentido del ritmo y de la danza le han valido una gran reputación.

ABC de Sevilla el día 20 de Octubre de 1929

Oscar Alemán dejó Buenos Aires camino de Europa, vía Montevideo con destino al puerto de Cádiz, en 1929, formaba parte de la tremenda banda de Harry Flemming.

Caminos cruzados, La Malagueña de Oscar Aleman,

Uno de los primeros temas de lo que han llegado a llamar Flamenco Jazz, más swing no puede tener.

Oscar Alemán - Machagai, 1909 - Buenos Aires, 1980- un virtuoso guitarrista argentino. Criado en una familia de músicos, con notables dificultades se abre camino, desde muy niño, en el ambiente musical argentino, participando en la génesis del tango. Viaja a Brasil y conoce su música, su primer instrumento fue un cavaquinho. Cuando su constitución física le permitió coger una guitarra se la comió técnicamente, pero encima eran un tremendo espectáculo en el escenario. Trabaja con los principales artistas del panorama argentino, contribuyendo a su puesta de largo, cuando el tango dejó de ser arrabalero y muy negro, para pasar a ambientar los salones de la alta sociedad.

Su pasión, la nueva música que llega de Norte América, llamada Jazz, convirtiéndose poco a poco en uno de sus protagonistas.

Harry Flemming, de gira por Argentina, lo ve tocar la guitarra y no duda en contratarlo para realizan una gira por Europa, tras la cual Oscar se queda en Madrid, actuando por las principales plazas del país. En 1932 la bailarina estadounidense Joséphine Baker lo convoca a una prueba, tras la cual trabajan juntos hasta 1938, era el único músico que no sabía música escrita, lo que no impidió en convertirse rápido en el director musical.

Particularmente en sus estancias en París se codea con la escena del jazz europeo, pero los que más lo quieren serán los gringos.

Duke Ellington, se queda prendado con él, le pide a la Baker, sí lo deja ir a USA, contestándole:

“Canta, baila, toca la guitarra como nadie, es negro y es buena persona, se queda conmigo”

Louis Armstrong, la primera vez que lo vio como no llevaba su trompeta, sacó una boquilla e interpreto más de treinta melodías improvisadas seguidas, inspiradas por el toque de la guitarra de Oscar.

Django Reinhardt y Oscar, comparten en el Hot Club parisino, acabando muchas noches en el campamento gitano donde vivía Django y su familia. Ambos definieron gran parte de la guitarra en el Jazz, en un momento en que se estaba buscando cuál era su papel; la mayoría de guitarristas norteamericanos venían del banjo, la influencia de la guitarra les tuvo que llegar de fuera.

Estuvo del 1929-1939, en contacto con Europa, donde toco Jazz, de hecho visito, sólo unos días New York, no aguantó la presión de la segregación hacía los negros, por mucho jazz que tuvieran. Volvió a Europa hasta que los alemanes asediaron París, paso por España, que no veas como estaba y de vuelta a Argentina. Donde se convirtió en el mejor y más original músico, de jazz argentino.

Pero gran parte de ese tiempo lo pasó de los pirineos para abajo, África, y algo se llevó. Me niego a pensar que su versión del tema de Lecuona, Caminos Cruzados, sea su única influencia. Pero ni eso se menta en sus biografías, que debió pensar en esas noches madrileñas, sevillanas o barcelonesas, cuando la noche era flamenca.

Día de la independencia de Senegal: 3 de agosto de 1960

A raíz de su hipotética emancipación los músicos africanos buscan también nuevas perspectivas.

Ibra Kassé para la inauguración de su nuevo: “Night Club Miami” en Dakar, forma una nueva agrupación musical: la Star Band, a principios de 1960. La banda contaba con músicos de diferentes países del oeste africano, su objetivo era definir la música moderna en la zona. Con el rodaje de los directos, pasaron a llamarse: Star Band “de” Dakar. El “de” su nombre destaca la principal influencia con la que contaron, la música latina, particularmente proyectada desde Cuba, fue su punto de partida.

En ese momento Las Malagueñas en la isla y todo Latinoamérica, la estaban pegando.

Malagueña de Dakar, por la Star Band.

El grupo, ya desde sus inicios, procedió a la Africanización de esa nueva música, las letras en castellano fueron adaptándose a sus idiomas e introdujeron su rico patrimonio musical. Cabe destacar la presencia de la guitarra eléctrica con sus tambores autóctonos.

La Star Band continuó con Kasse al frente y por ella pasaron los fundadores de la mayoría de grupos musicales del oeste de África, uno de los más prestigiosos: Orchestra Baobab.

Hasta que un cantante nuevo en la banda: Youssou N'Dour, a mediados de los setenta, acabó llevándose el liderazgo de la música en la zona.

En 1977 formó junto con la sección rítmica de la Star Band su propia orquesta, Étoile de Dakar, para con el tiempo convertirse en un artista de fama internacional.

Pero volvamos a este lado del estrecho:

Las Malagueñas del Mellizo.

Para no despistarnos, siempre están los cabales. Uno de los cantaores que la mastica mejor, aún hoy en día: Rancapino , al toque Paco Cepero . Este debió ser el estilo, que inspiró a Oscar, La Star Band o a muchos músicos por todo el mundo, también, aún en día. Si pudiesen tocar todos los tonos por los que dibuja este Sr. el cante, volverían a hacer algo nuevo, contando que le cabe siempre una buena sección rítmica.

Jumitus Tutupa, suena tu piano.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 05 Oct 2021 20:04:40 GMT

Jumitus Tutupa:

Suena tu piano .

El piano está en el Flamenco desde su puesta en escena.

A mitad del siglo XIX surge, quizás, el primer género musical netamente urbano, coincidiendo con el esplendor de una nueva forma de explotación industrial. Las tabernas, cafés cantantes y otras formas de ocio nocturno, cobijarán a: los trabajadores; el hampa; marineros faltos de emociones; la intelectualidad; algún burgués, falto de escrúpulos; lo que hoy conocemos como turistas; pianos y el aliño gitano. La banda sonora: ese nuevo estilo musical que acabaría siendo uno de los más internacionales, desde casi su inicio.

Los Cafés Cantantes contaron con el permiso para tener un piano como privilegio contractual, por lo tanto flamencos y pianistas se intercalaban en la ambientación musical de dichos locales, de lo que deduzco que también intercambiaron experiencias sonoras y sensoriales.

Barcelona reunía todos esos ingredientes, y más, contando con más locales, con dichas características, activos antes de la guerra in-civil, que Madrid y Sevilla juntos. ciudad natal de uno de los músicos que recoge todo ese bagaje cultural, con una visión más exponencial de la música, catalana e internacional, actual.

Jaume Calabuch Asensio

"Pero ese socio es nada menos que Jumitus, un pianista extraordinario, el mejor después de Bebo Valdés. Es autodidacta, no ha leído nunca música, pero no le hace falta. Tiene una majestuosidad feroz. Te atrapa desde el primer momento en que lo escuchas, te mete en otro mundo. Es gitano, del barrio de Gracia, en Barcelona, pero lo escuchan tocar salsa y me preguntan si es latino", El Cigala.

Nacido en el barrio de Gracia, es el nieto del Ramón del Gas, del mismo nombre que su tío, Moncho, Ramón Calabuch Batista. Bisnieto de un gitano valenciano, que se estableció en el barrio de la Barceloneta a principios del siglo XX, que tras conocer a Pura Batista Jimenes se estableció en Gracia.

Su estrecha relación con el Rey del Bolero, su tío MONCHO, fue crucial para definir su lenguaje musical.

Moncho, en directo desde el Palau de la Música, al piano Jumitus Tutupa.

"Te extraño"

Hacia 2005, Diego “El Cigala” se encuentra a Jumitus que lo acompaña al piano desde entonces, dando vida al instrumento que ocupa un lugar, muy destacado, en la carrera del cantaor con más proyección internacional de los últimos tiempos. El encuentro entre El Cigala y Bebo Valdés marcó un hito en la carrera musical de ambos. Bebo salió de su aislamiento en el Norte de Europa para, en sus últimos años, reencontrarse con la música que en sus inicios musicales, en Cuba, estaba muy presente, el Spanish Tinge.

Para Diego fue el detonante de un torrente de diferentes episodios, enfrentándose a las músicas de la llamada América Latina, con gran éxito.

La carambola acabó a tres bandas, el que cogió el timón al piano, desde que Bebo no continuó, es uno de los destacados pianistas, Músicos, de la escena flamenca. Sí lo vemos desde un prisma más local, como es el barcelonés o catalán, es de lo más original y virtuoso, en él recae también, toda la tradición rumbera de estos lares. Pero sí lo ponemos al frente de una banda Latina, no se quedará corto, así lo describe El Cigala:

“Parece que cualquiera que viera a Jumitus a primera vista no va a pensar que es gitano porque él toca el tumbao, parece un latino total, lo que pasa es que tiene también esa enjundia del mundo del flamenco como gitano que es, por eso me siento orgulloso de él”.

Fiesta para Bebo

«Jumitus me vino una tarde y me dijo: 'Tengo un tema para Bebo que quiero que escuches', y se puso a cantármelo. No lo dudé: 'Esto hay que llevárselo a La Habana y grabarlo con Los Muñequitos de Matanzas. Y allá que fuimos. Primero lo ensayamos en casa de los músicos: cuatro horas sin parar. Y ya en el estudio, lloró hasta el apuntador».

En Cuba, con Los muñequitos de Matanzas, toda una institución de lo afrocubano, surgió de nuevo la magia. Compartieron con ellos esa hospitalidad de las casas cubanas y se hizo palpable la hermandad del flamenco con los ritmos del Caribe.

"Son como el pueblo gitano, son gitanos, las casas, su manera de ser. Los quiero y los amo, no he visto personas más buenas y con tanto corazón"

Jumitus compuso "Fiesta para Bebo", para el disco dedicado a la música latina o salsa, "Indestructible" de El Cigala.

Como su tío Moncho, capaz de poner un teatro en La Habana patas arriba, cantando su música, Jumitus conoce la música latina y se le aprecia, sin olvidar su origen flamenco, rumbero y gitano.

Jumitus Tutupa , ¿para cuando un disco suyo?

Manuel Torre: el cante del Faraón.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 10 Aug 2021 21:27:00 GMT

Manuel Torre

el cante del Faraón

"En el cante jondo, lo que hay que buscar siempre, hasta encontrarlo, es el tronco negro del Faraón".

“El hombre con mayor cultura en la sangre", Lorca .

En el mundo del Arte, no hay nada más natural que cantar. Sus respiraciones, cómo frasean, cómo acentúan o cómo entonan una melodía han marcado la evolución de toda música, sobre todo, de las cultas. De los cantes populares han hecho grandes tratados para nutrir sus salones, teatros o discográficas, mediante estudiosos peganotas, que nunca han influido en el cante de pueblo, pero desde su ignorancia económica y espontaneidad, lo hace evolucionar. Siempre les faltará uno de los componentes de los que Manuel Torre iba sobrado, ese tirón emotivo sin el cual el arte se queda como vacío y sin sustancia.

"Tó lo que tiene soníos negros tiene duende."

Manuel Soto Loreto , Jerez, 1878-Sevilla, 1933

Aficionado a los galgos, a los gallos de pelea y a los relojes, por cualquiera de estas se podía olvidar de sus compromisos para cantar y hacer que su borrico tomase otra vereda.

El flamenco, como todo arte, es una cadena en la que de pronto surge un artista destacado, que crea un estilo personal, marcando un camino propio. Manuel Torre es un eslabón muy importante en esa cadena que es la evolución del flamenco.

Así hablaron de Manuel Torre sus compañeros del momento:

"El cante bueno duele, no alegra, sino duele. Yo no he oído, que me duela a mí fuerte, a nadie en el mundo más. Manuel hacía unas cosas, Manuel Torre hacía unas cosas que no tienen explicación. Todo lo que diga la gente es mentira. Hacía una cosa tan propia, que no se parecía a nada ni a nadie. Manuel barajaba cuatro o cinco cantes por soleares, ina más!, cuatro o cinco cantes, ¡chiquillo, pero los decía de una manera que te volvías loco! Lo oías una vez y no se te quitaba de la cabeza. Un eco, un ¡ay! tan raro, una cosa, no se parecía a nadie... Un sonido, un sonido...", Juan Talega

"Torre era un cantador de leyenda, y eso que la leyenda no favorece nada a los artistas del cante y del baile. Desde hace 40 años a la fecha, el mejor cantador fue Chacón, pero el que más gañafones le tiraba al alma a uno era Manuel Torre", Fernando de Triana

"Se te metía el sonio suyo en el oído y ya no lo perdías en tres semanas", Pericón de Cádiz.

“Su cante llegaba al alma, y puede decirse que hacía cosas con el cante que ni él mismo se daba cuenta. Era ver torear a Rafael el Gallo esas tardes que le eran propicias. A Manuel Torre había que decirle, cuando estaba bien, que dejara de cantar un momento, porque la emoción llegaba al máximo", Aurelio Sellés

"Manuel no pudo dar una, no estaba el hombre en condiciones. Y ya a las claras del día, cuando nos íbamos, salimos allí a la terraza a tomar café, nos sentamos, y le dice Manuel al guitarrista: 'Oye, coge la bajañí, que voy a cantar dos veces ahora que me ha cogío bien.

Puso el pie encima de uno de los veladores aquellos, el otro tocándole, y cantó tres coplas por seguiriyas que el suelo temblaba. Yo no he visto otra cosa igual. Lo tengo metío en la cabeza y no se me olvía, no se me pué olvidar", Pepe el de la Matrona

Manuel Torre, era más amante del Duende que de cantar:

"A quién le puede gustar cantar, si eso es echar la asauras por la boca".

Nunca le gusto hacerlo en ni en cafés ni teatros, menos en las reuniones de señores que no eran de su agrado. En cambio era capaz de atravesar la campiña sevillana en su burro, para llegar a las juergas de los gitanos de Jerez, Utrera, Lebrija o Alcalá. Tras varios días emprendía el regreso, al llegar a casa, como si sólo se hubiese ausentado un momento, le cantaba a sus hijos la nana, con todas las vecinas asomadas al patio para pegar la oreja.

“Estando Manuel en el balcón de la casa de Don Eduardo Miura una mañana de Viernes Santo, al aparecer en la calle la Sentencia empezó a cantar Manuel con su voz densa y nasal una saeta, con tal enjundia que cuando acabó, la multitud congregada en la plaza de la Encarnación no sabiendo cómo expresar sus emociones y no pudiendo aplaudir ni vitorear, empezó a agitar pañuelos blancos en emotivo y silencioso homenaje al cantaor.

Un gitano que le acompañaba, le dijo a Manuel señalándole a Eduardo Miura:

“Fíjate, primo, con la “malage” que gasta criando toros y ahí lo tienes que lo has hecho llorar” cuenta su hijo Tomás y lo transcribe Manuel Barrios.

Por esta desgana en ocasiones cantó mal, pero cuando le cogía inspirado, en su duende, era capaz de mover al pueblo, provocando huelgas o meciendo los pasos en Semana Santa.

Cuentan que el capataz de los costaleros dio orden de seguir marchando en el momento en que Manuel Torre comenzaba a cantar una saeta. Los costaleros, obedeciendo el mandato, alzaron sobre sus hombros el paso, pero no avanzaron, limitándose a moverlo rítmicamente hasta que cantó lo que quiso.

“La otra perdición de Manuel fueron las mujeres. Con una de ellas amaneció una vez en una venta cerca de Triana. El ventero no se alegró mucho cuando, justo al alba, vio entrar a un gitano negro de dos metros agarrado de la mano de una mujer, mucho más joven que él y bebida. Torre se dirigió amablemente al hombre para pedirle que le fiase una botella de aguardiente o de fino. El ventero se negó. Muy despacio, con convicción, Torre le explicó que si le fiaba la botella, iba ganar mucho más de lo que costaba el poquito de licor que él necesitaba para invitar a esta señorita. Era una promesa muy vacía, y el camarero iba sirviendo a los obreros que desayunaban allí antes de currar en Triana o la Cartuja. Manuel Torre seguía solicitando la botella con la misma promesa millonaria. Por no escucharlo más, el ventero le plantó la botella en una mesita algo apartada. Manuel apuró el primer vaso de un trago y cantó un fandango. Algunos obreros preguntaron al dueño quién era aquel. Manuel cantó otra copla y algunos intentaron invitarlo, pero él se negó. A medida que iba cantando por soleá, con su amante ya dormida sobre la mesa, los trabajadores pedían copas de fino, palometas de anís: nadie quería irse. Cuando el local estaba a rebosar, el Torre se arrancó por seguiriyas, y así estuvo hasta mediodía, cuando los obreros ya almorzaban tapas de queso. El ventero no le cobró la botella, y al día siguiente los periódicos hablaban de una huelga sorpresa de los obreros de Triana”, Manuel Barrios .

La intelectualidad de la época no le perdía la pista.

Rafael Alberti cuenta que una noche, en una reunión, expresó:

“Después de unas cuantas rondas de manzanilla, el gitano comenzó a cantar, sobrecogiéndonos a todos, agarrándonos por la garganta con su voz, sus gestos y las palabras de sus coplas. Manuel Torre no sabía leer ni escribir., solo cantar. Pero, eso sí, su conciencia de cantaor era perfecta. Aquella misma noche, y con seguridad y sabiduría semejantes a las que un Góngora o un Mallarmé hubieran demostrado al hablar de su estética, nos confesó a su modo que no se dejaba ir por la corriente, lo demasiado cómodo, lo trillado por todos, resumiendo al fin su pensamiento con estas magistrales palabras:

"En el cante jondo – dijo Manuel Torre, con las manos duras, de madera, sobres las rodillas - lo que hay que buscar siempre, hasta encontrarlo, es el tronco negro del Faraón “¡El tronco negro del Faraón! Como era natural, de todos los allí presentes fue Federico (Lorca) el que más celebró, jaleándola hasta el frenesí, la inquietante expresión empleada por el cantaor jerezano”.

Y, otra noche, oyendo a Falla tocar al piano un pasaje de las Noches de los jardines de España, cuando le preguntaron su opinión sobre lo que oía, sentenció: " Tó lo que tiene soníos negros tiene duende... ".

Participó en el Concurso de Cante de 1922 organizado en la Plaza de los Aljibes de Granada por Manuel de Falla , García Lorca, Zuloaga y un amplio plantel de intelectuales de la época. A raíz del certamen registró por primera vez la seguiriya (Siempre por los rincones y Quedito los golpes) por expreso deseo de Falla.

Y García Lorca le dedicó los poemas de las Viñetas flamencas incluidas en el libro Poema del cante jondo , compuesto durante la celebración del Concurso, pero publicado en 1931: “A Manuel Torre, Niño de Jerez, que tiene tronco de Faraón”.

Muere en 1933 en su casa de Sevilla a causa de una tuberculosis.

En una lectura de la conferencia sobre cante jondo en Buenos Aires, poco después de su fallecimiento, Federico le hizo la siguiente dedicatoria:

“Manuel: Aquí en la amada Argentina, presento tu voz, recogida en la dramática luna negra de este gramófono. Quiero que la escuches en el inmenso silencio que ahora te rodea: escucha este tumulto de dalias y besos que coloco a tus pies, como rey del cante jondo”.

Andrés Batista, historia viva de la guitarra flamenca.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 07 Aug 2021 09:04:41 GMT

Andrés Batista

historia viva de la guitarra flamenca

Un viaje por la Barcelona flamenca de la post guerra a los años 70 de la mano de uno de los prestigiosos del toque. La Venta del Toro, El Brindis, La Macarena, El Villa Rosa, son sus primeros escenarios.

El guitarrista de la última etapa de Carmen Amaya:

"El baile de Carmen Amaya era electrizante, improvisado y sobre todo lleno de pasión y furia como un fuego abrazador. Sin embargo, cualquier guitarrista, aunque su toque era sencillo, podía acompañarla siempre y cuando tuviera “compás y rasguease correctamente”. El temperamento, la facultades y la personalidad de Carmen hacían el resto; pero cuando se entraba en su malabarismo técnico, rítmico y espontáneo, lleno de matices y extraordinaria fuerza expresiva, el guitarrista además de necesitar un completo domino técnico del instrumento, debe tener intuición, compás, variedad de falsetas y combinaciones rítmicas, potente sonoridad y “Pellizco”.

" Andrés Batista nació en Barcelona el día 12 de octubre del 1937 en el seno de una familia trabajadora y alejada de la vida profesional artística.

A la edad de ocho años en una fiesta familiar oyó cantar a su primo Juan de 27 años, que era aficionado, acompañándose él mismo a la guitarra y ese día la llama de la afición prendió en él.

Dado el empeño que demostró para que le enseñase su primo, éste habló con el padre de Andrés aconsejándole que le comprase una guitarra de estudio (las utilizadas para el aprendizaje) para que pudiera practicar lo que le iba a enseñar, alguna que otra escala, acordes y ritmos básicos para acompañar el cante. A los seis meses había aprendido todo el repertorio de su primo y éste, ante la afición y facultades del niño recomendó a su padre buscarle un adecuado profesor.

Hubo suerte, al poco tiempo su tío Agustín abogado de profesión y notable guitarrista aficionado, se instaló en Barcelona y era el candidato especial para realizar ese cometido didáctico, tocaba bien, tenía un amplio repertorio, era disciplinado y además no le cobraría las clases. Después del acuerdo familiar Andrés iba a casa de su tío cada quince días para recibir su clase. Aprendió tablatura (Cifra), solfeo y los estudios técnicos de los grandes nombres de la guitarra clásica: F. Tárrega, F. Sor, E. Pujol y M. Llobet.

A los cuatro años su tío le dijo:

- Ahora ya has aprendido todo mi repertorio y lo que podía enseñarte de música. Creo que debes ir con el Maestro D. Antonio Francisco Serra para ampliar tus conocimientos y perfeccionarte. Hablaré con tus padres y espero que accedan a ello.

Después de una seria conversación con ellos y comprometiéndose a que su afición y aprendizaje de la guitarra no afectaría para nada a las buenas notas de sus estudios escolares, a la edad de doce años inició las clases con ese extraordinario Maestro lleno de ilusión y entusiasmo.

D. Antonio era un hombre educado, amable e inteligente que pronto se dio cuenta de que a su joven pupilo le atraía más el flamenco que la música clásica y solía decirle:

“El saber no ocupa lugar” además de la técnica guitarrística debes aprender armonía y composición. Estos conocimientos te ayudarán mucho en tu correcta formación como guitarrista flamenco y mientras puedes oír los discos de los buenos tocaores que acompañan a cantaores de renombre como: Ramón Montoya a Antonio Chacón; Miguel Borrull (Hijo) a José Cepero, Manuel Vallejo; “Niño Ricardo” a Juan Varea y Canalejas de Puerto Real; Melchor de “Marchena” a la “Niña de los Peines, Manolo Caracol y Antonio Mairena, etcétera. Apréndete sus falsetas, ritmos y la forma de acompañar de cada uno y analiza el toque en función al cante y a su intérprete, ya que el mismo estilo según sea el cantaor varia.

Estos dos primeros años fueron bastante cómodos para el joven Andrés, tan sólo tenía los estudios escolares, los de guitarra y armonía y aprenderse las falsetas, acordes y ritmos de acompañamiento de los estilos de cante. Sin embargo, al cumplir los catorce años dos acontecimientos inesperados complicaron su aprendizaje guitarrístico. El primero fue que su padre le inscribió para estudiar el peritaje mercantil y el segundo, la oportunidad de trabajar en una gran empresa, permitiéndole además de practicar sus conocimientos administrativos y mercantiles, percibir un sueldo mensual necesario para contribuir a los gastos familiares, lo que era imposible de rechazar por obvias razones, aunque ambos acontecimientos restarían un considerable tiempo necesario para desarrollar y ampliar su aprendizaje guitarrístico y musical. Con buen talante aceptó sus nuevas obligaciones y con una estricta disciplina estableció los horarios para cumplir con la obligación del trabajo, el estudio del peritaje y hallar al menos una hora diaria como mínimo para seguir practicando la técnica, repertorio de la guitarra y los estudios de la armonía, el inicio de la composición y las falsetas y los ritmos flamencos en los días de entre semana y los sábados y domingos poderles dedicar todo el día. Ello significaba, no disponer de tiempo libre para ir al cine, a bailar u otros esparcimientos, pero la afición e ilusión le llenaban por completo su vida diaria. Sus padres recompensaban esta constante y seria labor, llevándole a algún que otro espectáculo flamenco, donde conoció personalmente a varios nombres importantes de la época.

En una ocasión felicitando al renombrado “Niño Ricardo” se atrevió a preguntarle:

- Maestro ¿Cómo se hace la alza-púa?
Mirándole fijamente éste le respondió:
- Niño pá arriba y pá abajo.

Y sin añadir una sola frase más se fue.

Durante este periodo empezó a frecuentar algún que otro sábado el tablao “Villarosa”, el chato de manzanilla costaba quince pesetas y ello era una cantidad elevada para la economía de Andrés, así que sólo humedecía los labios cada vez en la copa para tratar de que se prolongase el contenido del mismo el mayor tiempo posible y evitar tener que pedir otra consumición. Trabó amistad con el tocaor “Pepe de la Isla” al que le enseñaba algunas falsetas y éste le recibía siempre con simpatía, presentándole al poco tiempo a “Perillo de Jerez” que actuaba como bailaor, pero que cantaba muy bien y con el tiempo fue conocido como el gran Fernando “El Terremoto”. La amistad y simpatía que le dispensaban estos dos artistas se debía principalmente a su destreza guitarrística, juventud, educación e inexperiencia en el mundo flamenco y sobre todo a su afición por aprender, lo que le facilitó practicar el acompañamiento de algunos cantes con ese gran cantaor y que el camarero dándose cuenta de todo ello y del ajustado presupuesto que disponía Andrés le dijese:

- No te preocupes, puedes tomarte alguna copa más, sólo te cobraré una.

Estos encuentros prácticos, visuales y de gratas conversaciones con muchas preguntas realizadas a los artistas de ese tablao, contribuyeron, junto a sus estudios diarios, clases y oír repetidas veces los discos que caían en sus manos, a su formación profesional de manera muy positiva, familiarizándose con el ambiente flamenco, con los distintos estilos interpretativos y también para comprender la diferente idiosincrasia personal de cada artista según su lugar de procedencia y nivel cultural.

Cuando tenía 17 años y medio en unos días de vacaciones con sus padres en Sitges un pequeño y bello pueblo costero cerca de Barcelona, tuvo la oportunidad de oír personalmente en un concierto al Maestro Miguel Borrull (hijo). Después de felicitarle, le comentó que poseía una guitarra de ciprés extraordinaria. El Maestro que tenía el estuche abierto le respondió:

- Es de Domingo Esteso, pruébala si lo deseas.
No se hizo repetir la oferta y empezó a tocar algunas variaciones. El Maestro sorprendido comentó:
- Eres profesional se nota por tu destreza técnica y dominio del ritmo.
- Que va Maestro, soy un aficionado nada más.
- ¿Es que no te dedicas a ello? Podrías hacerlo muy bien.
- Cualquiera les dice a mis padres que deseo de ser profesional con la mala fama que tiene el flamenco.
- Eso no es correcto ni justo, las habladurías en contra de esta profesión son consecuencia quizás del mal comportamiento de algunos y también de la escasa información que existe sobre ella, pero la mayoría de los artistas flamencos son personas honestas, profesionales serios y muy capacitados. ¿A ti te gustaría serlo?
- La verdad Maestro, por una parte sí, pero por otra no estoy tan seguro.
- Bueno, pues lo mejor sería que lo intentaras y después de un cierto tiempo lo decides. ¿Te parece bien?
- Si creo que sería lo más adecuado, ¿Pero como lo hago?
- No te preocupes dame la dirección de tu casa y hablaré con tus padres.

A los dos días se presentó en mi casa y expuso con total claridad su propuesta:

- Si Andrés no reuniese las condiciones que tiene no les molestaría en absoluto, pero sería una lástima desaprovechar esta ocasión, si realmente a él le gusta la guitarra tarde o temprano se dedicará a ello y estos años de retraso no le beneficiarán. Ahora tiene la posibilidad de trabajar conmigo en el Tablao “El Brindis”, donde estoy como Director, le enseñaré todo lo que sé, cogerá practica de acompañar al cante y al baile y además ganará un sueldo diario de 75 pesetas.

La propuesta de D. Miguel no fue muy bien acogida por la madre de Andrés que comentaba que entraría en un ambiente poco serio y podría perjudicarle. Sin embargo, el padre D. Esteban que era un hombre de talante tradicional, serio y de pocas palabras, dijo:

-Si el Maestro Borrull ha tenido la amabilidad de venir a nuestra casa para hacer esta propuesta es que realmente ve posibilidades en el muchacho y creo que debemos de seguir su valioso consejo y darle una oportunidad. Probamos tres meses y si todo funciona bien que siga, en caso contrario le rompo la guitarra en la cabeza y se acabó su afición. Tan sólo le pido el favor D. Miguel que cuando acaben el espectáculo le acompañe a casa.

-No se preocupe, así lo haré.

El acuerdo estaba sellado y no se habló nada más. Me di de baja en el trabajo y estacioné los estudios del peritaje mercantil por el momento y a la semana siguiente inicié mi andadura profesional como guitarrista flamenco.

El tablao “El Brindis” estaba ubicado en la Plaza Real, hoy existe con el nombre de “Los Tarantos” y el elenco artístico estaba formado por las bailaoras: Loli “La Camisona”, La Cañeta, La Quica, Teresa Bustamante, los cantaores Antonio de “Graná”, Antonio de los “Puertos” y el “Tembleque (Cantaor y bailaor) la tía de la “Camisona” que cantaba y bailaba y el tocaor Juan Riera, además del Maestro Miguel Borrull. La noche del debut la preocupación de Andrés era muy real, representaba su bautizo cara al público y no tenía experiencia alguna de acompañar al cante y al baile sin ningún ensayo previo. D. Miguel dándose cuenta de ello, le recomendó:

- Tienes que estar tranquilo todo saldrá bien, tú sólo sigue la letra del cante para acompañar y fíjate en los movimientos de las que bailan, ellos te indicarán los desplantes, llamadas, escobillas, etcétera y verás que dentro de unos días estarás como pez en el agua.

Aunque las palabras del Maestro le animaron un poco, los nervios seguían atenazándole las manos por la gran responsabilidad.

Al terminar el espectáculo todos los artistas le felicitaron por su buen hacer, aunque él se sentía como si hubiese recibido una gran paliza. Por suerte al transcurrir los días y bombardear de preguntas y apuntar las letras de los cantes y hacer repetir pasos, desplantes y llamadas a los artistas que colaboraron amistosamente, su labor como acompañante fue la adecuada y las palabras del Maestro “de sentirse como pez en el agua” se hicieron realidad. Los tres meses pasaron sin darse cuenta y las buenas referencias aportadas por el Maestro a sus padres con la afición y estudio que demostraba Andrés, permitieron que siguiera actuando adquiriendo conocimientos sumamente valiosos para el acompañamiento y toque solista gracias a los consejos e indicaciones de D. Miguel que fueron de gran ayuda y un buen estímulo para conseguir un bagaje artístico de relevante importancia.

Al cumplir los dieciocho años Andrés fue aconsejado por varios amigos que al tener que hacer el servicio militar obligatorio sin saber que ciudad o pueblo le tocaría, quizás sería mejor que entrase como voluntario porque podía elegir plaza y cuerpo militar ya que ello le permitiría tener mayores posibilidades para continuar en su reciente labor de guitarrista profesional.

Lo comentó con sus padres y ellos estuvieron de acuerdo. Se iniciaron las oportunas averiguaciones y por mediación de un amigo fue elegido un cuartel de Barcelona ubicado en la zona de Pedralbes y se iniciaron las diligencias para que entrase como voluntario.

A los pocos meses D. Miguel Borrull se retiró como director y Andrés tuvo una oferta para contratarle en el tablao “La Macarena” que gozaba de mucho prestigio y además aceptaban las condiciones de que podía ausentarse por motivos del servicio militar cuando fuese necesario. Después de consultar a D. Miguel y recibir su aprobación, la satisfacción y alegría de Andrés fue notoria, había conseguido no alejarse del entorno flamenco y podía seguir ganando dinero con su nueva profesión para seguir ayudando a sus padres.

Los dos años de servicio militar transcurrieron con innumerables posibilidades de poder seguir actuando con diferentes artistas en ese nuevo tablao aumentando los conocimientos y también la fama como buen guitarrista acompañante y solista por lo que fue requerido en el puesto de primer guitarra en un tablao que se inauguraba “La taberna del toro” con mayor sueldo y aceptando la condición de que podía ausentarse cuando fuese preciso por razones del servicio militar. Allí acompañó a los famosos Antonio “El Farruco” (bailaor) y Antonio Nuñez “El Chocolate” (cantaor) (naciendo una buena amistad y admiración entre ellos) además de otros artistas de rancia solera, aunque no tan conocidos popularmente. Con los dos tocaores del cuadro artístico Emilio Prados y Alfonso Labrador montó varios solos a trío que gustaron tanto a la dirección del tablao como a los compañeros artistas y sobre todo al público, por lo que dicha actuación quedó fija en el espectáculo diario propagándose rápidamente su éxito, por lo que muchos clientes preguntaban a qué hora se hacía el recital de guitarra para asistir con aficionados e invitados.

En esa época actuaba la bailarina Queti Clavijo con su ballet en la sala de fiestas “El Río” y su guitarrista le comentó las buenas artes de Andrés y ella interesada un día acudió a presenciar todo el espectáculo. Tuvo una entrevista personal con él y le propuso actuar con su ballet para una gira por Oriente Medio estando de acuerdo en esperar que terminase su servicio militar, pero deseaba saber si tenía algún inconveniente en tocar el concierto de Aranjuez en una versión reducida. Su respuesta fue afirmativa, aunque le comentó que creía necesario contar con el permiso de su compositor el Maestro Joaquín Rodrigo para realizar esa versión reducida. Queti estableció contacto con el Maestro y éste le respondió que deseaba primero escuchar al guitarrista. El encuentro en Madrid pudo establecerse a las pocas semanas aprovechando unos días de permiso de Andrés quedando muy satisfecho el Maestro con el dominio técnico e interpretación de algunas obras que tocó. Sin embargo, no deseaba que se hiciera una versión corta de su obra si ésta no se realizaba en un teatro. Esta reunión fue el inicio de una gran amistad entre Joaquín Rodrigo y Andrés Batista. La gira recorrió Irán, Líbano, Chipre, Jordania y Egipto donde conoció al gran compositor armenio Aram Kachaturian que le felicitó por su actuación y le auguró un brillante futuro como concertista.

Recién llegado a Barcelona un representante artístico se puso en contacto para proponerle actuar una gala con la genial bailaora Carmen Amaya. La actuación cara al público (acompañando sin previo ensayo a todo el elenco, los bailes de Carmen y realizar los solos de guitarra) fue todo un éxito para Andrés y con la completa satisfacción por parte de Carmen Amaya y su esposo Juan Antonio Agüero que era tocaor, proponiéndole realizar la gira por Estados Unidos y Sudamérica.

La alegría de Andrés era inmensa, la mejor bailaora y figura internacional le contrataba para acompañarla y ser solista de su espectáculo. A los pocos días debutaron en Los Ángeles, donde asistieron al espectáculo entre otras personalidades las famosas actrices y actores de cine: Ava Gadner, Rita Haiwort, Gary Grant, Glend Ford y James Mason. En un concierto conoció al insigne concertista de guitarra clásica D. Andrés Segovia. Puerto Rico fue la segunda etapa de la gira donde recibió la felicitación del célebre violonchelista Pablo Casals en su casa de San Juan y en Nueva York ciudad de los rascacielos, pudo conocer y oír personalmente al genio de la guitarra flamenca Agustín Castellón “Sabicas”. Encuentro personal y artístico que Andrés agradeció y del que guarda un entrañable y grato recuerdo.

La gira por Sudamérica empezó en Argentina donde entabló una gran amistad con otro fenómeno de la guitarra flamenca Esteban de “Sanlúcar” que perduró hasta su triste fallecimiento en 1989. Uruguay, Perú y Méjico fueron los países siguientes obteniendo un éxito arrollador. En este último inauguraron el Teatro Insurgentes y Carmen Amaya recibió la oferta de actuar en la película “Los Tarantos” con toda su compañía. En el mes de Febrero se inició el rodaje de la misma en el monte Montjuich de Barcelona con un frío terrible ya que su director Rovira Beleta prefería las horas matutinas casi al despuntar el día para rodar las escenas con esa luz y sin abrigo alguno. Hecho poco agradable y propicio para realizar las actuaciones de baile, cante y toque a la intemperie. Una vez finalizado el rodaje de la película el representante artístico ya organizaba la gira de las galas de verano por toda España. Después de realizar varias actuaciones en distintas ciudades el día 8 de Agosto en Gandia (Valencia) Carmen no pudo terminar el espectáculo, se encontraba mal y se suspendió el resto de las galas contratadas. Su dolencia renal era alarmante y sin solución, aún así todavía actuó en una gala benéfica para patrocinar el alumbrado del campo de fútbol del pueblo de Begur (Girona) donde había comprado una casa. Esta genial bailaora falleció en el mes de Noviembre del año 1963.

La exquisita bailaora María Márquez que formaba pareja con el famoso Vicente Escudero conocedora de las cualidades profesionales y personales de Andrés se interesó para contratarle haciendo su debut en el conocido tablao “Los Tarantos” junto al popular cantaor Roque “Jarrito”. La acogida por parte del público fue abrumadora de entusiasmo y las críticas de los periódicos muy elogiosas destacando la labor del joven guitarrista como acompañante y sobre todo como solista. Titulares como: Vicente Escudero “Sorprendente”; María Márquez “Fabulosa”; Roque “Montoya” “Formidable” y Andrés Batista un guitarrista “Sensacional”. Otro escribía: “Asistir a un espectáculo con tres nombres reconocidos es siempre una garantía de calidad y buen gusto, pero descubrir a un joven valor de la guitarra a la altura de estas figuras además de reconocer su valía, es una delicia oír sonar este instrumento por manos tan expertas y una sensibilidad exquisita”. “El espectáculo fue maravilloso Vicente, María y Jarrito estuvieron magníficos. Sin embargo, el triunfador de la noche fue el joven guitarrista Andrés Batista”.

Todas estas elogiosas críticas dieron una fuerte dimensión popular al joven tocaor entre los profesionales flamencos, aficionados, casas discográficas y periodistas, contribuyendo a que en poco tiempo su colaboración artística fuese solicitada en reiteradas ocasiones por distintos artistas. En el año 1965 grabó sus dos primeros long-play solistas con el sello discográfico E. M. I. contratándole para que cada año grabase un long-play. La estupenda pareja de baile “Ana Mercedes y Antonio Español” le contrataron para su gira de recitales en las Juventudes Italianas”; La formidable bailaora “La Singla” se interesó para que actuara en su espectáculo veraniego y en los recitales en Alemania; Y la popular pareja de baile “Susana y José” famosa en Holanda, Alemania, Austria, Suiza y países escandinavos que estaban preparando su nuevo ballet “La Celestina” estuvieron muy complacidos al poder contar con Andrés para estrenar su ballet”, ocasión que le permitió conocer personalmente al célebre Director de Orquesta Ernest Von Karajan en un teatro de Berlín quién le felicitó por su actuación.

El reputado crítico D. Sebastián Gasch, el escritor D. Alfonso Puig, el periodista Carlos Carrero y el presentador radiofónico D. Ricardo Romero fueron los primeros iniciadores en propagar las cualidades profesionales y personales de Andrés. Personas de las que tiene un grato recuerdo y sincero agradecimiento porque le brindaron la oportunidad de ser conocido a través de los medios de difusión de la prensa y radio proporcionándole una popularidad que le facilitó obtener buenos contactos y contratos con las principales figuras del momento.

Su colaboración artística con todos estos grandes profesionales se mantuvo efectiva durante varios años pudiendo combinar fechas y períodos de actuaciones con ellos recorriendo los principales teatros de medio mundo. Labor que le permitía acrecentar su popularidad y reconocimiento profesional facilitándole además de grabar más discos solistas iniciar algunos conciertos con mucho éxito, obteniendo poco a poco galardones de renombre como: El Premio Nacional de Guitarra, concedido por la Cátedra Flamencología de Jerez; Premio al mejor intérprete concedido por Radio-Televisión alemana en Frankfurt; Disco de Oro por Radio Madrid; Medalla Honorífica en el Festival Mundial de Folk en Campione (Italia frontera con Suiza) etcétera, que coronaban y acreditaban la exitosa labor profesional de Andrés.

En el año 1968 un representante artístico le ofreció una gira de conciertos por Japón, Andrés le propuso hacer los conciertos con su Maestro Antonio Francisco Serra quien interpretaría la primera parte con un programa de guitarra clásica que finalizaría con dos dúos tocando las obras “El Vito” y “el Zapateado de Sarasate” (arreglos realizados por ellos y la segunda parte a cargo de Andrés interpretando estilos flamencos y terminando con dos dúos “Zarandela” (Farruca) y “Aires Calés” (Garrotín) obras de la autoría de Andrés (que más tarde grabarían en disco). Al representante artístico le pareció una buena idea, aconsejándoles que en sus bises interpretaran alguna canción japonesa. La idea aunque interesante desde el punto de vista para agradar al público japonés, era poco oportuna ya que desconocían ese repertorio. Sin embargo, en el aeropuerto de París encontraron a un guitarrista japonés y después de darse a conocer con la alegría de éste y comentarle su preocupación por encontrar alguna canción u obra de su tierra, la sorpresa fue notoria llevaba en su estuche una partitura que el Maestro Serra aprovechando la duración del vuelo empezó a efectuar el oportuno arreglo para dos guitarras. La noche del debut en Tokio al interpretar los primeros compases de dicha canción, todo el público se puso de pié como un resorte y en silencio. El consiguiente sobresalto para ellos fue enorme, ya que ignoraban si habían incurrido en una falta grave por tocar algo que estuviese prohibido o mal visto. Al finalizar la obra el aplauso fue atronador con los gritos de “domo arigató” que después les explicaron que significaba “muchas gracias”. El mal rato vivido por las posibles y nefastas consecuencias les decidieron a no volver a interpretarla. Sin embargo, el director de la casa discográfica “Toshiba” les estaba esperando en el camerino para felicitarles y proponerles grabar un long-play de canciones japonesas ante el éxito alcanzado. Grabación que efectuaron tiempo después obteniendo un premio al mejor disco de música popular japonesa con sensibilidad y poesía flamenca.

A finales del año 1970 colabora nuevamente en unos recitales con la estupenda pareja de baile “Ana Mercedes y Antonio Español” en el Teatro de la Moneda en Bruselas (Bélgica) consiguiendo un estrepitoso éxito. La admiración artística y personal entre Ana Mercedes y Andrés Batista crece sensiblemente y la llamada de cupido aparece de inmediato uniéndoles desde ese momento hasta que años después se convierte en un feliz matrimonio que se manifiesta artísticamente para formar su propio Ballet. Sus actuaciones por la geografía española y las múltiples solicitudes recibidas para colaborar con otras compañías se desarrollan por toda Europa.

En el año 1972 el Director de la prestigiosa editorial Unión Musical Española D. Juan del Águila le propuso publicar un cuaderno sobre la técnica de la guitarra flamenca que fue muy bien recibido por todos los aficionados y a mediados del año 1973 presenta su disco con orquesta “Contrastes flamencos” en el sello discográfico “Belter” que recibe las felicitaciones de los Maestros J. Rodrigo, F. Moreno Torroba, A. Robledo, Hipólito Rossy y Enrique Cofiner y los buenos comentarios de la prensa como: “Un duende hecho flamenco” de Carlos Carrero; “Un hombre, una guitarra y un nombre Andrés Batista” de Ricardo Romero; “Arte o magia de tocar la guitarra flamenca” De Juan de la Plata, etcétera. A principios del año 1975 graba “Candelera” un long-play solista con varios dúos con el Maestro Serra que logra un éxito insospechado entre los aficionados de todo el mundo y la prensa internacional.

Por indicación de los prestigiosos flamencólogos Manolo Ríos y José Blas Vega le aconsejan la conveniencia de radicar su domicilio en Madrid por la importancia artística y meollo de las principales contrataciones que se fraguan y desarrollan en esa capital. Decisión difícil por una serie de razones familiares, de amistades y traslado que exigía una importante deliberación entre la pareja razonando los pro y los contra, pero al final deciden realizar el cambio. Encuentran en el mes de diciembre del año 1975 un piso céntrico en el que actualmente siguen viviendo.

Extraído de la pagina web de Andrés Batista, pueden seguir el desarrollo de su gran trayectoria artística, ya instalado en Madrid, en:

http://www.andresbatista.es

Andrés Batista, historia viva de la guitarra flamenca .

ALBORADA DA FARRUCA: “soy una mezcla de una gallega con un africano”

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Thu, 05 Aug 2021 19:58:04 GMT

ALBORADA

DA FARRUCA:

“soy una mezcla de una gallega con un africano”

Ana Peleteiro se colgó la medalla de bronce en la final de triple salto de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020.

"Mi madre biológica es gallega y mi padre biológico no sé quién es. Mis padres no me adoptaron en Etiopía ni en Kenia, yo nací en Galicia, mis raíces son gallegas, pero la mitad de mis raíces, y se ve, yo soy negra, mulata, tienen que venir de África"

Los vínculos culturales, con alma, entre Galicia y África vienen de lejos, juntos influenciaron tremendamente en la historia de la música interplanetariamente y formaron parte del génesis de lo que llamamos, hoy, flamenco y de la mayoría de estilos musicales surgidos en América, proyectados al mundo entero.

La presencia de África en la península dejó un inmenso legado patrimonial, sobre todo en las comunidades que formaron parte de Al Andalus, pero parece que los vínculos, al menos emocionales, son mucho anteriores a esa parte de la historia, y curiosamente, los genes africanos se conservan con mayor presencia en una zona en el que la penetración musulmana fue aparentemente más escasa. En Galicia alcanzan el 11%, el mayor porcentaje encontrado en toda Europa, según un estudio publicado por la revista científica «Nature Communication», del catedrático de la Universidad de Santiago de Compostela, Ángel Carracedo, y Simon Myers, Peter Donnelly y Clare Bycroft, de la Universidad de Oxford. El estudio desvela, además, que genéticamente un gaditano tiene más similitud con un asturiano que con un almeriense, en la Península las poblaciones emparentadas se distribuyen en franjas verticales de norte a sur y no horizontales de oeste a este. Esta distribución, apuntan los investigadores, está relacionada con los movimientos de población durante la Reconquista.

Cómo llegaron los genes africanos a Galicia?

El estudio también revela otra característica propia del pueblo gallego, su minifundismo, que también es genético y es tradición, contando con comunidades aisladas sin mucho contacto con otras y que conservan ese gen africano de mucho antes en los tiempos. La conexión Afro-Gallega, sin duda, es anterior a Al Andalus, y aunque los dichos, dichos son, corría uno entre los gallegos, mal interpretado por la mayoría, que venía a decir:

“Cuando llegaron las primeras exploraciones (para el expolio material e inmaterial, intentando borrar y robar todo valor allí presente) por las pirámides de Egipto ya había un gallego esperándolos”.

La conexión con los pueblos africanos es mucho anterior a las invenciones, que aún hoy perduran, en torno a religiones, movimientos político-culturales y enriquecimiento de unos pocos en post de un pueblo ignorante de su pasado. Podríamos hablar de la conexión entre los hombres de las vacas, una conexión entre Fulani y Gallegos. Los Fulani o fulas, peuls, fulbes… según la zona, con unas características físicas y manifestaciones artísticas como un pueblo, eminentemente, mestizo. Muchos han planteado la hipótesis de que los fulani tienen vínculos fuera del continente africano y quizás los gallegos marcaron el límite en el noroeste peninsular.

No sólo genéticamente, en la música popular aún perduran vínculos mucho más claros y estos influenciaron en la génesis del flamenco.

La Alborada es mucho más que el espacio de tiempo necesario para que resucite el día, dicen que es música con más de cuatro mil años de tradición. Es el canto matinal a la luz roja del amanecer que pasó con el tiempo a reuniones de clanes, procesiones sagradas o romerías. Es la música que inicia la fiesta, que es pagana, anterior a Santos o Vírgenes, que salen en procesión, también a ritmo de alborada. En Galicia como en África el sincretismo ha sido el pan nuestro de cada día, nadie niega su pasado y es anterior a imperios religiosos con intereses económicos.

En el Flamenco y según los cabales:

“La alboreá es un palo flamenco que se ha basado históricamente en los cantes que los gitanos de Andalucía hacían en sus ceremonias de boda. El origen de la palabra procede del término alborada, en relación al momento en que las bodas son celebradas, al alba. También es llamada a veces alborá, albolá o alboleá”.

De donde surgen varias dudas:

La primera y, según mi experiencia, no sólo los gitanos de Andalucía cantan Alboreas en las bodas, se cantan en todas partes al sur de los pirineos, siendo exclusivo de estos lares.

Segunda, trajeron los gitanos las alboreas de su camino o lo asimilaron aquí. Hay constancia de la primera presencia de gitanos en la península en 1425, de paso por Barcelona, y con destino: Santiago de Compostela. En esos días Andalucía se había convertido en tierras de expulsión, en particular para los practicantes del Islam, perdiendo a gran parte de su población autóctona que habitaba toda esa riqueza material que perdura hasta nuestros días. Gran parte de su riqueza inmaterial se fue con todo ese éxodo. Según puedo yo entender la convivencia del gitano con la península y la asimilación de muchos rasgos locales fue en el norte, donde se forjaron gran parte de sus señas de identidad actuales y se cantaban las alboradas desde hacía miles de años.

Hay términos como tocador, cantador, bailador, piezas claves de estos menesteres, que quizás con su descenso a tierras del sur, evitaron pronunciar la d, y quizás a la alborada le paso algo parecido.

Volvamos a términos y palos cabales, que como la genética nos hablan de movimientos de norte a sur:

“La farruca, su origen se encuentra en el folclore del norte de España , y fue llevado a Andalucía a mediados del s. XIX por los mozos que iban a esa región a trabajar como temporeros, o a establecerse como taberneros o freidores de pescado , y sería después adaptada por los músicos andaluces, que la aflamencarían. La manera flamenca de este cante se popularizó enormemente en la primera mitad del siglo XX ”

El corredor que une Galicia con el estrecho de Gibraltar, es mucho anterior de mediados del S.XIX, antes llegaron afiladores, aventureros, pescadores, mineros, músicos, marineros…y expertos en vinos y ganaderías, en particular, el vacuno, para ayudar a crear esos Toros y esos vinos que tiene Andalucía como bandera. Con ellos compartieron muchos caminos los gitanos y flamencos, si nos fijamos en la franja que va de Orense a Cádiz, tiene un flamenco y un aire diferente. Como en la genética, en la música, se percibe un movimiento cultural de norte a sur.

Además hay que apuntar que etimológicamente la palabra farruca puede proceder del árabe faruq, valiente, ¿Cómo llegaría a Galicia?.

Al bailaor sevillano Faíco, con la guitarra de Ramón Montoya, se le atribuye el baile de la farruca en el flamenco. El éxito fue atronador, y de ahí surgirán otras como la ya clásica de Antonio Gades, El Guito o la de Mario Maya.

“Una farruca en Galicia
amargamente lloraba
porque a la farruca
se le había
muerto el farruco
que la gaita le tocaba”

Baila, Mario Maya

A Faico y Montoya se les atribuye también la creación del baile del garrotín, género que suele atribuirse a los gitanos catalanes, leridanos en particular, pero quizás forme parte de los movimientos que se produjeron de oeste a este en la península y su génesis esta donde se forjó la farruca o las alboreas. Algo similar le paso al villancico catalán “El noi de la mare”, al toque Sabicas:

Ana Peleteiro es una muestra también que hay una realidad que une Galicia y África. La visión de una Galicia celta sería dejarla en algo muy reciente y que crea muchas distorsiones. Lo celta fue algo que llego del Sur a Galicia y nunca del norte, primero existieron gaitas al sur de Gibraltar y lo que debemos tener bien claro que no llegaron ni de Escocia, Gales, Francia o cualquiera otra región extranjera y destacar, que casi siempre han expoliado nuestros recursos materiales e inmateriales. Los vínculos llegaron de nuevo con la esclavitud, que siempre fue un negocio privado en manos de gentes sin escrúpulos, sólo basta con revisar las marcas comerciales de los rones del caribe, de los aceites andaluces o de las conservas gallegas, entre otros muchos. Hemos de tener presente que ante la prohibición de comerciar con África, los últimos en formar parte como esclavos en los ingenios azucareros fueron Gallegos, deberíamos hacer memoria histórica y pedir explicaciones. Todo eso no impidió que la banda sonora de esta salvajada es la que hoy se escucha en casa de los esclavistas, con acusadas mancanzas de ritmo y salero.

Juntos lucharon contra quien les hicieron ver era su enemigo, y nada cambió, y juntos hicieron La Revolución y las sedes de las empresas cambiaron sus sedes y nunca se lo perdonaron. Esperemos que los Mas i sus cosinets guarden o hagan un fondo común para encabezar la deuda, como pronto veremos saldrá en sus redes.

Ole Ana Peleteiro

Rubem Dantas, un Cajón de ritmos.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 28 Jul 2021 01:16:54 GMT

Rubem Dantas , un Cajón de ritmos .

"El flamenco para mí es como un tratado de física nuclear"

Una noche en Lima, gracias al legado africano llegado por esos lares, puramente por intereses comerciales, acabó cambiando la historia del flamenco de finales del siglo XX.

“El flamenco se acoge fenomenal en el mundo entero, esa es mi experiencia. Es una música increíble que en todas partes se ve con buenos ojos”.

“Yo me fui a buscar el flamenco cuando aún no lo conocía”.

“Lo único que había en Brasil era un programa que se llamaba ‘Cartas de España’, pero en él lo único que se ofrecía era música regional, no ponían flamenco. Tenía un amigo guitarrista, Leonardo Boccia, que estuvo practicando un tiempo flamenco y cuando escuché lo que estaba tocando le dije: “¿Qué es eso?". Me fascinó”.

Después de escuchar a mi amigo, cuando le pregunté por la orquesta que llevaba el flamenco y me dijo que era palmas, guitarra y voz, pues me dije: "Allá que me voy a ponerle percusión".

Y surgió la oportunidad de venir con el Viva Bahía, un grupo impresionante de cultura africana en el Brasil.

Todo empezó cuando les fui a despedir al aeropuerto de Barajas. Todos sabían que yo había decidido quedarme y, después de decir adiós, me fui a la cafetería a tomar algo. Allí había varios hombres que llevaban algunas guitarras, entonces empezamos a hablar, ellos se iban de gira por Venezuela y, al decirle que era percusionista, me comentó que estaba interesado en introducir percusión en su música. Así que me anotó su nombre para volver a contactar: Francisco Sánchez Gómez. Y me fui. Más tarde me enteré de que Francisco era Paco, así que así conocí a Paco de Lucía, sin presentaciones. Yo había escuchado su música y claro que le conocía, pero nunca antes había visto su cara. Habrá que preguntar algún día a algún brujo, rabino o psicólogo qué significa esta casualidad. Con Camarón de la Isla pasó otra casualidad, sencillamente nos chocamos las cabezas abriendo la puerta.

Pasó el tiempo hasta que Paco echo mano del grupo Dolores, me recrimino que no le habido llamado. Le contesté que me acojonaba llamar a una eminencia. ¡Todavía me llama estúpido!”

"Me acuerdo en Rusia que Manolito Soler no podía bailar de flores que había en suelo, fueron unos años increíbles."

“Desgraciadamente la cultura no tiene el lugar que le corresponde a un país como España, que verdaderamente tiene una cultura impresionante”.

Rubem Dantas , Salvador de Bahía, 1954.

"Salvador de Bahía es uno de los epicentros mundiales de la música junto a Haití, Cuba y Nueva Orleans. He tenido la suerte de nacer en el lugar donde se fundieron Europa y África"

“Acabe siendo percusionista por mi adicción a la música popular. En la calle no había piano; había otras cosas…También tuvo el honor de conocer a mi maestro Vadinho do Gantois, con 14 años, de ahí aprendí toda la música popular de Brasil, donde está realmente la base cultural de mis país”.

Con Paco de Lucía, durante una gira por Latino América, visitan Lima en 1980. Asisten a una fiesta donde la cantautora criolla: Chabuca Granda se hace acompañar por Caitro Soto. Paco, fascinado, acabó comprándole esa misma noche el cajón con el que actuó.

Rubem sigue manteniendo relación con la familia del cajonero Afro-Perurano, fallecido hace unos años.

"Fue impresionante, aquel día cambió mi vida"

Esa noche acompañan a Chabuca, una burguesa que adoptó los ritmos negros peruanos a su repertorio:

Caitro Soto, cajón.

Álvaro Lagos, guitarra.

Eusebio Sirio "Pititi", cucharas.

Otra historia de señoritos faltos de emociones que recurren al pueblo para obtener un discurso original y nuevo. No olvidemos que el pueblo es, y ha sido, el único capaz de cambiar los tiempos. Escuchando, mirando los nombres de los músicos y recordando, uno se da cuenta que no es la primera vez que en Lima la música de dos orillas se han juntado.

Quizás otro detalle a tener en cuenta, no creo que esto lo aprendiesen de los irlandeses, ni de los ancestros de Dylan, estos debieron ser los de los negocios oscuros, "the answer is blowin´ in the banks".

Dantas hace suyo el cajón gracias a los consejos de Caitro y se presentan en Chile con el repertorio adaptado al instrumento.

“Fue como volver a la infancia, a cuando tocaba en la mesa, fue así, muy natural. Es que ya para mí el cajón no es el cajón peruano o flamenco, es el cajón de todo: de funky, de samba, de tango argentino, de rock and roll... Y eso, claro está, gracias al flamenco. El cajón hoy en día tiene la misma posibilidad que tiene la guitarra, se está sumando a muchas cosas, pero, claro tiene que venir el instrumentista que ponga las cosas en su sitio”.

Nacía el cajón flamenco, para grabar discos fundamentales del género: “La leyenda del tiempo” o “Como el agua”, de Camarón y “Solo quiero caminar”, de Paco de Lucía. También fue miembro del grupo Dolores, banda que acompañó en la plaza de toros Monumental barcelonesa “La leyenda del tiempo” de Camarón.

“El trabajo fue muy duro. No había una referencia anterior, así imagínate el miedo que pasé. Ni yo había escuchado eso antes. ¡Yo era la referencia! Estábamos creando algo nuevo y cada día era un descubrimiento. Parece muy simple, pero en aquellos discos se implantaron las reglas de lo que iba a ser el flamenco futuro.

"La gente, al principio, desconfiaba de mí. Pensaban que estaba loco por meterme en camisa de once varas sin haber tenido un espejo".

"Pero yo sólo he tratado de hacer el trabajo que tenía en mi cabeza y compartirlo con las personas con las que lo he compartido. A los artistas, principalmente, les encantaba. Pero para los detractores no es que sólo fuera el cajón es que me veían las pintas y pensaban: "¿A este tío por qué le interesa el flamenco?". Como que no les pegaba. Pero yo me decidí por el flamenco y le eché mucha paciencia. Fue mucho trabajo, pasé mucho tiempo sin dormir y tuve que acostumbrarme también a un ritmo distinto al mío, un ritmo muy loco".

"A ver, es que yo paso de la cuestión del mérito. De lo que no paso es del trabajo, y fue un trabajo enorme por mi parte, ni tampoco de la relevancia de que a Paco le gustara, que no es que le gustara, es que le encantó".

“En los 70 y 80 se crearon muchas cosas con mucho esfuerzo. Desgraciadamente la cultura no tiene el lugar que le corresponde a un país como España, que verdaderamente tiene una cultura impresionante. Es como su idioma, riquísimo. Lo que realmente estamos necesitando es alguien que cuide de ello, gente que toca ya hay mucha. El problema musical de España es un problema muy difícil. Espero que en unos años, cuando empiecen a cambiar un poco las generaciones, empiece a haber otro movimiento sobre todo para los jóvenes. No hablo de Rubem Dantas, Rubem Dantas ya se acabó. El futuro de la música está en manos de los chicos que tienen ahora entre 15 y 20 años. Lo mío ya fue. Son las instituciones las que no están aportando todo lo que deberían aportar, pero el arma más fuerte somos nosotros, los músicos. Espero que crezca la conciencia de lo que se tiene en casa, no hay falta de músicos".

"El flamenco para mí es como un tratado de física nuclear".

“Paco y Camarón eran gente simple, compuesta, primitiva y derivada. Así eran esos dos maestros. Muy buenas personas y muy cariñosos con sus amigos”.

“El flamenco hoy está estancado. Se ha quedado para los chiringuitos, mientras que fuera de España es otra cosa, y perdone que se lo diga, pero es que tengo esa experiencia. Hay una alfombra roja en el mundo entero para el flamenco y llegas a España y la gente ni lo sabe”.

Dicen que Ramón El Portugués, afirma que después de Abraham, Rubem es el que ha tenido más descendencia. Sus discípulos se encuentran a miles por todo el mundo, como bien sabe el cantaor extremeño, de su casa han salido algunos de los grandes feligreses del Cajón, los Porrina.

“Un espacio artístico reivindica la herencia flamenca de Barcelona”

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 25 Jul 2021 16:08:06 GMT

16 años antes:

Venta

Flamenco Barcelona

“ Un espacio artístico reivindica la herencia flamenca de Barcelona"

"El nuevo local, en el barrio del Raval, es tienda y sala de exposiciones”

CLARA BLANCHAR

Barcelona - 01 AGOSTO 2005

"Un fotón de Carmen Amaya bailando en el Somorrostro da la bienvenida al visitante. La imagen es toda una declaración de intenciones de la Venta Flamenco Barcelona, un espacio que acaba de abrir sus puertas en la calle del Marquès de Barberà 6, en el barrio del Raval, y que pretende ser un referente para cualquier expresión artística relacionada con este arte, además de reivindicar su herencia en la capital catalana.

Fotografía de Julio Ubiña, Arxiu Fotografic de Barcelona

" Sala de exposiciones, sede de cursos, actuaciones, actividades y también tienda de música, instrumentos, objetos, ropa o libros, la autodenominada Venta -otra pista de lo que pretende ser el local- abrió la semana pasada con la exposición de fotos Duende Caló, de Ana Palma, una fotógrafa paya que se ha especializado en plasmar la cotidianeidad de los gitanos catalanes. Son enérgicas imágenes en blanco y negro de cantaores, de bodas o bien de la vida diaria que demuestran que el flamenco sigue vivo en barrios de Barcelona como el Portal, Gràcia u Hostafrancs, así como en Sant Roc, Badalona, o en algunas zonas de Sabadell".

Foto de Ana Palma “La Camaraona” , de la exposición “Duende Calo”

"Flamenco Barcelona quiere ser un punto de referencia y de encuentro para cualquier persona interesada en el flamenco que tenga algo que expresar, tocar, cantar, vender, contar, mirar...", explica Cándido Álvarez, alma máter del proyecto e impulsor también del bar Pisa Morena, un exitoso local de sabor rumbero ubicado en la zona del Born. Álvarez asegura que la venta, en tanto que local que aglutina tantas facetas sobre el flamenco, "es inédita".

"Parece mentira, pero en Barcelona no había un espacio dedicado íntegra y exclusivamente al flamenco", reflexiona. La razón, en opinión de Álvarez, no radica en la ausencia de este arte en Barcelona -"porque hay flamenco en cualquier barrio donde haya gitanos"-, sino en el olvido en el que ha caído durante muchas décadas. Una falta de reconocimiento casi institucional, a juzgar por el impulsor de Flamenco Barcelona: "Durante la Transición se creó una Cataluña que olvidó todo lo que había detrás, tachándolo a veces de franquista, cuando la tradición flamenca de Barcelona se remonta a finales del siglo XIX. Antes de la Guerra Civil, por ejemplo, en la ciudad había un montón de locales de flamenco a los que se acercó incluso la burguesía".

No será fácil reproducir aquel ambiente, ni los jaleos que se montaban en la rebotica de las ventas, pero, para comenzar, a partir de la próxima semana habrá cante y guitarra flamenca todas las tardes, entre los martes y los sábados, a cargo de Lisardo Manzano y José Amaya, descendientes de los gitanos que poblaron las barracas del litoral barcelonés. "Ecos del Somorrostro" lo ha bautizado Cándido Álvarez".

* Este artículo apareció en la edición impresa del domingo, 31 de julio de 2005. El País.

Hablando de flamenco, sin nunca olvidar el privilegio de contar con los Primos de Sant Roc, en particular esa herencia del Somorrostro, que también se encuentra en otros barrios, pero para mí, allí, es especial, pasaron otros fenómenos del género.

Aparecieron gringos, en retiro espiritual del mundo de las elites de Microsoft, intentando aprender la guitarra. Princesas árabes o grupos de jóvenes francesas, buscando clases de baile flamenco. Turcos comprando libros, discos y demás a la Venta, junto a aficionados locales y el selecto personal del barrio, entre otros muchos.

Pero si hablamos de fenómenos, uno de los primeros en hacer acto de presencia fue un tal Antonio, que a modo de presentación artística cogió un cd expuesto para la Venta.

“Mi abuelo Agujetas y mi madre Dolores, Agujetas también”.

Si él se llamaba Antonio era Antonio Agujetas, en aquel momento Chico, pero cada vez más Grande, aunque ya lo era. El cd era de Manuel Agujetas.

Antonio Dorrey 'AGUJETAS CHICO', Jerez, 1980 : Cantaor, Guitarrista o Compositor.

Un flamenco del siglo XXI conectado con las raíces del Cante.

"Defiendo lo puro, pero también la fusión"

"El cante y el toque, es lo que he visto en mi familia, los cantes típicos de mi familia, no puedo olvidar que soy Agujetas, y por tanto los martinetes, la soleá o las seguiriyas forman parte de mi personalidad".

"Lo importante es adaptar los cantes a tu forma de ser. Pero también me he criado escuchando fusión".

"Mi madre es una gitana muy gitana, y para mí es un pilar, porque sobre todo en los cantes más puros siempre recurro a ella para que me dé consejos, aunque siempre he intentado ser yo”.

Llevaba poco tiempo por Barcelona y pronto se encargó de organizar los miércoles su personal forma de entender el flamenco, acompañándose cada día de artistas diferentes, esta vez de su paisano Manuel El Zambullo

Video de Iván Alonso Pagant

Mientras estuvo por aquí, al menos diez años, fue un habitual de Flamenco Barcelona y un maestro, en y fuera del escenario. Antonio ha vuelto a su tierra donde destaca con su Toque y su Cante, estén atentos, AGUJETAS CHICO.

Los jueves fue el día de la Rumba, y con ellos nace Papawa.

“Entonces, un día me vienen Ricardito y Sam y me dicen: “¿Este jueves te vendrías a cantar con nosotros en una sala, Flamenco Barcelona?” Una sala en la calle Unión con Ramblas que llevaba un señor fantástico, muy metido en el mundo del flamenco. Empezamos un jueves, luego seguimos otros jueves,…de repente se empezó a saber, y un día vino TV3, otro día vino Televisió de Barcelona, otro día una emisora de radio, luego venían para hacer un reportaje fotográfico para una revista. Incluso yo me preguntaba: pero, ¿todo esto porque?”, Peret Reyes .

Publicado en Efe Eme:

https://www.efeeme.com/pedro-peret-reyes-la-ultima-leyenda-de-la-rumba-catalana-busca-las-raices-con-papawa/

Porque dos eran los requisitos: acústico y segundo, y no menos importante: guitarras, palmas, y como mucho, bongo. El público no estaba acostumbrado a escuchar la rumba sin aditivos y menos desde una perspectiva flamenca, que las guitarras no suenen enchufadas – no es lo mismo- y las voces limpias, lo cual exigía y exigíamos, silencio, la gente se enganchó a los jueves de rumba.

Y, La Sexta:

y TV3

En esos días parecía que afloraban grupos jóvenes queriendo hacer música original contando con la rumba simplemente como aliño. Un mejunje de ritmos tropicales con guitarra enchufada, sin mucho fuste, algunos de los cuales pasó por la Venta.

“Aquest dissabte Gertrudis celebra el concert de fi de gira 2005-2006. El lloc escollit per fer la festa és la sala Flamenco Barcelona, un recinte que ha esdevingut dels més emblemàtics de la ciutat per la seva estreta relació amb la rumba. A la sala del carrer Marquès de Barberà, han presentat els seus treballs artistes de la talla d'Ojos de Brujo, Sabor de Gracia o Muchachito Bombo Infierno. El concert del dia 18 serà especial per diverses raons, entre elles per la capacitat d'aforament de la sala on només hi caben 80 persones. Una segona qüestió important, és que en el concert, que durarà aproximadament dues hores, Gertrudis actuarà totalment desendollat, és a dir, sense amplificadors, tampoc a les veus. Per totes aquestes raons i perquè fins l'abril no tornaran a pujar a l'escenari presentant el tercer disc d'estudi, ells mateixos defineixen el concert com a "especial i amb una formació inèdita fins ara".

Enlace artículo revista Enderrock:

https://www.enderrock.cat/noticia/1480/et-convidem-flamenco-bcn-amb-gertrudis

A Gertrudis, les costó respetar las normas de la casa; lo de acústico se les hizo demasiado complicado y mantener un pulso flamenco más.

En la Venta había otra gran foto de mi amigo Jordi Pol, en la plaza St. Jaume, de Don Antonio González Batista “ EL PESCADILLA ”, sin duda “El Incomprendido”, en él: Flamenco y Rumba eran una misma cosa, dos señas de identidad musical, vivas 16 años después.

“Uno de los actos más explosivos de toda la historia de La Semana de Poesía de Barcelona” con Nuria Martínez Vernis, Los Toleo y Carmen Amaya en Gracia.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Thu, 22 Jul 2021 20:31:53 GMT

50 anys sense Carmen Amaya
Uno de los actos más explosivos de toda la historia de

La Semana de Poesía de Barcelona

Núria Martínez-Vernis

28 de diciembre de 2012

“Los Migueles, entre la O y la A”

“La Tolea es una bailaora, ahora retirada, que vive en Barcelona, y que recogió el legado de Carmen Amaya, la autenticidad de la fuerza del dolor entre el hambre y la miseria que transformaba en fuerza, la que toma la vida cuando es bailada y cantada desde el dolor. Esta escuela –la antiescuela– es todavía viva y secundada por dos miembros extraordinarios de su familia, Miguel del Toleo, bailaor, y Miguel de la Tolea, cantaor.

En un local extraordinario y auténtico del barrio gitano de Gràcia ocurren cosas importantes cada semana. Los viernes a las 21 h en el Flamenco Barcelona (calle Progrés, 38) se hacen actuaciones del mejor flamenco de la ciudad, sin ningún enquistamiento, porque es demostrable como late, como se mueve y evoluciona para encajar de pleno en la cultura real de esta ciudad olvidadiza. “En el año 1425 llegaban los primeros gitanos en Barcelona y no se irían nunca más”, me dice Cándido, el alma mater de este amor por el arte, sentido desde cada uno de los poros de la piel.

El cantaor Miguel de la Tolea, sentado con un rictus serio –no mueve mucho más que la cabeza–, una actitud de hacer recto y limpio el sentimiento que escapa de las paredes de cualquier cerebro para después explotar dentro del cuerpo de cada cual. Toda la energía se concentra allá donde los males se hacen enormes o se disuelven, y esto se nota.

El bailaor, sobrenatural, Miguel del Toleo llena todo el espacio que contiene el aire, se hace sombra con los brazos en alto y ahoga los asistentes con un solo paso, después se te abren los ojos, se te ensancha el tacto y el parqué se comunica contigo a través de una vibración que recoge aquello ancestral para devolverlo con la forma del fin del mundo, aquel acantilado que invita a robar del arte aquello que facilite vivir.

Su mal vale por todos y esto te lo llevas a casa, seas o no neófito del sentimiento que te han endosado y que, a la vez, sacan de ti. Este poder es limpio, es artefacto de dar y regalar un motivo para mandar y amar la vida. Flamenco Barcelona es la galaxia gitana abducida por el buen hacer, por la buena música y por la vida vida”.

Publicado en El Diario.es:

https://www.eldiario.es/autores/nuria_martinez-vernis/

Por esos días Flamenco Barcelona, estaba enclavado en uno de los rincones con más arte de la ciudad, el downtown gitano de Gracia, en constante deterioro emocional y un total emprendimiento especulativo.

Rodeados de toda la florinata flamenco rumbera del barrio y su modus vivendi, teníamos vecinos que poco a poco se convirtieron en amigos. Lo mismo pasó con una vecina de la escala del costat, Nuria Martínez Vernis y con ella llegaron las rimas.

En donde vivía, años antes morada de Casasses y de Cathy Claret, entre otros notables, y por allí pasaron: los Amador, P ata Negra, y su familia catalana. Los Amador Fernández, Raimundo y Rafael, vivieron en Barcelona de pequeños, donde mantienen vínculos familiares.

La proximidad hizo que Vernis se viese en medio de ensayos, de cercanía con el flamenco, y que flamenco, el de Miguel El Toleo. Sus horas sentada en un rincón de la sala impregnándose de ráfagas flamencas, voluntariamente, y las vicisitudes en que se vio involucrada, dieron su fruto. Como lo describía uno de sus colegas, David Calzado:

“Uno de los actos más explosivos de toda la historia de La Semana de Poesía de Barcelona”

“Un parell d'hores després, però, vaig assistir a un dels actes més explosius de tota la història de la Setmana de la Poesia, l'homenatge a Carmen Amaya, que va reunir a la gitana i gracienca plaça del Raspall un quadre flamenc, la rumba i un grapat de poetes, tots plegats capitanejats per Núria Martínez Vernis i Cándido Álvarez. Des de la rumba del gran Víctor Nubla, amb un cor de nens i Jonathan a la guitarra, als fandangos del Jani, els poetes es van intercalar amb el cantaor Miguel de la Tolea, acompanyat entre altres pel guitarrista Jordi Bonell. Superb. Per acabar-ho de completar, el bailaor Miguel del Toleo va fer posar la pell de gallina i va fer vibrar una plaça on infinitat de famílies gitanes no es van perdre la festa. Èxit total”.

Publicado en El Punt Avui:

http://www.elpuntavui.cat/article/645354-genialitats-entre-els-versos.html

“50 anys sense Carmen Amaya”.

Poetas y Flamencos se juntaron para generar un dialogo entre rimas y cantes, en un escenario perfecto la Plaza del Raspall.

El motivo era homenajear los 50 años sin Carmen Amaya. El día elegido el 10 de mayo de 2013, dentro de la Semana de Poesía de Barcelona, organizada por el Ayuntamiento de Barcelona.

Poetas :

Enric Casasses

Núria Martínez Vernis

Blanca Llum Vidal

David Castillo

Victor Nubla.

Artistas Flamencos:

Miguel del Toleo, bailaor

Miguel de la Tolea, cantaor

Jordi Bonell, guitarra eléctrica

Manuel Masaedo, percusión

Eduardo Cortés, guitarra

Rumberos:

Jonatan Ximenis y el coro de niños gitanos de Gracia

“Jani”, el gran superviviente del barrio.

Video de la actuación, baila Miguel del Toleo:

Aquestes pors, que fan respecte.

Blanca Llum Vidal

Curarse con miedo

23 de mayo de 2013 00:57h

"Existe el miedo más primitivo y el que no. El miedo de caer y el miedo de hacer caer; el miedo del fuego y el miedo bestial de la bestia: que vengan las bestias a comerse las crías. Hay estos miedos, que son primeros. Miedos de principio y miedos sin nada -ni pretenciosidades ni manías-. Los miedos a pelo. Entonces hay los otros. Los miedos que acarrean diferencia, revoluciones y humana obsesión. Como los otros pero más pintados, son tan profundos, estos miedos, que infunden respeto.

Hace nada, la poeta Núria Martínez-Vernis organizó con Flamenco Barcelona -y con colaboración de La Llibertària, la librería Aldarull y la Unió del Poble Romaní- un homenaje a Carmen Amaya en la plaza del Raspall, en el barrio de Gràcia. Así tal cual, y más allá de catedrales y de semanas de la poesía, que la poesía no tiene, de semana, Núria hizo revivir una especie de arte que de tan suyo, que de tan fuerte, que de tan mucho, es un arte que asusta: el arte de Carmen. Sin hachas ni tripas, sin muñecas de plástico tumbadas en colchones podridos y manchadas de barro, sin triturar la historia con letras fascistas y con versos malos y escritos, de noche y con cloaca, el taller de los lunáticos y el taller del poder, sin carnedesgarrado ni calavera, hay por el mundo un arte que da miedo: el corazón al cuerpo de la hija de El Chino bailando al Somorrostro; aquello de «cuanto más frío, más ardiente; cuanto más lejos, más cerca, a mayor extraño, más mío, y cuanto más insoportable, más feliz» de la Tsvetáieva; lo otro de la Rodoreda, con la serpiente trepando por el brazo y con la humareda aterciopelada, de «yo acabaría encerrado en aquel árbol con la boca llena de cemento mezclado con polvo rojo y con el alma entera dentro», o la asestada de oscura de La lectura de Goya. Hay todo eso, por ejemplo, que se hermana sacando punta y que es el arte que da miedo: te turba todo, sí, del alma a los pies y de los tobillos a la costilla, y hay peligro: si se te escurre por dentro quizás estira tanto que incluso te estira a ti. Tú en tu interior, estrujado y escarbando, siendo tú mismo, multiplicado o contrario y después qué, ¿eh?"

Publicado en El Diario.es

https://www.eldiario.es/catalunya/opinions/curar-se-amb_132_5685550.html

Carmen Amaya, esa gran artista de la que hablan todos los intelectuales de su época, pero era ella era algo más. Lo que la hizo genial e inimitable, y de lo que adolecen muchos, era la calle, una visión totalmente alejada a la de los ilustrados que la acosaban, una conciencia plena que la gente no tiene todas las mismas oportunidades. Nada más evidente que el mensaje que nos llegó de un vecino suyo de la Barceloneta:

“Carmen te doy un mensaje con la esperanza que desde algún lugar puedas verlo.

Era un niño muy pequeño unos 4 o 5 años y junto a mis 3 hermanos mayores en el barrio de la Barceloneta y en el cual íbamos a la escuela de monjas de Santa Lluisa de Marillac, creo que este es el nombre si no recuerdo mal. Pues solo quería darte las GRACIAS Carmen Amaya ya que al morir por cierto bastante joven, creo que por un problema renal, dejaste gran parte de tu fortuna a este colegio para que pudieran atender a los niños con pocos recursos o ninguno. Nos daban cada mañana el desayuno, al medio día la comida y por la tarde la merienda. De esta forma ayudó a mucha gente puesto que por esa época a principio de los años 60 había mucha necesidad y no tenía casi nada para comer. También nos daban algunos regalos para reyes, navidad etc.

Por todo ello espero que Dios te haya acogido en su seno y te doy un fuerte abrazo.

Espero poderte ver algún día allí arriba o donde sea. Te quiero mucho Carmen. Tu admirador.

Juanito”

Otra forma de entender la POESIA.

Diego Carrasco: ADN FLAMENCO

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 17 Jul 2021 11:46:38 GMT

Diego Carrasco

el compás del corazón.

CANT - A ut - OR

“Si entre tú y yo existe la Química, combinémonos“

Jerez de la Frontera, 1954, prototipo barrio Santiago , flamenco a tiempo completo.

“Cuando uno está dentro de la música mucha gente tiene un sobrenombre pero Diego Carrasco es el que estáis viendo, el que os canta y el que lleva 50 años en la música. El humilde, el desenfadado y el amigo.

Mucha ilusión, muchas ganas de jugármela. Estamos hablando de un tiempo en el que yo tenía como doce años, era un crío, pero en lugar de jugar al fútbol me ponía a tocar la guitarra, a hacer compás, a cantar con mis primos.

Lo primero que hizo mi padre fue llevarme a una juerga flamenca. Se podían pegar tres o cuatro días a base de vino y de lo que hubiera para comer, aguantando sin nada más. No hay mejor escuela que esa. El flamenco era entonces cosa de familias. Que si mi abuelo cantaba la soleá así, que si la seguiriya de mi tío es de esta manera. Hasta que vinieron los grandes genios, los verdaderos estudiosos, y abrieron el arca.

He tenido la suerte de ser de un barrio muy emblemático de Jerez, muy flamenco, de allí fíjate la cantidad de artistas que han salido. Hombre, quién no se siente orgulloso de donde ha nacido, más en un lugar como ése, pero igual si lo hubiera hecho en San Miguel o en cualquier otro sitio. He salido de una familia muy flamenca, del vientre de mi madre que era Fernández pura y me siento muy orgulloso.

Por parte de padre vengo de los Jeros y de los Peña de Lebrija. De pequeñitos estábamos juntos y aprendimos con Pedro Peña. Él fue muy importante para mí. Y el hecho de ser familia de uno hace que uno se lo tome mucho más en serio. Va más allá del simple conocimiento. Pero más duro que él fue el maestro Rafael del Águila, lo más de lo más. Leía pentagrama, era un verdadero maestro para todos los flamencos de mi generación.

Empecé muy joven. Tuve el honor de tocar en la primera fiesta de la bulería de Jerez en el año 1967. Ese año toqué también en la primera “Caracolá” de Lebrija nada menos que a Tío Gregorio «El Borrico». Empecé como guitarrista, acompañante. Para el cante y el baile. Pero bueno, mis inquietudes me hacían componer, musicar poemas… pero esencialmente era guitarrista”.

“Soniquete, es una palabra muy compleja, es el compás del reloj de tu corazón. Sí Dios te ha dado un compás lo tienes que desarrollar, lo tienes que disfrutar y sentirte orgulloso de saberlo apreciar, de ver quién lo tiene, quién lo regala, quién lo muestra. Si ves a Matilde Coral cómo se levanta, cómo se muestra, con ese pellizco, y eso tú lo disfrutas es que tienes soniquete.

Fíjate que el flamenco te quita todas las penas, te da alegría, si pudieran ponerlo en muchos sitios la gente se sentiría mucho mejor, es la música más sencilla, más sana.

El flamenco es rico por los cuatro costados, es rico de una manera especial y aglutina a gente de muchas sensibilidades, sin obligar a nadie. Si a ti te gusta Lole y Manuel o Camarón, con el tiempo vas escuchando progresivamente hasta que llega un momento en el que te gusta «Mojama» o Manuel Torre. Eso te lleva a la pureza, y eso es lo que hace falta. Habría que hacer eso, llegar a la serenidad y a la pureza”.

“Cincuenta años y aún me despierto con ganas de todo. He intentado convertir mis errores en aciertos en estos años y siempre con la mente positiva. El flamenco está vivo y por eso hay que estar atentos cada día a lo que ocurre.

Yo aprendo de los jóvenes, son los que están al día.

Creo que he bebido sobre todo de las mejores fuentes de cada época y he ido con los tiempos, por eso tengo mi personalidad. Ahora estamos en otro momento, ya no estamos escardando en el campo... para pedir un préstamo hay que formar una que ni te cuento y a eso hay que cantarle también. Siempre respeto la ortodoxia, que es lo más importante para mí.

El flamenco está en muy buenas manos. La gente que empieza ahora tiene un formato diferente al que teníamos nosotros. Ahora tienen un abanico de espejos, de posibilidades de aprender… tremendas. Nosotros adquiríamos el conocimiento en familia, un poco por regalo, legado, herencia. Son maneras diferentes de ser flamencos, pero el que es bueno tiene que serlo como sea.

En aquellas casas gitanas en las que solo había guitarras, de pronto entraron las eléctricas, las baterías y los bajos, y los jóvenes, como es normal, reaccionaron a eso. Ahí me di cuenta de la enorme fuerza del flamenco. Tiene unas raíces tan profundas y tan fuertes que ya pueden venir todos los vendavales que vengan, todos los tsunamis, que nada puede con él”.

“Yo he sido el más golfo del mundo, aunque he tenido la suerte de haber estado ahí, pero claro que hay que estudiar.

Para triunfar, hay que ser muy disciplinado, tener la cabeza en tu sitio. Y yo bastante tengo con tocar y componer, levantarme temprano y tomarme la pastilla. A mí, si me quitan de mis fiestas, de mi gente, me quitan mi esencia.

Flamencos hay muchos, pero cante gitano, muy poco. Con el tiempo aprenderé a cantar, ya lo verás”.

“Quiero decirte que nunca me sentí cantaor, ni lo soy. Soy un cantautor gitano”.

Química:

Pepe Habichuela: “Yerbagüena”

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 11 Jul 2021 19:39:07 GMT

Pepe Habichuela

“Yerbagüena”

“ Su guitarra suena a un árbol llorando”, Don Cherry

“Yo soy un antiguo moderno”

“Pepe viene de una tradición tan sólida que para mí es como tocar con un padre del blues como Robert Johnson, y no quería arrastrarle a otro terreno. Desde el principio quise poner mi experiencia al servicio del flamenco”. Dave Holland

"A los puristas no hay que hacerles mucho caso, hay que hacer cosas que despierten, cosas enriquecedoras, y el flamenco no es una excepción"

José Antonio Carmona Carmona, Pepe Habichuela : Granada, octubre de 1944. Unos de los últimos perpetuadores del toque flamenco, aportándole modernidad a la raíz de la guitarra.

“Se han ido ya todos los monstruos y estoy representando yo ahora mismo, dentro de mi manera de ser, lo que tengo para transmitírselo a la juventud y a los cantaores jóvenes. Porque hay que intentar darles gloria, ayudarlos. Y yo soy el más indicado para eso por mi edad y por mi tiempo en el mundo de la música. Por eso los chavales me aprecian y quieren actuar conmigo. Y eso para mí, como digo yo, es no morir nunca. Lo único malo es que cada vez me pesa más la guitarra cuando camino”.

“Yo toco la guitarra con todos los defectos del mundo. No he sido estudioso como los jóvenes ahora, sino de otra manera, de otra historia. Yo me he puesto a tocar y he tocado lo que me ha salido”.

“Son las pulsaciones. Pero esto depende del momento en el que te encuentres. De que estés feliz. Porque cuando agarras la guitarra así, tranquilito, que vas buscando cosas… Entonces es cuando se agrandan el corazón y el alma».

“El rasgueado de los Habichuela formó una revolución en los años sesenta. Paco de Lucía iba a ver a mi hermano Juan y se quedaba asustado con sus rasgueados. O Juan Santiago Maya, Marote, que también tenía ese sonido y hacía unos rasgueados con una velocidad increíble. Entonces, en aquella época, no existía eso, no había esa furia en los rasgueos, que pusimos nosotros, porque veníamos del Sacromonte, del laúd y de la bandurria, y de sitios con mucho ambiente y ruido en los que no te podías sentar y estar tranquilito y había que apretar”.

“Yo recuerdo una guitarra que me dejó mi padre, que estaba toda llena de rajas pero sonaba. Y que le metí un acorde, el mi, y dije: «Dios mío, ¡qué tengo en las manos!». Luego fui a poner el siguiente acorde, pero me quedé más tumbado. Así que regresé al mi natural, que era una belleza”.

“Yo estaba taraceando, como digo yo, y mis hermanos, Juan, Luis, Concha y Dolores, ya estaban en el Sacromonte. Todos menos yo y mi hermano más pequeño. Hasta que un día me mosqueé cuando estaba en el taller de taracea, me corté un dedo con el formón y dije: «Papa, quiero que me compres una guitarra»”.

“Mi padre compró una diligencia, como en las películas, y un mulo, y la llenábamos de sartenes, platos, ropa… Íbamos desde Granada a Lanjarón caminando. Y ahí, que en esa época ya había turismo, parábamos en la terraza de los hoteles, tocábamos y bailábamos y luego pasábamos el sombrero”.

“En el Sacromonte estaban las cuevas, que las había de diferentes categorías, como todo en la vida. Yo pasaba por una que se llamaba Manolo Amaya que era donde estaban las figuras, pero iba con el estuche rasgado y roto y me daba mucha vergüenza. Así que me iba a la droguería, compraba pintura y lo pintaba de verde. Y a los diez días lo pintaba de blanco. Así hasta que ya no aguantaba más y le pedí a mi padre que me comprara otro. Y ya me compró uno de plástico”.

“Yo vine gozando a Madrid. Todo lo que había en Madrid yo lo había oído de pequeño en los discos de Manolo Caracol, de Pepe Marchena, del Niño de los Peines… Yo era un niño pequeño y ellos eran adultos y sabían más que la madre que los parió. Pero estuve ahí a su lado callado y con las orejas abiertas y aprendiendo”.

“Yo no tenía ni puta idea de la política. Ni la tengo. La política mía es tomarme unas aceitunas, un vaso de vino y conversar”.

“Hay jóvenes muy buenos que ahora se preocupan más por aprender antiguo y echar la vista atrás. Y a mí eso me da alegría. Además, he estado hace poco actuando en El Cairo y en Omán y ves que la gente se vuelve loca escuchando flamenco por todo el mundo. Aunque también hay muchos equívocos, mucha gente que se mete por medio y que no son buenos… Pero el flamenco de verdad está ahí. Se podía haber igualado la música flamenca con otras, porque es junto al jazz una de las más importantes que existen. Pero aquí, no hace mucho tiempo, se ponían en los bares carteles de «prohibido el cante». Así somos… Los españoles somos buena gente, hacemos la tortilla de papa muy bien, nos gustan mucho las almendras [el dinero] y todo el mundo va de aquí para allá. Así está la vida”.

“Nuestro país es una maravilla, lo mejor del mundo, yo no me quejo, pero no hacen caso a lo que tenemos”.

“Mario ( Pacheco, Nuevos Medios ) llegó a mí porque me vio en muchos conciertos. Se fijó en mí y me dijo que quería hacerme un disco. Yo le dije que me daba mucho miedo, porque estaban Paco de Lucía y Manolo Sanlúcar, que eran los dos de aquella época. Pero me insistió. Me preparé y grabé el disco A Mandeli. Y después me enteré de que se había vendido en todo el mundo. Eso fue muy bueno también para mi nombre. Aquel era un disco en directo, que eso no se suele hacer hoy día.

Yo fui el primero del flamenco, sí, el padrino. Pero Mario fue el hombre que introdujo aquella música. Si no hubiera estado él, no lo hubiera hecho nadie. Se arriesgó por lo que le gustaba. Era muy listo. Muy sencillo, muy educado, con mucho temple. Sabía cuidar a las personas. Y eso, quieras que no, te da un estímulo”.

Con Mario Pacheco, entre Barcelona, Madrid y Bangalore, graba su tercer disco: “Yerbagüena” y la Bollywood Strings, India y el Flamenco de la mano.

“Chandrú, un violinista, compositor y director de orquesta indio, me escuchó tocar en Holanda y en Bélgica durante las navidades de 2000. Le fascinó mi música y me invitó a participar en un concierto en Londres. Yo de inglés sólo sé decir any way, pero Mario Pacheco nos hizo de intérprete. Ya en Londres, Chandrú se acercó a mí para hablar de cosas importantes y le propuse colaborar en mi disco. Se quedó encantado”.

'Toca con corazón, tiene una intuición bárbara de la música, es una bellísima persona y, además, con ese bigote, negro como la endrina, parece primo mío, un gitano de Graná'.

'Todo ha fluido muy natural, pero nada ha sido improvisado. La primera vez que toqué con Chandrú en Londres me pasé tres días ensayando: de nueve a dos y de cinco a nueve. Los flamencos de hoy ya no somos como antes'.

'El primer tema que mandé a Bangalore fue Al aire, una bulería de mi primer disco. Chandrú le metió la orquesta y me lo envió. Así surgió Bangalore Krishna'.

'La música india es distinta al flamenco, pero cuando la oigo encuentro ráfagas que me hacen decir 'Olé', aunque no la entienda'.

'El disco ha quedado ahí para toda la vida y nosotros hemos salido vivos de milagro'

“No es porque sea mi hijo, pero Josemi es un pedazo de músico y conoce todo lo mío desde que tenía babero. Produjo también “Habichuela en rama”, y si no figura en el primero es porque entonces estaba todavía con las natillas. Suya fue la idea de iniciar y finalizar el disco con un mismo tema, Yerbagüena, pero en versión Oriente (con arreglos de Chandrú) y en versión Occidente (con arreglos de Pepe Habichuela y Josemi Carmona)”.

“Los músicos indios son muy buena gente, cumplidores y aún más regateadores que los gitanos”.

Mario Pacheco, que escucha al guitarrista, replica rápido:

“Pero piden menos”.

“Bueno”, -con guasa-, “ellos no gastan en tenedores y cucharas porque comen con las manos, y además comen menos”.

Guadiana, canta en la siguiriya grabada en directo en el Grec de Barcelona. Yerbagüena.

“Macama Jonda”, José Heredia Maya.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 04 Jul 2021 11:33:14 GMT

“ Macama Jonda ” , José Heredia Maya .

" Por primera vez en quinientos años se lía a unir lo que ya estaba unido, y que sea para siempre y sirva de reclamo para todos".

Macama , palabra árabe que significa encuentro, reunión.

Jonda , palabra flamenca que significa verdad, alma.

"Un hombre tiene su hermano
en otro hombre que tiene igual de limpias las manos".

Una obra teatral empapada de música andalusí, en torno al enamoramiento y boda de un andaluz y una chica de Tetuán, un cristiano y una musulmana, Granada y lo Árabe.

“Aunque sea reciente mi carné
Yo nací hace milenios”

José Heredia Maya se convierte en precursor de la fusión arábigo-flamenca que tras cinco siglos sigue latiendo con compases paralelos.

“La cultura está siempre en constante evolución. Es o no es según vayan haciendo de ella sus artífices. Es cambiante porque debe responder a los tiempos cambiantes, porque es un instrumento de vida, no un objeto a venerar en la vitrina de un museo. La cultura se vive, y por tanto se malea, se moldea, se trastea, se utiliza según se vive para coadyuvar a la vida misma. La cultura es un cómplice, no un juez, una muleta, no una norma, un territorio geográfico por el que transitar, no un camino con flechas indicado. Que se hace camino al andar resulta expresión atinada especialmente para el tránsito de los hombres por la cultura.”

“Parte de mi empeño literario, una parte, no todo, ha sido contribuir, modestamente, a que entre los gitanos, o al menos en este gitano que les habla, se produzca este diálogo entre la cultura oral y la cultura libresca, la alta cultura. ¿Por qué? Porque ese es el camino ineludible por el que tiene que pasar la cultura gitana para seguir siendo un instrumento de vida, adaptado y eficaz para el desarrollo de los gitanos y su relación con el mundo. En este mundo complejo, sin el dominio de la letra no podremos llegar a ser, conscientemente, dueños de nuestro destino.”

“Cuando Ulises y Sancho no existían.

Cuando la Tierra era una estrella

Y no un soporte

De mendigos de muertos

De famélicas madres de animales terribles

Y no un soporte digo

De negros de amarillos y de blancos

Y dentro de los blancos

Moros indios y gitanos entre otros”.

“Nacer en el seno de una familia gitana, en España, en el sur, hoy día, es un problema, es una tragedia. Nací de este modo en 1947 en un pueblecito de la provincia de Granada.

Me llamo José Heredia Maya” : poeta , activista social , letrista , dramaturgo , ensayista y gitano.

Nació en Albuñuelas, un pueblo entre naranjos y pinos, el más alto del Valle de Lecrín, al sur de Granada. Hijo de José, un tratante de telas, conocido como el “gitano señorito”, honrado y elegante. Su madre, Cándida, bondad, herencia de una familia cuyos miembros eran considerados en el pueblo por su compasión con los necesitados en aquellos años del hambre.

Despunta en los estudios desde pequeño, a la vez que se le aparece una compañera de toda su vida, la literatura. Poemas y escritos empiezan a llenar sus cuadernos.

Estudia Magisterio, se licencia en Filología Románica por la Universidad de Granada, en la que permaneció como docente. Es el primer profesor gitano de la Universidad Española y Flamenco, con la clara intención política y estética de recuperarlo como lenguaje expresivo del pueblo y como medio de lucha social opuesto a la instrumentalización del mismo. En 1973, en la Universidad Granada, creó el Seminario de Estudios Flamencos, un paso decisivo en la lucha por dignificar esa forma de expresión.

“¿Que un gitano beato?

¡No puede ser!

¿En la iglesia Catedral?

¡Qué va! ¡Qué va!

¿Los otros santos

protestarán?

¡Que no, que no!

¡Qué va! ¡Qué va!

Jesús, Dios mío,

¡tanta igualdad!”

Tomó partido desde joven en la reivindicación de los derechos de los gitanos, convirtiéndose de nuevo en pionero, ahora en la lucha social.

“Pero ya no aguanto

que no aguanto más

porque hasta las fieras del monte luchan

por su libertad”

Fue Flamenco hasta la médula, la búsqueda de la dignidad, siempre la dignidad, como guía en el camino, se convirtió así en su fuerza vital.

"Cuando uno se siente en las profundidades, el mapa se queda pequeño. Se pasa no sólo por Europa, no sólo por tu pueblo o tu ciudad, sino por todas partes. Se sufre por la gente que muere a manos de racistas o de asesinos. Quise contribuir modestamente a desmontar la violencia. También descubrí algo asombroso: la capacidad autónoma del cerebro para conseguir el máximo de afinación emotiva, verbal, con temple, con toreo".

"La mirada limpia no es la mirada de la inteligencia, pero sí es eminentemente inteligente. Tiene que ver más con el don de mirar viendo al otro sin prejuicios".

"Toda lectura literaria debe ir acompañada de procedimientos de neutralización de los “malos virus”. Creo que uno de los grandes peligros que he desvelado es que a través de la literatura –como uno de los elementos de prosapia social– se transmiten prejuicios y racismo de una manera profunda y sutil, difícil de detectar, para hacer patente el lado desde donde el lector de hoy, multilingüe y multicultural, mira y siente” .

"Pertenecer voluntariamente, no por derecho de origen sólo, a una colectividad identitaria debe compatibilizarse con el placer de volar sobre ella, probablemente no para comulgar con la humanidad en abstracto, pero sí para poder desembocar en la plaza donde lo normal es respetarse".

“La cultura minoritaria gitana que en 1999 cumple quinientos años de persecución de su lengua, puede intuir y desarrollar una literatura propia, en el mismo sentido en que hablo de literatura hispanoamericana, en la medida en que se sepa hacer valer el hecho de que lo gitano también es integrante de lo español, al que enriquece. Nosotros sabemos además que lo importante en literatura no son los temas, sino la manera de tratarlos”.

"El flamenco es una comunicación basada en el conocimiento de unas realidades sociales y culturales específicas, que son andaluzas y gitanas. El pueblo andaluz y gitano ha sido, como todos sabemos, un pueblo marginado y explotado"

"Nada está quieto en los ríos de la vida, ni en aquellos ríos de pie quebrado manriqueños, por lo que, durante la larga etapa de formación personal he sufrido los rigores de la Dictadura, en la que se practicaba la censura de la palabra, principalmente escrita; he gozado la intensidad de la Transición cantando en Macama Jonda, no sólo la libertad alcanzada, sino el hermanamiento de gentes, culturas y pueblos; y voy como puedo en este inicio de siglo y de milenio. No he parado de estudiar, de hacer teatro, poesía, y creo tener la voz templada para intentar reflexionar a partir de mi experiencia de lector empedernido"

“Con Macama Jonda quiero insistir en la necesidad del encuentro y del abrazo fraternal entre todos los hombres. Sobre el escenario veremos cómo la música andalusí, la que se cantaba en la Alhambra antes del siglo XVI, confraterniza con el flamenco actual. Quiere mostrar, incitar al público, a la convivencia.”

Enrique Morente, uno de los protagonistas de la obra:

“Ha sido un gran gestor, y ha sido un gran productor, en el sentido profundo de la palabra. Porque crear en momentos difíciles un espectáculo como el de Camelamos Naquerar o Macama Jonda y otros eventos es muy difícil; hay que tener agallas y hay que tener coraje y hay que tener inteligencia…; y eso, crearlo y producirlo y que tenga éxito, es de agradecérselo y de elogiárselo”

Fotografías del y en el Teatre Romea.

MACAMA JONDA, se presentó en el Teatre Romea barcelonés, con 16 funciones, en septiembre de 1983 dentro de una extensa gira por los principales teatros nacionales, tras la premier pertinente en Granada.

Autor/Director: José Heredia Maya

Dirección musical: Abdessadaq Chekara.

Cantaores: Antonia “La Negra”, Enrique Morente, Luís Heredia “El Polaco”, Jaime Heredia “El Parrón”.

Baile: Manolete, Mariquilla, Juan Montoya, María Velasco.

Músicos: “El Niño Jero”, Paco Cortés, David Nel-lo, Abdessadaq Chekara, Ahmed Chentuf, Amin Akrami, Abdullah Chekara,Ahmed Gasi, Abdelaziz Harrak, Mohamed J-Luf.

José Heredia Maya murió en17 de enero de 2010, entre cariño y admiración. Unos años antes, ante la muerte de un genial bailaor dijo, lo puede ser extensivo al mundo flamenco y a su obra:

"Que Mario Maya haya fallecido y el mundo no se haya detenido ni un momento me tiene presa del asombro y la perplejidad. Este país ha contraído una gran deuda de imagen y prestigio con sus artistas gitanos, venerados en el extranjero, largamente ignorados en España. El legado cultural que nos deja Mario Maya ya sólo lo podremos honrar con nuestra admirada gratitud y afligida memoria"

Rancapino: “Nací con el cante flamenco. Y ahí estoy”.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Thu, 01 Jul 2021 22:03:09 GMT

Rancapino

“Nací con el cante flamenco. Y ahí estoy ”

“ Yo nunca he dejado de ser flamenco, porque va conmigo, lo llevo dentro. El flamenco es mi vida”.

“Oye gitana

Vente conmigo

Voy pa Chiclana”

Rancapino , es uno de los cantaores con más historia viva del Cante, en particular los de su tierra, el litoral gaditano.

La Sal de la Bahía.

“De chiquitillo yo siempre estaba corriendo en cueros y un gitano al que le llaman ‘El Mono’ siempre me decía, ¿Dónde vas que pareces un pino quemao?”.

" El flamenco es un sentimiento que te rompe cuando estás a gusto en familia, en un bautizo, en un casamiento, y también cuando estás “jerío”. El flamenco es también la alegría por un familiar que hace romper en cante. Es la expresión de los sentimientos.

El aire de las palmas, el sonido de la guitarra, el murmullo que lo jalea. El flamenco te emociona porque es verdad. El flamenco hace irracionalmente llorar a muchas personas que no son flamencos. El flamenco es sentirse.

El flamenco tiene que nacer con él. Se aprenden los estilos, las letras. Se aprende la segurilla, la soleá, la alegría, la bulería, el tango. Pero nacer se tiene que nacer con el cante (asiente con un toque de nudillos en la mesa a compás).

El cante es el cante, se nace con él o no se nace… y eso no se puede remediar. Que unos lo hagan con la voz más bonita o más ronca, es lo de menos.

¡Doler, sí! ¡Pero con faltas de ortografía!

Los fracasos. Me han hecho meterme más en la verdad, me han hecho reflexionar, reconocer… El flamenco siempre se ha relacionado con la noche, las copas, como con una nebulosa inconcreta… ¿Cómo en ese escenario tan incierto se coge el carril de la verdad? Los fracasos nacidos de la mentira y los engaños van a uno acercando a la verdad, porque nos dan un baño de realidad, nos hacen pensar.".

"Camarón fue un genio en el mundo del flamenco. Un muy listo. Se le quedaba todo en el oído. Escuchaba a alguien y lo hacía mejor que el que lo había cantado antes (risas). Siempre hemos estado juntos. Toda la vida. Íbamos siempre a la Venta de Vargas estaba El Chato La Isla, un cantaor muy bueno, muy bueno. El mejor cantaor que ha tenido la provincia de Cádiz. El mejor, sin duda alguna. Cantaba con un máximo gusto que te dolía.

Camarón y yo siempre andábamos juntos. Hasta lo casé con la Chispa. Me iba a la Línea porque me gustaba una hermana de la Chispa. Me quería toda su familia menos ella. Ya que no me casé yo, casé a Camarón".

‘Paco, ¿y cuándo me vas a hacer un disco tú a mí?”. ‘‘¿Tú? ¡Tú vas a grabar en un queso!”

"Tuve la suerte de estar con mi mujer que en paz descanse, mi Juana. Me dio lo más bonito del mundo que son mis siete hijos. Mi Juana me dio el mayor cariño que he conocido en mi vida. Ella miraba mucho por mí. Dios me la quitó porque la quiso para Él y con Él no hay quien pueda.

No, mi hijo nació con el cante. Le queda mucho que recorrer. Las canas no son gratis. Es un cantaor que lo admiran los cantaores. Que conste que a los cantaores los hacen grandes los mismos cantaores. Los mismos artistas hacen artista a los artistas. Así es. Es un cantaor de nacimiento que no ha aprendido de nadie. Ya con tres años cantaba ".

Ayer mismo vino una japonesita a Chiclana a estar conmigo. Y se puso a cantar. Y yo decía: ‘‘¿Cómo puede ser?”, ¡que cantaba por soleá!"

¿Y es lo mismo?

"¡Cómo va a ser igual! ¡Eso nunca!"

"Hay que tener valor, porque yo tampoco soy Robert Redford".

Chano Lobato, otro grande de la bahía, le decía que era:

“El Robert Redford de África”.

Gualberto, el Sitar Flamenco

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 30 Jun 2021 22:08:50 GMT

Gualberto :

el Sitar Flamenco

“No he notado nunca que se piense que es una extravagancia, porque no lo es. Cuando ven el sitar físicamente sí, pueden creer que lo es, pero yo siempre digo: “¿Quién me ha llamado a mí para grabar con él?”. El Agujetas de Jerez.

¿Crees que el Agujetas va a llamar a alguien que sea extravagante? Camarón, El Lebrijano, Lole y Manuel, Paco Taranto. Me han llamado ellos, yo no he llamado a nadie. He recibido siempre gloria bendita, y no he tenido nunca problemas.

Por ejemplo, yo he estado tocando con El Chocolate. El cantando por soleás y yo con la guitarra metiéndole cosas de Jimi Hendrix, lo que me daba la gana, y él ni se coscaba. Me decía: «Dale ahí» [risas]. Pero un día vino El Chocolate a vernos. Yo estaba con Camarón y Ricardo Pachón en el estudio que tiene él en Umbrete. Y estaba el sitar en el suelo. El Chocolate lo vio y le dijo a Camarón: «José, tú no debieras hacer estas cosas, tío. Porque tú eres un peaso de cantaor, y no te tienes que vender haciendo cosas raras. ¿Eso qué es?». Y José me dijo: «Tócale eso que a mí me gusta». Se lo toqué y El Chocolate se quedó a cuadros. Nos dijo: « ¡Eso está hablando!» [ risas]. Y ya empezó a cantarme cosas para que yo le acompañara con el sitar.

Recuerdo que una vez El Chocolate me cantó un taranto por el puente de Triana. ¡Qué cosa más increíble! Y con el último aliento, a punto de dar el toque final, se para el tío en seco y se ríe. Yo me quedé cortado, porque me estaba emocionando una barbaridad y va y me dice: «En esta parte me aplaude todo el mundo siempre» [risas]."

"Cuando la gente ve el sitar siente prejuicios, pero el flamenco viene de ahí, de imitar la voz. Todas las culturas, como la hindú, vienen de una cultura oral. ¿Cómo se aprenden los budistas o los musulmanes las sagradas escrituras? Pues con un tío repitiéndolas y repitiéndolas. El flamenco es una queja, siempre. Pasamos el dolor y lo miramos de frente. Y es individual. Queremos decir algo que nos está pasando. Ahí no somos como los hindúes, que quieren conectarse con el cosmos con su música. Somos diferentes. Pero ¿cómo hacen esto los hindúes? El gurú le canta con la voz, porque todo viene de la religión. Los ragas de la música clásica india tienen un modo que es igual que una escala.

El sitar tiene algo para imitar la voz que no tiene la guitarra. Por eso lo he utilizado en el flamenco, intuitivamente. Porque a mí el flamenco no me lo ha enseñado nadie. Yo he cantado lo que he escuchado de chico y lo que me cantaba mi madre. Lo que me cantaba Camarón cuando venía a mi casa, que yo le decía: «Repítemelo». Y si se acordaba, lo hacía y si no, algo parecido. He ensayado con todos, los escucho y después mezclo un trozo de José de la Tomasa, lo que yo siento, con un trozo de Camarón, con uno de Mairena. ¿Por qué? Porque ellos pueden cambiar la letra y seguir con la misma música, y yo, cuando toco una soleá, tiene que ser diferente en la música, tiene que tener más riqueza. Entonces lo que hago es aprenderme el ritmo y luego improvisar, con una mezcla de blues, de rock, de flamenco y de clásico. Podéis pensar que es anárquico, pero lo hacen todos los músicos. Mozart en medio de una sinfonía podía meter una canción popular.

Al final es igual que un raga, que tiene una melodía base que luego se desarrolla. Para desarrollarla, sea flamenco o no, debes tener un conocimiento, hay que estudiarlo, que es lo que he hecho yo. El instinto es básico, pero no es lo único. El sonido no vale, hay que manipular el sonido con los dedos. Pero tampoco vale, hay que tener una idea interior y expresarla. Puede ser una idea de amor, de un paisaje, de un sentimiento, porque la música, como os decía antes, está expresando cosas que no vemos.

Cuando me dan la música demasiado hecha, no me gusta. Me gusta la música que se expresa ella sola, y que por sí sola tenga tal ambigüedad que si tú eres sensible puedas incluso captar lo que el compositor quería decir. Después de la novena de Beethoven hemos aprendido que no hace falta una letra para expresar un sentimiento. Así que a mí los flamencos me han acogido bien, siempre.

A Camarón le gustó mucho el disco que le hice a Remedios Amaya con la guitarra eléctrica. Él ya me conocía a mí de Smash, era muy amigo de Manuel y había venido a mi casa muchas veces. Se ponía a tocar la guitarra y yo el sitar… De hecho, él incluso se compró un sitar, que yo le afiné y le enseñé a tocarlo un poco.

Cuando llegué, llevaban ya un mes y medio grabando el disco, pero esa canción la hicimos Camarón y yo del tirón. Prácticamente la improvisamos: él siempre me dejaba empezar, que yo tocara un poco el sitar, tocaba la misma frase siempre [tararea], y entonces ya entraba él, y cuando yo veía que hacía una frase definitiva, entraba yo otra vez. Y así lo hicimos, que es lo mismo que hice con la Reme. Cuando acabamos nos dijeron que había que grabarla otra vez, porque había una cosa técnica que había fallado. Y Camarón dijo: «Esto no lo toques, se queda así ya». A él le gustó y así se quedó. Eso sale en el documental que se hizo sobre La leyenda del tiempo. Manuel decía que lo único que le gustaba a Camarón del disco era lo mío, porque era la única parte en la que él pudo hacer lo que le dio la gana. A él no le gustaba cantar con un micro de pie, por ejemplo, y todas esas cosas. Después, como se vendió bien, ya se reconcilió un poco con el disco”.

Extraido entrevista en Jotdown “ Gualberto García: «Los rockeros me ven como un flamenco y los flamencos como un rockero» ”

“Par mí fue una cosa casi mágica digamos porque yo acababa de llegar de EE. UU. Y allí escuchaba yo mucho un disco que tenía de El Agujeta que grabó con Manolo Sanlúcar, el disco me encantaba, cantes por seguiriyas, por soleá, me parecía una persona increíble. Un día me llaman por teléfono y era Manuel Agujeta y me dijo que quería hacer un disco conmigo y claro yo me quedé, le dije, yo encantado, ahora mismo, era mi cantaor preferido en aquella época. Yo venía con el disco de él en el coco, de escucharlo miles de veces y nada ni ensayamos ni nada. A los dos o tres días me vine para Madrid, bueno vamos a ver un poquito Manuel lo que hacemos ¿Qué vamos a hacer? Tú toca y yo canto, somos dos figuras, a nosotros no nos hace falta ni ensayar. Pero hombre vamos a ver. Que no, yo te he visto tocar y no veas. A mí me encanta. Entonces cogimos tocamos y no repetimos nada, es el único disco que no se repitió absolutamente nada, fue del tirón”.

Curro del Realejo, Triste y Azul, Radio Vallekas

"Agujetas decía que lo que él cantaba se quedaba para siempre, que no repetía nada.

Yo no introduje nada, lo que hice fue tocar en vez de con una guitarra, con un sitar, pero eso fue lo fundamental en el disco". Un disco de cantes puros con la voz antigua y gitana, jerezana, de Agujetas –a resaltar sus dos estremecedoras seguiriyas-, bordada por el dulce temblor oriental que impregna el sitar, punzante y vibrador ofreciendo otra profundidad. Otra dimensión" .

Gualberto "Historia del rock sevillano".

Camarón en New York

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 29 Jun 2021 08:26:18 GMT

Camarón

en New York

¡Estos americanos están locos, Tomate no mires parriba que yo me he mareao!

Alojados en el Hotel Marriot en Times Square, en pleno Manhattan para ser más explícitos, y en una planta intermedia, la 28. Uno de esos inmensos establecimientos con actividad frenética y patio interior, por donde ascensores acristalados suben y bajan constantemente. Cada vez que Camarón subía o bajaba, se le cambiaba el color. Para nada conectó con Nueva York, una ciudad que si algo tiene es que es poco humana, y lo humano está bien escondido, él ya no estaba para muchas aventuras.

Camarón decía de Nueva York que era una "Fabrica de locos”

Tomatito, en cambio, recuerda el magnetismo que desprendía ese hombre.

“Nos encontrábamos de paseo por la Quinta Avenida, Camarón llevaba un abrigo de piel y unas gafas oscuras; la melena rizada muy peiná, y un pañuelo al cuello; desde luego en NUEVA YORK, en la Quinta Avenida yo pensaba que ya lo habían visto todo, sin embargo Camarón no pasó desapercibido y los vecinos de la gran metrópoli, lo miraban como diciendo ¿Quién es?”

Para distraer al artista que no quería salir de la habitación, visto lo visto, le comentan si quería conceder una entrevista a Diego Manrique, asistente al evento:

“Camarón me preguntó por el público del Palladium; seguramente acudiría personal vestido de modo informal, le informé. Decidió, en compañía de Tomatito, que ellos no irían “de hippies”: se presentaron impecables, con traje cruzado y corbata”

Así se aparecieron el sábado 14 de julio, del año 1990, en la Discoteca Palladium con capacidad para unas 5000 personas, con todo vendido y una expectación total.

Spain where new music lives

Eran los cabezas de cartel en la “Spanish Night”, dentro del New Music Seminar, una feria musical, con productores, managers, ejecutivos discográficos y periodistas, con tremendo prestigio. Un gran evento que reunía, alrededor de 400 propuestas musicales de todo el mundo, todo dentro de una campaña de internacionalización del artista.

Sus únicas palabras a modo hablado, fueron:

"Soy hombre de pocas palabras pero tengo que decir que estoy contento de estar aquí".

Después, como describe magistralmente la crítica americana, se puso al público en el bolsillo, y, sólo guitarra y cante.

“ At the Palladium, 3 groups from Spain” , titular del New York Times.

“La música, sin repetir melodías, está centrada en el virtuosismo y la emoción –en nada se parece a la simplicidad del pop- y los dos músicos ascienden a los crescendos conjuntamente; en vez de acompañarse uno a otro, llegan a una conclusión mutua, mientras muestran su dominio del arte de retratar emociones.” del crítico Peter Watrous, experto en jazz, destacó la actuación, captando esencialmente que podían ofrecer al mundo musical.

“El DUENDE de la noche se apodera de Nueva “

“El Palladium era una disco ruidosa pero había suficientes connoisseurs para que la pareja se sintiera arropada. Y el poderío de Camarón se impuso inmediatamente: hasta vi hermosas negronas de Harlem esbozando poses flamencas”, Diego Manrique .

Todo eso, teniendo en cuenta, que para Camarón fueron los momentos más duros de la noche tras el espectacular final de Ketama, pletóricos de fuerza y entrega. El bullicio en la discoteca y el público, no lo suficientemente educado para menesteres del cante flamenco, no era de lo más adecuado, pero a modo de faquir consiguió amansar a las fieras y tras un par de capotazos bien dados se los llevó a su terreno consiguiendo hacerlos estremecer.

Quizá José Monje se preguntase qué es lo que se le había perdido a él en una discoteca de Nueva York, ya que en su pueblo, cuando canta, por lo menos se le escucha.

Con el público tocado emocionalmente, el cartel lo cerró El Último de la Fila, que de cara a la crítica no lo tuvo ya, nada fácil. Peter Watrous, los acabó dejando como un grupo de rock que intentaba sonar flamenco, lo cual no encontraba nada atractivo. Ketama, según la crítica quedaron como una apuesta a seguir interesante.

Pero, como dijo Manolo García:

“La "estrella de la noche era Camarón". Su presencia es la que atrajo hasta allí a David Byrne y Milton Nascimento”.

El camino hacia América sigue hoy siendo un camino evidente, prueba de ello son los cantes de ida y vuelta, pero más evidente es la influencia notable del flamenco en el blues o el jazz, origen de cualquier música sajona moderna.

Pino Sagliocco, fue uno de los impulsores de la internacionalización del Flamenco y de Camarón en particular:

“Recuerdo una fiesta flamenca que montó en un bar de Jerez. Me llevé a Jim Beach, el mánager de Queen, que no se podía creer que en un sitio tan modesto surgiera tanto arte”

Quizás hoy no, pero quizás mañana si, contemos con un imán tan fuerte como Camarón, pero, como el bien sabía, el flamenco no era eso. Para el que lo sepa entender:

“A mí no me gusta dar nombres, porque para mí es un fenómeno todo el que me llegue, sea un profesional o no, famoso o desconocido. En esto, todo es cuestión de momentos, no de nombres.” Camarón de la Isla.

El Flamenco donde la nueva música vive.

Manolo Sanlucar: "La miseria moral con la que han tratado a este país".

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 16 Jun 2021 23:27:31 GMT

Manolo Sanlucar :

" La miseria moral con la que han tratado a este país "

"Cuando acudes a la historia de Andalucía te encuentras con la de sus conquistadores pero no con la de su pueblo, que tiene una historia preciosa, aunque de sometimiento, pero con una existencia muy fuerte”.

“Ha entrado en una dinámica que es lo que le conviene a los grandes directores del mundo. Tener a la gente disminuida intelectualmente para que no cuestione las aberraciones que hacen los capitalistas”.

“A veces me paro y digo, Dios mío, cómo se me puede ocurrir a mí esto. Y entonces pienso, no absolutamente, no con toda seguridad, pero sí me da por pensar que alguien me está transfiriendo cosas que no entiendo cómo puedo saber”.

Manuel Muñoz Alcón , Sanlúcar de Barrameda, 21 de noviembre de 1943. Historia viva de la guitarra y el flamenco, que se merece algo más que una paga de 600 euros al mes, aunque para él el mayor agradecimiento es el aprecio con que le corresponden sus seguidores distribuidos por todo el mundo, un auténtico embajador cultural con la paga básica.

Después de más de quince años sin pisar los escenarios, sin coger una guitarra, acaba de publicar un estudio didáctico sobre el flamenco, donde pretende demostrar todos los intríngulis musicales, que gracias a una vida dedicada a la guitarra ha ido descubriendo. En él confluye la genealogía del flamenco: moriscos, sefardís y una abuela gallega, que gracias a la transmisión oral ha mantenido un sistema musical de la época de la antigua Grecia, que lo hace algo único; convirtiéndose, generación tras generación, en inspiración de lo que él denomina: música científica.

Se siente un privilegiado por forma parte de esa cadena natural de música. Con su obra pretende sacar ese tópico de que su música y la de los suyos es algo de bufones. Primero se convirtió en un gran guitarrista, sin olvidar que para que lo respetasen debía conocer la música científica y la dominó, y ahora que no puede tocar, la estudia para desbancar esos tópicos despectivos con que el flamenco se encontró y se encuentra.

"Tienen que saber que los guitarristas flamencos tenemos una tradición muy profunda y una responsabilidad. Porque, además, tradicionalmente el guitarrista es el propio compositor y debe enfrentarse a la música que él mismo ha creado, a diferencia de lo que sucede con los guitarristas clásicos. Por tanto, no tienes suficiente con una vida. Yo puedo garantizarte que he sido un absoluto esclavo de la guitarra como lo han sido mis compañeros que están a mi nivel profesional. Por eso muchas veces se habla con mucha injusticia, porque se creen que estamos divirtiéndonos y que somos unos chistosos y en realidad muy poca gente hay que se dedique tanto a la cultura.

He vivido con una conciencia que yo mismo me sorprendo de mí y de mis decisiones. Yo dije cuando empecé a viajar, y tomé conciencia absoluta de la guitarra, a esto me entrego la vida. Y nunca mejor definido que esa expresión: me entrego la vida. Todo lo que he hecho ha sido dedicar mi tiempo, mi capacidad, todo, a estudiar mi cultura y por eso, con perdón, he podido hacer cosas que no se han hecho jamás en el flamenco. Yo escribo mis obras sinfónicas. Eso no lo ha hecho ningún guitarrista flamenco y, bueno, tengo obras reconocidas en el mundo con una deferencia tremenda, como Medea, y he creado sistemas… todo ese tipo de cosas no las puedes hacer si no entiendes cómo se mueve la música científicamente.

Cuando yo entré en la guitarra flamenca fui, y he venido siendo, una persona muy afortunada. De entrada porque mi padre, siendo tan puro y tan noble en el flamenco, se puso enseguida a aprender música. Mi padre iba a Jerez a casa de Javier Molina, que junto con Ramón Montoya era uno de los guitarristas más destacados en aquella época. Mi padre se va a estudiar a Jerez con Javier Molina, va en bicicleta, toma la clase y se volvía a Sanlúcar.

Entonces, seguramente por consejo de Javier Molina, mi padre, que un día me ve coger la guitarra y hacerla sonar, hace que casi a los siete años vea en mí unas condiciones que, a partir de ahí, empieza a enseñarme. Y como yo veía a mi padre leer música y medirla…

Mi padre decía: bueno, tú no quieres guitarra, muy bien, pero aquí no se puede estar sin hacer algo. Y él tenía un puesto de carne en el mercado y tenía puesto a un familiar suyo, y me metió ahí. Terminé cortando carne. Cerca de la panadería de mi padre puse yo otro puesto de carne en el local contiguo, y también me puse ahí a vender carne y verdura. Estando ahí, viene un día y me dice: ha llamado Pepe Pinto, que dice que qué pasa contigo… que él sale ahora de gira con una compañía… Hablé con Ana (su mujer) y me dijo: yo estaba esperando eso… yo sabía que tú aquí en este plan no iba a estar siempre. Entonces, ahí ya empecé a volar. Aunque ya había hecho una gira antes de cumplir los 14 años con Pepe Marchena, diremos que mis padrinos artísticos fueron Pastora Pavón y Pepe Pinto… y con 15 años llegué a grabar con Pastora y Melchor de Marchena."

"De manera que, ahí he puesto todo mi esfuerzo y, además, mi decisión, que es muy importante. Cuando nos casamos, llegamos a Madrid, que yo iba a trabajar en Las Brujas, y lo primero que hice fue coger a mi mujer en casa y le dije: mira, Ana, no sé si tú querrás seguirme, espero que sí, pero nosotros tenemos que organizar nuestra vida. Y el punto de vista que hemos de tener para convivir, y procurar ser medianamente felices, es que necesito que me ayudes a defender lo que yo creo que debe ser mi comportamiento. En esta familia que vamos a crear, y en este caso, lo primero es la guitarra. Y no hay discusión ninguna. ¿Qué quiere decir eso? Que vamos a establecer un día a la semana para salir a la calle, para ir al teatro, divertirnos… pero si ese día no he estudiado lo que yo necesito estudiar, coge tú solita y te vas al cine o a comer, o donde quieras, pero ni puedes presionarme, ni pedirme, porque esta vida va a estar constituida así. Y así ha sido desde ese momento, y eso no se alteró jamás.

Yo estaba en el tablao de Las Brujas, a veces se celebraban fiestas y me llamaban para intervenir, y me lo pagaban aparte. Pero yo trataba de construir un hogar, nos compramos un piso en Madrid, y fue rápido porque las cosas me fueron muy bien, las casas de discos me pedían que grabara permanentemente, subió mi estatus y aseguré la forma de vida. Todo eso constituyó una responsabilidad acorde al sacrificio que yo hacía. A mí no me preguntes tú cómo está el país, tal sitio, que los he recorrido todos, pero no me lo preguntes. Pregúntame cómo es tal hotel del tal país o tal teatro, pero de ahí no pasaba. ¿Cómo llevo yo esto adelante con esa rajatabla? Porque tuve la inmensa suerte de enamorarme como un loco de mi mujer. Entonces, yo todo lo que deseaba en la vida lo tenía en mi casa. Lo que deseaba en la vida solo era eso. Hemos tenido nuestros desencuentros y todo eso, pero ahora mismo estamos igual que cuando nos casamos hace 62 años.

¡Uf…! Hemos llegado al extremo de que la gente que está a la cabeza del flamenco diciendo lo que es oficialista está llevando al flamenco a una situación absolutamente vergonzosa y denigrante. Mire usted, el único instrumento armónico que tiene el flamenco es la guitarra. Hay gente que es del flamenco, aunque el instrumento no. Pero hay gente dirigiendo el tinglado del flamenco a la que, por ejemplo, se le ocurre que de los premios que existían para el flamenco en la Bienal quitan uno, lo anulan. ¿Imagina usted cuál han anulado?

El de guitarra.

Eso es. Cómo puede pensar la cabeza de alguien que está allí porque a lo mejor pega muy bien carteles… Y desecha el premio al parecer porque algunos guitarristas dan apariencia de estar tocando clásico porque, claro, ellos están acostumbrados a escuchar la música de hace 100 años y todo lo que se salga de pegar guitarrazos… Escuchar un discurso melódico, basado en valores musicales, y flamenquísimo, es la dinámica de la música.

Porque el flamenco lo han escrito los poetas y los poetas saben de poesía, de música no saben. Y el poeta que sabe de música no suele tener los suficientes conocimientos como para profundizar en las exposiciones publicadas del flamenco. Entonces, todo el que la novia le ha puesto de Reyes un libro de flamenco no está capacitado para hablar de flamenco, y como no hay nadie que le contradiga… pues eso sigue pa’ adelante. Y sin sentido. ¿Por qué he escrito esta obra y me he dejado 15 años dedicado a ella? Cuando me bajé del escenario dejé de ganar dinero para mi casa. No solo lo que me pagaban por concierto, que era uno de los cachés más grandes del sistema, sino que los derechos de autor que yo tenía que cobrar por que se interpretasen obras mías, tampoco me los podían pagar al no subirme al escenario.

Pongo en pie en esta obra un defecto de la música científica de hace 1.300 años, cuando Aristóxeno le da la vuelta a las teorías de Pitágoras. Cuando tuve a un alumno griego, tomé contacto con él y lo mandaba a Grecia a ver escritos originales. A este hombre le decía qué debía buscar y me los traía, y eso me ha ayudado mucho. Y con todo eso, sentí una sensación particular que debía entrar en los modos musicales de la antigüedad, porque debía haber ocurrido algo que no aparece, desconocido, que era que habían cambiado la dirección de la escritura en Grecia, que pasa de la noche a la mañana de escribirse de derecha a izquierda a escribirse de izquierda a derecha. Y en eso se fundamenta Aristóxeno con la música, y ahí es donde se equivoca. Por eso hoy no se encuentra solución a dos sistemas importantes que se han hecho ya en Occidente. ¿Ahora qué hacemos? O me matan, o tienen que quemar los libros".

"Pero de verdad, y lo siento de corazón, creo que la mayoría de la gente funciona por otras razones. Porque para entregar fe, poner la vida en la música, creer en ello… hay que ejercer con una pasión que no creo que haya mucha gente dispuesta. Porque cuando entras ahí ya estás atrapado.

El silencio es tan importante como los signos sonoros. De hecho, así está constituida la música. Los intervalos musicales, entre nota y nota, son silencios, están hechos de silencios. Si coges una escala, entre una nota y otra, hay un silencio, y luego otro, y cada silencio tiene una medida. Y luego está el silencio del espíritu. Una cosa es el silencio de la música y otra el silencio del espíritu. Y la música, cuando trata de explicarse a sí misma, tiene cosas bellísimas en el sentido artístico y poético. Me parece precioso, en la propia guitarra, cuando un profesor usa el lenguaje adecuado para comunicarse con su alumno en el flamenco. A la intervención del pulgar, cuando es vulgar o habitual, se le llama pulsar. Y el maestro dice: pulsa en la cuarta… Cuando el maestro quiere que el alumno implique su espíritu en esa intervención la llama herir —enfatiza— la cuerda. ¿Ves cómo la propia música trata de buscar su propia definición? Yo no sé si esto existe en la guitarra clásica, pero hay una tremenda diferencia. Cómo será eso que ahora que estoy en diálisis, y cada dos días me limpian la sangre, diremos, las enfermeras que vienen a inyectarme a la me dan dos pinchazos: a una vena y a una arteria. Bueno, pues cada enfermera tiene una actitud al pincharme y notas enseguida cuál es. Ves ahí perfectamente, quién es la que “pulsa” la cuerda, y cuál es la que “hi-e-re”. Y la que hiere está poniendo el alma y se está comprometiendo contigo. Y entiende tu dolor. La otra, cubre el expediente.

No entiendo una mala persona que se relacione con la música. No quiere decir con eso que no sepa que existe. La música es de lo más noble que tiene que el ser humano, y esa nobleza que tiene, como mínimo, el músico tiene que respetarla al máximo. No puede falsear eso. El día que yo entienda que un músico falsea la verdad, entenderé la necesidad de que exista la pena de muerte. Esas son de las fechorías más indignas que puede hacer un ser humano. Puedes hacer una música que no tenga unos contenidos profundos porque, a lo mejor, es una música de entretenimiento, que no intenta sentar cátedra, pero tiene que ser honesta. Y eso va en relación con los contenidos de la música. Lo que ocurre es que también la sociedad no está obligada a poder entender de música y, generalmente, se acepta y se apremia aquello lleno de simplicidad, música que a un músico serio le agrede.

Ha entrado en una dinámica que es lo que le conviene a los grandes directores del mundo. Tener a la gente disminuida intelectualmente para que no cuestione las aberraciones que hacen los capitalistas"

·Encuentro una vacuna muy difícil, pero sin embargo tengo esperanza en ello, para revertir la situación en la que la humanidad está hoy: revertir la indecencia en decencia. Hay posiblemente muchas cosas que no sabemos, se ha elegido una creencia, se ha puesto un Dios como si fuera un ser personal que dirige el universo, y también podríamos observar la creencia de que lo que dirige el universo sea la naturaleza. ¿Siempre coincide que cuando la sociedad más se desvía de los parámetros honestos y decentes aparece una epidemia? ¿Estamos seguros que estamos funcionando bien? ¿A qué extremo estamos llegando? Con las cosas que pasan cómo se puede creer en esta sociedad, si ya se ha instalado como forma de vida la violencia. Está absolutamente instalada la violencia. ¿Para conseguir qué? Los propios que la ejercen no saben para qué la ejercen. Ya me podrás decir en la situación en la que estamos.

El mundo está explicado de forma fraccionada, está explicado donde se define la vida que han tenido los distintos países que son relevantes. El flamenco es una cultura que tiene un sistema propio musical, heredado ese sistema de los griegos, pero construido por nosotros, de tal manera que los griegos no cantan como nosotros. Pero el sistema es el mismo y tengo un desarrollo hecho en esta obra donde pongo punto por punto desde que nace hasta cómo se desarrolla a través de una célula hasta llegar al final. Y llega al final cuando en la última escala aparece la primera. Cuando se altera una, el sistema se va a la mierda.

Nosotros no somos una cultura sometida a un tirano que nos exige y nos pone la metralleta en la cabeza. Nosotros estamos desarrollados como hombres libres, al menos desde lo que podemos y queremos entender. Eso te lleva a buscar y emplear, sobre todo, el oído porque los guitarristas, que son los músicos del flamenco de hoy, somos los que podemos crear armonía. La mayoría, desde la antigüedad, se agarran al oído y a lo que nos explicaron los griegos. Nosotros sabemos que la cadencia andaluza es la menor, sol, fa, mí… mayor, por una decisión que se toma en la antigüedad, se determina que acabe en mí mayor para diferenciarlo de las otras partes que terminaban en mí menor.

Los flamencos tenemos el sistema griego que, en la decadencia del imperio romano, los eclesiásticos alteraron por error, quedando, tristemente, como documentación veraz. Aun estando perfectamente desarrollado desde los griegos.

Hay algo de lo que se olvida la gente cuando habla de transmisión oral y por escrito, y es que piensa que si se ha aprendido algo por transmisión oral es por ser alguien fuera de serie, o que es gente de feria o de chiste. Y olvidan que cuando existía nada más que la transmisión oral la gente tomaba el conocimiento como religión porque no había otra cosa. Y entonces no podían tener ni la ocasión, ni la maldad de darle la vuelta a aquello, sino de conservarlo en la memoria. Y las personas que se metían en ello eran las que transferían a las venideras generaciones ese conocimiento.

Vacaciones . Solo dos veces, dos vacaciones de quince días. Y fui a conocer bien Galicia. Quería ir a conocerla porque mi madre procedía de Galicia, mi abuela vino de allí, y aquí formaron esa familia. Soy más mezclado que un gazpacho. Mi abuelo era sefardí, y la otra abuela era morisca… y yo…, a ver quién me clasifica (ríe)… porque me gustaría saber quién soy.

¿La guitarra?

Ya he dado todo, ya no me apresa más la guitarra. Me apresa el flamenco, ¿pero la guitarra…, que necesita ejercitar tanto y que solamente agradece lo que tú le das, y a veces se convierte en una tirana, ya no la toco más.

En cuanto al estudio de la guitarra creo que, en general, hay mucha conciencia puesta en ello, mucha voluntad y mucha espera a veces impaciente. Porque están equivocados al fijarse en lo aleatorio, en lo secundario, en el adorno, y no se fijan en el centro. Para fijarte en la ciencia tienes que saber qué es la esencia. No puedes buscar una cosa si no sabes entenderla”.

Wang Can, primer guitarrista flamenco profesional Chino, y el maestro Sanlucar.

“Yo estaba estudiando Ecología y cuando me aburría en el laboratorio y con las lecturas que tenía que hacer, me descargaba música por internet y ahí encontré el disco Cositas buenas del gran maestro Paco de Lucía. Cuando en 2013 terminé mis estudios en China tuve la posibilidad de ir a Estados Unidos a trabajar y seguir estudiando, pero mi pasión era ya la guitarra flamenca.

Y en abril de 2014 decidí venirme a España. En dos meses aprendí el idioma con un curso intensivo y logré que me dieran el visado. Fui a master class con distintos maestros y a un curso de verano en Córdoba donde lo conocí. Él vio a un asiático allí, le llamaría la atención y me dio su teléfono para que lo llamase. Cuando volví de mis vacaciones en 2017 lo llamé y fui a su casa cada fin de semana para aprender con él. Me dio todos los ejercicios de técnica y muchos consejos, me enseñó también cómo funciona el mundo, a ver de lejos, no sólo de cerca".

–Qué generosidad.

"Mucha, no me cobró nada, comía en su casa, sólo me pedía que hiciera todos los ejercicios bien y para eso tenía que estudiar muchísimo. Si no, se enfadaba. Ahora me preocupa su salud."

Entrevistas:

Manolo Sanlucar : "Tengo esperanza en una vacuna muy difícil: revertir la indecencia en decencia"

de Paco Sánchez Múgica

publicada el 1 de mayo de 2021 en La Voz del Sur

enlace:

https://www.lavozdelsur.es/la-voz-seleccion/entrevistas/manolo-sanlucar-guitarrista-flamenco_259306_102.html

WANG CAN | PRIMER GUITARRISTA FLAMENCO PROFESIONAL CHINO:

“Muchos piensan que los chinos sabemos sólo kung-fu y trabajar”

de MARÍA JOSÉ GUZMÁN

publicada 15 Abril, 2021 en Diario de Sevilla

enlace:

https://www.diariodesevilla.es/entrevistas/Wang-Can-Primer-guitarrista-flamenco-profesional-chino-no-solo-kung-fu-trabajar_0_1564643710.html

“La Terremoto”, a tres bandas.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 13 Jun 2021 01:39:54 GMT

La Terremoto

a tres bandas .

"Achilipú": Terremoto que afecta, con especial virulencia, zonas con comunidad africana, en ambos lados del Atlántico.

"Con esos ojos que tienes
Yo nunca te dejaría
Con esos ojos que tienes
Yo nunca te dejaría
Porque tienes ojos negros,
Negros de la morería".

Dolores Vargas lanzó “ Achilipú ” a finales de 1970, convirtiéndose en un éxito comercial sin precedentes para la artista, once años después de su debut discográfico. Con un sonido innovador y totalmente conectado con las frecuencias musicales en boga, en particular, la música negra norte americana, pero procesado por su Groove Flamenco Aplastante. Por algo le pondría el apodo de “ La Pimienta ” doña Carmen Amaya .

La canción, compuesta por su marido y la colaboración de Felipe Campuzano , acabó siendo frecuentemente versionada, no sólo por artistas nacionales como Las Grecas . Cruzó mares hasta América, con el Gran Combo de Puerto Rico o Fruco y sus Tesos , desde Colombia; para volver a África, colaborando en la creación de la música moderna en el Oeste del continente, formando parte del repertorio de Africando .

María de los Dolores Castellón Vargas nació el 16 de mayo de 1936 en Barcelona. Hija de gitanos catalanes del barrio de la Bordeta dedicados a la venta itinerante y hermana de Enrique Vargas ' El Príncipe Gitano '. Cuando él era una gran estrella y ella tenía solo 11 años, debutó en su compañía. Y a ella irían dedicados los famosos versos:

“El trigo entre todas la flores

ha elegido a la amapola

y yo elijo a mi Dolores

Dolores, Lolita, Lola ”.

Fue su hermano quien estrenó tan popular canción y sugirió a sus autores homenajear a su hermana.

"El Poromponpero » rumba compuesta para él, en 1 960, con música de Juan Solano Pedrero y letra de José Antonio Ochaíta y Xandro Valerio , se convirtió en un hit.

A los dieciséis años se casó con su primo José Castellón, Pepe, guitarrista y compositor de muchas de las canciones que Dolores grabó durante su carrera, que acabó con la muerte de su marido en 1987. Después sólo se la vio cantar en El Culto.

Murió el 07 de agosto, 2016.

Pero en el camino pasaron muchas cosas.

Así la recuerda en su pleno apogeo, Pedro Antonio Hurtado en: “ ADIÓS A DOLORES VARGAS “LA TERREMOTO”, en directo desde Murcia.

“ Con ella en el camerino.

Todavía recordamos, con no poco cariño, cuando, en la década de los años ’70, nuestro paisano, querido y ya desaparecido amigo, de Ceutí, Juan Antonio Ayala Meseguer, propietario de la terraza de verbenas y espectáculos anunciada con su primer apellido, nos invitó a presentarle en la actuación que realizó en el escenario de sus ceutienses instalaciones, cuando revolucionó a unos asistentes entre los que no cabía ni un alfiler, porque “La Terremoto” atrapó con su dominio del escenario a su legión de seguidores que disfrutaban con su arte, su repertorio y su fuerza interpretativa, lo mismo que disfrutarán, ahora, quienes quieran hurgar en sus canciones, escucharlas en este nuevo siglo y observar que no han perdido vigencia en su forma, en su rabia, en su contenido y en su género, porque ella fue verdaderamente única. En el camerino, sin embargo, era sencilla, amable, cercana, comunicativa y humilde, aunque rezumaba arte a borbotones en su expresión, en sus rasgos y en esa raza gitana que lucía con orgullo y que no podía disimular, aunque nunca lo pretendiera”.

La Terrem oto in U.S.A.

A raíz de la estancia de Dolores Vargas y Pepe en Cannes, por 1958, el destino le hace compartir escenario con Edith Piaf. Quedó tan impresionada con la actuación de la catalana que la francesa invitó a su nueva amiga a Estados Unidos, donde hizo los arreglos para que apareciera en el programa de máxima audiencia, el Show de Ed Sullivan.

El 19 de octubre de 1958, los que sintonizaron el programa en CBS vieron su debut televisivo. El encargado de hacer su presentación a la audiencia fue Robert Taylor, un show en el que también coincidiría con Dean Martin.

Su actuación gozó de tanto éxito que pasó los siguientes dos años viviendo en Estados Unidos y desde allí viajar a otros países latinoamericanos.

Durante su estancia en Estados Unidos, comenzó su carrera discográfica con el sello Brunswick y posteriormente con Decca.

Otra noche en New York

Mientras actuaba en el cabaret neoyorquino: “Vienes Center”, recibió en su camerino a Aristóteles Onassis . El magnate griego la pretendía contratar para una actuación privada, a lo que la artista se negó con la excusa de un cansancio extremo, a pesar que Aristóteles le exhibió la chequera indicándole que fijara la cantidad que quisiera para acceder a sus pretensiones. Momento en que intervino su esposo para declinar la suculenta oferta, ante lo cual el griego le dio por romper botellas, vasos y demás enseres, generando una cierta tensión. Todo acabó en risas cuando el capo marchó, la Barcelona que tuvieron por escuela fue maestra para la génesis de la noche neoyorquina.

En esos momentos, sin duda, la música negra en U.S.A. estaba revolucionando el panorama mundial con un sonido original, sin renunciar para nada a su pasado. La Terremoto, con intuición y personalidad, se impregnó de ese nuevo espíritu que bullía en los barrios de toda América, desde nuevayol a Colombia.

“ La Piragua ”: La Terremoto, ya de vuelta, graba una tremenda versión del tema, sólo unos meses antes de “ Achilipú ”

Una de las Cumbias en la música colombiana. Sonó por primera vez en 1969, pero José Barros, el genial compositor, empezó a gestarla desde cuando, a los 8 años, vio navegar por el Magdalena una canoa al mando de un cachaco vestido de blanco.

“ La piragua ” nació porque José Barros pensaba que su pueblo no tenía una canción que lo identificara.

“ Y nada mejor que plasmar esos recuerdos de niñez sobre esa embarcación que llegaba desde Honda por el Magdalena hasta El Banco, llevando mercancías. Cubillos le contó toda su historia como navegante, pero también su vida, cómo se enamoró en Chimichagua, se casó y construyó una nueva chalupa para transportar productos entre ambos pueblo s ”, Katiuska Barros, hija del compositor.

La Piragua , versión Terremoto , claramente lo que vino a llamarse Rumba Catalana:

Casi en paralelo, estaba gestándose la primera orquesta de salsa de Colombia, definiendo su estilo, eligen versionar “Achilipú”.

Fruko y sus Tesos , surge en Medellín por 1970, fue la pionera en la difusión de la salsa colombiana al publicar su primer álbum “Tesura”. Fruko o Julio Ernesto Estrada, fue el líder de la orquesta, la voz la llevaron: Píper Pimienta Díaz, Saoko o Joe Arroyo, juntos formaron parte de la historia de la música latina. Fueron la primera orquesta colombiana en presentarse en el Madison Square Garden.

Además, gracias al talento de Fruko y al equipo artístico de Discos Fuentes, surgieron otras orquestas imponentes como: The Latin Brothers, Afrosound, Wganda Kenya, La Sonora Dinamita -en su segunda etapa–, y, Fruko & Orquesta, entre muchas otras.

Por esos días, como hoy, el Caribe era una fiesta. En la Isla del Encanto, se estaba preparando otra versión.

En 1971, el trombón de Fanny Ceballos entra a formar parte del Gran Combo de Puerto Rico, definiendo un nuevo sonido en la orquesta. El primer álbum con ese sonido fue "De Punta a Punta" que incluyó temas musicales clásicos tales como "Don Goyo" y "Le dicen Papá". El disco ganó el premio al mejor disco en el Festival de discos de Oro de Miami. "Achilipú" estaba, también, como uno de los destacados del álbum.

La música ha viajado con las personas pero no siempre ha seguido los preceptos del imperio económico. La influencia de la música antillana en casi toda África ha sido evidente, de hecho parte de su música moderna surge a partir de estas. La conexión con el flamenco, es mucho anterior, pero espontáneamente surge una y otra vez.

Otro ejemplo “Achilipú”, Africando moliendo café.

A mediados de los ochenta, la música latina estaba muy presente en el Oeste Africano. Fruto de este movimiento surge la orquesta Africando , con el objetivo de poner mano a mano la música de África y el Caribe. De lo que doy fe, es que en sus visitas por estos lares, su búsqueda de todo lo que suene flamenco, les interesa y les llega.

La Terremoto , se empeñó en reinventar su música que tanto significaba para ella, contribuyendo a que el flamenco y la rumba siguieran siendo relevantes. Sus grabaciones entre 1970 y 1975, se convirtieron en música ambiciosa e innovadora que incluía flamenco como base, pero con arreglos conectados con la actualidad, especialmente funk y soul.

Tras su jubilación hubo un resurgimiento del interés por su música. Una nueva generación de aficionados descubre algunos de sus álbumes en tiendas de discos de segunda mano. Inmediatamente, fueron conquistados por su magia y capacidad de trabajar músicas que no le eran naturales, convirtiéndola en una de las grandes del Funk Latino y la Reina del Gypsy Funk Català. Aunque entre el Funk Català, poco importa La Terremoto, suelen buscar referencias foráneas.

Jorge Pardo: en “Trance”

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 12 Jun 2021 10:24:41 GMT

Jorge Pardo : en “ Trance ”

"Jorge es un cometa que atraviesa diversas galaxias aparentemente lejanas pero él consigue unificarlas, su rol es fundamental en la evolución de la música española de los últimos 40 años".

“ TRANCE ”, Emilio Belmont e, una road movie que se adentra en el mundo Jorge Pardo , desvelando los retos a los que se enfrenta para perseguir sus sueños, acompañándolo por medio mundo. Nos muestra sus vínculos entre flamenco y jazz, o cualquier otra música que permanezca viva.

“Hace ya más de dos años una productora francesa me propuso hacerme una película, que se estrenará este año. En el documental yo me encuentro con muchos músicos por todo el mundo, y todos ellos de alguna manera forman parte de Trance. Así que Trance es una banda virtual, entre comillas. Porque está la música, la idea, pero los músicos son flotantes.

Una fusión de músicas originales y adaptaciones realizadas en formato quinteto con instrumentistas de variada formación, procedencia y juventud/veteranía. Es una experiencia que te demuestra que toda tu vida es un aprendizaje.

De siempre los músicos hemos sido viajeros y la mayoría de los estilos musicales están fundamentados en la fusión, no es algo que se haya inventado ahora.

El que quiera vender seguridad que se la venda a otro, yo he vivido lo suficiente para saber que esto es un día a día, que hay que encajar los golpes y pequeñas frustraciones, apretar los dientes y saber que hay momentos buenos e intentar equilibrar tu psique, que la euforia tampoco te enferme porque también se puede morir de éxito .", Jorge Pardo

Junto a Pardo, están sus amigos: Chick Corea, Ana Morales, Mark Guiliana, Pepe Habichuela, Niño Josele, Bandolero, Farruquito, Javier Colina, Diego Carrasco, Antonio Serrano, Fernando de la Morena, Edmar Castaneda, Israel Fernández, Ricardo Moreno, Ambi Subramaniam, Duquende y Diego Del Morao, entre otros.

"Jorge es un cometa que atraviesa diversas galaxias aparentemente lejanas pero él consigue unificarlas, su rol es fundamental en la evolución de la música española de los últimos 40 años ", e n palabras del director, almeriense afincado en París desde hace años.

“Trance tiene como protagonista a Jorge Pardo, uno de los músicos españoles más importantes de las últimas décadas. Más allá del incuestionable valor de su trayectoria musical -en una trayectoria jalonada de genios como Camarón-, Jorge es un maestro de la música y también de una forma de vivir, una forma de dulce resistencia a las leyes del mercado, a las apariencias y al ego .” Emilio Belmonte.

El director intentó hacer la producción en España pero le fue más fácil encontrar financiación en Francia, debe pasar como con los toros, los franceses son ya más taurinos que aquí.

"Si en España cuidáramos más nuestro patrimonio estaríamos más pendientes de Jorge Pardo. Si tomamos un músico como John Coltrane, probablemente el gran público conozca sus primeras grabaciones pero la crítica y los amantes del jazz sabemos que luego nos lleva por laberintos mucho más interesantes; con Jorge Pardo es lo mismo, lo que está haciendo ahora quizá sea más comprendido con el tiempo".

Palabra de Jorge Pardo:

“Gracias a que no tengo dinero y tengo que buscarme la vida para conseguirlo sigo trabajando en lo que me gusta. Porque si tuviera dinero es probable que como persona medio inteligente que me considero, estuviera rascándome las narices todo el día.

Yo entiendo el arte como un constante recrearse. Hago muchos proyectos y muchos más que haría si tuviera dinero para ponerlos en pie. Es una exigencia personal, no del mercado, porque el mercado precisamente lo que me dice es "joder, Jorge. ¿Por qué no sigues con eso, que estaba funcionando bien?

No es un método exactamente, ni una propuesta ideológica, es una manera de seguir adelante un día más. No voy a llorar ahora, yo he hecho trabajos para las multinacionales y para quien me lo pida. Pero no me detengo si no hay encargos. ¿Y cómo se produce sin dinero? Pues estableciendo alianzas profesionales y humanas que por otro lado son muy satisfactorias. Es como ha funcionado siempre el mundo.

Como docente le pregunto al tipo que me está escuchando si realmente ve algo dentro de sí mismo. Le pregunto si tiene huevos de hacerlo, si tiene el coraje de defender su idea en contra de lo que puedan opinar sus colegas más cercanos o la sociedad. Para mí ese afrontar es el afrontar de mi vida. Si eres artista hay que tocar afinado y a compás, pero ya lo siguiente es tocar lo tuyo.

Yo estoy dentro pero no soy de cuna flamenca. Soy payo, de Madrid y encima toco la flauta. Ni canto, ni bailo, ni toco la guitarra. Y sin embargo, mi amor por esta música y las casualidades de la vida me han puesto en ciertos sitios, aunque haya tardado unos cuantos años. Es como el swing. Darle al platito de la batería puede ser muy fácil pero hacer que una banda camine con eso es muy difícil, y con el flamenco pasa lo mismo. Son cosas que en cinco minutos cualquier músico las entiende. ¡Pero luego hazlo! Que suene del carajo y que enamores a la gente. Eso ya es más difícil.

Pienso que el artista tiene la obligación de hacerse entender. De hacer el máximo esfuerzo para que de la gilipollez total que se te ha ocurrido esta mañana, se enamore alguien más. Esa permanencia en la memoria no se da solamente llegando al intelecto, sino a las tripas, y a las caderas y al sexo, al organismo en definitiva. Volvemos otra vez al ritmo: a cuando hay ritmo y hay melodías que sientes como algo cercano y piensas “no tengo ni idea de qué es una soleá, pero siento que eso también es mío”. Tienes que conseguir que tu flipada mental sea también la flipada del panadero que te escucha”.

Juanito Valderrama: “El emigrante”, en una época en la que “no había emigrantes, sino exiliados”.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 05 Jun 2021 19:37:50 GMT

Juanito Valderrama
“El emigrante” , en una época en la que “no había emigrantes, sino exiliados.

En plena época Beat, el mismo mensaje pero con un sentido más natural.

Con “ El emigrante ” se convierte en el primer cantautor que recoge los sentimientos, las alegrías y las penas de todo un pueblo. Sin ningún filtro burgués, intelectual o mercantilista. La acabo de escribir una noche en Tánger, tras reencontrarse con el compañero que le salvó de morir en la batalla de Brunete.

Cuando la cantó para todo ese éxodo diseminado por medio mundo, el mensaje siempre fue de nostalgia de un país, que perdía todo ese capital humano por interés de unos, pero también perdía una forma de vida, su cultura. Vamos cojos pero algo queda, pero pocos lo ven.

No todo empezó con la nova canço, quizás si fueron los impulsores de la barbarie. Todo tenía un sentido y un pasado, y en 1949 con Franco ya estaban más tranquilos.

Juanito Valderrama le cantó en la cara a Franco (culpable de que tantos españoles se habían tenido que ir y no podían volver, viviendo lejos de su tierra) la canción que precisamente hablaba de ellos, porque entonces no había todavía emigrantes, sino exiliados de nuestra tragedia por todo el mundo. Lo más fuerte es que pidió que se la repitiera.

“Yo me llamo Juan Valderrama Blanca y nací en 1916 en Torredelcampo, un pueblecito muy cerca de Jaén, donde de chico aprendí a cantar mientras cogía aceitunas en los hielos del invierno o cuando mi padre me llevaba al trato de las mulas que compraba y vendía a los gitanos por las ferias de los pueblos, con las calores del verano. Yo he cantado flamenco desde que tenía pantalón corto. Yo, que empecé impresionando mis cantes en placas de pizarra que se escuchaban en un gramófono al que había que darle cuerda con una manivela, que le decían “la maquinilla cantaora”, he grabado tres grandes antologías con la historia del flamenco que ahora se oyen en discos digitales. Mis cantes empezaron a sonar en radios de galena y ahora se oyen en la televisión por satélite. Conozco todos los estilos del flamenco, tengo grabados 700 cantes y he recorrido todos los teatros de España y del mundo durante más de 70 años de artista. He dedicado mi vida entera a cantar y a aprender de los grandes y creo que he conseguido en mi género lo máximo que se puede lograr.

El emigrante, 1949.

“Con El emigrante yo fui el primer cantautor que hubo en España. El primero que llegó al gran público con una letra que había escrito él mismo y donde se recogían los sentimientos, las alegrías y las penas de todo un pueblo.

Yo creo que he sido el único artista al que Franco, que era tan serio, le ha tocado las palmas y le ha pedido un bis.

Eso ocurrió en 1950, en una cacería de perdices en casa de don Francisco Aritio, en una finca cerca de Madrid. Don Francisco Aritio era uno de los más ricos de España, accionista de muchas empresas. Rico podrido, de aquellos capitales que se hicieron después de la guerra nuestra.

Y cuando llegó la hora de cantar, nos subimos arriba al escenario de aquel salón tan enorme el Niño Ricardo con la guitarra y yo. Y el maestro Quiroga abajo, al piano, que como estaba más acostumbrado a aquel plan del Caudillo nos daba confianza. Cada artista estaba cantando una canción solamente. Y yo, todo cortado delante de tantos uniformes y con Franco allí delante vestido de paisano, muy serio, mirándome muy fijo, le pregunté a Quiroga antes de subir:

– ¿Qué cantamos, maestro?

Y aunque el maestro Quiroga no había escrito aquella canción, seguramente se la pediría Fuertes de Villavicencio de parte de Franco, porque me dijo:

–El emigrante, Juan, por supuesto que El emigrante...

Hizo Ricardo una introducción a la guitarra, con el fondo del piano del maestro Quiroga, y allí delante de Franco, por culpa de quien tantos españoles se habían tenido que ir de España y no podían volver y tenían que vivir lejos de su tierra, me puse a cantar la canción que precisamente hablaba de ellos, porque entonces no había todavía emigrantes a Alemania con la maleta amarrada con guita, sino exiliados de nuestra tragedia por todo el mundo:

“Cuando salí de mi tierra
volví la cara llorando
porque lo que más quería
atrás me lo iba dejando.”

Me tocaron las palmas los que estaban en el salón, los ministros, los militares, la gente de la grandeza del dinero que estaba allí en la cacería. Y hasta Franco vi que me tocaba las palmas como él las tocaba, con desgana, como por lo militar.

Y me bajé del tablado, y Fernando Fuertes de Villavicencio, que no se nos quitaba del lado, me dio un empujón para donde Franco estaba:

–Cumplimenta a Su Excelencia, Juanito, venga, cumplimenta a Su Excelencia.

“Cumplimenta a Su Excelencia” era que lo saludara al hombre. Y me acerqué al Caudillo, y Franco me tendió aquella mano que te ponía con tanta frialdad, la manita así medio cerrada, sin sentimiento, y me dijo con aquella vocecita chillona suya:

–Valderrama, muy bonita esa canción, es muy patriótica...

–Muchas gracias, Su Excelencia, muchas gracias.

Y Franco se queda callado un buen rato, sin pronunciar palabra, mirándome sin mover un músculo de la cara, y de pronto va y me suelta:

–Valderrama, ¿usted serían tan amable de cantarla otra vez?

Yo me quedé más cortado todavía de lo que estaba. Yo no sabía dónde meterme. Yo pensé, muerto de miedo: “Esto es para enterarse bien de lo que digo en El emigrante y meterme preso...”

Y Fuertes de Villavicencio, con muchas carreras y muchos aspavientos:

–Venga, Juanito, venga, y tú, Ricardo, arriba otra vez, que Su Excelencia quiere oír esa canción otra vez...

Y le tuve que hacer un bis a Franco. Subió Ricardo otra vez al escenario con la guitarra y se puso el maestro Quiroga otra vez al piano y canté otra vez El emigrante.

Mientras la cantaba por segunda vez no se me quitaba el mosqueo. Seguía pensando: “¿Qué va a pasar ahora como este tío se entere bien y ya no le parezca tan patriótica? ¿Pensará de buenas o pensará meterme en la cárcel?"

Fotografía: En la cárcel de Carabanchel (Madrid), durante su actuación, en 1945, para los presos políticos.

"Y en mi miedo y en mi extrañeza me acordé de la noche en que terminé de escribir El emigrante.

El estribillo se me había ocurrido en una gira por el norte, un día que estábamos actuando en un teatro de Ponferrada y el Niño Ricardo me hizo a la guitarra una falseta preciosa, acompañando unos versos que yo recitaba. Una falseta con una melodía que me dio casi escrito el estribillo de la canción, de sentimiento que tenía:

“Adiós, mi España querida,
dentro de mi alma te llevo metía”

Pero la letra de la canción entera la terminé de escribir mucho después, y de un tirón, como si me la fuera dictando mi propio corazón, en la misma turné, después de aquella noche moruna tan española en que vi las lágrimas de los exiliados españoles en Tánger.

Tánger entonces era como un París en chiquetito, era internacional. Aquello ni era de España como Tetuán, ni era de Francia como Casablanca. Lo llevaban las grandes potencias que habían ganado la Guerra Mundial y allí se hablaban todos los idiomas y se practicaban todas las religiones; aparte de la católica y la mahometana estaban los judíos, estaban los indios, estaban los protestantes ingleses y americanos, y cada cual cerraba su comercio el día que en su religión se lo dedicaban a su Dios, unos el viernes, otros el sábado, otros el domingo.

En Tánger se respiraba la libertad a cuarenta leguas.

Tánger era entonces un emporio, y completamente libre, con comerciantes de todas las naciones, con templos de todas las religiones, sin curas ni militares por las calles, con unas avenidas impresionantes. Todo eso, viniendo de una España donde todavía había cartillas de racionamiento hasta del tabaco, la cartilla de fumador, era un contraste tremendo.

Y allí a Tánger, buscando esta libertad y esta prosperidad, se fueron muchos españoles después de la guerra, huyendo de Franco, de la cárcel o del fusilamiento, y allí se buscaron la vida y se establecieron. Y éstos eran los que iban a verme al teatro, como iban a verme también algunos moros.

Todo el dinero del mundo estaba en Tánger, circulaba el dólar, el franco, la libra esterlina. Tánger era el emporio. El teatro se llenaba tarde y noche, el teatro Cervantes. Y mientras, los discos míos sonando todo el día en Radio Tánger, con Madre hermosa, y la foto mía puesta en el España de Tánger, que era el diario en Español que había allí, donde estaban trabajando muchos periodistas nuestros que se habían tenido que ir de Madrid cuando la guerra.

Y a mí me llegó muy hondo saber que allí en el teatro Cervantes donde íbamos a actuar se había acabado el papel porque Tánger estaba atestado de españoles que se habían tenido que ir después de la guerra. Yo los vi llorar allí en la puerta del teatro, agarrados a mí, rodeándome cuando entraba para los camerinos por la puerta de artistas:

–Juanito, que yo soy de Málaga, a ver si me dedicas un cante...

–Que yo te oí cantarle a mi batallón en Andújar...

Y uno de los que se acercó fue precisamente el que me salvó de morir en la batalla de Brunete, como tantos muchachos de mi pueblo movilizados, cuando me dio el carné de la CNT y me metió de soldado en Fortificaciones: Carlos Zimmerman. Este anarquista, que había sido el jefe de la CNT en Jaén, el que tanto me protegió, había podido escapar de España después de la guerra, si no, lo fusilan. Se había orientado allí en Tánger y trabajaba como perito electricista, que era su profesión. Nos vimos, nos abrazamos y nos hartamos de llorar los dos, porque los dos sabíamos que él no podía volver a España mientras viviera Franco.

A mí me pareció que media España estaba allí, refugiada en Tánger, en esa emigración forzosa, con esa emoción que vi luego en el teatro, todos en pie aplaudiendo los cantes de España, sin colores, sin bandos, con lágrimas en los ojos. Allí ni se decía nada en contra del régimen de Franco ni a favor de nadie. Nada más que llorar recordando nuestra tierra:

–¡España, España!

Y la guitarra, y el cante, y los oles. Aquello no era ni de Franco ni de la República. Aquellos hombres eran de España".

Eran España misma. Eran el recuerdo de la tierra que habían tenido que abandonar. Su España querida.

Y a mí aquello me llegó tan hondo y era una verdad tan dolorosa, que al llegar al hotel por la noche, después de pasar por aquellos sitios del Zoco Grande, por los cafetines del té moruno, todos oscuros, las calles tan estrechas, la otra parte de Tánger, la mora, no la internacional, cogí un papel y me puse a escribir toda la canción que me faltaba, porque hasta entonces el Niño Ricardo y yo nada más que teníamos compuesto el estribillo. La hice de un tirón.

Cuando la estaba escribiendo en el hotel, yo estaba viendo todavía a aquellos hombres llorar en la puerta del teatro Cervantes, y sus lágrimas, y sus lamentos:

–Mi España, Juan, y mis hijos, que se quedaron en Cartagena...

Aquello se me metió a mí tan dentro que hizo que brotara sola la canción:

Y mientras en la fiesta de la cacería de perdices de aquel caserío tan señorial de San Martín de Valdeiglesias le estaba cantando el bis de El emigrante a Franco, las lágrimas de aquellos hombres exiliados no se me podían a mí quitar del pensamiento.

Aquellos hombres de Tánger que al oírme cantar se estaban dando cuenta con sus lágrimas que habían perdido para siempre nuestra España querida”.

“Juanito Valderrama: mi España querida”, de Antonio Burgos, se publicó el 5 de febrero de 2002. Editorial La Esfera.

En su gira por Melilla, en 1936, le acompañaron Alfonso “el Chozas” (dcha.) y Paco Flores (sentado).

La Susi

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 04 Jun 2021 22:55:06 GMT

LA SUSI

Encarnación Amador Santiago

Alicante, 12 de mayo de 1955 - Sevilla, 24 de octubre de 2020

" Susi , me lo puse yo. Tenía 7 u 8 años. Llegué un día a mi casa diciendo: “me llamo Susi, quiero que me digáis Susi”. Entonces, con la broma, empezaron a llamarme Susi en casa y ya se me quedó. Me enteré de que me llamaba Encarna con 17 años. Eso es muy fuerte. Un día estaba de juerga mi madre, como los gitanos de antes, y llegó la que me iba a bautizar, que era tuerta y feísima. Así que mi madre pensó: “madre mía, yo no le voy a poner a mi niña como a esta tía”. Pero se dieron la palabra y como antes había más respeto… Entonces llegó a la iglesia y le preguntó a una mujer: “señora, ¿usted cómo se llama?”. Le contestó: “¿yo? Encarnación”. Y mi madre respondió: “pues ese nombre le voy a poner a mi niña”."

Su padre, José María Amador y su hermano, Joaquín Amador : guitarristas, su cuñada bailaora: Manuela Carrasco , más una larga lista de familiares en primera línea del flamenco.

"Viene por parte de mi padre. Todos mis hermanos bailan, cantan o tocan. Menos mi hermana mayor, que murió, y mi madre. Con 7 u 8 años bailaba en un balcón que tenía en casa. Además cantaba copla, canción española. Nadie me enseñó ni me dijo nada. Nacía de mí. Mi padre, como era un gran guitarrista y tenía mucha vista, le decía a mi madre: “esta va a ser una de las grandes”."

" Cuando tenía 8 años me trajeron un disco de Camarón y me enamoré de su cante. De hecho empecé a cantar sus cosas y me llamaban “ La Camarona ”. Me quise quitar ese apodo de encima porque Camarón nada más que hay uno. En el flamenco, por ejemplo, muero con La Niña de los Peines, Tomás Pavón, Talega, Antonio Mairena… . "

Nació en Alicante, 1955.

"Mi hermano Joaquín y yo nos fuimos solos a Madrid. Éramos dos niños chicos. Mi padre nos dio dinero. Actuamos en los tablaos más grandes. Esto no lo he contado nunca. Recuerdo en Torres Bermejas, cuando tenía 14 años, que era muy guapa, delgada y con mucha fuerza cantando y bailando. Sin embargo, el dueño del tablao no me quería porque decía que tenía una voz “muy rancia”. Me dejó allí y estábamos Manzanita, Camarón, mi hermano, Lole Montoya, La Perla de Cádiz… Lo más"

"Bailaba muy bien y formé una buena con el baile en los tablaos de Madrid. Pero es verdad, cuando Paco de Lucía me escuchó cantar me dijo que me dedicara a eso. Entonces decidí centrarme en el cante. Era muy chica, me puse que no veas… Pero ya son muchos discos y he trabajado en los mejores sitios del mundo. Es verdad que estoy muy cansada porque el respeto se ha perdido"

Camarón.

"Como si hubiera sido mi hermano. Siempre estábamos juntos grabando. En casa con mi hermano, Tomate… Yo le hacía una paella que le encantaba. Era como persona igual que como cantaba. Él venía a Las Brujas (tablao flamenco muy reconocido de Madrid) a verme interpretar lo que él cantaba y se metía en un rincón. Moría conmigo. En la casa del padre de Paco de Lucía estaba él en un cuarto con Paco y yo en otro con mi hermano y el de Paco cantando."

Flamenco y el siglo XXI

"Vivimos en un mundo sordo y ciego. No hay respeto hacia nada, ni sensibilidad ni humanidad. Si lo hubiera, le darían su sitio a los que llevamos toda la vida luchando por el flamenco. Todo el mundo tiene derecho a trabajar pero no hay cultura musical. Está todo al servicio del turismo."

"No estoy retirada. Me tienen retirada. Estoy en un momento extraño de mi vida, desencantada, desengañada y desenamorada de la poca humanidad, del poco respeto, de los valores de las personas, del engaño… Y me he dado cuenta ahora. Todo es mentira. Estamos viviendo una vida de plástico. No hay corazón. Me han defraudado muchas personas y eso me duele bastante. Actualmente he hecho una cosa muy bonita, de una canción de Serrat, “Niño silvestre”, que trata sobre los niños maltratados. Me emociona mucho. Pero ahora mismo no estoy inspirada para cantar. Mi alma está enfadada aunque se revela. Me dice: “canta”. Porque cuando lo hago me siento bien, si no parece que no estoy viva. Es difícil explicarlo."

"No soy la típica que se queda encerrada en el flamenco"

La Susi, canta la mítica Roxanne de The Police por bulerías , cuenta que se enamoró de la música de Sting :

"Me encantaría conocerlo y que oyera la versión que he hecho para saber qué opina. Yo creo que le va a gustar, le gusta mucho el flamenco".

Pero ¿Qué pasaría si Sting quisiera cantar por bulerías?

La Susi :

"No puede".

Diego Carrasco :

"Para eso hay que ir antes a un bautizo o dos".

Y la cantaora remata:

"El flamenco puede llegar más allá de donde cree la gente. Nosotros nos podemos permitir el lujo de cantar no eso, sino muchísimas más cosas. Pero ellos no pueden hacer lo que nosotros hacemos, eso sí lo digo claro. Y espero que a ellos no les parezca horrible".

Descanse en Paz, La Susi.

Los flamencos merecen llegar a su plenitud con más dignidad artística.

Un recuerdo:

"Posiblemente un día en Madrid, en el Polideportivo. Camarón, Paco de Lucía y yo. “Los tres monstruos del flamenco” era el cartel. Formamos lo más grande. Me tocaba salir justo después de Paco de Lucía, que acababa de tocar “Entre dos aguas”. Llevaba conmigo a todos los de Ketama. Cuando salí, me senté y miré al público, empecé a cantar por malagueñas. Yo era una niña joven que conocían cuatro flamencos, imagínate la responsabilidad. Lloré antes de salir. Y madre mía la que formé luego. Un escándalo."

Songhai: Al-Andaluces du Mali in London.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Thu, 03 Jun 2021 22:12:41 GMT

Songhai

Al-Andaluces du Mali in London.

Flamencos y Griots . La magia está asegurada. Ketama y Toumani Diabate .

“ Hasta que los leones tengan sus propios historiadores, los cuentos de caza siempre glorificarán a los cazadores ”, dicho Africano .

“ Songhai es patrimonio de la música del mundo. La música no tiene fronteras. En la música no hay racismo, no hay esta cosa del dinero… Ojalá que aprendieran los políticos y la gente; porque la música es respeto”, Josemi Carmona .

“Creo que Songhai es protagonista en la medida que acerca la cultura del flamenco a la cultura mandinga. Hoy, 30 años después, la música se ha impuesto porque está basada en una relación franca, sincera y honesta. Este es el valor y la belleza del proyecto Songhai. Por eso cuando lo escuchamos hoy tenemos la impresión de que es un proyecto actual.

Aunque no hables gitano, español o árabe puedes tocar. La música tiene su propio lenguaje. Lo más importante en la vida es aceptar el aprendizaje, porque antes de ser maestro hay que ser alumno. Después todo fluye. En el caso de Songhai todo está basado en el amor y el aprendizaje mutuo. Después de 30 años, Ketama y Toumani no nos podemos comunicar a través de otro lenguaje. Es imposible. Lo que habla entre nosotros es la música.

Yo soy griot, y el griot es el embajador, el espejo y los archivos de la cultura mandinga. Yo tengo el rol de hacer conocer la cultura mandinga al mundo, y para mí Songhai es parte de mi papel como griot”, Toumani Diabate

“Es así porque sale de dentro. No es una música estudiada. Por ejemplo, nosotros no habíamos oído a Toumani, ni él a nosotros. No ha habido nada planeado, se ha dado todo en el momento. El flamenco tampoco es una cosa estudiada, es algo que sale de dentro, la cultura que tenemos desde que nacemos. Entonces, la fusionamos con la cultura de Toumani, que tiene que ver con el flamenco, porque Andalucía y África al principio…”, Josemi Carmona

Los Leones, siempre, han contado algo.

Si la tradición Mandinga era profunda e imponente, la Flamenca también lo era, ambas se amasaron de generación en generación durante muchos siglos.

Pasa, cuando pasa.

A finales de los años 80 del pasado siglo, Ketama y Toumani Diabaté , estaban buscando un hueco en el nuevo mercado de la World music, en manos británicas.

Songhai impulsaría sus carreras de forma definitiva.

En 1988, Ketama no estaba en sus mejores momentos, a pesar de las buenas críticas, David Byrne entre ellos. Todo el mundo hablaba del Nuevo Flamenco , pero las habichuelas no llegaban.

Mario Pacheco, Sr. Nuevos Medios , les plantea ir a Londres a vender el pescado.

Una noche aparecen en una fiesta en casa de la periodista de la BBC: Lucy Durán , gran aficionada y buscadora en África del misterio de la Kora , Toumani fue uno de sus hallazgos más importantes. A raíz del encuentro de ambos en Mali, en 1987 se edita, con el sello británico Hannibal Records, el primer disco de kora de la historia. “Kaira” .

Volvemos a la fiesta:

Ketama , dentro de un ambiente cosmopolita en la capital británica, no se sentían en su mejor terreno, pero el duende, sí lo tienes, puede surgir en cualquier momento. Para sorpresa de ellos, la velada musical corre de la mano de un maestro de la Kora. Griot por tradición familiar durante 21 generaciones: Toumani Diabaté, hijo de Sidiki Diabaté. Su cultura: la Mandinga.

"Yo tenía un concierto en Londres y cuando los vi aparecer fue una sorpresa"

En un momento, Los Carmona ya estaban haciéndole compas y jaleando al Diabate.

Surge la magia, los señores de la música Africana y Flamenca, todo ese pasado de un Al-Andalus , fantaseado, por intereses económicos, surge desde abajo, para darle una patada a toda la intelectualidad musical del momento.

Aquello fue el comienzo de Songhai el disco fue un pelotazo que incluía el Vente pa' Madrid y consagró a Ketama.

"A veces yo me pregunto

que hacemos con esta gente

Que hablamos el mismo idioma

y somos tan diferentes"

Rememorando el esplendor del imperio Mandinga, que de su disolución tuvieron buena culpa algunos Al-Andaluces, cuando Arma, Camara, hasta los Ferrer, y otros clanes, específicos, desbancaron sus costumbres, sobre todo el dominio económico, era la tierra del Oro, como metal y esclavitud.

Tremendo, como lo que pasa hoy en día con la persecución a la que se ven sometidos los Griots de Mali, por no sé quién, en nombre de un falso Ala; siguen existiendo ricos recursos a robar en la zona.

Los sincretismos culturales con el islam o catolicismo, han sido una realidad de tolerancia tanto aquí como en África, aunque siempre ha habido otros, que sean preocupado en radicalizarlos, enfrentarlos y, con la única consecuencia de poder robar mejor.

Un claro ejemplo es el Fondo Kati , biblioteca conservada por esta familia durante siglos y cuyo presidente es Ismael Diadié . Cuenta con 12.714 manuscritos sobre la historia de Al-Ándalus: del Sur de Francia, de los Imperios de Gana, de Malí, del Songhai y de la propia familia.

“Mi tatarabuelo Ali-Gao dijo:

“Hemos perdido la lengua (el castellano), el color (éramos blancos) sólo nos queda la memoria, y esta memoria está en los manuscritos””.

“Mi historia es parte de la historia de España y está escrita en la biblioteca de Tombuctú”.

“Quiero el entendimiento y el reconocimiento mutuo. Los casi 5.000 andalusíes que viven en Mali no quieren instalarse aquí. Su vida está hecha allí. Pero algunos jóvenes sí querrían venir. Y creo que tienen el mismo derecho que los sefardíes en venir a España con papeles legales en lugar de morir en el Mediterráneo. Me felicité cuando el Gobierno español reconoció una parte de la historia de España. Ahora queda por reconocer a la otra”.

Ahora vive en España, agradecido y con el sueño, de preservar aquí el archivo familiar, quiere tener sedes aquí. Desde 2013 no ha regresado a su país natal, asegurando que en Mali :

“No se puede resumir todo lo que he vivido en Tombuctú. Todavía no he superado del todo la ocupación de la ciudad, los obuses que caían, los tiros día y noche, los coches ocupados por islamistas pasando por las calles, las nuevas leyes impuestas y la imposición del terror.

La biblioteca fue cercada por hombres armados, tanto de día como de noche; en cualquier momento, caían casas, hombres morían, huían, y ninguna noticia era buena. Se instauró la caza a todo lo que no concordaba con el rigor y he tenido que esconder a cristianos para sacarles de la ciudad, dispersar manuscritos, irme con 55 mujeres y niños asustados, huyendo de las violaciones, los matrimonios precoces y el adoctrinamiento para ser militantes fundamentalistas” , sostiene Ismael Diadié

La pérdida o robo, porque alguien se lo quiere quedar, borraría otra huella de nuestro pasado que estuvo y está vinculado a África.

Sus primeros antepasados marcharon en los momentos que el pueblo Gitano hacia irrupción en la Península, curioso dato.

La primera rama y más antigua salió de Granada a mitad del siglo XIV. El poeta, alarife y viajero granadino Abu Ishaq Ibrahim al-Sahilí emigró en dirección a Oriente Medio y en la Meca se encontró con el rey de Mali. Acabó instalado en la conocida como Curva del Níger. Fue arquitecto de varias mezquitas, declaradas hoy Patrimonio Mundial, y murió el 15 de octubre de 1346.

“Tenemos todos sus manuscritos”, Ismael Diadié

Si de Granada marcharon hasta Mali, con Shongai surge de nuevo el recuerdo de ese otro Al-Andalus que aún se conserva en Mali, el que los antepasados de los Habichuela, se encontraron en Granada.

Sabemos que la mano que trazó nuestras fronteras, plasmó nuestras narrativas, cegándonos desde arriba; pero la cultura siempre ha acabado empujando desde abajo, sacándonos de monotonías, haciéndonos ver que otros mundos son posibles. Los caminos del arte siempre los ha trazado el pueblo, acabando siendo mercantilizados, y no por ellos.

“Toda esta movida ha venido de Inglaterra . A lo mejor si lo hubiéramos grabado aquí, sin haber tenido la aceptación que hemos tenido allí, el disco habría pasado desapercibido.

De hecho, antes de grabar con Toumani estuvimos allí y tuvimos críticas muy buenas, y a partir de ahí ha sido cuando de rebote ha llegado el eco hasta aquí. Y es una pena, porque el flamenco es de España, de toda España. Lo que no puede ser es que los ingleses vengan a enseñarnos la música que tenemos nosotros dentro, porque tocamos igual que cuando fuimos a Inglaterra. O sea, que da pena.

En cualquier caso, hay que decir que la kora es un instrumento que “se mete” muy bien en el flamenco, que por sí sola ya suena a flamenco ”, Josemi Carmona

Toumani Diabaté y Ketama , grabaron dos discos: Songhai en 1988 y Songhai 2 en 1994, ambos álbumes estuvieron producidos por Joe Boyd de Hannibal Records y Mario Pacheco de Nuevos Medios. El proyecto sigue y han sido muchas las colaboraciones, Songhai sigue vivo hoy , esperamos nuevos episodios.

Songhai con: Toumani, Josemi, Bandolero, Jorge Pardo y Javier Colina, en el Hotel Ac Recoletos Madrid, más de 30 años después.

Juli Vallmitjana, Farruca del Argenter.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 30 May 2021 11:29:01 GMT

Juli Vallmitjana , Farruca del A rgenter.

“En este país, [ LOS GITANOS ] no gozan del menor prestigio y he tenido la suerte de hacerlos interesantes a muchísima gente”.

“Nostra raça, perdent-se
Va enllà de la memòria
Pels segles confonent-se
Sa misteriosa història“

“Oh país indiferent, com caus! Pàtria meva, com dorms el son d'aquella mare ubriagada que té els seus fills abandonats! Ta indiferència, tard o d'hora, et farà abaixar la cara avergonyida".

Un precedente Lorquiano , dentro de la intelectualidad europea, él fue el único que aprendió caló .

Emprendió una tarea pionera y a la contra de los procesos culturales de su momento. Mientras se consolidaba la tarea de normalización lingüística del catalán, decide tomar otro camino. Se introdujo en los otros mundos, dedicándose a registrar el habla de los gitanos y a conocer de primera mano sus costumbres y forma de vida.

Trastocó todos los esquemas del establishment Catalá; una lengua que no tenía literatura de pronto pasó a formar parte del teatro catalán.

Su inconformismo, unido a las ganas de salir del aburrimiento en que vive la cultura catalana encorsetada, lo adentra para poder dar vida a lo que él cree:

“Vivía en una ciudad indiferente a los gitanos”.

Poco parece que ha cambiado hoy, a no ser que la indiferencia o ignorancia sea mayor. Ya hace unos cien años nos recuerda el esperpento de la sociedad, plena actualidad:

“¿Què els quedaria en aquests, si no fos allò que ells en diuen forma? Són com un tros d'arbre corcat que per entre ses fibres no hi passa saó”.

En alusión a los jóvenes ilustrados que, a principios del siglo XX, se empezaban a abrir paso, muchos de ellos hacia algún cargo institucional.

“Forma, demanen els buits de cervell; forma, demanen els ineptes fracassats per inèrcia cerebral”.

Juli Vallmitjana Colomines : platero, pintor, narrador, novelista y dramaturgo.

Nació en 1873 en una calle desaparecida de la vieja Barcelona, la calle Graciamat.

Su padre fundó la empresa familiar "Platería y Metales Vallmitjana", un taller de orfebrería y de estampación de medallas, en la calle Asturias en la Vila de Gràcia. El oficio lo heredó Juli y lo ejerció a lo largo de toda su vida. Le permitió gozar de una posición social y económica envidiable, pero no se conformó con lo superficial.

Su primera voluntad artística fue la de pintor.

Entre 1893 y 1896 estudió en la Escola de Belles Arts de Barcelona (La Llotja), formando parte de la "colla del safrà" o de "Sant Martí", con los pintores: Isidre Nonell, Joaquim Mir, Ramón Pichot, Adrià Guay o Ricard Canals, para pronto estar cerca de Rusiñol y Casas, otro para de flamencos. Viajó a Ginebra, París y Limoges para perfeccionar sus estudios de pintura, donde toma conciencia del interés de la Europa intelectual por lo Gitano.

Pero debido al suicidio en 1897 de su padre o por su indecisión, propia de su carácter introvertido y depresivo, abandonó la pintura para empezar a escribir.

Una literatura que tiene mucho de pictórico

Frecuentó las tertulias de Els Quatre Gats y demás templos intelectuales de la Barcelona pujante, aunque:

“Para muchos, seguramente, el medio de investigación se halla única y exclusivamente en la biblioteca”

Lo que le llevó a descubrir los barrios gitanos, sus periferias y su lenguaje.

Le preocupaba que:

“ las eminencias del mundo literario” rehuyeran el estudio sobre el terreno:

“el único que puede conocer, con exactitud, los cuadros sociales”

Empezó a frecuentar el barrio chino y los ambientes gitanos, manifestando un interés personal por la realidad social y humana que allí se vivía. De todos los señoritos de casa buena fue el único que acabó conviviendo, trascendiendo la curiosidad y empapándose de un mundo que a la vez que lo seducía, le estremecía.

Allí, pues, encontró la inspiración para su obra escrita, un retrato tan profundo en que a menudo se hace difícil separar lo que es crónica de lo que es ficción.

Él lo tomaba como un intercambio, si los gitanos le daban acceso a su léxico y su entorno social, él les debía corresponder. Acabaron estableciendo una buena relación, y cierta dependencia mutua, dinero por vivencias.

Vallmitjana recolectó el caló de Barcelona, que no era igual que el español; estaba plagado de fórmulas y préstamos del catalán.

En un dibujo de la época azul, de 1900, conservado en el Metropolitan de Nueva York, Picasso retrató a Juli Vallmitjana como si fuera uno de esos personajes suburbiales que iba a buscar en las barriadas.

Ocho años mayor que Picasso, se convierte en su guía por los bajos fondos, marcando la producción picassiana de primera época. Pero también marcó la carrera de Isidre Nonell , primero con los enfermos de cretinismo y luego con los gitanos.

Marcaron un punto de inflexión en el arte catalán: rompieron con la academia y adoptaron al pueblo como protagonistas, con una estética más expresionista y dura.

Guio a Nonell y Picasso a través de las barriadas gitanas, para que estos acabasen pintando lo que el narraba. Plasmó en su obra los escenarios de la otra Barcelona, donde tabernas, barracas o arrabales, mostraban la cara opuesta al Modernismo imperante, ostentoso y burgués, por oscura procedencia.

“En aquellos antros de perversidad se siente la falta de la bienhechora mano de la civilización. Mientras damas encopetadas organizan asociaciones benéficas o tómbolas con fines caritativos, cuando en realidad no responden más que a un verdadero afán de exhibición, relegan al olvido aquellos barrios”.

No sólo aprendió caló, sino que publicó un breve diccionario caló-catalán , única fuente escrita de la lengua. Quizás esta labor haga del Sr.Juli, la de pionero en el estudio del léxico gitano, lo que lo convierte en uno de los primeros escritores en introducir este idioma en sus obras, cosa que no hicieron los europeos, ni por asomo.

Un precedente lorquiano,

Cuando Lorca tenía seis añitos, Margarita Xirgu , tenía 18, cuando debuto en el teatro como protagonista en “Thérèse Raquin”, en el Círcol de Propietaris de Gràcia, de la mano del alquimista: Vallmitjana.

Cinco años después.

En 1911, estrenó en el Teatre Principal una de sus obras más populares, Els zin-calós, y también, con la Xirgu, esta vez tuvo que pintarse la cara para agitanarse.

En los años 20, Margarita Xirgu se convertiría en la musa de Lorca con Mariana Pineda, Bodas de sangre, Yerma ,... , debió valorar su experiencia.

Su conocimiento de lo gitano, convierten a Vallmitjana en pre-lorquiano por años, y si alguien pudo influir, fue este en Lorca .

La Farruca de Juli Vallmitjana:

“Nostra raça, perdent-se

Va enllà de la memòria

Pels segles confonent-se

Sa misteriosa història

Mira taiolo

Mira taioli

La flor més bella

Serà per mi! “

Esta farruca, no sabemos si escrita o recopilada por Vallmitjana, tuvo un gran éxito en su estreno en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, debido quizás, al baile sugerente y transgresor de La Perla Negra , una bailaora cubana. ¡Mare de Deu, una bailaora, y, cubana, y, negra y, al Liceu!

Con este dato, debemos reivindicar una Barcelona flamenca, pre modernista y pre muchas más, que lo hace en catalán y sin complejos. Quizás la falsa moralidad, que tanto rehuyó el orfebre, nos ha hecho ver el flamenco, como algo del Sur, que lo es también. Pero influyeron más los Coros de Anselmo Clave para sacar a los trabajadores de las tabernas, no voluntariamente, “adoctrinada-mente”, que las inmigraciones,

Anselmo tiene la Clave.

Quizás sin el capital económico robado a la esclavitud, para luego sacárselo a trabajadores de fábricas, no se hubiese podido acabar con un flamenco en catalán, o en el idioma que haga falta. No debemos obviar que las Farruca s , vienen de Galicia y se cantaban en gallego o en el idioma que sea, como el garrotín .

Los cantes de levante , también se recuerdan en catalán, hasta quizás finales de los años 80 del siglo pasado, que el flamenco sufrió otra patadita hacia el lado, como sacándoselo de en medio, otra vez.

Hoy en día nadie hace flamenco en catalán de una forma natural; sí lo hay, es aprendido y no es el que le debió gustar al platero. Sirva de ejemplo la versión de Les Segadores, en la proclamación del último President de la Generalitat, ni chicha ni limona.

Parece que la historia se repite, igual que las Pandemias .

Se ha reivindicado esta originalidad de Vallmitjana, por el hecho de usar un idioma, dentro de otro idioma, pero lo que aprendió fue una forma diferente de vivir y de cantar.

Nadie le pone una banda sonora flamenca a Vallmitjana, a Nonell, al Modernisme, a Pau Casals,…

¿ Por y Que ?

La respuesta correcta no es Rosalia.

Ya Prosper Merimee dejó bien claro y mucho antes; en su visita a Barcelona vio guitarras, cantes y bailes, en calo y catalán, que le recordaba a lo que vio, escucho y sintió, en sus viajes por Andalucía .

Su Carta de despedida.

Relata que un día unos amigos gitanos le llamaron por teléfono a la orfebrería. No era normal que contactaran así con él. Pensó en algo dramático. El dramaturgo subió a Montjuic y encontró a sus compadres cantando y bailando. Esperó, pero nadie cortaba la fiesta para explicar a qué venía aquella llamada.

Los gitanos habían escrito una obra de teatro para su amigo.

Las visitas durante años y su interés en cazar palabras habían trastocado el concepto en los gitanos. Les dio el protagonismo haciéndoles ver que su mundo era valioso fuera de sus propias fronteras, que merecía difundirse y que podía ser, una forma de ganarse los cuartos.

Juli Vallmitjana murió el 5 de enero de 1937, con 64 años.

Para entender, algo, de la Barcelona flamenca , es necesario acudir a la escritura de Vallmitjana ; una ciudad no es, sólo, lo que se cuenta de ella, sino aquello tan grande que se descubre cuando se mira en los rincones, y él lo hizo. Hizo una literatura de ruptura, de vanguardia, sin continuidad, nadie siguió su camino, quizás sea esta una de las razones del olvido en qué ha sido tenido.

Su visión universal le hizo pensar que su obra debería ser difundida por todo el mundo y así lo intento con todos sus contactos planetarios, que no eran pocos.

Obra de Juli Vallmitjana, sin tener en cuenta su pasado pictórico, que existe .

Teatro:

· 1906. Els oposats

· 1910. Jambus

· 1910. La tasca

· 1910. Aires de mar

· 1910. L'abella perduda

· 1911. En Tarregada

· 1911. L'espanta

· 1911. El corb

· 1911. Els zinc-calós

· 1911. Muntanyes blanques. Drama en 4 actos, música de J. Cumells i Ribó. Estreno en el Teatre Principal.

· 1911. Entre gitanos

· 1912. La gitana verge

· 1913. La gran diadema

· 1913. El casament d'en Tarregada

· 1915. Prop de l'ombra

· 1916. Tassarba (òpera). Drama lírico en un acto, música Enric Morera .

· 1917. Rují

· 1918. La mala vida. Drama en 3 actos. Estrenada teatre Còmic de Barcelona el 15 de marzo 1918.

· 1922. A l'ombra de Montjuïc

· 1923. El barander

· 1923. A la Costa Brava

· 1923. Cants d'Orient

· 1923. Don Pau dels consells

· 1924. La nova dèria o la fal·lera de Don Jaume

· 1927. La caravana perduda

· 1928. Gitanos (inèdita)

· 1929. En un racó del món (representada, pero perdida)

· 1929. La bruixa blava

Novelas y otros escritos:

· 1906. Coses vistes i coses imaginades

· 1906. De la raça que es perd

· 1906. Fent memòria

· 1907. De la ciutat vella

· 1907. Com comencem a patir

· 1908. Sota Montjuïc

· 1910. La Xava

· 1910. Criminalitat típica local

· 1932. Albí

· 1937. Lletres al meu fill David

El Greco, la calle y el sentimiento flamenco

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 26 May 2021 21:49:09 GMT

El Greco

la calle y el sentimiento Flamenco son la base de sus canciones.

Emmanuel Losada Muñoz , más conocido como “ El Greco ”, nació en el barrio madrileño de San Blas; procede de una saga de artistas muy reconocidos en el flamenco y pioneras del Nuevo flamenco con su Gyspy Power .

Hijo de Carmela Muñoz y sobrino de Tina Muñoz, mundialmente conocidas como “ LAS GRECAS ”.

De ahí le viene su apodo y su talento. Solo le faltaba el Hip Hop .

Empieza a cantar flamenco desde muy pequeño y a los 20 años se aparta de su carrera pugilística, como campeón de boxeo en Madrid, para comenzar su carrera artística.

Empieza a componer y a escribir sus propios temas, hasta que surge uno de sus primeros hits, con:

“ 15 + 1 ” y sus, casi, 7 millones de reproducciones en YouTube, donde sus ídolos el Flamenco y el Hip Hop, están representados. En el video Camarón, Tupac, Jose Mercè o The Notorious B.I.G . están presentes, en su música también.

Por donde, debe fluir el flamenco. Sin duda, con artistas como El Greco , tradición y actualidad, hip hop y flamenco, están en vena. Busquemos caminos fuera de la des-virtuación del pasado, como hicieron Las Grecas .

“ Con el quince más uno más uno
Enganchao' en el cuerpo
Escupe fuego y bota humo
Con el quince más uno y yo fumo
Eso to' se cayó muerto
De la pena yo me vacuno
Con el quince más uno y yo sumo
Y 7 Kilo' en el puerto
Y me voy a ganar mi punto
Y con el quince más uno y yo fumo
Perdona padre nuestro
A mí no me mata ninguno”

Jesús Méndez: “Recordando a la Paquera de Jerez”

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 26 May 2021 19:04:11 GMT

Jesús Méndez

“Recordando a La Paquera de Jerez”

“No se le había metido mano al repertorio de La Paquera y he decidido rescatarlo a mi forma; hay cuatro temas orquestados y cuatro flamencos”

Jesús Méndez , acaba de concluir la grabación de su tercer trabajo discográfico, dedicado a su tía-abuela.

“La Paquera tiene muchísimos discos en el mercado y una trayectoria increíble e impecable, pero discográficamente nunca se le ha metido mano a su repertorio, siempre acudimos a lo más popular de ella. Y tiene temas preciosos, tientos, fandangos de Huelva, fandangos… Su obra está ahí y he decidido rescatarla a mi forma y en los tiempos que corren, cómo se suelen hacer las grabaciones hoy día. Hay cuatro temas orquestados, con violines, chelo y piano y otros cuatro flamencos, con guitarra, percusión y palmas. Y estamos muy contentos con el resultado”.

"La Paquera tiene una obra increíble que hay que visibilizar"

Nacido en el seno de una de las grandes familias cantaoras de Jerez: la de Los Méndez , con Tía Abuela a la Sra. Francisca Méndez, “La Paquera de Jerez”.

¿ El Flamenco ?

“Claro que no muere… es la forma de vida la que influye en que cambien o desaparezcan cosas. En Jerez, mientras tengamos una copita de vino en la mano y empiecen las palmas a sonar, será imposible que muera. Creo que todo viene a raíz de las celebraciones, de compartir, de un cante en un bautizo o en una boda… A mí el cante se me metió en el corazón escuchando a mi tío o a mi abuela cantar. Antes no escuchaba a cantaores, siempre lo dicho. Empiezo a descubrir a Mairena o Terremoto una vez que mi padre, como aficionado, siempre los tenía puestos en la casa o en el coche. Pero yo, el flamenco que yo he descubierto, ha sido a través de mi familia, y es el que te hace que se mantenga la llama encendida”.

“ Recordando a La Paquera de Jerez ”.

“He intentado recordarla en los ocho temas del disco. Ella es incomparable, para nosotros, para mí, es la Diosa del cante, pase lo que pase y el tiempo que pase. Ella no era solamente la fuerza, la afinación, los melismas, los bajos, los altos, los medios, su dulzura… para mí sobre todo transmitía. Y en este caso lo que he querido hacer es acudir a su discografía, a su legado, más allá de lo que conoce todo el mundo, porque tiene una obra preciosa. He grabado dos bulerías, Maldigo tus ojos verdes, un fandango de Huelva, los tangos de Gabriel Moreno… Lo primero que he querido era recordarla y lo segundo, que se visibilice su increíble obra, extensísima y muy desconocida”.

¿Quién más se le pasa por la boca cuando canta?

“Y a mi abuela Dolores, a mi tío Eduardo, a mi tío El Mondi… es la gente que me ha hecho ser cantaor. Yo quería ser como ellos desde chico, eran mis ídolos”.

Pueden encontrar su nuevo disco en las plataformas de rigor. ¡Vamos a Escuchar!

¡¡¡Ya está bien!!! , Manuel Morao.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 26 May 2021 15:43:47 GMT

Manuel Morao

¡Ya está bien!

Es el grito desesperado de un flamenco, pionero de una de las grandes casas flamencas, en particular de un sello propio en la guitarra: Los Morao . Lean con atención, no tiene desperdicio.

El maestro de la guitarra Manuel Morao advierte que hoy lo que se viene llamando “flamenco” reniega continuamente de sí mismo.

Manuel Morao
Maestro de la guitarra flamenca.

“Permítanme el desahogo de esta queja mía, entre la indignación, la incredulidad y la tristeza, ante la monumental farsa a la que se ha llegado con lo que se viene llamando “flamenco”, sobre todo en estos últimos años. Pues lo que era un arte peculiar, genuino y distinguible, individual y universalmente expresivo al mismo tiempo, lo que era un arte pleno de vanguardia artística se ha convertido mayormente en mímica coreográfica y argumental, meramente tramoya, oropel y hueca algarabía, falso, decadente, engañador.

Lo que hoy se denomina “flamenco” ha dejado así de ser un arte reconocible, evidente y palpable para convertirse en un producto insulso, arrancado de la cultura y de la geografía que lo produjo y envuelto y revuelto para el consumo dislocado, listo para engrasar la maquinaria de la industria preferente del turismo. Toda una aberración. Se han negado, arrinconado y, en la práctica, ignorado las bases artísticas esenciales de una música ilustre y única por incomparable. Así, hoy día, lo que se viene llamando “flamenco” se ha desvinculado casi completamente de sus fuentes originarias y de su dimensión creativa, apoyándose o directamente bebiendo en otras fuentes diferentes, en otras músicas muy dispares e incluso alejadas de nuestro entorno más próximo, como el jazz o el rock u otras. Hoy el apellido de “flamenco” se le pone casi a cualquier actividad, sea a la moda, a una obra teatral, a un bar…, hasta ya existe hoy un sindicato de trabajadores del flamenco que lleva ese adjetivo. Y el colmo es que hay también hasta “embajadores flamencos”…

Un despropósito ridículo del Ayuntamiento de Jerez, que irresponsable y neciamente promociona este exterminio cultural. Pudiera ser comercialmente ganancioso, que conste que no estoy juzgando los resultados económicos que renta esta farsa del “flamenco” y de este atropello del más elemental sentido común, los cuales, para muchos, sin duda, pudieran calificarse como espléndidos, mas no hablo de rentabilidad económica, pues no soy economista ni tampoco concejal de hacienda, pero el resultado estético es inconsistente y absurdo, sin relieve formal, anecdótico, decadente y zafio, porque está mal cimentado sobre retazos o fragmentos de otras músicas y de otras manifestaciones expresivas, degradándolas de este modo a todas. Toda una caricatura sin fundamento.

Lo que hoy se considera y se aplaude como “flamenco” ha perdido su vinculación con la tradición musical en la que teóricamente se debiera de inscribir, desde donde nace y desde donde se desarrolla, la del cante gitano. Hasta los años ochenta del pasado siglo, esta tradición artística se venía reinterpretando con mayor o menor fortuna por unos o por otros, pero nunca sin rechazar de plano sus bases musicales esenciales. Hoy, sin embargo, no se sabe bien qué es el flamenco, apenas, si acaso, un amasijo informe sin carácter ni personalidad definida: cualquier cosa se etiqueta con ese apodo. Todo vale".

"Hoy “flamenco” puede ser incluso cualquiera que así se proclame o cualquier música que así se proclame, sea de donde sea y se actúe como se actúe en un escenario o incluso fuera de él

En suma, los criterios puramente mercantiles (lo que hoy se llama “flamenco” está catalogado como una “industria turística”) han sustituido a los culturales o a los estéticos. Con esa etiqueta de “flamenco” se vende algo que ya no responde a ninguna tradición musical y pretende responder a todas. Insisto en que no estoy juzgando los resultados económicos, sino que el “flamenco” se caracteriza hoy por la ocurrencia del profesional de turno y por la incoherencia y la discordancia, mayormente. Se han pervertido sus estructuras musicales fundamentales y sus formas en nombre de la rentabilidad comercial y de la afluencia de público, como único objetivo, exclusivamente. Ya me dirán ustedes si siendo este el único criterio válido todo lo que se cobija bajo esta formulismo tiene la consistencia mínima que merezca esa etiqueta. No lo creo. De siempre, el cante ha sido un arte en evolución y así debe de ser, pues como cualquier otro arte está sujeto al proceso que va de la tradición a la creatividad y también al revés.

Sin embargo hoy lo que se viene llamando “flamenco” reniega continuamente de sí mismo. Curiosa manera de desenvolverse. Hoy “flamenco” puede ser incluso cualquiera que así se proclame o cualquier música que así se proclame, sea de donde sea y se actúe como se actúe en un escenario o incluso fuera de él: un espectador, un escritor, un profesor, cualquiera que pone una escuela de baile o un periodista… Cualquiera y de cualquier latitud. Baste con que se afirme como “flamenco”. Por cierto, también es un pájaro. Está claro que hemos alcanzado el máximo nivel de indefinición del término “flamenco”. Por tanto, cuando las diferentes administraciones dicen proteger o salvaguardar o promocionar el “flamenco”, ¿qué están haciendo?, ¿qué protegen? Y, ¿qué promocionan?”

Publicado en La Voz del Sur, 24 de mayo de 2021

Los Tarantos, algo más que una gran película.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 25 May 2021 19:43:31 GMT

Los Tarantos

algo más que una gran película.

El retrato, involuntario, de la realidad social de la Barcelona flamenca en los sesenta. Dirigido por Rovira Beleta se convirtió en la obra póstuma de Carmen Amaya , nunca llegó a verla estrenada.

“Es la película que me ha dado mayores satisfacciones”.

“El primer día que rodé con Carmen Amaya ya me di cuenta hasta qué punto podía llegar a ser una gran actriz.”

“En seguida nos dimos cuenta que la mujer ideal para encarnar a la madre de los Tarantos era Carmen Amaya. Estaba rodando en Méjico, la telefoneamos y enseguida la convencimos”

“Resulta que en la película hay más planos de Carmen Amaya que de la pareja protagonista, y eso que yo trataba siempre de dar más protagonismo a los jóvenes. Pero el personaje de la madre se impuso, quizá porque lo interpreto Carmen Amaya”.

“Estoy seguro que si Shakespeare hubiese conocido a los gitanos de Barcelona no habría hecho pasar su tragedia en Verona”.

“Un Romeo y Julieta gitano era una idea maravillosa porque eso de dos familias contrarias que se toman la justicia por su cuenta está a la orden del día”, Rovira Beleta

Pero, sin duda, es la película que retrata mejor, quizás sin la intención inicial, una Barcelona carismática y original: la flamenca. En los sesenta, igual que hoy, se sigue desplazando a sus protagonistas hacía las periferias.

Ningún flamenco pidió en el invierno de 1962 al director Francisco Rovira Beleta que filmase su película en Montjuïc y en el Somorrostro, como un medio para conservar su memoria visual. No fue un rodaje consciente del documento histórico que estaba elaborando.

El interés histórico social de “Los Tarantos” radica en dar visibilidad a los excluidos de su época, en sus espacios vitales naturales, convirtiéndose en una fuente involuntaria para conocer algunos aspectos urbanísticos y sociales de las periferias de Barcelona.

Escenarios

El único hábitat que sigue hoy en pie, pero notablemente manipulado, es el centro histórico. Otro es la montaña de Montjuic, y el histórico, por ser la cuna de Carmen Amaya:

El Somorrostro, a la vera del mar Mediterráneo.

Al rodar Rovira Veleta esta película no podía saber que el barrio del Somorrostro iba a desaparecer tan sólo tres años después. En junio de 1966, las autoridades se acordaron de los ocupantes de las barracas y los desalojaron por la fuerza. Un simulacro de desembarco militar en la Barceloneta, que debía contemplar desde una tribuna la burguesía catalana, acompañando a Franco, como invitado especial, fue el pretexto perfecto para enviarlos a los nuevos barrios de La Mina y St. Roc, dominantemente. Nacían dos barrios flamencos en Barcelona, pero el proceso fue peculiar y siempre dentro de la red de movimientos a la que estuvo sometida la población que vivía en los márgenes. Una realidad que llega hasta nuestros días, donde los terrenos donde antes era margen ahora son procesos especulativos internacionales por el bien de su economía, no de la de los que viven en ellos.

¿Qué será de La Mina o St. Roc? No habrá piedad, ahora ya no son márgenes y están al ladito del mar.

Para empezar, el desalojo afectó a mucha más población de la que originalmente vivía en la barriada, atraída por la posibilidad de recibir una vivienda como compensación al traslado. Pero esa espera pudo durar meses o años, según los casos, dirigiendo a cientos de familias hacia el estadio Olímpico de Montjuïc o hacia el barrio de La Perona, situado junto a las vías del tren en un descampado propiedad de RENFE en el barrio del Clot.

¿El Somorrostro aparece tal y cómo era?

“Sí y no. O sea, es como era porque era lo mismo, pero incorporamos algún elemento como por ejemplo alguna madera en el suelo para bailar que, desde luego, los gitanos no tenían. Y construimos dos casitas de tablas pintadas con dos colores distintos. Lo que más nos costó fue llevar la corriente eléctrica, desde el pie de la montaña de Montjuïc hasta arriba de todo para obtener la potencia eléctrica que necesitábamos para rodar. En este caso sí que hubiera sido espectacular haber hecho un making off”, Rovira-Beleta.

Montjuïc, el otro margen de la ciudad .

Este es el barrio de la familia protagonista de Los Tarantos.

Lo que filmó Rovira-Beleta ilustra un paisaje otra vez en los márgenes, presente en Montjuic al menos desde los años previos a la Exposición Universal de 1929. En aquella década la montaña ya daba cobijo a los inmigrantes que llegaban en aluviones a la ciudad, gitanos y no gitanos. En 1963, seguían llegando, y las chabolas no empezaron a desaparecer hasta los años setenta, para ser borradas del mapa definitivamente con la renovación urbana de las Olimpiadas, a finales de los años ochenta. Que acabará siendo del Mont dels Jueus.

Desde el primer plano de la película, donde aparece la familia con un carro, bajando a la ciudad; mientras que en segundo término se abre una amplia panorámica del paisaje urbano condal, nos está marcando un umbral entre el mundo urbano y su periferia.

Otra de las secuencias, quizás la central, en la película, en la que llegan la pareja al territorio de los Tarantos, donde él le muestra a ella su barrio y su forma de vida. En esta secuencia se da el baile principal de Carmen Amaya, espectacular.

“Sí, aquello yo lo llamo Sangri-La porque tiene un muro, y cuando se sobrepasa es como el descubrimiento de un mundo; allí aparecía el padre de la Chunga arreglando un paraguas. Todo aquello lo monté, no había ni un gitano. Había gente que no era gitana y que se molestaron porque les llevé gitanos allí. Quise hacer que el campamento de Los Tarantos fuera muy alegre, con los gitanos bailando continuamente para compararlo con el ambiente de los Zorongos que no bailan nada”, Rovira-Beleta.

Los Zorongo s, gitanos integrados en la ciudad.

Los contrarios de los Tarantos, son los Zorongos, una familia enriquecida a través del trato de ganado, actividad laboral de su patriarca.

La diferencia entre unos y otros es notable, tanto en el nivel económico y social, como en el lugar donde conviven. Los Zorongos viven en el corazón de la ciudad, en los alrededores de la Plaza de España, donde tienen sus cuadras, todo cerca de la plaza de toros de las Arenas y el matadero: ninguno de ambos sigue hoy vivo. Esto les sitúa en un nivel social diferente, siendo gitanos, debido a su mayor interacción con la sociedad paya.

La situación acomodada de Zorongos y Picaos, estos trabajan para el Zorongo, no los excluye del contacto con las capas marginales del centro urbano.

No hay chabolas, pero hay edificios abandonados en donde se refugian los bajos fondos de la sociedad, con burgueses y bohemios, siempre al margen de rutinas institucionales, donde el mundo de la droga y sus efectos colaterales ya sale plasmado.

En los títulos se incluía la cita:” Así son los gitanos de Barcelona”.

“Ésa es una frase tonta que puso el productor, Maesso, para sustituir la cita de Shakespeare con la que yo quería iniciar la película. La opinión sobre la película entre los gitanos

fue muy diversa. El cine Comedia se llenaba todos los días de gitanos, algunos salían entusiasmados pero otros la criticaban bastante, especialmente uno que me estuvo persiguiendo con un puñal para agredirme porque decía que se mostraba a los gitanos como si fueran navajeros. Y para demostrármelo, me perseguía con una navaja.

Pero la relación con los gitanos fue muy bonita porque fue muy especial” , Rovira Beleta.

El éxito internacional de Los Tarantos contrasta con la tímida acogida que le dio la crítica especializada nacional. Rovira-Beleta consiguió con esta película la tercera nominación de la cinematografía española a los Óscar de Hollywood. Su buen funcionamiento en taquilla quizás animó al director a rodar un segundo musical de ambiente gitano, El Amor Brujo (1967), que también recibió una nominación al óscar de mejor película en lengua no inglesa.

“En esta película rodé el que creo que debe ser el primer desnudo del cine español. Es en los preparativos de la boda gitana. Me ambienté mucho para recrearla lo mejor posible. Y en un libro de un tal Lafuente leí, que a las novias jóvenes, las solteras les echan flores sobre el cuerpo tumbado en la cama. Yo entendí que el cuerpo de la novia estaría desnudo y así lo hice. El problema fue que, como las gitanas no quieren desnudarse, tuve que buscar una modelo de pintor y embadurnarle un poco el cuerpo para hacerla más morena y que pasara por gitana “

Los Tarantos . 1963. Idiomas: Español | 95 min. | Color | 1,37:1 Norma.

Dirección: Francisco Rovira-Beleta. Producción: Tecisa (España).

Intérpretes: Carmen Amaya, Sara Lezana, Daniel Martín, Margarita Lozano, Antonio Prieto, Antonio Gades, José Manuel Martín, Juan Manuel Soriano, Andrés Batista, Peret, El Chacho, La Singla, El Chocolate ….

Guion: Francisco Rovira-Beleta, Alfredo Mañas.

Fotografía: Massimo Dallamano.

Música: Fernando García Morcillo, José Solá, Emilio Pujol, Andrés Batista.

Argumento: basado en la obra "Romeo y Julieta" de William Shakespeare y una idea de Joan Francesc De Lasa.

Manuel Agujetas

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 22 May 2021 23:34:07 GMT

Manuel Agujetas

En las entrañas de lo jondo, tiene una gran importancia la familia gitana, como transmisora y conservadora de los estilos. Creando el ambiente propicio para que: cante, toque y baile se hayan mantenido en su máxima pureza y no se extingan. Sin este componente que perdura hoy, el flamenco, sería hoy sólo folclore.

El otro componente, que ha dado sentido a muchos estilos fueron: los oficios. La fragua fue escuela y perpetuadora de formas de vida que contaban con el cante, particularmente, como vía de expresión.

Uno de los últimos cantaores que cumplía con estos antecedentes, fue Manuel de los Santos Pastor, heredero de la dinastía de los Agujetas . Manuel además de fragüero, era esquilador a tijeras de ganadería, prestando sus servicios por los cortijos de la comarca, donde va escuchando a viejos cantaores no profesionales que propugnan el cante de raíz

Tratar de adivinar su edad nunca fue fiable. No hay, ni hubo certificado de nacimiento, este detalle pone de evidencia una forma de vida sin papeles, ni ataduras. Manuel fue continuador de esos cantes familiares transmitidos por vía oral, que en su persona alcanzaron dimensiones artísticas imprevisibles.

De su padre Agujetas El Viejo , heredó Manuel no solo los romances sino todo, como sus hermanos; Juan, Paco, Diego y Luis, también cantaores de tradición.

"Mi cante es muy difícil, no lo harán ni después de 1000años muerto"

Quién mejor que él mismo para intentar acercarse a su obra y forma de vida.

Entrevista publicada en el Diario de Jerez, el 05 Octubre del 2014, un año antes de su fallecimiento.

Detrás de Agujetas el mito hay una persona a la que el paso del tiempo ha hecho más accesible. Su reino es una pequeña finca, ‘Los Milagros’, a caballo entre Chipiona y Rota, donde pasa las horas junto a su inseparable Kanako “ desde hace más de veinte años ”, confiesa. Nos recibe con desconfianza y con esa frase que ha hecho suya y que, de una forma u otra, es ya parte de su papel de persona huraña y distante: ‘Tres preguntas y tres fotos, que yo cobro por eso’. Su hijo Antonio y su amigo Miguel se sientan a su lado porque hoy por hoy, conversar con él es todo un privilegio.

¿Aquí es donde pasa las horas?

“ Con esto me distraigo yo, con dos cabras. También tengo ocho gatos, que son de mi mujer. Antes tenía caballos y vacas, pero ya no, los vendí. ¿Quién les iba a echar de comer cuando me iba por ahí? Y mira, ahí está mi barbacoa (señala a una bañera con una parrilla). Ahí cabe un cochino entero, la he hecho yo (risas). Yo no estoy esmayao como otros artistas... Yo tengo pa comer, no tengo que pedirle a nadie na y eso me ha costado, he pasado muchas fatigas”.

¿Y sale usted mucho a trabajar fuera?

“Salgo cuando hay perras, si hay dinero allí está Agujetas. Ahora, aquí no hay nada, la gente lo está pasando mal, no hay dinero. Cuando voy a Japón todo está lleno y en España los bares están vacíos. En América pasa igual, hace cuatro o cinco meses estuve en cuatro sitios. El último fue en Nueva York y el mismo día que canté allí el Cónsul de España vio mi póster en la calle y vino a verme. Estuve hablando con él y aquello sigue igual. Hasta pa coger un taxi hay que esperar una hora”.

Pero estuvo usted en la Bienal hace unos días...

“Sí, los extranjeros y gente de fuera vinieron a verme a Sevilla, vino hasta una televisión de Rusia, que quería hacerme una entrevista pero no hablé, le dije que quería 4.000 euros. Yo cobro por hablar y me querían dar mil euros. Le dije ‘otro día hablamos’”.

El miércoles actuará usted en Villamarta después de siete años, ¿por qué ha tardado tanto tiempo?

“Porque la última vez que estuve me engañaron, como ha pasado en la Bienal. Ahora vengo solo, no quiero apoderados ni nada de eso, me llaman directamente. Cojo el contrato y lo mando, bueno se lo dejo a uno que me mira las cuentas, pero de aquí a nada tampoco porque Kanako está aprendiendo. Siempre que he cantado en Jerez se ha llenado, pero ahora no sé qué pasará porque está la cosa muy mala”.

De todas formas, usted, por lo que veo, prefiere cantar fuera...

“A mí me gusta cantar en el extranjero porque nadie habla, todo el mundo chilla y para pedir otra. Para cantar hay que irse a Madrid, de Madrid pa arriba y después a Francia, América... Japón no porque es mentira lo de Japón”.

Explíquese

“Lo de Japón es mentira. Van cuatro desgraciados a dar clases allí pero en Japón sólo hay un tablao y cuando va esta gente allí a cantar o bailar, ¿sabes dónde van? Pues a un bar, se sientan en un taburete y una tabla postiza, como la que pone mi mujer ahí pa ensayar todos los días. Yo cuando voy, ¿sabes lo que hago? Alquilo un teatro un año antes, y me cuesta un millón. Flamenco no hay porque si hubiera flamenco yo estaría allí. Mi mujer es japonesa y tiene dos pisos, es decir, que tengo donde dormir. Eso todo es mentira”.

Cambiando de tema, ¿la gente respeta en Jerez a Manuel Agujetas?

“En Jerez lo que hay es mucha envidia, y eso lo ha habido siempre, pero no sólo en Jerez, en España entera. Tú pregúntale a la Duquesa de Alba. ¿Cuál es el país de más envidia del mundo? Y dirá, España”.

¿Y cómo está el cante en su tierra?

“ Bueno, yo no soy nacido ni en Rota ni en Jerez, yo nací en Las Tablas. Mi madre estaba cogiendo garbanzos y nací allí, y como mi padre era de Jerez me fui allí, a la calle Acebuche. Al año me llevaron a Rota, a los dos años a Jerez, ¿y ahora qué hacemos? A mí me conocen en Jerez y en Rota. Bueno, a lo que voy... Jerez está echado a perder por un motivo, que todo el mundo se cree que sabe cantar y bailar y eso es mentira”.

“Hoy día no hay nadie que sepa cantar. Quieren hacer las cosas de Antonio Mairena, y eso es imposible porque Antonio Mairena era un monstruo. Pero no te vayas a creer que Mairena era como Terremoto o Chocolate, era más que toda esa gente. Terremoto hacía dos cantes gitanos, igual que Paula, que hacía cuatro cosas y a la gente le gustó, pero él mismo dijo que se había quedado como una boñiga de vacas”.

¿Y de la juventud? ¿Qué opina?

“¿Qué juventud? ¿Qué está cantando la juventud? Cantar, canta poco. Los niños quieren hacer mis cantes, pero lo mío es muy difícil, no lo van a hacer, pero ni ahora ni después de cien años muerto yo”.

¿Ha cambiado mucho la vida desde que empezó?

“Llevo cantando desde los 17 años, imagínate. Con 17 años dejé la fragua y me puse a cantar. Como dice mi compadre El Platero, que me recogió. ¿Dónde estaba yo en la cuna? (risas). Yo digo un cante ‘Dios se lo pague a mi compare El Platero que me recogió’ (risas). Cuando yo salí llevaba Terremoto, La Paquera y Chocolate treinta años de artista. Mairena llevaba cuarenta años. Hasta el Camarón, ese que chilla y no tiene nada que ver con el flamenco, salió antes que yo. Conocí a Juan Talega, aunque era muy viejo. Era un corredor de bestias, vendía mulos y fue Antonio Mairena quien le hizo un disco, pero ya estaba acabado. Yo fui el último que salí”.

Veo que su memoria funciona a la perfección...

“Muchas veces hay cosas que no me acuerdo y le digo a Kanako que apunte la palabra. Déjala quieta ahí, ya te la pediré. Le doy vueltas ahí, abro el libro que tengo aquí (señala la cabeza) hasta que me acuerdo. Yo no canto con papeles, me siento en la silla y puedo decir trescientos cantes uno detrás de otro. Todo está aquí (se señala la cabeza). De quién son esas retamas, son de los frailes no son de los frailes que son de la doctrina cristiana (recita). Eso lo aprendí de mi abuelo. Se lo había escuchado a mi mare por la parte de mi mare gachí, no gitana, que eran de Rota, y lo había traído mi bisabuelo de la guerra de Cuba”.

Dicen los entendidos que canta usted mejor ahora...

“Eso forma parte de la vida y pasa en todos los trabajos. Yo tengo la misma voz que cuando salí porque ni fumo ni bebo, pero antes tenía que hacer pa cantar más fuerza que ahora, sobre todo pa soltar la voz. Ahora, con la misma fuerza llego más lejos que antes. Eso lo da el saber, como en todos los trabajos. Mira, en Japón hay hombres para enseñar a hablar, pero no idiomas sino para saber hablar bien. Y dicen que hasta que no tienes 70 u 80 años no hablas bien. Es igual que el cante. Me acuerdo que Terremoto, que cantaba mu gitano, hacía unos tercios que yo por lo menos nunca los he entendido, no sabía lo que decía. Y yo el cante no lo entiendo así, porque a Chocolate y Mairena se le entiende todo y a mí también”.

¿Su padre fue un referente para usted?

”Mi padre era el amo de Jerez cantando. Mi tío Mingo cantaba por bulerías y él hacía los cantes jondos. Era un gitano pa verlo, los gitanos de Jerez nunca han tenido nada que ver con el resto. Yo tengo discos de mi pare pero ya no los pongo. Se murió mi pare y se acabó todo. Y no lo pongo porque no quiero recordar”.

“Mira, te voy a contar una cosa. Una vez le di a mi pare una cinta pero cómo no sabía darle a la maquinita borró un cante o dos. Un día vino a verme enfadado porque decía que yo le había robado los cantes. ¿De dónde te he robado yo los cantes papá? ‘De aquí dentro’ (risas). Decía que yo le había robao los cantes y se habían borrado (sonríe)”.

Para cantar bien está claro que hay que pasar fatigas...

“Muchas fatigas. A mí me costó trabajo pero aprendí, aprendí. Pasé mucha fatiga, comí una jartá de higos pasaos, pedazos de tocino por aquí por estos campos. Salía de pelar los caballos, quitar dientes de lobo y bichos por dentro del intestino. Eso lo hice mirando al veterinario. Muchas veces me daban el tocino y me iba más contento.... Se lo daba a mi mare pa que hiciera el puchero. Eso hasta que salí y me fui. No hay mal que por bien no venga, como se dice.

Si no pasas fatigas no sabes cantar y si aquí no hay causa (se señala el corazón), no hay na. Si esto está vacío, nada. Para cantar hay que buscar la causa pero eso sale con el querer sobre todo. Grandes consejos me dieron, yo ninguno tomé, grandes consejos me dieron, por uno que a ti te dieron, tú ‘ha aborrecío’ mi quere, dirme lo que te dijeron (recita). Esa es la vida, son letras verdaderas de las cosas que pasan en la vida. Ese es el cante.

También te digo una cosa, el cante, cuando se llega a maestro, se sabe, pero hay que saber encajarlo, eso no lo hace cualquiera”.

¿Grabará algún disco pronto?

“ No lo creo, los discos ya no dejan dinero. Ahora voy a sacar un libro sobre mí que está escribiendo Kanako y que se va a llamar ‘14 puñalás’. Yo tengo más discos que todos los artistas flamencos del mundo, más que Mairena y to. Lo que pasa es que hay muchos hechos en Japón, aquí no han llegado. Una vez pagué en un rastro por un disco mío 25.000 pesetas. Le dije al que lo vendía ‘Oiga, que yo soy Agujetas, ¿cómo me pide eso? Es que los extranjeros me pagan eso, si lo quiere bien si no, na’. ¿Tú te crees? Ahora lo que deja dinero es cantar en un teatro y el internet. Soy el primero que entró en internet, tengo miles y miles de gente siguiéndome y por eso cobro alrededor de 500 euros cada tres meses del extranjero”.

Está usted puesto...

“A mí ya no me engaña nadie. Bueno sí, el otro día me engañó un taxista de Jerez. En la puerta de Villamarta me monté en el taxi y me cobró antes porque decía que había gente que no le pagaba. Después cuando llegué a mi casa, hablando y hablando porque me dijo que era familia de María José Santiago, le pagué otra vez. Cuando me di cuenta se había ido y después llamé y me dijo que eso era mentira. Será sinvergüenza”.

Eso sólo pasa en España...

“En todas las partes del mundo hay gente buena y mala, pero yo no he dado todavía con nadie así. Una vez en Nueva York en el metro, a las tres de la mañana, me dijo uno ‘hola buen hombre’ y me pidió tabaco. Le dije ‘no smoke’ y se fue. Mi padre siempre me decía que tuviera cuidado por ahí pero yo siempre he mantenido que el que no se mete con nadie, nadie se mete con él. Pero bueno, en América concretamente hay muchos locos. Y ¿por qué? Porque como es un país de divorcio desde hace años, los hijos de uno los tiene otro y así acaban volviéndose majaretas. Si al niño le quita a su mare y a su pare pasa esto”.

De tanto ir a América se defiende en inglés...

“Yo cada vez que he estado en América, al mes me ponía a hablar inglés, se me da bien. El japonés, menos. También porque como Kanako habla tres idiomas, habla ella. A veces uno no se pone a hablar hasta que no tiene una necesidad. Lo que sí aprendí en una noche fue a comer el arroz con palillos. Me puse, porque no tenía sueño, y me dolía hasta el dedo. Al final aprendí, y ahora cojo el arroz, la habichuelas... (risas)”.

(Se levanta y llama a Kanako)

“Ahora me están haciendo una estatua en Francia. Enséñale la foto (su señora muestra el móvil). Es un chaval de Setenil pero que vive allí. Está hecha en piedra, y me ha dicho la alcaldesa que la iban a poner en Jerez pero vamos a ver”.

Manuel, ¿Cómo le gustaría que le recordaran?

“A mí eso me da igual porque yo no me voy a enterar. A mí qu e me queden y ya está, total, si no va a venir a verme nadie... “

Carles Benavent

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 22 May 2021 17:09:17 GMT

Carles Benavent

"el de la guitarra china" , el Bajo Flamenco .

Benavent fue capaz de introducir un nuevo elemento al sonido flamenco que se estaba gestando a finales de los años setenta, dejando una huella inconfundible en los trabajos en los que se ha visto involucrado, siendo muchos y variados.

Formó parte del Sexteto de Paco de Lucia y trabajó en varias producciones junto a Camarón, lo que sin duda, le sirvió para definir ese Bajo personal, que le abrió puertas a ser reclamado por destacados músicos de la escena internacional.

A partir de entonces el flamenco iba a formar parte de su discurso.

Poble Sec, Barcelona , 1 de marzo del 1954.

“Empecé a tocar el bajo con trece años, atraído por el blues, por Jimmy Hendrix… Copiaba a aquella gente y aún me quedan ramalazos, aún me sorprendo fraseando, metiendo una cosita de blues, lo mismo que una de flamenco”.

En 1967, en una ciudad en ebullición, forma el grupo: Crack, en el 1969: Maquina y en el 1975: Música Urbana; todos giraban en torno al jazz-rock-blues, siendo vanguardia en el sonido nacional. Pero poco a poco el sentido común les hizo buscarse en una conciencia más local, lo que los convertía en más originales, internacionales y vanguardistas.

“Había una gran emoción, pasaba algo. Había muchas ganas de hacer cosas. No había tantas cosas como ahora pero había mucha fuerza, mucho interés, la gente experimentaba, se hacían cosas nuevas, era una época muy creativa”.

“Cuando empecé eran Jimi Hendrix, Cream, Jack Bruce, Chick Corea, Stanley Clarke, Jaco Pastorius… Cuando apareció Jaco fue una revelación para muchos de nosotros. Como bajista si le he mirado más, aunque me he fijado más en guitarristas. Cuando empecé con el flamenco intenté ser una prolongación de la guitarra de Paco”.

“Con Música Urbana sacamos dos discos, el primero homónimo en 1976 y el segundo llamado Iberia, un par de años más tarde. Fue mi master class: como si hubiera ido a estudiar fuera, porque en aquellos tiempos no había Berkley, no se podían estudiar este tipo de cosas, no había escuela. Solo estaba la opción de estudiar música clásica, que yo estudié durante unos dos o tres años, pero estas cosas había que aprenderlas por tu cuenta. Conseguir los discos y prepararte la música. Música Urbana fue mi escuela y Amargós fue quién me dio el apretón gordo. Me preparó para lo que me vino luego. Cuando empecé con Paco de Lucía me vino muy bien haber estado con Amargós”.

“En Música Urbana empecé a tocar melodías españolas, nos entró la curiosidad por buscar en nuestro entorno más cercano como es el Mediterráneo. Amargós se compró una mandolina y teníamos ganas de acercarnos a lo más cercano, no tanto a los Estados Unidos que era lo típico”.

“Hay una base común, no sé si porque son músicas que vienen de pueblos oprimidos, pero tienen esa tristeza, esa profundidad… el flamenco, como el blues, es muy trágico. Y eso fue, precisamente, lo que me atrajo de esta música: la expresión, el ritmo, la vitalidad que tiene, la expresividad… Los acentos son exagerados, los zapatazos, los pellizcos”.

“Tendría que irse el bajista de Paco de Lucía a hacer el servicio militar para dar el paso definitivo. Jorge Pardo y Rubem Dantas me propusieron como suplente. Y me hicieron el casting. Me senté con Paco y, a los cinco minutos, ya se vio que aquello funcionaba, que había un camino por seguir. Y nos pusimos manos a la obra”.

“Fue de lo más importante que me ha pasado, aparte de Máquina! y Música Urbana. Allí encontré un camino, este sí, el camino que voy a seguir. Lo descubrí en cuanto me senté con Paco. Trabajar con Paco de Lucía es aprender. Aparte de las giras, grabé cinco discos con él y cuatro con Camarón.

"Para muchos éramos intrusos del flamenco".

“Al principio era un bicho raro, igual que Jorge Pardo. Lo que no fuera una guitarra y unas palmas era raro, hasta el cajón les parecía raro. Intenté involucrarme con la guitarra, como siempre he sido un poco inquieto con el bajo, salirme del papel del bajo, acercarme a la guitarra, intentar doblarlo, hacer voces. Hacer que el bajo sea más que un bajo".

“Estando con Paco en Japón conocí a Chick Corea. Se interesó por mí, llamó a Paco y le preguntó que si podía trabajar con él. En ese momento, Paco estaba de gira con Al Di Meola, y le dijo que sí. Me llamó Chick a casa, no veas que alegrón. Todavía alucino. Yo he tenido mucha suerte en la vida y he sabido aprovecharla. Debes estar preparado para aprovechar las oportunidades y que ser capaz de realizar una tarea superior a lo que tú sabes para que puedas subir unos escalones."

Su primer disco como solista:

“Después de la primera gira con Chick Corea, Mario Pacheco me dijo: tenemos que hacer un disco de bajos. Eran los comienzos de Nuevos Medios. Lo primero que sacaron fue el mío y el de Habichuela. Lo recuerdo como si fuera mi primer hijo”.

Otro de sus grandes momentos, Festival de Jazz de Montreaux 1991, dedicado a la música española.

“Toqué solo dos temas, pero fue como un sueño. Quincy Jones dirigiendo y Miles Davis a dos metros: a veces creo que lo he soñado, todavía no me lo creo. Me lo presentaron. Era un ídolo. Fíjate, que toda la orquesta se calló cuando entró a la sala de ensayos, hubo un silencio absoluto. Fue como si Camarón hubiera entrado en el Candela”.

“Curiosamente estábamos trabajando en una versión del “Soy Gitano” de Camarón el día que murió. Estábamos grabando unas bases y nos llamó Teddy Bautista y nos dijo que acababa de morir. Tuvimos que parar”.

Un trío , con Tino Di Geraldo y Jorge Pardo

“El Concierto de Sevilla es un disco en directo nacido de una anécdota: para una actuación no vinieron ni el cantaor ni el guitarra y salimos en trío. Nos gustó mucho y seguimos así. Me parece muy interesante la forma de trío”.

E l Bajo

“Tengo dos, los empecé a hacer de taller, en vez de ir a la tienda de Prêt-à-porte, vas al sastre y te hace el traje a medida. Te acostumbras a eso y yo no quiero comprar uno, quiero diseñarlos. Mis bajos se caracterizan por el peso, me gusta que no pesen, los trastes son de mandolina, las cuerdas muy justas porque toco con púa… Son detalles que vas afinando poco a poco”.

“Mi bajo tiene cinco cuerdas, la quinta más aguda. En vez de sonar por abajo, como es normal entre los bajistas de cinco cuerdas, yo la uso más aguda para hacer acordes y tener un bajo piccolo, tirando hacia la guitarra. Me tuve que adaptar por el mero hecho de que no puedes hacer con un bajo todo lo que hace una guitarra. La técnica de la mano es increíble, así que yo con la púa me busco la vida, en eso sí que me he tenido que inventar el sistema”.

“Que la música que hago me sorprenda es seguir sorprendiéndome con el sonido que desprende mi instrumento. Esto es lo que te da estímulo para dedicar tiempo a estos proyectos”

"Camarón, Paco de Lucía y Amargós por los que me han afectado en mi manera de tocar”.

Camarón 1970 en San Fernando

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 15 May 2021 10:47:39 GMT

Camarón 1970

Como buen cañailla que siempre demostró ser, Camarón concede entrevista en el Mirador de San Fernando, el entrevistador fue Enrique Montiel y el motivo de la visita del cantaor a su pueblo, un homenaje que se realizó a favor del torero Francisco Ruiz Miguel.

“Estoy extraordinariamente muy feliz de volver a mi tierra, aquí tengo a mi madre y mis hermanos y muchísimos amigos que me quieren. No, no tengo novia, de momento no hay nada de eso"

.
“Aprendí a cantar en la Isla. Recuerdo que cuando era chico mi madre cantaba, y lo hacía de tal forma que hasta el sueño perdía. Después esos cantes los grababa en mi memoria y los cantaba por todas partes. Todavía canto algunos de ellos. Mi padre también cantaba".

"Para mí el cante es una cosa que se lleva dentro, solo hay que descubrir que uno lo tiene. Yo lo llevo en la sangre como mis padres los llevaban en las suyas.

Después de la Venta de Vargas dónde también aprendí me fui a Madrid y estuve actuando con algunas compañías por toda España".

"El futuro inmediato me tengo que ir a Barcelona para hacer con unos empresarios de Madrid una gira por Europa. Estaré en Alemania y por casi todo el centro europeo. Luego volveré a España y es posible que me contrate “El Caracol” para Los Canasteros.
Manolo Caracol me quiere y ha hablado varias veces de mí en la prensa. Es mi maestro indiscutible en el cante.".

"Ya tengo algunos discos grabados y pienso grabar más pero para mí es muy difícil grabar discos, me quedo sin voz, porque cantar en un estudio es hacerlo en frio y el cante lleva fuego, pero todo es acostumbrase".

"Del dinero ná, nunca tengo un duro aunque espero algún día tenerlo. Para vivir que es lo importante, lo tengo" .

Información sobre La Isla:

https://www.elguichidecarlos.com/

Ketama huele a Kifi

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Thu, 13 May 2021 12:50:29 GMT

Ketama

huele a Kifi

según Antonio Carmona

"Antes de crear Ketama , en una época entre 1980 y 1987, éramos el grupo base del tablao flamenco Los Canasteros , que era de un gran cantaor, Manolo Caracol. A ese sitio le decían el Teatro Real de los Gitanos, el lugar con más prestigio para los flamencos en Madrid. Quedaba en la calle Barbieri, y allá se presentaban los artistas más grandes de la rumba catalana".

"José Soto ‘Sorderita’ , Ray Heredia, mi hermano Juan José, ‘El Camborio ’ y yo acompañábamos a Manzanita , a El Pescadilla , Antonio González, que era el esposo de Lola Flores, entre otros músicos. Allá se presentaban Las Greca s, un dúo de flamenco rock, y el grupo Triana , una banda de rock andaluz. Había un amplio abanico musical que nos influenció luego, cuando creamos Ketama ."

"Un amigo nos llevaba siempre hachís al tablao porque acá en España esta sustancia es tan común como la cerveza. Le preguntábamos de dónde provenía este producto y él nos decía: “de Ketama, de Ketama”. Averiguamos qué era eso y descubrimos que era un valle ubicado en la cadena montañosa del Rif, en el norte de Marruecos, donde desde tiempos inmemoriales se cultiva cáñamo. De allá proviene la mayoría del hachís que se consume en Europa."

"La palabra Ketama nos gustó porque era exótica, bonita, sonaba andaluz, tenía un toque flamenco y árabe, una mezcla, como la fusión musical que queríamos hacer con toda la influencia que habíamos recibido. Nos pusimos de acuerdo para bautizar así el grupo. En el segundo disco que lanzamos, La pipa de kif, hay una canción del mismo nombre. Este es el título de un libro de poemas de Ramón del Valle Inclán , publicado en 1919, en el que se destaca uno titulado La tienda del herbolario , una declaración de amor a diversas plantas que producen embriaguez y placer a los sentidos. Es un poema extenso. Nosotros extractamos algunos fragmentos y les pusimos música."

El comienzo de la canción es toda una exaltación:

“ ¡Verdes venenos! ¡Yerbas letales
de paraísos artificiales!
A todos vence la marihuana,
que da la ciencia del Ramayana”

"En esta época tocábamos para muy poquita gente, era un público muy cool al que le encantaban estas cosas. Lo que realmente nos importaba entonces era que personajes a los que admirábamos como Camarón de la Isla, Paco de Lucía, Las Grecas, Manzanita hablaran de nosotros".

"En otras canciones posteriores hicimos menciones similares. En Augustito , por ejemplo, cantamos: “ El humo de un joint me hace volar” .

"En Marruecos nos aman. Hicimos varias giras con músicos locales".

Antonio Carmona "Habichuela" , revista Soho

Pintor Fortuny, Chorrojumo y Carmencita.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 11 May 2021 21:54:27 GMT

Pintor Fortuny , Chorrojumo y Carmencita.

Mariano Fortuny es uno de artistas más internacionales de todo el siglo XIX. Maestro de la pintura, su arte marcó decisivamente el gusto del mercado de su tiempo por el contenido de su obra, que busco escenas cotidianas del pueblo, alejadas de gustos académico-burgueses. Chocaron con la intelectualidad del momento pero esta acabó claudicando ante su éxito y los imitadores surgieron por todas partes.

Primero fue en Marruecos, pero luego fue Granada y Sevilla, donde definitivamente descubre a los Gitanos, el bohemio que tanto acabó gustando a los franceses. Fortuny se convierte en uno de los primeros modernos incorporando a su obra personajes como Chorrojumo o Carmencita , que acabaron convirtiéndose en mitos, definiendo el imaginario de la burguesía intelectual. Dicho fenómeno ha ido cambiando de embalaje, perdurando hasta la llegada de los Hippys , cuya palabra recuerda muchísimo a Gipsys ; ser Hip fue un término afroamericano con reminiscencias ibéricas sin duda.

¿Para cuándo nuevos episodios de la burguesía intelectual reinterpretando al Gitano?

En la mayoría de casos desconocemos a los modelos en el arte, pero Fortuny hizo que al menos dos de ellos se convirtieran en iconos internacionales, de los cuales quedaron testimonios, no como la mayoría que quedan en el anonimato del olvido.

Uno fue: Chorrojumo , el granadino más universal de su época. Su retrato apareció en miles de postales y cuadros, tuteando a reyes y emperadores, pero nada hubiese sido igual sin Fortuny.

« Príncipe de los Jitanos. Modelo de Fortuny » , Chorrojumo ponía en sus postales esta firma, algo que al pintor le llenaba de orgullo.

"Chorrojumo", pintado por un discípulo de Fortuny, Miquel Carbonell.

Todo aquello no era más que la consecuencia de lo que el pintor propuso, al gitano, después de comprarle esas ropas para que posara para algunos cuadros, todo un montaje publicitario. Al calé le gustó la idea de cobrar por pasearse y no por darle a la fragua, que es como se ganaba antes la vida, y desde entonces subía a diario a la Alhambra, vestido de sombrero negro de alcuza con motas, chaqueta corta azul con alamares de plata, faja grana, pantalón negro ceñido, y una varilla con contera en la mano.

Así pasaba el día, siendo una atracción tan importante como la Alhambra, burgueses y bohemios buscaban el exotismo cultural con que justificar su viaje a Granada, casi nada. Sirvió de modelo a los más afamados pintores, calculándose en muchos miles el número de las tarjetas postales que con el retrato del clásico gitano habrían circulado por Europa y América. La reina de Inglaterra y las hijas de los condes de Connaugth, cuando visitaron Granada, le conocieron y obtuvieron fotografías suyas. Una vez que vino el emperador de Alemania Guillermo II, «Chorrojumo» se permitió preguntarle por la familia y tutearlo. Al ver la extrañeza de los acompañantes, exclamó:

“¡Como tos los reyes sernos primos por eso nos tuteamos!”.

Al Kaiser le hizo mucha gracia.

En sus últimos tiempos le salió un competidor y tenía que andar a garrotazos con él cada vez que aparecía por los palacios.

Mariano Fernández Santiago , murió el 10 de diciembre de 1896, a los ochenta y dos años, cuarenta después de empezar su carrera como guía y espectáculo andante, por la Alhambra. Aquel gitano pícaro que sacaba los cuartos a los extranjeros recreando pasajes de los "Cuentos de la Alhambra" de Washington Irving.

Le surgieron imitadores por doquier, la prensa relata así el intento de uno de sus hijos por seguir con el Reinado de la Alhambra:

“ Con Chorrojumo puede afirmarse que murió la (dinastía) cañí granadina, porque su hijo «no estaba a la altura de las circunstancias. Carecía de prestancia y de acierto en la conversación. No pudo heredar el aire de sultán destronado que caracterizaba a su padre. Tuvo, pues, que abandonar el catite, chaquetilla de alamares, faja y vara y rasurarse las patillas y dedicarse a tocaor de guitarra. Lo que él decía amargamente:

“¡A lo que hemos llegao los reyes!”.

La Hoja Oficial del Lunes, publicado en 1955.

El mito de Carmen según Fortuny y una pizca de sal.

Carmen Bastián era una atractiva gitana de 15 años, del Barranco de la Zorra de Granada, lugar donde la conoció el pintor. Ante su belleza y después de convencer a su familia, consiguió que la gitana posara para él, en varias de sus obras.

Entre los cuadros con Carmen, destaca de sobremanera uno que lleva su nombre:

“Carmen Bastián”

La joven posó no desnuda sino con las faldas remangadas, el centro del cuadro y foco visual en el pubis triangular y peludo de Carmen.

La tradición indicaba que el desnudo se debía excusar, a estas alturas a Fortuny ya no le interesa el academicismo y la temática es todo lo libre que él quiere, no hay ni un amago de pudor, no es un desnudo robado es natural y descarado. Para dotar de mayor misterio pertenece a sus obras inacabadas.

Una pintura que debe ser leída en clave interna o intimista, para su creador, pero con su muerte, paso a formar parte de su colección. La familia incapaz de aceptar una obra de semejantes características prefiere etiquetarla de rareza, para que no pudiese manchar la reputación del artista. Todo lo contrario a lo que pensó el pintor que más bien respondía a instintos que no estaban sometidos a la moral reinante en la sociedad catalana, moralista y clasista.

Los rumores, que entre pintor y modelo había un lío amoroso. deberían quedar entre ellos dos.

Si sabemos que Carmen se trasladó a Madrid, para seguir su camino como modelo de artistas, pese al rechazo familiar y un trágico final, acabó suicidándose.

El mito de Carmen sigue vigente y por redefinir en el S.XXI

Fortuny murió cuatro años después de abandonar Granada, a los 36 años, por culpa de la malaria que pululaba entonces por el centro de Roma.

Recordó su etapa andalusí como los mejores días de su vida, junto a Chorrojumo y Carmencita, y toda su corte.

Por si alguien es capaz de no darse cuenta de la relación de Fortuny con el flamenco. La banda sonora de todos sus cuadros, sobre los gitanos de Granada, estaba basada en el inicio de un nuevo estilo musical que se definía en esos momentos, que vino a llamarse: Flamenco.

José Manuel Caballero Bonald: “Adiós al Tío Pepe”

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 10 May 2021 16:32:52 GMT

“Adiós al Tío Pepe ”, Jerez y el flamenco pierde a uno de sus congéneres:

José Manuel Caballero Bonald

Jerez, en pleno Festival de flamenco, llora la muerte del escritor, que fue un constante impulsor y estudioso del arte jondo.

En su infancia tuvo tres descubrimientos esenciales: la literatura, el flamenco y el mar.

Surcando los caminos por los que exploró el cante, el toque y baile, descubrió algo más que una pasión, aprendió aquello que a veces la vida no enseña, pero existe, suena y duele. El flamenco lo doto de una potencia expresiva que aplicó en su obra literaria.

Pero el tema, se convirtió en una constante y quiso aportar una labor documentalista con ensayos, escritos y algún libro, entre los que destaca: “ Luces y sombras del flamenco ” (Lumen, 1975), con una excelente edición acompañada con fotos de Colita

“Es simplemente una guía útil y, eso sí, bien trabada documentalmente y supongo que inmunizada contra la ínfima literatura producida en esos arrabales temáticos” , sentenció .

Nunca se sintió orgulloso de sus publicaciones en torno al flamenco, más bien se convirtió en su obligación, un grito de rebeldía ante una sociedad que ni sabe, ni quiere saber.

En cambio fue para él todo un privilegio su labor en los años 60 en busca de aquellas cantaoras y cantaores que conservaban las viejas esencias del flamenco. Archivo del cante flamenco (1968) recoge la expresión del flamenco doméstico, con artistas insólitos que repartían su arte en patios, en los cuartos de cabales, en modestos tabancos, pero de quienes no había registro sonoro. Fue publicado por la discográfica Vergara constituyendo un documento étnico-musical para la historia: 77 cantes con: Juan Talega, Manolito de María, El Negro de El Puerto, Luis Torres, Joselero, Tía Anica La Piriñaca, Perrate de Utrera, Manolito de María, Tío Borrico, Santiago Donday, Tomás Torre, Manuel de Angustias, o las guitarras de Diego del Gastor y Antonio de Sanlúcar … Los grabó con una metodología inédita hasta ese momento: en sus medios naturales, a pie de calle o más bien de reunión, de fiesta, posibilitando una atmósfera natural, lejos de estudios de grabación,

“El carácter de nuestro Archivo no podía soslayar ese fundamental capítulo de la localización de los intérpretes no profesionales, anónimos en muchos casos o sólo conocidos en algún limitado sector de sus respectivos lugares de nacimiento”.

“Ha sido una noticia muy desagradable para nuestra familia. Frecuentaba nuestra casa en Madrid y tuvimos mucho trato con él”, Vicente Soto, hijo del gran Sordera , con la producción y letras del escritor grabaron juntos 4 discos.

“Era un gran conocedor y defensor de los valores que nos identifican”.

En aquella casa madrileña paraba el primo de Vicente: José Mercé , que lamentaba igualmente la pérdida del “ tío Pepe, como nosotros lo llamábamos ”, a la vez que recordaba que produjo y escribió todas las letras de su primera grabación, Bandera de Andalucía .

Descanse en Paz, José Manuel Caballero Bonald , su obra no se limita a lo mencionado, pero sin duda uno de sus anhelos era y debe ser, reivindicar el flamenco como nuestro arte más genuino.

El Luis, Gitano Soul

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 07 May 2021 23:42:21 GMT

EL LUIS

el Gitano de voz negra y acento gallego, detonante del Nuevo Sonido Flamenco.

Luis Barrull Salazar , nacido en Galicia y afincado en Argentina, se convirtió en atracción entre los flamencos que visitaban Buenos Aires. Paco de Lucía, Camarón, Lola Flores y otros muchos reclamaban su presencia, así conoció a Las Grecas, y les cedió una de sus composiciones “ Laula Ulah ”.

Animado por el éxito de Las Grecas y el interés de su productor, el genial José Luis De Carlos, decidió probar suerte y vuelve a casa.

Las cosas se precipitan al llegar El Luis a Barajas: allí le recogió un coche que lo trasladó directamente a los estudios de CBS, donde grabó en una sola toma, voz y guitarra, los temas del que sería su primer álbum:

- El Luis -.

José Luis de Carlos destacó: “ la impresionante precisión rítmica del cantante ”, que evitó tener que repetir alguna toma una vez incorporadas las pistas del resto de los músicos.

Lo contratan en Torres Bermejas donde actúa a diario durante seis meses y viaja a Nueva York para grabar su primer disco de título homónimo.

"Cuando lo grabamos en Nueva York los músicos negros decían que lo único extraño es que ellos no pudieran entender las letras porque la vibración musical la captaban instantáneamente..."

Su primer disco es recibido con halagos por los críticos además de alcanzar cifras de ventas que le proporcionan el disco de oro, al tiempo que la revista Record World le concede el galardón de cantante revelación del año.

El promotor musical coruñés empresario y periodista Nonito Pereira Revuelta , pieza clave en el noroeste peninsular de la escena musical local e internacional, nos dejó el siguiente artículo que nos habla de su paisano.

RECORDANDO A "EL LUIS", UN GITANO CORUÑÉS CON "SOUL" Y DUENDE"

EL "NUEVO SONIDO GITANO" TUVO ACENTO GALLEGO

"EL LUIS"

Nacer, lo que se dice nacer, el "nuevo sonido gitano", también conocido como "gipsy power", no nació en A Coruña, aunque si uno de sus "talentos": Luis Barrull --30 julio de 1948 -- al que se le conoció artísticamente como "el gitano de voz negra" y su hermano "Zingaro" que formaron parte de esa "escudería" musical”

A mediados de los años 70, en el panorama musical español explotó una bomba estilística, el "nuevo sonido gitano", que tenía en el productor musical José Luis de Carlos uno de sus artificieros. En su escudería figuraban entre otros Manzanita, Zíngaro y El Luis.

El descubridor de estos nuevos talentos dejo en su día muy claro que hablar de flamenco o de "estilo andaluz" no tenía cabida en la nueva etiqueta. Su pretensión era avanzar con sus "pupilos" por caminos inexplorados por entonces, contando con el poder de "absorción" que los gitanos tienen de la música que suena a su alrededor y su facilidad para transformarla según sus modos particulares de expresión...

"Los gitanos, no escuchan solo flamenco y con su nivel tan alto de musicalidad --tan similar al de la raza negra --no es extraño que haya dos palabras tan hermanadas como "soul" y "duende”. Así prologó José Luis de Carlos la irrupción de El Luis en 1976 dentro las variables estilísticas del flamenco, jazz y rock. Lo que actualmente se conoce como fusión.

"El Luis es un cantautor gitano. Coge la guitarra y hace canciones. El no aprendió la guitarra flamenca con mucho punteo, como es lo habitual, sino como un instrumento rítmico. Eso condiciona radicalmente sus ideas de creación y de composición. Por otra parte, canta dentro de un sistema binario evocando el rock...En lo vocal, el cruce cultural es más impresionante...se mezcla África, lo árabe...hasta llegar a emocionar...”

EL GITANO DE LA VOZ NEGRA

"El gitano, desde que sale del

vientre de su madre, nace con

un don especial para cantar y

tocar la guitarra :igual que los

negros."

Luis Barrul , El Luis, nació un 30 de julio de 1948 en A Coruña.En 1962 emigra con los suyos a Sudamérica, pasando un tiempo en Brasil y asentándose definitivamente en Argentina durante 15 años. Allí se dedica por entero a sus actividades comerciales --vendiendo artículos textiles --, sin olvidar nunca sus inquietudes musicales que ya desde pequeño sentía, aunque, sin pensar a dedicarse a ello profesionalmente...

"Lo que sí noté es que, conforme pasaban los años, tenía un mejor sentido del ritmo --comentó en su día El Luis --…Allí había un teatro al que venían muchas compañías flamenca --Lola Flores, Antonio Gades, etc...-- y al final de su actuación me oían cantar en juergas particulares que teníamos nosotros. Se sorprendían que yo cantara distinto a los demás. En ocasiones me grababan cintas y se las traían para España. Hasta el punto de que luego, aquí, se regrababan y se vendían entre los gitanos..."

Fue el inicio de una primera y espontánea admiración hacia El Luis, a quién llamaban "el gitano argentino". Las Grecas, Los Chorbos, Camarón de la Isla y Amina, entre otros grabaron sus temas. Algunos intentaron imitarle su estilo, pero, con poca suerte...

"Cuando tienes algo que te sale de las entrañas, los demás no pueden parecerse a ti “, sentenció.

El caso es que El Luis, harto de ser conocido a tantos kilómetros de distancia, se viene para España y comprueba que sus temas y su fama están presentes en todos los tablaos flamencos de Madrid. Lo contratan en Torres Bermejas donde actúa a diario durante seis meses y viaja a Nueva York en 1976 para grabar su primer disco de título homónimo. Es el "boom" de El Luis

"Cuando lo grabamos en Nueva York --comenta su productor José Luis de Carlos --los músicos negros decían que lo único extraño es que ellos no pudieran entender las letras porque la vibración musical la captaban instantáneamente..."

DISCO DE ORO, "PINCHAZO" Y CÁRCEL

Su primer disco es recibido con halagos críticos además de alcanzar cifras de ventas que le proporcionan el disco de oro y tres de sus singles " Yo te lo digo cantando", "Que triste es llorar y llorar" y "Beibe no huyas más" circulan por las listas de éxitos al tiempo que la revista Record World la más importante en el mundo de habla hispana -- le concede el galardón de cantante - revelación del año.

Saboreando las mieles de triunfo, entra de nuevo en los estudios para grabar su segundo disco --"Solo, solo" --en 1978 pero los resultados son menos afortunados y no tuvo buena aceptación. El disco era bastante más sofisticado, con sintetizadores incluidos y un mayor atrevimiento en su concepción. El bache coincide con una de problemas personales que inciden negativamente en su carrera artística. Regresa a Sudamérica -- México y Argentina-- y a su vuelta se encuentra con una requisitoria judicial por temas comerciales e ingresa un mes en Carabanchel.

"En la cárcel te sobra tiempo y tienes muchos temas en los que pensar...Yo me desahogaba escribiendo sobre esa angustia de estar encerrado, de no tener libertad....Te fijas en la gente, les ves amargados....allí escribí diez canciones y pedí permiso para que me dejaran un casete y una guitarra...bueno, la guitarra no me hizo falta porque allí había otros gitanos que me ayudaron..." --comenta El Luis.

Los "jolgorios" que montaba adquirieron tal aceptación en la cárcel que las propias autoridades de la prisión organizaron una especie de recital del que El Luis guarda un emocionado recuerdo:

"En líneas generales, lo de mi paso por la cárcel fue una experiencia más en mi vida, de la que no me arrepiento."

CANCIONES "CARCELARIAS" PARA "GITANO SOUL"

Fueron aquellas canciones carcelarias impregnadas de misticismo las que formaron su tercer álbum, grabado entre Madrid y Nueva York donde le acompañaron un abanico estelar de músicos negros.

El las presenta:

“Gitano Juan" y "Porqué había una ley" son las que tienen mayor carga crítica...yo creo que hay justicias e injusticias. Hay justicias justificadas e injusticias injustificadas. Yo pasé tres días por la DGS y allí ví guantazo tras guantazo. “Gitano Juan" habla de lo que era antes la Guardia Civil con los gitanos. Ahora ya están al margen de los gitanos porque han derogado varias leyes. La otra canción es de mayor amplitud, habla de una política represiva.

"No me abandones Señor" es un góspel. Durante seis meses El Luis fue "evangelista" y en esta canción recuerda los cantos religiosos aprendidos en esa época. Los restantes temas se centran en la libertad y el amor. “Oh libertad", "Manantial de estrellas" y "Quiero libertad", son gritos de angustia, dramáticos y emocionantes con unos arreglos excelentes. Mientras que la última tiene un aire extrañamente caribeño.

Después de este tercer disco su trabajo se fue diluyendo, aunque en 1991 volvió a grabar --"Vis a Vis" -- en un sello independiente a un antiguo ejecutivo de su compañía CBS, especializado en mantener la llama del flamenco pop.

Nonito Pereira Revuelta falleció en 2019. Cada día estamos más faltos de gente como Nonito, que vivieron la música como un negocio pero con una pasión extraordinaria.

El Luis , instalado hoy en Lugo conserva el legado cultural de toda una vida como un auténtico Gangsta Gitano. El y su hermano El Zingaro, deberían tener más constancia cuando se habla de la música moderna con verdad.

El Aire, sonido pre-Pata Negra + versión 2019, desde Lugo, sonido casero, ese que sin acompañamiento no pierde el ritmo.

Antonio Gades: "En mi hambre mando Yo"

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 07 May 2021 13:55:26 GMT

ANTONIO GADES:

“ Al baile, como a todo, hay que quitarle lo superfluo ”.

“Para escapar del hambre, no por otra cosa. Por mis venas no corría entonces sangre vocacional por la danza, sino más bien anemia por hambre. O sea que llegué al baile por hambre. El hambre, o te hunde o te despierta la inteligencia”

Un referente en la Danza y el Teatro del siglo XX, consciente, en todo momento, de que su trabajo estaba representando la herencia cultural de su pueblo, y que debía andar con pies de plomo para respetar su integridad, sin desnaturalizarla. Con trabajo y persistencia hizo del flamenco un arte dramático, teatralizando sus coreografías, huyendo del punto exhibicionista y gratuitamente virtuoso.

Bailarín, coreógrafo e intelectual de la danza, buscó con su obra restituir la esencia de cada paso, de los que han sido definidos por la tradición, por el folclore, por el pueblo.

“La gente piensa que para bailar hay que ser joven, guapo, alto, delgado… Para nada es así. Bailar es expresar un sentimiento y lo puede hacer cualquiera. No somos una compañía que danza, es un pueblo que danza”.

Antonio Esteve Ródena, Elda por 1936.

“Cuando yo nací mi padre había renunciado a estar presente en el nacimiento de su hijo para estar al lado del pueblo, con un fusil en la mano, algo que me llena de orgullo”.

“Mi padre, que es la persona que más he admirado y la que más me ha influido, me enseñó a respetar a los demás”.

“Una herencia maravillosa, que se resume en dos normas: el que no es agradecido no es bien nacido, y en mi hambre mando yo”.

“Acabada la guerra no era cuestión de quedarnos en nuestra provincia, y nos trasladamos a Madrid. Vivíamos en una portería en Pacífico. En aquella época las porterías se las daban a los mutilados del régimen. Vivíamos los tres, mi padre, mi madre y yo, en dos cuartos muy pequeños, la cama estaba metida debajo del hueco de la escalera. Y un día mi padre apareció con una embarazada y su marido que habían echado de la obra, y los instaló con nosotros”.

“Probé de todo, de ciclista, torero, lo que nos dejaban a los pobres, hacer de bufones, básicamente. Hasta de boxeador, pero la primera guantada que me dieron dije que la próxima se la diera a su madre y tiré los guantes”.

“Trabajé en muchos sitios debido a que de todos me echaban ya que había órdenes que no cumplía porque no me daba la gana”.

A bailar, para escapar del hambre, tras probar suerte en el toreo, allí se jugaba la vida y el baile le dio vida.

“De pequeño vi tan de cerca la humillación y el desprecio que, con el correr del tiempo, la dignidad es algo que me preocupa hasta la obsesión”.

“Para escapar del hambre, no por otra cosa. Por mis venas no corría entonces sangre vocacional por la danza, sino más bien anemia por hambre. O sea que llegué al baile por hambre. El hambre, o te hunde o te despierta la inteligencia”

“Tras tomar lecciones de Manolo Vargas, primer bailarín de la compañía de Pilar López, Pilar me llama a Madrid y enseguida me contrata, haciéndome el año siguiente primer bailarín de su compañía, donde interpreté buena parte de su extenso repertorio. Fue ella la que me puso el nombre artístico de Gades. Era una ocasión inesperada y mi vida cambió de horizonte. Allí mismo me fue dando clases y poniendo coreografías, y así fui aprendiendo. Por espacio de nueve años recorrí los principales teatros del mundo, primero como miembro del cuerpo de baile de Pilar y luego como primer bailarín”.

“Con Pilar aprendí el comportamiento de un profesional de la danza, dentro y fuera del escenario. Aprendí primero la ética profesional de la danza, antes que la estética. La primera lección que me dio fue de humildad. Un día, al final del espectáculo, entre los aplausos, hice un gesto como queriendo compartir el triunfo con el director de orquesta. Y cuando salí del escenario esperaba que Pilar me felicitara, y lo que me dijo fue: “no vuelva usted a echarle la culpa a nadie”.

“En la primera gira al extranjero fuimos a Caracas. Yo creía que eso no era el extranjero ni nada, porque hablaban en español. Fue en el Teatro del Este, considerado entonces como el más moderno de América. Y recuerdo también un viaje a Japón en un barco, desde Marsella a Yokohama, 34 días para ir, 15 de trabajo y 33 para volver”.

“Realmente aun no tenía decidido mi futuro. Fue en 1954 que yo me aficioné al toreo. Participé en una corrida en traje de luces, pero no maté ningún toro. Yo era el suplente. Pilar López me aconsejó que lo dejara. Todo se podría terminar por un golpe de cuerno y corría el riesgo de no poder ni bailar ni ser torero. La coreografía y la tauromaquia son dos artes comparables por su estética, el color, el ritmo, pero con la diferencia de que en el segundo caso, uno se juega la vida”.

“En 1957 bailé en la Arena de Verona con Pilar López mi primera “Carmen” de Bizet. Con Pilar realicé mi primera coreografía titulada “Ensueño”, sobre la obra de Joaquín Turina del mismo título (Danza Fantástica nº 2, op. 22). La última representación que hice con el Ballet de Pilar López fue en el Royal Albert Hall de Londres en 1961”.

"Tras nueve años junto a Pilar López, nunca dudé en reconocer que me había formado como bailarín y como persona, ya que me había enseñado que lo importante en el baile no era ser mejor que los demás, sino mejor que uno mismo".

"En aquella época yo estaba preocupado por aprender de otros maestros, tal que la escuela bolera de Alberto Lorca, el zapateado con El Estampío, la farruca con El Gato o la jota aragonesa con Pedro Azorín".

"En el año 1961 pensé que había concluido un ciclo en mi vida artística, un ciclo de aprendizaje, por ello decidí dejar el Ballet Español de Pilar López e independizarme, formar mi propio grupo y seguir aprendiendo en otros lugares. Me trasladé a Italia y a Francia donde tuve la oportunidad de continuar mi periodo de formación”.

“En mi primera compañía, en el año 1963, éramos cinco, y en la última que formé, treinta y seis. Se componía de dos bailarines, una bailarina, un guitarrista, un cantaor e hicimos nuestro debut en Barcelona donde tuve un gran éxito en un tablao flamenco que se llamaba Los Tarantos".

Treinta años más tarde, en 1994, estrenaba Fuenteovejuna en Génova con una compañía de treinta y seis personas, considerada hasta la fecha como obra cumbre de la danza española, fue también, por desgracia, su última obra.

Sentencias de Antonio Gades:

"Eso que se llama inspiración y duende si no es con trabajo no viene"

“Nosotros tratamos de siempre, no hacer un espectáculo de divertimento ni clasista, sino representar lo mejor que podamos la cultura del pueblo, dentro de unas formas del planteamiento contemporáneo, porque yo no soy historiador ni folclorista, sino una persona que ha estudiado folclore para hacer un espectáculo, sin estropear la imagen ni el sentido de esa cultura”.

“Existe el hombre porque existe la mujer, igual que existe el sonido porque existe el silencio. No creo ni en feminismos ni en machismos. Creo que hay que bailar hacia dentro. Al suelo no se le debe aporrear. ¿Qué mal nos ha hecho el pobre suelo? Yo he aprendido mucho de mis profesores, de mis amigos, de la gente que me ha rodeado. Pensé que había que hacer baile español para españoles, no esas imitaciones indignas para el turista que han llegado a deformar nuestro gusto. En el 73 había estrenado BODAS DE SANGRE, y a partir de ahí descubrí que quería seguir por ese camino de no dar gusto al cuerpo, sino de contar historias, y hacerlo con nuestras, las que proceden de nuestra cultura”.

“Gracias al pueblo llano y simple que me proporcionó el caudal inagotable de su sabiduría para enriquecer mi trabajo. Ese pueblo me enseñó que la tierra está para acariciarla; unos, acariciándola sacan trigo, mientras nosotros acariciándola extraemos su música. Pisoteándola y humillándola no produce ni música ni espigas”.

"Hay que ver y oír mucho, es fundamental para aprender y crecer".

“… yo, como Buñuel, soy ateo por la gracia de Dios.”

“Al baile, como a todo, hay que quitarle lo superfluo”.

“Una cosa es zapatear y la otra pisotear la tierra”.

Gades estuvo siempre orgulloso de no haber recibido nunca subvención alguna. La subvención siempre ha partido de nuestro propio esfuerzo, viviendo intensamente y con dignidad. Valoró el sentido de la libertad, y lo caro que cuesta ser libre, pero esa libertad fue la que permitió a su compañía bailar lo que querían, con quien querían, y donde querían.

“Los artistas no son los que deban preocuparse de aquello que hace un ministerio de cultura, sino que debe ser competencia del político diferenciar quien hace cultura y quién no. Son ellos los que deben estar atentos a las realidades artísticas para tomar medidas”.

“Yo quiero defender los derechos del hombre y los derechos del trabajador. Quiero una sociedad más justa”.

“En nuestro estudio nunca hubo fotos colgadas de nuestras noches triunfales, solo un ochenta por ciento de sudor y un veinte por ciento de lágrimas contenidas, así de dura es la creación”.

Cuba será fuente de inspiración social y cultural, su lugar de descanso eterno.

Invitado por Alicia Alonso , quien le convence para que vuelva a bailar, se instala en Cuba. Siempre declaro que donde más ha aprendido en organización, en cómo crear un ballet, en cómo llevar a los bailarines, ha sido en Cuba en 1978.

“Alicia Alonso ha contribuido a enseñarme el verdadero sentido de un trabajador de la cultura. Allí Alicia Alonso me enseñaría todo lo que después puse al servicio del Ballet Nacional”

Su vinculo con Cuba fue tan grande que sus restos descansan en la Isla, 2004.

Carmen Amaya

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 03 May 2021 18:28:49 GMT

Carmen AMAYA

“¿Me pregunta porque me gusta tanto el baile de Carmen Amaya ? ¡Vaya usted a verla! Es un volcán alumbrado por soberbios resplandores de música española” , Charles Chaplin

Fruto del esplendor de una ciudad, Barcelona , en esos momentos capital del Flamenco, surge la figura de Carmen Amaya , emblema internacional del baile Flamenco.

Nació en 1913, su madre Micaela, la parió en casa de sus abuelos, en una noche de tormenta, en un barrio eminentemente gitano: el Somorrostro, en el litoral barcelonés.

“Soy catalana de los pies a la cabeza”

Fue la segunda de once hermanos, de los que sobrevivieron seis: Paco, Carmen, Antonia, Leo, Antonio y María , todos con dotes flamencos, hicieron carrera a su lado. Aprendió a bailar con las olas del mar, Mediterráneo, que tenía en la puerta de su casa.

“Hasta cuando me mandaba mi madre a algún recado, me iba marcando mis bailes”

Creció en un ambiente humilde y lleno de carencias, que siempre recordó con orgullo, buscándole el lado positivo:

“A épocas, me pelaban al cero y me daban petróleo para las liendres. ¡Cómo estaría, bailando con mi cabeza pelada y los ojos agachados como un burro, llenos de legañas, sin poderlos abrir por el humo del tabaco! Aunque lo que más me divertía no era eso, sino coger un trozo de cartón piedra, subirme al turón y tirarme sentada turón abajo.”

Su padre, José Amaya “ El Chino ”, guitarrista flamenco, fue el primero en ver que su niña tenía algo especial. Con 6 añitos, empieza a frecuentar los locales flamencos de esa Barcelona en ebullición, con la compañía de su padre en busca de dinero para llevar a su casa: “ ganarse las habichuelas ”, como decía ella.

“Cuando papá y yo llegábamos a casa, nos esperaban con ansia fuese la hora que fuese. Traíamos pan recién hecho, lo refregábamos con tomate y le metíamos jamón.”

En el Café Las Siete Puerta s, en plaza Palacio, hoy reconvertido en restaurante, fue el primer local en el que se buscó la vida. Eran los años 20, corrían los francos, las libras, las liras y los marcos, a tutiplén, fruto de la llegada de burgueses europeos huyendo de la primera guerra mundial; a esa niña le brillaban los ojos al recoger las monedas que le tiraban al suelo, después de sus actuaciones.

Su padre fue el encargado de irle enseñando a la niña, todo lo que él sabía en torno al cante y al baile.

“Él cogía la guitarra y yo me ponía a bailar. Me decía: no, eso no, hazlo otra vez, así, eso; está bien, o está mal, o no entras a compás. Todas las cosas las sacaba yo. Sin enseñarme ningún paso de baile, fue él el que me enseño. Lo primero que aprendí fue la zambra. Cantaba y bailaba. Luego empecé a bailar por soleares, la farruca. Y luego fue cuando mi padre me hizo poner los pantalones y bailar por alegrías. Los pantalones no perdonan: se ven todos los defectos del mundo y no tienes dónde agarrarte.”

Su tía, Juana La Faraona, de belleza racial y notable bailaora, fue también su compañera en los inicios en el baile para Carmen. De su familia, de su barrio y de su ciudad, Carmen, lo aprendió todo, en el cante y el baile. Como buena gitana, no asistió a clase de baile alguna, ¡perdón asistió a una!, pero no la acabó:

“Mi padre quería que bailará a orquesta. Fueron los días más amargos de mi vida y los berrinches más grandes. Al final fui a una academia en la calle Nueva (Nou de la rambla). El profesor se llamaba Vicente Reyes. Yo entonces estaba enamorada de una música “Los claveles”, del maestro Serrano. Me la puso, el hombre, y empezó a enseñarme los pasos. A los cinco minutos ya estaba desesperada. Así que le dije: “mire usted maestrito, no le importaría en vez de hacerlo así, lo hiciéramos así”. Me echo. Esa es la única experiencia que he tenido con un maestro.”

Otra de las personas que marco su carrera artística, fue su relación con el guitarrista gitano, Agustín Castellón, de origen navarro, Sabicas, uno de los maestros universales del toque flamenco. En una de sus estancias en Barcelona, descubre a esa niña, una joya en estado puro que no necesitaba, ni pulirse, era espectacular. La conoció en Cal Manquet :

“El ambiente flamenco era muy intenso. Me quedé completamente asombrado por lo que podía hacer, sus manos, sus pies, se nos metió a todos en el bolsillo. La vi bailar y me pareció algo verdaderamente sobrenatural, nunca había visto a nadie bailar como ella.”

Sabicas ayudó a El Chino, para que llevase a Carmen, a Madrid y la viesen bailar. Este es el testimonio de la primera noche de la niña, en el Villa Rosa madrileño, Sabicas la presenta en una reunión flamenca:

“Aquí tenéis a una gitanilla catalana que lo hace muy bien y que sabe bailar lo que vosotros quisierais saber. En la reunión se encuentra un cantaor viejo: El Peluco, que, riéndose a carcajadas comenta: “¡Catalana seguro que es un petardo!”. Carmen, se levanta, se planta ante el cantaor mirándole desafiante y rompe a bailar, su baile está lleno de rabia y enteramente poseído por el genio del duende. Carmen baila para él y sólo para él, lo rodea, lo acosa, lo enloquece… El Peluco, no puede aguantar más, y traspuesto, grita: ¡Y yo la había llamado petardo! ¡Eso es bailar niña! La noticia se propaga por todo Madrid, ya todo el mundo la respetará.”

Años más tarde, marcaron juntos hitos en la historia del Flamenco, especialmente en el periplo americano de Carmen Amaya. Quedan registrados documentos de películas y grabaciones de esos dos monstruos juntos, para la posteridad. Se les atribuye: la creación del baile por tarantos y de amoríos.

Cautiva a todo el mundo que la ve bailar, su carisma y fuerza, no deja indiferente a nadie. Ya desde pequeña recibe el sobrenombre de “ La Capitana ”, no la pararía nadie, conquistando los escenarios de Barcelona, París, y de toda España.

Los primeros escenarios que frecuenta serán los de su cercanía, pero pronto se sumergirá en la noche barcelonesa, recorriendo, desde el Somorrostro al Paralelo, todo local que necesitase artistas flamencos. Pero el Barrio Chino , fue su otra escuela vital, allí, desde niña se codeó con la flor y nata artística, flamenca, y de otras índoles, que frecuentaba las noches de Barcelona, y allí, en La Taurina , la inmortalizó, el crítico Sebastián Gasch :

“Apenas levanta un metro del suelo. Sentada en una silla sobre el tablao, La Capitana permanecía impasible y estatuaria, altiva y noble, con indecible nobleza racial, hermética, inatenta a todo lo que sucedía a su alrededor. De pronto, un brinco. Y la gitanilla bailaba. Lo indescriptible. Alma. Alma pura. El sentimiento hecho carne. El tablao vibraba con inaudita brutalidad e increíble precisión.”

Carmen, nos dejó testimonio de estos inicios profesionales:

“Trabajaba en casa El Manquet, había un gran cuadro de baile: Micaela, El Gato, El Farruquero, Tobalo, Lolilla la Cabezona, mi tía la Faraona, El Bulerías y mi padre. El Gato era físicamente extraordinario. No ha habido una mujer con una cintura como ésa. No ha habido hombre como él. El Farruquero era el mejor que ha habido de todos los tiempos.”

“Cuando no estaba la policía, me dejaban bailar en el Villa Rosa, figúrate era una niña. Todo el mundo me daba dinero en cantidad. Llego un momento en que Miguel Borrull, que era el dueño del Café, como vio que me llevaba todo el dinero de las juergas, nos gritaba al vernos llegar: “Vete, vete, Chino, que esta la policía.” Era mentira. Pero nos teníamos que ir después de haber estado esperando, muchas noches con todo el frio del mundo.”

Da el salto a los grandes escenarios, en el Teatro Español barcelonés, con la compañía, del cantaor jerezano José Cepero . Viaja a París, en el espectáculo de la cupletista de moda: Raquel Meller, acompañada de su tía la Faraona y su prima María, con las que había formado el Trio Amaya .

Su fama crece día a día, se incorpora a la compañía del cantaor de moda, Manuel Vallejo , con el que se presenta al público andaluz, que se le rinde entregado. En Sevilla, La Malena y La Macarrona, se entusiasman con el baile de ese prodigio de su misma raza:

"¡Es única!", gritan poseídas, al verla actuar .

“Mi verdadero triunfo fue al llegar a Madrid, en una homenaje a la bailaora gitana: Custodia Romero. Y le dijeron a Custodia: “traemos una gitanilla para que baile. Ella contesto: que bien, ponla donde quieras, no importa.” Y entonces, figúrate que salgo a bailar mi fandanguillo, y todo el mundo de pie. Me hacen repetir por solea, por alegrías. Qué no armaría, que salió la homenajeada a verme, enfadadísima gritaba: “Me habías podido avisar que esa niña bailaba así”, ella tenía que bailar detrás de mí, con la que había formado”

Su éxito en el cante y baile, vendrá acompañado de su paso a la gran pantalla. Ya había hecho algún escarceó, en papeles secundarios, en alguna película. Pero su salto definitivo a la gran pantalla, será con las películas: “ La hija de Juan Simón ”, donde Luis Buñuel la incluyo en reparto y “ María de la O ”, película basada en la copla del mismo nombre, compuesta por Valverde, León y Quiroga; dicha película contó con un éxito sin precedentes de taquilla, poniendo a Carmen Amaya en boca de todo el mundo.

La guerra civil la cogió de gira, por Valladolid, decide salir del país rumbo a Portugal, donde espera al resto de su familia, para una vez juntos lanzarse a la aventura de cruzar el Atlántico, desde Lisboa.

Desembarca del buque Monte Pascoal, el 09 de diciembre de 1936, en la capital Argentina. El día 12, tres días después, se presenta en el Teatro Maravillas, de Buenos Aires, donde permaneció en cartel durante más de un año seguido, con llenos sin precedentes, noche tras noche. El éxito, le lleva a conquistar el resto de ciudades argentinas. Lo mismo acabo pasando, con el resto de países latinoamericanos, y la misma reacción del público, arrasa. De ello, se hacen eco, en todos los principales medio de prensa de las ciudades por las que pasa, a la vez que participa en películas y actos oficiales.

¿Es Carmen Amaya, quizás, la primera estrella Latina del mundo del espectáculo?

Sólo le faltaba Estados Unidos. Reclamada por el empresario Samuel Hurok, desembarca en Ellis Island, puerta de entrada a Nueva York, Carmen y su séquito de 25 personas, en 1941. No saben leer ni escribir, ni por supuesto una palabra de inglés, pero se ríen de la luna, como es su costumbre: tienen contratos, y mucho dinero, y más tendrán tras su estancia de un mes en el Cabaret Beach Comber, de Broadway, y esas tres actuaciones en televisión por las que van a pagarles 15.000 dólares.

Se presenta ese mismo año en el Carnegie Hall, acompañada de la guitarra de Sabicas, el bailaor Antonio Triana y toda su familia. Testigos fueron las bailaoras, La Argentinita y su hermana Pilar López, está última lo recordó así:

“Para mi Carmen Amaya fue y será única. Era una manera de bailar ejemplar y totalmente inédita.”

El presidente Roosevelt, tras la actuación histórica en el Carnegie Hall, el 13 de enero de 1942, la invita a bailar en la Casa Blanca. Esta será la primera vez que Carmen y su gente, subían a un avión, el vuelo era de Nueva York a Washington, pueden ustedes imaginar los momentos que se vivieron a bordo de ese avión. Roosevelt, se queda prendado y le regala un bolero con incrustaciones de oro y brillantes, ella lo recortará en 30 trocitos, uno para cada miembro de su compañía.

En sus primeras actuaciones en Nueva York, se podían ver en las primeras filas, la plana mayor del arte, estas fueron sus reacciones:

Charles Chaplin : “¿Me pregunta porque me gusta tanto el baile de Carmen Amaya? ¡Vaya usted a verla! Es un volcán alumbrado por soberbios resplandores de música española”

Greta Garbo : “Carmen Amaya es el arte”

Fred Astaire : “Mucho que ver, mucho que admirar, pero mucho más que aprender”

Arturo Toscanini : “Nunca en mi vida he visto una bailarina con tanto fuego y ritmo y con una personalidad tan maravillosa”

Orson Welles : “Es la más artista de las bailarinas y la más genial de las artistas”

Orson Welles, el mismo día la contrata para el rodaje de su próxima película, le pagará, tres veces más por un baile que a la protagonista del film, Marlene Dietrich. A la conquista de Hollywoo d, los mejores directores del momento quieren incluirla en sus películas.

Gira con su compañía por los mejores escenarios estadounidenses, la guinda será llenar el Hollywood Bowl, de Los Angeles, dos noches seguidas, Frank Sinatra con una tenía bastante.

En América dejó, también, grabadas varias obras discográficas, mayoritariamente con la guitarra de Sabicas, en las cuales deja testimonio de que también fue, una gran cantaora.

En 1946 muere El Chino , su padre, en Buenos Aires. Carmen pierde a un padre, pero también pierde a esa persona que le transmitió todo lo que sabía y estuvo con ella desde el inicio de su carrera artística. Ya nada sería igual, la familia empieza a desmembrarse.

No volvió a Barcelona hasta 1947, y la reconquista, así como al resto del país, Europa y el mundo. Se rodeó de reyes y maleantes, artistas, de todos los ámbitos, de su familia, que siempre estuvo a su lado, siempre con una autenticidad natural, que nunca perdió. Defensora a ultranza de su pan con tomate, de su Barcelona, que siempre llevo como bandera. Aportó un grano muy grande en la historia de la Rumba catalana, por todos los países latinos que paso, adopto los temas que le gustaban en clave de rumba, como ha dejado testimonios grabados. No se atrevió con la música sajona porque nunca quiso aprender inglés, aprendió a firmar en Cuba, para poder entrar a U.S.A., la vida se lo enseño todo. Fue la promotora de hacer los fines de fiesta de un espectáculo, por Rumba, lo que se puso de moda en la mayoría de espectáculos flamencos de la época.

Aquí tiene su fuente. Carmen Amaya estaba muy ilusionada con la fuente que le dedicaba Barcelona en su barrio natal del Somorrostro. Por eso, no dudó en 1959 en incumplir su contrato en París, pagar la multa pertinente, y trasladarse con toda su compañía a su ciudad para asistir a la inauguración.

Aquí se casó, en las Ramblas, con el guitarrista de su compañía, José Agüero, en la capilla de Santa Mónica, en 1952.

Y, aquí rodo su obra póstuma, la película: Los Tarantos , del director Rovira Beleta . En la película, tiene un papel sublime, demostró lo gitana que era, sus dotes de actriz carismática, dejando, para la posteridad escenas de cante y baile magistrales. La película se rodó en escenarios cotidianos de la ciudad, en 1962: el Somorrostro, el barrio chino, el Mercat del Born, Montjuic, Plaza España, Las Ramblas, rincones que Carmen conocía muy bien. Contó el reparto con artistas como El Chocolate, La Singla, Antonio Gades, Peret, Sara Lezana, El Chacho, Andres Batista, Pucherete y unos cuantos gitanos barceloneses, que participaron como extras o papeles s ecundarios.

Durante esos años, Carmen Amaya sigue una dieta suicida de cuatro paquetes de Marlboro acompañados de 14 cafés diarios. Cuando vuelve a Barcelona, para rodar los Tarantos, tras recorrer medio mundo, tiene los riñones destrozados. Todos los médicos le aconsejan reposo absoluto. La reina contesta:

“Si no bailo, me muero”.

Una grave insuficiencia renal le impedía eliminar las toxinas que acabarían por envenenar todo su organismo, pero el baile, a la vez que agotaba su cuerpo, le hacía eliminarlas a través del sudor. Cuando el baile la abandonase, quedaría en poder de la enfermedad.

Aún realizará una última actuación benéfica, casi espectral, el 24 de agosto, en Bagur. En otoño comienza a extenderse la noticia de su agonía, cientos de gitanos de medio mundo llegan en peregrinación y acampan alrededor de su masía para acompañarla en su último viaje.

Nunca llegó a ver la película montada, moría en 1963, a orillas de su mar, otra vez, el Mediterráneo, en el pueblo de Begur, un 19 de noviembre. El mundo Flamenco y su Barcelona la tienen presente.

Jimi Raimundo AMADOR HENDRIX

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 02 May 2021 21:22:56 GMT

Jimi Raimundo AMADOR HENDRIX

MEDIO Flamenco, MEDIO Blues

Blues , fue uno de los estilos musicales surgidos en la América negra del Sur, para cantar las penas y las alegrías, después que se le erradicase de tambores y lenguas africanas.

El batería, pionero de Nueva Orleans: Baby Dodds solía decir que en esos primeros años el blues se tocaba:

"Muy muy lento, en un ritmo español".

“Si no consigues poner acento español en las melodías, nunca tendrás lo que yo llamo el aliño adecuado para el jazz” , Jelly Roll Morton

“Los flamencos tienen otras cosas que no se enseñan en el conservatorio y en la universidad, como pasa con los viejos rumberos cubanos o los músicos de blues en los Estados Unidos. Si uno quiere aprender a tocar blues no se va a aprenderlo en Berklee College of Music, se va a buscar a los músicos de blues a Nueva Orleans, Chicago, Detroit, Alabama… Pues lo mismo con el flamenco.” Jerry González

Algo así hizo el Sr. Jimi Hendrix , se fue a aprender de los viejos del Blues y asimilo su lenguaje. Quizás uno sería su idolatrado, el Sr. Muddy Waters y siempre con su: ” I got my mojo working ”

“Tengo mi amuleto trabajando

Tengo una gitana que me aconseja”

En el U.S.A. de la época Hendrix, el rey de la guitarra era el también gitano, el maestro Sabicas . Todo el que buscaba técnica, originalidad, improvisación y ritmo, y más si era guitarrista, escuchaba a Sabicas . Más después del Rock Encounter.

Jimi lo tenía claro, aunque lo de flamenco no tanto.

“Handel and Bach and Muddy Waters, Flamenco Type of Thing-If I Can Get That Sound, I'd Be Happy"

"Handel y Bach y Muddy Waters, esa clase de estilo Flamenco - Si pudiese conseguir ese sonido, sería feliz"

Ya en su última época y de regreso a casa, forma una banda negra Jimi Hendrix and the Band of Gypsys , lo del flamenco sólo de oído.

"Bueno, me doy cuenta de que he sido hipnotizado, me encantan tus ojos gitanos", Gypsy Eyes

"Es el culpable de que esté hablando contigo, porque sin él quizá estaría tocando para los “guiris” por ahí, amuermado en una sala de fiestas o me habría ya retirado. Se lo debo todo", Raimundo Amador .

“Hasta que escuché a Jimi Hendrix y me mató. Fue el “Red House”. Y desde ese día ya no quise aguantar a los señoritos nunca más”

“La primera vez que le escuché fue en el coche de un amigo, José García Trespando, que murió el pobrecito, un Mini 1000. En un radio casete. Me habían hablado de Jimi Hendrix pero no lo había escuchado. Puse esa cinta y salió ‘Red house’ y me dejó flipado”

“Mira, yo antes de escuchar a Jimi Hendrix iba a la peluquería, me lavaban la cabeza, me echaban tres kilos de laca y me ponían la cabeza como el casco de un romano, como el Cristo de la Macarena. Pero después le escuché y ya no iba a la peluquería, metía los dedos en los enchufes, me puse así los pelos… ¿Me entiendes? Me cambió la vida totalmente”.

“Jimi me cambió la vida. Con él me pasa como con Camarón: como Jimi no saldrá otro nunca, todo el mundo lo imita y el que no lo imita es porque no puede”

Su disco favorito de The Band of Gypsys :

“aunque se le desafina mucho la guitarra, pero da igual”

Guarda una copia firmada por el batería, ya que acabó trabajando años más tarde con Buddy Miles, en tributo a Jimi , el guitarrista fue Raimundo .

“Electric Ladyland es buenísimo también, yo he mamado todo eso tela”

“Lo mejor de Hendrix es su flipe y su locura, porque si no, no podría haber tocado así. Y la fatiga que pasó. Él hablaba mucho de los gitanos, tenía mucha mezcla de cheroqui, gitano, era una mezcla explosiva. Hizo lo que se le pasaba por la cabeza, tenía bastante locura dentro el chaval. Y lo pasaba mal. Yo he leído cosas de él, libros, de su rollo, de su madre. Sufrió mucho. Y cuando se hizo famoso también sufrió mucho, estaba flipado y deprimido. Y con esa depresión daba mucha caña y soltaba mucha caña”.

“Mi padre me enseñaba cosas y yo las machacaba. Soleás y todos los palos del flamenco. Y entonces fue cuando empezamos con el platillo, nos tiramos a la calle. Le mentí a mi padre, le decía que me quedaba en casa de mi primo y nos pasábamos toda la noche tocando donde fuera”.

Raimundo, que a los 12 años ya actuaba en “El martinete” y después en “Los gitanillos”, donde conoció a Camarón y Paco de Lucía.

“En la calle aprendes. De la vida cotidiana y la profesional. Es la mejor escuela para todo. Yo sabía mucho pero no sabía nada. Me di cuenta de que ensayar tanto ya no me hacía falta”.

“Los señoritos venían y te ''bordeaban''. Mucho, te hacían muchas putadas y éramos unos niños. Te tenían toda la noche tocando, te hablaban con malas maneras y de repente desaparecían, se iban sin darte nada. Quería explorar otras cosas. Yo iba con el pelo alisado hasta que escuché a Hendrix y metí los dedos en el enchufe. Llevaba el pantalón perfecto y empecé a llevarlo roto”

Pero sólo se arrepiente, en este sentido, de una cosa:

«Me siento culpable de la mierda de fusión flamenca que se hace hoy en día»

¿Qué sonido buscaba Hendrix? Conoció el sonido de Muddy Waters, de Handel o Bach, pero le faltó verse dentro del sonido flamenco natural.

Gato Pérez: años Ochenta, se fuerza la máquina.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 01 May 2021 13:23:44 GMT

Gato Pérez

años Ochenta

se fuerza la máquina .

“La rumba catalana es la música propia, característica y original de la Barcelona urbana. Ha nacido de una comunidad marginada pero netamente barcelonesa y muy arraigada y posee un sello atractivísimo, entre gitano, flamenco y centroamericano, que no se puede comparar con nada conocido”, Gato Pérez.

Gracia , pero en particular, en el barrio del sabor, con epicentro en la Plaza del Raspall y sus calles adyacentes, en los 80 irradiaba Rumba.

Allí llegó el Gato en busca de originalidad, que ya no encontraba en sonidos foráneos. Unos de los lugares totémicos era la Peña Taurina de Curro Romero o también conocida como El Petxina , cuna de toreros y flamencos. Su mayor shock, como para muchos otros, era sentirse consciente que se nos iba una Barcelona, que hoy casi ni existe, pero sigue escondida en muchos rincones.

Mejor que lo cuente el mismo, Xavier Patricio Pérez Álvarez :

“Pronto se cumplirán catorce años desde el día en que yo, Gato Pérez -por aquel entonces un angustioso aprendiz del rock norteamericano- descubriera que a las puertas de mi casa existía una música popular nueva, genuinamente barcelonesa, que respondía al nombre de “Rumba Catalana.

En la acera del extinto bar Petxina (abriendo la cuadrícula calorra de la Villa de Gracia) cuatro gitanos maduros generaban un “swing” trepidante con tan solo una guitarra flamenca, un bongó y dos incansables palmeros, al tiempo que hermosísimas calis de oscura melena bailaban a su compás.

Casi cinco años necesitó mi cerebro para procesar toda la ingente información sobre este género musical de un pueblo –el gitano- y de una ciudad, Barcelona. En ese lustro pasó la música layetana, el grupo Secta Sónica y mi trabajo de promotor en Edigsa, que actuaron como revulsivo para que yo rompiese de una vez por todas con el pasado pesado. Y, aligerando de tales influencias, comenzase a escribir canciones en un idioma que tanto debe a ese saber.”

Resignación

“La rumba es música de gueto, cierto, y sus fiestas se organizan de puertas adentro, pero el tan cacareado racismo contra los payos es un cuento chino. Ellos valoran el sentido del ritmo por encima de cualquier otra cosa: si el payo no es «gallego», es decir, si tiene compás, de algún modo está hablando su misma lengua. Y es aceptado. El problema se plantea a la inversa: pocos payos pueden seguir la marcha gitana, y yo mismo he tenido que dejar de frecuentarles por motivos de salud”.

Gato Pérez , actúa en el Ángel Casas Show.

Esa noche se acompaña de su banda favorita, "La Gitana".

“Ricardo Tarragona ”: cantante y pailas

“Yumitus del Pichón ”: cantante

“ El Patata ”: bongó

“ Ramón del Pichón ” : guitarra flamenca, en el video maracas

“El Chino ”: coros y palmas

“Joan Abellán” : coros y palmas

Acompañados, y desde Mataro, “ Rafalito ” y uno de los precursores del rap por estas tierras, “ Boy Tronics” o más conocido como “ Yumitus de la Payoya ”.

Más el resto de tremendos musicazos .

Gitanitos y morenos

Corrían los ochenta y las ganas de vivir, el hip hop ya estaba en la Rumba, cuando todo el mundo lo criticaba.

“Lanzar un disco en catalán en 1982 equivalía a quedar atrapado en una curiosa paradoja: De cara a la parroquia moderna, inmediatamente eras asimilado al mundo rancio y lloroso de la cançó… mientras que los presuntos consumidores de registros en catalán, en su mayor parte integrados en la cosa nacionalista, no cogían ni con pinzas un disco como Flaires de Barcelunya, que no solo no transmitía consignas, sino que, además, estaba hecho por un declarado colaboracionista”

¿Para cuando una nueva visión de la música de Barcelona?

Gracia tiene poder.

Pernil Latino 5J

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 01 May 2021 09:08:55 GMT

Pernil Latino 5J

con Enrique de la China y

Ricardo Tarragona.

La Rumba dotó de una forma de expresión a nuestros flamencos, en particular a los gitanos y específicamente a los catalanes.

Mucho se ha hablado, pero como siempre lo mejor está en la nube del pasado, pocos lo conocen.

Barcelona , portuaria y golfa, con el despertar de la posguerra, tuvo un resurgir económico y vital, muy superior al resto de la península, ¡curioso!

Llegan músicas antillanas y se funden con el flamenco, creando un ritmo que impregna la ciudad hasta la decadencia de la nova Catalunya, que no la quiso hacer suya: la Rumba, lo Latino, el Flamenco .

Pernil Latino , una de las formaciones pioneras a finales de los 70 del sonido latino en Europa, esta vez con dos voces y dos personalidades muy originales:

Ricardo Batista "Tarragona" , dulzura y gitanería en la garganta, sin duda el mejor percusionista catalán de la historia y ante todo, una gran persona: Descanse en Paz.

Enrique de la China , gitano salsero por excelencia, la Voz . Sigue olvidado en su barrio, “no tenim perdo de Deu”.

En riguroso directo, Pernil Latino, versión 5J, pata negra catalana.

Gitana:

No olvidemos nuestra Rumba , puede ser catalana pero desde su génesis es universal.

Juan Habichuela, Granada en Barcelona

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 30 Apr 2021 17:51:50 GMT

Juan Habichuela

Granada en Barcelona

Granada en Barcelona, fue uno de los locales gloriosos del Barrio Xino y una realidad.

Los vínculos entre ambas ciudades han sido mutuos, el flujo de in/emigración viene de lejos.

Juan Carmona “Habichuela ” , Granada 1933–Madrid 2016

“Barcelona a mí me ha dado mucho”

Guitarrista gitano, maestro acompañando al cante. Granaino y flamenco hasta la médula.

“Yo nací entre el Albaycin y el Sacromonte, en un barrio de callecitas muy estrechas. Pero yo he vivido en una cueva, con mis padres, una vez que vino la cosa mal, problemas de familia y eso. El único aire que entraba era el que pasaba por la puerta, y seis metidos en una cueva, eso era muy fuerte”

De familia de tradición en el mundo del flamenco, siendo un niño y gracioso, se atreve con el baile y con él empieza a buscarse el porvenir. Hasta que en Barcelona se encuentra en apuros.

Antonio Gónzalez “ PESCADILLA ”, Juan Carmona “ HABICHUELA ” y Antonio Montoya “ FARRUCO ” actúan en los bajos del Hotel Oriente en las ramblas barcelonesas, durante una fiesta organizada por Albert Puig “Tío Alberto”.

A la guitarra "El Pescadilla”, sale a bailar Antonio, la Forma.

Juan , como niño que era, se buscaba la vida, hasta ese día, como bailaor. Esa noche colgó las botas y le pidió al “ Pescadilla ” la guitarra, para con los años convertirse en uno de los mejores guitarristas acompañando al cante.

Después de ver bailar a Antonio ya no iba a bailar más.

Ya no será más el “hijo de la Farruca”, nace el rey del baile gitano flamenco: FARRUCO

“Yo hice la instrucción en Portbou. Hay un montón de kilómetros de mi casa a Portbou, se me hizo interminable. Yo iba con una maleta de madera –eso es muy fuerte- y los vagones del tren eran como los de los cochinos, estuve cuarenta horas, o cincuenta, las que tardé”

“Luego me pasaron a Barcelona, al Gobierno Militar, al lado del que señala con el dedo. Estuve con un comandante que era un fenómeno, un amigo le hablo de mí y me mandó llamar:

-Yo soy de Granada, soy guitarrista, tengo mucha familia en mi casa, cinco hermanos, mis padres que no trabajan; tengo que trabajar y la verdad es que necesitaba que usted me diera permiso.

Bueno, pues nada, me colocó allí. Yo llevaba a su niño al colegio a la calle Balmes, me lo llevaba en autobús. Me daba permiso cada vez que yo quería, empecé a ganar dinero y mandaba el dinero por correo a mi familia”

“Yo trabajé en Sitges, cuando Paco Martínez Soria, y Rosita Ferrer, que cantaba muy bien, era el año 1954. También trabaje en el Rigat, en Andalucía de Noche, en el cabaret Alhambra. Mi primer disco también lo grabe aquí con Farina”

“Barcelona a mí me ha dado mucho, le tengo cariño porque me ayudo a ser algo”

Volvió, y triunfo en los mejores escenarios barceloneses, muchísimas veces, durante su larga carrera artística.

Granaina:

Camarón contra las cuerdas en Casa Sors.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 26 Apr 2021 21:44:18 GMT

Camarón

contra las cuerdas en Casa Sors.

"Empezó a cantar Camarón en el patio y yo no me lo podía creer, el impacto fue tan fuerte... sentí como que había llegado El Mesías. No me podía imaginar que se podía cantar así. Me impactó de una manera brutal. Imposible de definir. Ahí le dije: Camarón vente a Madrid a grabar. Fue lo más importante musicalmente que me ha pasado en la vida, conocer a Camarón".

“Creo que conozco todo tipo de músicos y músicas de todo el mundo, pero nadie me ha sorprendido e impresionado como Camarón aquel día. Juntos empezamos a componer música nueva”, Paco de Lucia, con quien paso la primera etapa de su carrera discográfica como, Camarón de la Isla .

Tomatito , siendo un niño y como un campeón asume el reto de sentarse a acompañar a uno de los cantaores que más le gusto una guitarra.

¿Camarón te enseñó a tocar la guitarra?

“He estado toda la vida con él, que me enseñó a tocar para el cante, por supuesto; para mí, el mejor de todos los tiempos. El guitarrista, para acompañar bien, tiene que aprender del cantaor todas sus formas. Con Camarón imagínate. Empecé muy niño junto a José Monje, si decía aquí suave, pues suave, aquí para… Si cantaba como cantaba, es porque toda la documentación del flamenco, la sabía. Era un purista en todas sus formas. Tienes que conocer muy bien todos los cantes y a partir de ahí puedes crear, evolucionar, pero siempre desde el conocimiento. Pero aprender a tocar… Yo vengo de una familia de grandes guitarristas y ya tocaba antes de que me reclamara; pero lo que me aportó a lo largo de tanto tiempo, ha influido mucho en lo que vino después".

¿Sin Camarón , no existiría Tomatito ?

“Si lo creo. Pero hasta cierto punto. Fueron muchos años juntos. Cuando anunciaban “la guitarra de “Tomatito” salía Camarón. Cierto que hice cosas sin él. Un artista, si tiene inquietudes, siempre tiene cosas propias que expresar. Pero lo que quiero decir con esa frase, no es un homenaje al maestro. Si Camarón estuviera vivo, lo primero sería acompañarle a él. El resto estaría en segundo lugar y hubiera tenido menos tiempo para hacer lo mío. Desgraciadamente, murió. No afortunadamente. Es posible que hubiera hecho lo mismo que he hecho, pero con menos intensidad y mucho menos tiempo. Creo que nací para tocarle a él. Si me llamaba para un bolo, una gira, lo dejaba todo y allá estaba yo”.

Otro que estaba cuando lo llamaba era Don Ricardo Pachón.

"El primer guitarrista de Camarón fue Camarón. Tocaba muy bien y no llegó a ser un virtuoso porque no estudiaba lo que este instrumento tan exigente requiere"

Pachón que conoció al de la Isla por una guitarra en la Venta de Vargas.

"Ese niño rubito, que ya tenía un halo mágico, como dicen que tenía también desde niño García Lorca, no dejaba de llorar por la guitarra”

Se le había roto su guitarra y emocionado Pachón le compró las astillas por 2.000 pesetas. Años después, la restauraría y la perdería con otro grande del cante, Antonio Mairena .

Desde niño siente pasión por la guitarra y se preocupa en aprender de todos y todo. Aunque con la guasa cañailla solía decir:

"Por bulerías, no me toques los cajones”

Camarón en sus escapas barcelonesas , las anécdotas son muchas, pero esta tiene que ver con el instrumento en cuestión. Visita una tienda de instrumentos de la ciudad y así lo recuerdan los propietarios del negocio que le compraron una guitarra.

“Camarón de la Isla. Con admiración y mucho cariño recordamos su vida y su arte, pero sobre todo la amistad que compartió con el fundador de nuestra Casa Sors: Fernando Alonso”.

“Camarón tenía gran interés por las guitarras antiguas y eso lo llevó a visitarnos en diversas ocasiones a finales de los años 80. Desde entonces surgió una linda amistad entre Fernando Alonso y el inolvidable cantaor. El maestro Alonso nos cuenta con emoción el día que Camarón lo invitó a su concierto en la Plaza de Toros de Barcelona en el año 88, y el efecto sobrecogedor que le causaba escuchar a un artista tan sensible, tan completo y sobre todo tan buena persona”.

“Tuvimos la dicha de comprarle una guitarra Josef Pagés de 1809, que posteriormente se la vendimos al gran guitarrista y concertista, el eminente, Carles Trepat”.

Dedicatoria:

“ Con admiración a esta casa de guitarra Casa Sors”

DE CAMARÓN

Fecha: 5-5-88

“Esta foto que compartimos es un tesoro más dentro de nuestra colección, que nos llena de orgullo y emociona a todos los buenos amigos y clientes que nos visitan en Casa Sors. La música y legado de Camarón quedarán siempre grabados en nuestra memoria”.

Casa Sors esta en la calle Madrazo, 52 de Barcelona.

https://casasors.com/home/

La guitarra que Camarón vendió en Barcelona, que es la que toca en la foto dedicada a Casa Sors, tiene hoy un valor aproximado de 10.000 euros. El constructor Josef Pagés, nacido en Écija e instalado en Cádiz, fue miembro destacado de la escuela gaditana incorporó nuevos avances en la construcción de guitarras.

“Quién no corre vuela”

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 26 Apr 2021 00:32:03 GMT

“ Quién no corre vuela ”

Una carambola a tres bandas : Ray Heredia, Teo Cardalda y Mario Pacheco.

“ Si tengo que hacer un balance de mi vida musical, a Mario Pacheco que era director de Nuevos Medios obviamente lo tendría en un pedestal, y me acuerdo del interés y la fe de Mario. Incluso en lo que supuso en su día. Ray Heredia estaba en Ketama, dejó el grupo y empezó en solitario y la persona que tenía en esos momentos los derechos de Ketama lo apoyó totalmente. Muy curioso cómo fue todo el proceso, pero es que entonces y ahí, había un olfato tremendo”, Teo Cardalda

Corría el 1991 y Madrid estaba Movidísima.

Sale al mercado “Quién no corre vuela”, un disco que se convirtió en una de las piedras filosofales de lo que vino a ser el Nuevo Flamenco. Comandado por Nuevos Medios, al mando del entrañable Mario Pacheco y con la personal producción del maestro Teo Cardalda, aún hoy, un disco que sigue siendo espejo en el que mirarse.

El previo a esta obra maestra, fue la creación con Juan Carmona “El Camborio” y “El Sorderita” de la banda Ketama, que grabaron un excelente primer disco con colaboraciones de Pepe Habichuela, Carlos Benavent y de nuevo, Teo Cardalda.

Sólo nos falta uno: Ray Heredia

En realidad se llamaba José Heredia Bermúdez. Su madre era barcelonesa y su padre el bailaor alicantino, Josele Heredia .

Él ya nació en Madrid por el 1963 y su barrio, de toda la vida, fue el Rastro . Supuso una bocanada de aire para un nuevo fenómeno, con epicentro en el foro, el Nuevo Flamenco y se convirtió en su estrella fugaz. Nunca renuncio a su esencia, pero siempre abierto a las influencias de las nuevas corrientes musicales, en boga en esos días.

“Yo iba al estudio en la primera grabación de Ketama e intentaba meter alguna percusión, siempre me llamó la atención el talento y la facilidad de expresarse de Ray, yo creo que era el que más ganas tenía de contar cosas pero siempre tapizadas de genio y de modernidad, el cantante al principio era José Soto “ Sorderita ” pero sabía e intuía que tarde o temprano Ray iba a llegar muy lejos … después de un debut muy sorprendente con Ketama él empezó a preparar un disco en solitario que después se convertiría en “ El que no corre vuela ” y cuando escuchamos las canciones hasta nosotros mismos que éramos sus compañeros de grupo nos quedábamos sorprendidos de lo especiales que eran esas composiciones ”, Antonio Carmona.

Mario Pacheco era el gurú de la época, él y su maravilloso sello “ Nuevos Medios ". Se convirtieron en la lanzadera perfecta de grupos dentro de un amplísimo abanico, y el Flamenco iba a ser una de sus apuestas más apasionadas.

Nuevos Medios nació en 1982 con la ayuda de unos empresarios mallorquines porque Mario Pacheco no se entendía con el sello Edigsa, barcelonés, centrado en la “nova cançó”.

Pacheco presente en 1979 durante la grabación de “ La leyenda del tiempo ” de Camarón , como testigo mudo, fantasmal, pero tan intensamente que la portada del álbum, con la imagen del perfil del cantaor con barba, salió de su cámara, sin duda ya era un consumado fotógrafo. El camino ya se estaba andando y no tenía marcha atrás, su misión llevar el flamenco al mundo con sabor actual, convirtiéndose casi en el creador de la World Music .

Siempre critico la actitud de la industria musical española, a la que considera:

“Acomplejada”.

“Olvidan lo propio. El pop en España está financiado por una bebida espumosa extranjera y por eso tiene el peor estilo americano”

Nuevos Medios publicó el rompedor “ Blues de la Frontera ” (1987) de Pata Negra y pronto se unieron los Ketama . Tras publicarle un disco a Pepe Habichuela , éste le presentó al grupo de sus hijos y sobrinos.

“A Ketama no los quería nadie. Habían ido a todas las multinacionales y les habían rechazado”

Pata Negra y Ketama se convirtieron en la avanzadilla, luego llegaron: José el Francés, Tomatito, la Barbería del Sur, Kiko Veneno, Miguel Poveda o Mayte Martín. Se preocupó de unir a los flamencos con músicos del jazz como Jorge Pardo, Carles Benavent, Tino Di Geraldo y Joan Albert Amargós anticipándose a un nuevo sonido.

En Mario destacaba su carácter, su relación con todos estos artistas, a quienes comprendió y respetó. Así opinaban de este Señor:

“Todos me querían cambiar. Meter en otro cuerpo. Todos salvo Mario Pacheco “, Martirio .

“Nunca firmamos contratos con él ”, Antonio Carmona . Cuando Ketama consiguió contratos con multinacionales, nunca dudo en darles libertad para volar.

“Me envalentonó para grabar un disco de bajo solo”, Carles Benavent .

“Fue amigo y ángel protector” , Tomasito .

Y rechazó una fortuna cuando Warner trató de comprarle el sello.

“Somos más internacionales que ninguna multinacional”

Contaba con un amplísimo registro tanto de artistas como de géneros, gozando de un reconocimiento internacional, pero siempre preocupado por lo local.

Fue un día a ver a Golpes Bajos a Vigo quería saber exactamente quiénes eran, verles ensayar, conocer su tridimensionalidad, esa misma tarde les hizo un contrato.

" Grabábamos por las noches, que siempre te comportas de otra manera, Ray tenía un talento tremendo"

"Heredia fue el fundador de Ketama, el que lo tenía más claro. Iba dos años por delante de los demás », según Teo , que se convirtió en el productor del nuevo flamenco cuando aún era el teclista de Golpes Bajos.

« Germán Coppini se quejaba de que desatendía al grupo pero yo quería vivir esa experiencia».

"Recuerdo una sombra, una figura que llegaba y me abrazaba" , explica Triana , que apenas tenía dos años cuando Ray, su padre, grabó aquel disco.

"Yo he crecido con esas canciones, las ponía cuando no estaba mi madre en casa" .

Ray le dejo a su hija su legado artístico, el desapareció en la noche madrileña sin ver su disco en la calle.

Triana cantó 25 años después : " Su pelo " ,gracias a las tecnologías, su voz se engarza con la de su padre. El motivo celebrar este hito, allí estaban de nuevo Teo, no Mario, también fallecido, pero como por imposición divina hacía que Nuevos Medios resurgiese, ahora en las manos de su hija María, con el disco:

" Por Ray Heredia " en 2016.

" Por Ray Heredia"

“El disco se hizo hace 25 años y a través de la historia fue creciendo y creciendo, Ray también desapareció muy pronto y yo tenía la confianza de que algún dái se iba a hacer. Me sentía muy sorprendido al comprobar hasta donde llegó este disco, muy lejos de verdad. Me he encontrado con gente muy importante en el mundo de la música, y todos me decían que lo tenían entre sus discos favoritos, y todo influyó en el momento que empezamos a parir este disco en el sentido de que todo el mundo quería estar, con gente tan diferente como Rubén Blades, Alejandro Sanz o Vetusta Morla . Fue un disco que cuajó mucho, con canciones que se quedan totalmente clavadas desde que las escuchas. Ray era un artista muy punk y visceral y todo eso se nota en el disco. Incluso hay gente como Vetusta Morla, que es una de las sorpresas que teníamos ahí guardadas. Desde el principio quise que estuvieran y luego descubres que ellos también eran unos fans absolutos de Ray", Teo .

Fue su mujer y pareja artística en: Cómplices quien entabló conversación con Rubén Blades , en un programa de la Televisión Galega:

"María empezó a hablarle de nuestro grupo, de lo que yo había hecho con Golpes Bajos y otras cosas... Hasta que dijo la palabra mágica. Le contó que había producido ' Quien no corre, vuela ' y entonces, entusiasmado, aseguró que era para él una absoluta obra de cabecera".

“Lo hago por respeto a Ray , me llevé su disco en unos de mis viajes a España y me cautivó, vamos a hacer una versión de “ Cobarde " que tiene también mucho de salsa y de ironía, de esa ironía ante la vida que sólo un artista como Ray es capaz de ver y de transmitir. Lo haré con Roberto Delgado y su orquesta entre Panamá y New York, la ocasión lo merece”, Rubén Blades

"Cobarde" el panameño Rubén Blades a dúo con Aurora Losada.

“ Ray Heredia es uno de mis artistas favoritos del nuevo flamenco, aluciné cuando escuché por primera vez “Alegría de vivir", me pareció un tema absolutamente redondo, una mezcla de pop y flamenco en el que nada pisaba a nada, puro equilibrio", Alejandro Sanz

"Quien no corre vuela"

Ray Heredia, Mario Pacheco no siguen ya entre nosotros y Teo Cardalda, ya no lo ve nada claro.

Sala Revolver . 6 de junio de 1991, presentación de su disco " Quien no corre vuela " con Ray Heredia están:

María Heredia, Antonio Santos, Fermín Villaescusa, Fernando Bermúdez, Chango Bongo y Josep Salvador .

"Alegria de Vivir"

Julio Iglesias y el Flamenco

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 23 Apr 2021 21:14:01 GMT

Julio Iglesias

“¿Crees que Frank Sinatra habría querido cantar conmigo si no fuera capaz de cantar por soleá?”.

"A mí el flamenco me llega, y me llega de verdad. El flamenco me recuerda mucho a los blues americanos, me recuerda mucho a la música grande de Estados Unidos, y creo que el flamenco es la base de nuestra música"

"Así que yo tengo un poco de celta, de mozárabe, de judío... Y todo eso está en mi alma y en mi música".

"¿Crees que Frank Sinatra habría querido cantar conmigo si no fuera capaz de cantar por soleá?"

-Pero nunca se le ha visto en un tablao cantando flamenco.

“Hay gente que lo hace muchísimo mejor que yo."

JULIO IGLESIAS , el cantante con más discos vendidos en español y, uno de los diez artistas con más discos vendidos.

"Puedo cantar a los palestinos y a los judíos, igualmente, sin distinción.

"Porque ser cantante no solamente es cantar; es transmitir con el alma lo que dices"

Un eslabón perdido, con Camarón . Una oportunidad de meter, de nuevo, el Flamenco en el mundo, desde una nueva visión, frustrada.

"Yo tuve la idea absurda de cantar con Camarón hace siete, ocho o nueve años. Y aunque parezca absurda la idea era factible en aquellos momentos. Después Camarón cayó, como tú sabes, muy enfermo y ya se perdió esa idea."

"El flamenco...no lo he intentado nunca, naturalmente. Pero a lo mejor yo tendría un buen disco flamenco...Bueno, un disco de flamenco como tuve un disco de tango, muy criticado en Argentina. El álbum de tango es el álbum más vendido de la historia de la música del tango. Eso no significa que sea mejor o peor, pero los chinos lo bailan. Y hacer bailar a los chinos el tango no es fácil."

"Hacer un disco de flamenco…sí lo podría hacer. No se trataría de cantar una seguiriya perfecta, ni cantar un…pero cantarme un buen fandango, o cantarme unas cositas simples, donde yo pueda expresar la sencillez y belleza del flamenco... sí, sí lo podría hacer"

Camarón, era un reto para Julio. No lo fue Bob Dylan:

"Oye, Julio, a ver cuándo empiezas a grabar mis canciones, chico"

No intuimos en la frase razones artísticas, ni de respeto, sino una nueva muestra de que Dylan, viejo zorro de la industria, sabe perfectamente dónde se esconden las tajadas más generosas del negocio.

Prefirió trabajar con Stevie Wonder , conquistar otra América, no la de Dylan , sus negocios anti musicales y su cultura usurpadora.

Felicidades, por su fabulosa carrera y su influencia en definir Lo Latino .

Tenemos una forma personal y original de expresión, que no quede adsorbida por la conquistadora, Julio Iglesias y el Flamenco son un claro ejemplo.

" La Macanita ": Que no se rompa la noche, Julio x bulerías de Jerez .

"Salsa Gitana": Hey, por Rumba desde Barcelona.

Julio Iglesias y los González Flores

Farruquito

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 21 Apr 2021 09:54:31 GMT

El bailaor Juan Manuel Fernández Montoya: “ Farruquito ”

“ El flamenco. Una de las músicas más difíciles, más ricas y más reclamadas por todo el mundo”.

Uno de los emblemas del baile flamenco, continuador de la herencia de varias generaciones en el flamenco: Los Farruco .

"Que la Unesco declarara el flamenco patrimonio universal no sirvió para nada"

"La gente cree que el flamenco es una cosa que se lleva en la sangre y ya está pero conlleva una vida dedicada de trabajo y de estudio"

"Lo estamos pasando muy mal. Los flamencos vivimos del público, siempre nos hemos dedicado al flamenco y el flamenco, aunque la gente piense que es algo que se lleva en la sangre y ya está, conlleva una vida entera de trabajo, de estudio que, por cierto, hay que recordar que el flamenco se estudia. Entonces, de buenas a primeras parar tanto tiempo es complicado. Sin embargo, creo que no hay que perder la esperanza y la motivación. Lo más importante es tener salud y un cacho de pan, mientras que tengamos eso para alimentar a nuestros niños, tenemos que aunar fuerzas”.

¿Flamenco patrimonio universal por parte de la Unesco?

“No ha servido para nada. Ya sabíamos todos que el flamenco es patrimonio de la humanidad desde que nació. El flamenco cumple desde el principio una importancia social muy grande. El origen del flamenco viene de la expresión del pueblo gitano. Gracias a él, los gitanos pasan de ser un pueblo marginado y perseguido a ser un pueblo muy reclamado. Ahora todo el mundo quiere ser gitano si se dedica al flamenco. Que nos digan que el flamenco es patrimonio de la humanidad y que automáticamente los teatros andaluces no llenen sus programaciones de flamenco... ¿Si no se ha hecho en diez años cuándo se pretende hacer? Cuando yo voy a Viena, como capital de la música clásica, todos los teatros están ocupados con música clásica. Para bailar nosotros tenemos que estar años pidiendo fecha. Sin embargo, en España, no hay mucha programación flamenca, cuesta que te den una fecha y, cuando te la dan, te pagan lo mínimo porque creen que nos apañamos con cualquier cosa. La gente no es capaz de entender que el flamenco si no tiene unas mínimas necesidades técnicas no puede realizarse un buen espectáculo. Vamos por ahí apañándonos con lo que nos ponen. Por eso digo que no sirve, solo para que señores se pongan una medalla en un evento”.

“El 90% de las cosas que hago no me gustan. Es muy difícil mirar a las botas y que no te salga nada nuevo, que todo sea más de lo mismo. No poder aportar nada es una de las cosas más horribles que te pueden pasar”.

Extracto entrevista de Alba Rosado, La Opinión de Málaga , con motivo de la presentación del bailaor en el Teatro del Soho CaixaBank, el próximo viernes 23 de abril, con su espectáculo “ Íntimo ” con motivo del Ciclo de Flamenco del Soho , organizado por Antonio Banderas :

“Antonio es malagueño y le encanta el flamenco. A mí me consta porque, cada vez que puede, organiza algo que tiene que ver con el flamenco. Además, creo que es muy inteligente y sabe que la mejor música que puede llevar por bandera es la de su tierra: el flamenco. Una de las músicas más difíciles, más ricas y más reclamadas por todo el mundo”.

Pasen y vean: "Los Almendros - Plaza Nueva"

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 20 Apr 2021 13:25:12 GMT

Pasen y Vean:

"Los Almendros - Plaza Nueva"

El Flamenco nació como la voz viva de la expresión de un pueblo, no como espectáculo.

Su ilimitada profundidad ha hecho que en todas sus fases haya sido narrado y pintado por intelectuales que veían en su estética, historia, música, ritos o celebraciones, Arte, sin formalismos o prejuicios marcados por los árbitros de lo correcto.

Con la llegada de la tecnología y el cine en particular, siguió siendo fuente de inspiración para grandes películas. De otra mano, gran parte del mundo del celuloide ha mostrado respeto y atracción por el flamenco.

Hoy, sobremodo, desde una perspectiva local, son dos mundos que ya no van tan parejos. Ha sido más por directores o producciones internacionales que se ha seguido desarrollando esta labor.

¿Quizás la sociedad o el mundo del arte, no sabe ver lo que tiene tan cerca, deslumbrados por productos sin consistencia y caducidad rápida?

Los Almendros – Plaza Nueva: duración 24m

Una de las últimas producciones locales que ha sabido plasmar esa atmosfera desde un punto de vista personal y original, fue el cortometraje del director bilbaíno: Álvaro Alonso , de principios del siglo XXI, con la música del guitarrista Niño Josele.

Los Almendros , barrio eminentemente gitano de Almería.

Plaza Nueva , centro de Almería .

El cortometraje nos cuenta las peripecias de un nuevo conductor de la línea de autobuses que une Los Almendros y la Plaza Nueva. Mediante muchísimos detalles nos plasma la relación entre el payo Antonio y la comunidad gitana del barrio, con un conocimiento y medidas admirables, con el flamenco siempre muy presente.

Pasen y vean:

Migraciones

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 18 Apr 2021 23:18:45 GMT

Migraciones flamencas y Chalanes en la Costa Brava, según Miguel Vargas , padre de la guitarra extremeña .

Durante diferentes épocas los flamencos han migrado al litoral catalán para dar color a la variedad medioambiental de la zona.

“La laguna del Tordera , el oasis para flamencos”.

“Apenas hace cuatro días, coincidiendo con la finalización de las vacaciones de Semana Santa, los amantes de los pájaros tuvieron una más que agradable sorpresa, bastante inédita de poder disfrutar. Pudieron observar una bandada de 47 flamencos alimentándose en el tramo final del río Tordera, en la desembocadura compartida por Blanes y Malgrat de Mar ”.

“Según los expertos, en anteriores ocasiones se había llegado a ver algún flamenco en solitario o en grupos de dos, pero nunca se había observado una cantidad tan numerosa, bordeando la cincuentena”.

Lo cual no es cierto, las migraciones flamencas al litoral catalán, tuvieron un episodio anterior con la migración de familias extremeñas, a servir en post del surgimiento del boom turístico y el fin del negocio del ganado y sus ferias. Un ejemplo claro, no el único, es el de Miguel Vargas Molina , el creador del j aleo y el tango extremeños en la guitarra.

“Mi familia es extremeña pero, por circunstancias de la guerra, mis bisabuelos se fueron a Beja, en el Alentejo, y se dedicaron a las mulas. Aquella tierra era buena, se ganaba. Mi padre nació allí y cuando yo cumplí ocho años ya nos vinimos para Extremadura otra vez. Ahora tengo 63 años y soy emeritense”.

El flamenco en Extremadura está documentado desde sus orígenes como tal, quizás antes. Según las crónicas de viajeros como Parreti, donde describe escenas iguales a las descritas por otros mucho más tarde: cante, toque y baile juntos, estas en 1761.

Pero no será hasta mitad del siglo XX, con la persona de Porrina de Badajoz y su presentación en Madrid, con gran éxito, que se destapa algo que estaba guardado en el seno de las familias gitanas locales, los jaleos y tangos extremeños.

Hasta esos días la guitarra estaba en manos femeninas, como la madre de Porrina: Ana Molina, La Tia Amparo, La Tía Primitiva o La Tia Tijeras . El primer guitarrista en hacer de esta forma característica del toque, un toque profesional, introduciendo todas las técnicas de la guitarra, donde los silencios son importantes, fue Miguel Vargas . Hasta ese momento los jaleos se habían acompañado casi por bulerías, sin un acento extremeño.

Instalado en Mérida , entra en contacto con una familia gitana: Los Verdinos , no profesionales pero herederos de ese sabor ibérico de tangos y jaleos. También empieza a recibir clases regulares de técnica en la guitarra.

Hijo único de una familia tratante, fuerte, de ganado, desde pequeño se enamora de la guitarra en las fiestas familiares, en los rodeos, en las bodas o pedimientos. Recuerda que en su niñez, cualquier pretexto era bueno para cantar, tocar y bailar.

La familia de Miguel Vargas , se dedicó siempre a la trata, siempre buscando mulas que cuidaban, adecentaban, las 'preparaban para el escaparate' y de esta forma aumentaban su valor económico dejando unas ganancias sustanciales con su posterior venta.

A los tratantes de mulas o ganado equino en general se les conocía como chalanes reconocibles por sus características chambras. La chambra era una especie de blusa larga, abrochada en el cuello y sin solapas, de color negro en los de mayor edad y de tonos más claros en los jóvenes. Además de servir como protección a las otras prendas de vestir, formaba una barrera infranqueable con los chalecos y las fajas ante los numerosos carteristas que merodeaban por el rodeo, un mundo lleno de picaresca e ingenio. Llegaban con las reatas de mulas bien preparadas por sus expertas manos, para deslumbrar al más avezado y exigente de los posibles compradores como solo ellos sabían hacerlo. El trato de algún animal, siempre se cerraba con el correspondiente apretón de manos; la magia del lenguaje no escrito por el que se han regido las ventas y compras durante siglos.

Las tradiciones y formas de vida forman parte de nuestra memoria colectiva.

La familia de Miguel , primero en Portugal y luego en Mérida, se movió en el mundo de los rodeos y las ferias. Mérida contaba con una feria de ganado importante, donde llegaba gente de toda la comarca y los gitanos en particular hacían corros entre familiares cantando y bailando, cerrando pedimentos y demás menesteres, la feria duraba 7 o 8 días, al final. Como guitarrista esa fue su primera escuela, la familiar.

Pero llegan los tractores y la industrialización del campo, afectando a casi la totalidad de la península ibérica, excepto zonas muy concretas, donde quedan notablemente reforzadas, y les permite repartirse un negocio que antes daba de comer a la mayoría de la población.

Desaparece uno de los oficios en los cuales el gitano tenía su presencia, el trato de ganado, el oficio de Chalan .

Audio-video : El Indio Gitano, le acompaña por Jaleos, Miguel Vargas.

La Feria se ha puesto mala, en verano para Lloret.

“Antes, en verano como la cosa estaba muy mal, nos íbamos a la Costa Brava. Allí, con 11 años, trabajaba y tocaba la guitarra. Pero me di cuenta que, con la guitarra tocaba en un bar, y ganaba más dinero que trabajando. A partir de entonces empecé a tocar la guitarra todos los veranos en la Costa Brava, y en invierno regresábamos a Mérida”.

En Lloret, con solo 10 añitos, empieza a trabajar de botones en un hotel, el objetivo era conseguir las 700 pesetas que le costó su guitarra. Empieza a frecuentar locales como: El Quijote, La Masía o El cortijo, con programación flamenca. Allí empieza a conocer a guitarristas que le empiezan a enseñar los toques que el aún no conocía, sólo conocía bien lo suyo, tangos y jaleos. Rápidamente de la mano del El Sali, le ofrece un contrato para trabajar con él, sus primeros dineros con la guitarra. En esa época y en Lloret, conoce a Carmen Linares, también buscándose la vida en la costa.

Empieza a definir su lenguaje personal, se asombra por el toque de un nuevo guitarrista Paco de Lucia, hasta que se da cuenta que debe ser él.

Los tangos y jaleos extremeños

“ Porrina de Badajoz era un fenómeno, llegó a Madrid y triunfó. Todo ese arte lo cogió de las bodas de los gitanos, de la Plaza Alta de Badajoz, de las reuniones... Creó una forma de cantar, no inventó los tangos ni los jaleos sino que lo recreó. Por otro lado, aquí en Mérida Juan Cantero también llegó a Madrid y fue otro éxito. Ambos procedían de Extremadura pero tenían estilos muy diferentes. Esos son los pilares del flamenco en la región. Después, Paco Zambrano recogió toda la historia de los flamencos de Extremadura e hizo que esta forma de cantar fuera reconocida y registrada como jaleos y tangos extremeños”.

“Hice mi creación personal que son los toques de jaleos y tangos extremeños. Primitivo y elemental pero con mucha belleza. Esos toques me los reconocieron en Madrid dándome el premio 'Tío Luis el de la Juliana' en 2016. Ahora los jóvenes tocan lo que yo toco y para mí es un orgullo porque es mío y lo están haciendo”.

“Antes la escuela era del padre al hijo y eso, desgraciadamente, va desapareciendo. La academia es de otra manera. Sin embargo, ahora ha salido una serie de jóvenes que cantan como los antiguos. Esas familias cantaoras son las que mantienen ese tipo de flamenco”.

Audio-video: Ramon "El Portugués " , le acompaña Miguel Vargas.

Las migraciones de pájaros y otras aves han permitido que contemos con un género musical con una pizca de casi todo, pero originalmente ibérico. Como los jamones no se curan igual en otras latitudes, el Flamenco tampoco, aunque lo han intentado, en ambos casos, miles de veces.

Bajari

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 13 Apr 2021 11:02:07 GMT

BAJARI

La Barcelona, que no se ve.

BARCELONA , puerto estratégico en el Mediterráneo, conectado al mundo durante miles de años, ha recogido el testimonio de diferentes culturas, razas o religiones.

Desde hace más de quinientos, la ciudad cuenta con un sustrato cultural en torno al mundo Flamenco y lo gitano, que la hacen original y mágica.

BAJARI , palabra calo, que significa: Barcelona.

Sumergida en esta ciudad, se conserva el legado flamenco y rumbero, como seña de identidad originalmente genuina: ¡descúbrela!

BAJARI 2011: ¡Carmen Amaya, vive!

Carmen Amaya , fue un punto de partida. Pilar en el mundo Flamenco, el arte en general, representaba el motivo de existir, era flamenca y de Barcelona.

Con la idea de homenajear a Carmen Amaya y a su ciudad natal, se presentó la oportunidad de poner en un escenario lo mejor del flamenco y la rumba, con motivo de la grabación de una película.

Para lo cual se formó un reparto con los mejores artistas, representando esa BAJARI, la que nadie ve, pero que sigue dando vida a nuestra ciudad.

Este fue presentado en las Fiestas de la Merce 2011.

La plaza de la Catedral, abarrotada, aducida; acabo entregada.

Fichas artística del espectáculo: foto adjunta.

Vídeos

actuación Merce2011: disculpen la calidad del audio e imágenes, son las únicas que nos dieron, que lástima.

El concierto, sólo, ya es una Película.

-empieza el espectáculo:

-Winy Amaya , al baile:

-Karime Amaya , al baile.

-Chiqui Amaya , interpreta un clásico de nuestra música, “ Vete ”.

BAJARI, la película.

Se trabajó en torno a los ensayos y escenas cotidianas de los protagonistas del espectáculo, que se presentó en la Merce2011. Refleja el legado, que perpetuaba en la ciudad de Carmen Amaya.

Se presentó en el 2013 dentro del año Carmen Amaya , recorriendo medio mundo, por los mejores festivales y cines. El documental contó con la dirección cinematográfica y apoyo de Eva Vila y demás compañeros de viajes.

Video: tráiler de Bajari.

Fotografías, del gran José “Asere” Llanusa , nuestro hombre en la Habana, gracias ekobio. Tremendas fotos.

BAJARI sigue viva, su protagonista Juan Manzano , el hijo del Lisardo, es hoy una de las promesas del flamenco.

¡Sant Rok Mola!

Camarón y Lorca, ¡amantes del Toro!

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 12 Apr 2021 23:02:26 GMT

Camarón y Lorca , ¡amantes del Toro!

Para los amantes de lo correcto, Lorca ha sido un artista que ha contado con todo los respetos, para los demás también. Al igual que Camarón, destacado en el estilo de cante que tanto apreciaba el poeta, fueron dos claros aficionados al Toro, entendido como arte más que fiesta.

La última entrevista realizada a Federico García Lorca, publicada el 10 de junio de 1936 en el diario madrileño El Sol , sección “ Los diálogos de un caricaturista salvaje ”, este no era otro que su amigo, el pintor y dibujante Lluís Bagaría i Bou.

Con el título de “ Diálogo con García Lorca ”, nos habla de cante gitano o flamenco :

"Muy poca gente conoce el canto gitano, porque lo que se da frecuentemente en los tablados es el llamado flamenco, que es una degeneración de aquél. No cabe en este diálogo decir nada, porque sería demasiado extenso y poco periodístico”.

Y de Toro s:

“El otro gran tema porque me preguntas, el toreo, es probablemente la riqueza poética y vital mayor de España, increíblemente desaprovechada por los escritores y artistas, debido principalmente a una falsa educación pedagógica que nos han dado y que hemos sido los hombres de mi generación los primeros en rechazar. Creo que los toros es la fiesta más culta que hay hoy en el mundo. Es el drama puro, en el cual el español derrama sus mejores lágrimas y su mejor bilis. Es el único sitio adonde se va con la seguridad de ver la muerte rodeada de la más deslumbradora belleza. ¿Qué sería de la primavera española, de nuestra sangre y de nuestra lengua si dejaran de sonar los clarines dramáticos de la corrida? Por temperamento y por gusto poético soy un profundo admirador de Belmonte ”.

Deja como último testimonio publicado que el Toro y el Flamenco, son Arte. Cuanto ha cambiado hoy la sociedad, esos dos términos, están intentando que pasen al olvido.

A Camarón, desde niño, le pirraba una muleta, más tras cantarle unos fandangos a Manuel Benítez «El Cordobés» que le endiño 1.000 pesetas y su amistad, desde entonces mantuvo relación por carta con el torero. Por esta predilección había seguido frecuentando muchas amistades dentro del mundillo, empezando por los de su tierra hasta los más populares y divergentes en la manera de entender este arte, José Mari Manzanares y Curro Romero.

El juego de un niño, pasó a convertirse en un sueño adolescente de independencia y aventura o en una ilusión con que espantar la necesidad, cuanto más crecía más le subía la fiebre taurina. Solo hablaba de toros, de ser maletilla, de irse a los tentaderos, de triunfar en Madrid, Barcelona o Sevilla.

Siempre había soñado con verse en los grandes carteles y nunca abandonó la idea. Cuando ya su nombre empezaba a destacar en el panorama flamenco, le dieron una ocasión.

" A la luna, luna de enero
Con mi capote y muleta
Iba a los encerraderos
Porque a mí me gustaba esa fiesta
Y todito mi afán era de ser torero

Me dieron una ocasión
Para salir a torear
Se me quitó toda la afición
No lo quiero recordar ”

Debut y despedida de un torero llamado Camarón.

La fecha fue el19 de octubre de 1975, el lugar: San Pedro Alcántara.

Los seis espadas del cartel lo componían:

Miguel Mateo “Miguelín”

Curro Romero

Antonio José Galán

Alfonso Galán

Juan Jiménez

El Camarón de la Isla

La hora fijada eran las cuatro y media de la tarde.

“Yo pensaba que iba a hacer el paseíllo y ya está o que no iba a venir pero acabó matando su toro y todo “, certificó el promotor Juan Jiménez.

Al mediodía comió poco y habló menos, según los testigos. Se vistió con mucha flamencura e hizo el paseíllo entre ilusionado y amedrentado.

Todo estaba acordado para que el novillo menos grande entrara en el turno de Camarón pero por error ocurrió que el reservado para Camarón salió antes y tuvo que lidiar un novillo de unas hechuras considerables.

Como era de esperar la plaza se llenó ante la curiosidad de ver a Camarón dispuesto para saltar a la arena.

La faena resultó algo accidentada con algún revolcón incluido. Igualmente sumó más de un pase de auténtico arte, que pareció recordar por mucho tiempo a todos sus amigos.

«A él le gustaban los toreros de pinceladas, pero para torear hay que saber primero la técnica y luego aportarle tu personalidad, no es fácil. De todas maneras cumplió perfectamente aquel día», otro de los protagonistas de la jornada, Alfonso Galán.

¿Cuáles son los intereses de la sociedad por anular el Toro?, quizás sea culpa de nuevo de esos disfraces progresistas.

'Un natural de Camarón, Paco de Lucía , ¿siempre se miró los toros desde la barrera?

Flamenco. Una historia subversiva

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 11 Apr 2021 13:14:40 GMT

Flamenco : una historia Subversiva .

La Península Ibérica fue el punto de entrada de las prácticas musicales africanas en Europa y, por lo tanto, ha sido una fuente de muchas innovaciones, el Flamenco es un claro ejemplo.

Seguimos en manos de gente, escondida en falsos disfraces progresistas, cuya única labor durante la historia, como ahora, ha sido: Robar, Imitar y Venderlo adulterado, borrando toda prueba, evidentemente.

Los esclavos han influido más en la historia de la música que los poderosos.

Ted Gioia, compositor, crítico, historiador, profesor, pianista y productor musical estadounidense, en su libro “ La música. Una historia subversiva ”, pone en relevancia la tesis de que la historia de la música ha condenado sistemáticamente al olvido las innovaciones musicales realizadas por la gente común, estas casi siempre se producen en los márgenes de la sociedad.

“Las innovaciones musicales surgieron repetidamente de grupos pobres y marginados muchas décadas antes de que aparecieran entre las élites gobernantes. Los nuevos estilos musicales siempre surgieron de la base de la sociedad y luego viajaron hacia arriba. Esta es una de las tendencias más poderosas y poco comprendidas en la historia de la música”.

“Otras formas de arte son diferentes. Alrededor de 500 personas adineradas determinan qué pintores y escultores están de moda. La arquitectura siempre ha estado controlada por los ricos. Las tendencias literarias surgen de las universidades y los grandes centros culturales. Pero la música es diferente. Una y otra vez, surgen nuevos estilos musicales de los barrios bajos y pobres. Eso fue así durante todo el siglo XX con el jazz, el reggae, el tango, la samba, el rock, el hip-hop, el soul, el ragtime, el blues y otros estilos. Pero también fue así hace miles de años. Desde el comienzo de la historia registrada, los esclavos y los inmigrantes han tenido más influencia en la historia de la música que los ricos y poderosos”.

“Muchas de estas canciones nunca se conservaron, fueron borradas de los libros de historia, nos damos cuenta de que entre el público circularon miles de canciones que fueron consideradas peligrosas por las autoridades. Es lamentable que los musicólogos hayan mostrado tan poco interés en estas canciones, pero nos dicen muchas cosas importantes sobre la historia de la música y la evolución de la cultura occidental”.

“Tratamos la música como si fuera un artefacto cultural, pero realmente deberíamos considerarla como una fuerza biológica. Ninguna obra de arte tiene tanto impacto en nuestro cuerpo. El latido de nuestro corazón cambia en respuesta a la música. Nuestras ondas cerebrales cambian. Las hormonas de nuestro cuerpo se alteran. Nuestro sistema inmunológico se fortalece. Una pintura o una escultura no pueden hacer eso, pero una canción sí”.

“El flamenco es un excelente ejemplo. Pero muchos otros tipos de música española tienen una historia similar. España fue el punto de entrada de las prácticas musicales africanas en Europa y, por lo tanto, ha sido una fuente de muchas innovaciones. Había escuelas de música en España hace mil años que enseñaban prácticas de canto africano, cuando eran desconocidas en otras partes de Europa. De hecho, la canción de amor moderna también llegó del norte de África a España por esta misma época; los trovadores de Francia se llevan el mérito por ella, pero la aprendieron de los músicos españoles”.

“ Los musicólogos nos dicen que cada cultura tiene tipos de música completamente diferentes. Pero los neurocientíficos y los psicólogos nos dicen exactamente lo contrario: han encontrado propiedades universales recurrentes en la música. La historia de la música solo tiene sentido cuando aceptamos ciertos tipos universales de música. Las canciones de cuna existen en todo el mundo. Las canciones de trabajo existen en todo el mundo. Las canciones religiosas existen en todas partes del mundo. Considerar que la música de una sociedad no tiene relación con el resto del mundo es como negar su humanidad.”.

“La mayoría de las innovaciones musicales del siglo XX provinieron de músicos cuyas raíces y tradiciones africanas les dieron libertad para doblar notas [en inglés, bending, técnica que consiste en subir ligeramente el tono inicial de una nota] y crear sonidos que el sistema pitagórico no permitía. La nota de blues doblada, por ejemplo, no se puede escribir en notación musical occidental estándar. Hay todo un mundo de sonido entre las notas del teclado del piano. A la cultura occidental le costó 2.500 años aceptar este hecho. Y necesitábamos aprenderlo de África”.

“En teoría, la música digital ofrece a los oyentes opciones casi infinitas. Cada semana se lanzan miles de álbumes nuevos. Cada tipo de canción está ahí, esperando ser escuchada. Pero, en la práctica, Internet crea un mercado confuso en el que una pequeña cantidad de músicos se vuelven millonarios, mientras que todo lo demás se olvida. Como resultado, muchos oyentes no tienen idea de adónde ir para encontrar nueva música creativa. Es como darle a una persona solitaria una guía telefónica con un millón de números, y decirle que así será más fácil conocer gente nueva. Así es el mundo de la música digital hoy en día: hay muchos números, pero no hay una conexión real”

Flamenco Moods - Guaguanco con Sabor Gitano

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 10 Apr 2021 14:32:17 GMT

Flamenco Moods , Guaguanco con

Sabor Gitano

Banda Sonora: Mongo Santamaría, Tito Puente o Celia Cruz

"El guaguanco nació cuando los negros trataron de cantar flamenco"

Ramón Mongo Santamaría , nacido el 7 de abril de 1922 en uno de los barrios más africanos de los 43 distritos de La Habana, en Jesús María. Desde niño conoce los bembes de la santería y aprende los ritmos afrocubanos como su lengua materna. Debutó profesionalmente a los 20 años como bongosero en la orquesta del Edén de La Habana , colaboró con el gran Chano Pozo y su Conjunto Azul, con la segunda orquesta de Arsenio Rodríguez y con Matamoros.

Con ese tremendo bagaje y la curiosidad le impulsó a emigrar, vía México, a EE UU. Allí, en plena eclosión del afrocuban jazz, estuvo desde el principio junto a los mejores.

"En aquella época había mucho trabajo en las big bands nos contrataban aunque no supiéramos una palabra de inglés. Había multitud de orquestas en Nueva York, y en cuanto se enteraban de que eras cubano, siempre te invitaban a tocar".

“Cuando llegamos a los EUA, los negros estadounidenses no tocaban ni bongo ni conga, porque no se sentían unidos a los instrumentos y fue entonces cuando comenzó el movimiento. La América negra tenía por única música tradicional el blues, y los músicos no querían saber nada de la conga, a la que consideraban un instrumento primitivo. La infiltración comenzó con músicos como yo, C hano Pozo, Mongo, Patato, Aguabella, Cándido Camero y muchos más”

“Cuando comencé mi propio grupo de jazz latino, era 1963, y algunos decían: “Lo que estás haciendo es una locura, acabaras empeñando esas congas””.

“Después de los primeros seis meses tuvimos un gran éxito con “Watermelon Men” de Herbie Hancock . Entonces empezamos a tocar por todos lados, en todos los clubes de jazz importantes de Los Ángeles, Las Vegas, Paris”.

“A donde me gustaba ir es a África . Conozco muchos músicos africanos ― Fela, Makeba, Masekala ― he conocido a músicos africanos por todos sitios. Me gustaría ir a África y llevar un buen grupo conmigo”

"Salí de mi país y nunca pensé llegar donde he llegado. He viajado por el mundo entero. He vivido momentos muy grandes y felices. No me arrepiento de haber nacido y de hacer lo que hice por lo gozado. A Dios gracias por mantenerme y a Changó por iluminarme".

Flamenco Moods , con este nombre graba en 1961, toda una declaración de intenciones, flamenco y guaguancó son primos hermanos.

“l o mismo canto un flamenco

que le bailo un guaguancó ”

“Cuando escucho a un gran tumbador como Mongo Santamaría no oigo las congas, oigo a la vida”. Carlos Santana

Sí Chango es para Mongo, Obatala es para Tito Puente

La primera vez que vino a Europa fue a ver a la Virgen de la Merce-d y le prometió que la visitaría cada vez que pisara el Viejo Continente:

"No importa dónde esté, siempre paso por Barcelona ".

Siempre después de visitar a la Vergé de la Mercè, y a dos pasos de allí, se perdía por las calles de la ciudad antigua. Era otra Barcelona, que le sorprendía y fascinaba. Uno de los puntos de encuentro estaba en la calle Escudellers, la calle del ritmo, El Tabu era uno de sus lugares preferidos, entre flamencos y otras aves.

Según el sincretismo santero se asocia a Obatala con la Vergé de la Mercè.

Ernesto Antonio Puente nacido el 20 de abril de 1923 en El Barrio, en el Harlem Hispano, de Nueva York, en una familia boricua.

" Crecí en un lugar del este de Harlem donde el jazz y la música latina estaban muy relacionados.

Y el matrimonio del jazz con la música latina es la unión más linda que haya existido"

Sin duda es uno de los caballos de la música latina, y lo que hizo historia. Conoció el flamenco y lo admiro, son muchas sus composiciones en torno al género o a nuestras tierras, otro embajador del flamenco en el mundo.

Grabó “ Flamenco Moods” , toda una declaración de intenciones.

Tito compartió aventuras musicales con otra flamenca: Celia Cruz

“ oye gitano

esto es una rumba flamenca a lo Celia Cruz”

En uno de sus últimos discos incluye una canción dedicada a Lola Flores.

"Hace ya dos discos que quería tenerla. Así que esta vez les dije: "Si no me dejan, no grabo el disco".

"Me llamó Lolita para darme las gracias y contarme que ellos aprendieron a quererme por su madre".

Celia Cruz cuando visitaba Madrid iba al cementerio a visitar la tumba de la que fue amiga desde que se conocieron en Cuba:

"donde ella daba sus temporadas de teatro. Cuando vine a España, aquí nadie sabía de mí. Ella tenía un restaurante en Madrid y yo cantaba en un lugar en la carretera de La Coruña. Y ella me llevaba a la gente. Llamaba al dueño: "Luis, no pongas todavía el show porque voy". Yo le decía: "Pero, Lola, cómo tú vas a sacar a los clientes de tu restaurante", y me respondía: "España te tiene que conocer porque tú eres la Niña de los Peines cubana y quiero que todos los españoles sepan quién es Celia Cruz". ¡Qué linda! ¡Pobrecita!".

"Ya no puedo caminar por las calles sin que me saluden. En el aeropuerto, los agentes de inmigración me dicen: "Usted no necesita pasaporte". En este viaje, el señor policía me dio la bienvenida y, al doblar yo la garita, me gritó: "¡ Azúcar !".

Otra sentencia, muchos antes de morir La Faraona. "Sabor Gitano", Celia Cruz con Tito Puente

Una noche de San Juan en St. Roc

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 07 Apr 2021 18:18:09 GMT

Una Noche de San Juan en St. Roc

En todas las celebraciones familiares en el barrio , los equipos de música están relegados para otros momentos, la música es en vivo, la fiesta y el flamenco están asegurados.

En esta Barcelona , se conserva un legado que la ciudad ha mantenido arrinconado durante muchas generaciones, predominantemente en el seno de las familias gitanas, de una forma natural, fuera de academicismos.

Este legado que se manifiesta por la libertad que aporta a la creación artística, buscando la autenticidad por encima de la belleza, fue el que inspiró los más notables momentos del Modernism e.

La vida bohemia se convierte en uno de los grandes mitos de la modernidad , inspirada en la idealización de los bohemios, del pueblo Gitano , de los que la historia del arte siempre ha tipificado como símbolo de una vida sin reglas y sin ataduras, libre de convencionalismos institucionales.

Esto hace que los artistas que siguen esta tendencia se interesen extraordinariamente por la música popular y en particular, por el Flamenco . El barrio que reunía todos esos elementos era el Somorrostro .

"Barracas del Somorrostro", Isidre Nonell

La verbena de San Juan de 1966, es la primera que se celebró en el nuevo barrio, fuera ya de la ciudad, en Badalona: St. Roc .

Unas maniobras en la playa del Somorrostro , dentro de la semana naval, fueron el pretexto perfecto para enviar camiones y preparar el traslado de las familias que habitaban el barrio hacia nuevos destinos. Barcelona tenía que venderse al mundo, otra vez, tenían que preparar el terreno para unos años después preparar sus olimpiadas.

"Playa de Pequín", Isidre Nonell

Desaparecía el barrio del Somorrostro : barrio, eminentemente gitano, del litoral barcelonés, comprendido entre lo que hoy es el Hospital del Mar y el Cementerio del Poble Nou. Surgido con el boom económico y su repercusión cultural, a mediados del siglo XIX, en plena de fase de expansión de Barcelona, coincidiendo con el surgimiento de un nuevo género: el Flamenco .

Uno de los destinos del éxodo fue una zona emergente en la periferia de Badalona, nacía un nuevo barrio St. Roc .

Allí se instalaron barracones para dar cobijo a muchas familias.

Sant Roc , nace con el boom de la emigración de los años sesenta, lo que propició la consecuente pérdida de identidad catalana debida a la convivencia con castellano parlantes.

La primera verbena de San Juan que se celebró en Sant Roc fue en el 66.

Una noche mágica

Una noche de iniciación

La noche del tiempo

Durante cientos de años, antes en el Somorrostro , ahora en St. Roc , los gitanos han celebrado el inicio del verano.

Fuego, petardos, una guitarra y buen cante. Desde el corazón mismo del Flamenco en Barcelona .

Los nuevos mocitos , vienen pisando fuerte. Diamantes en bruto .

Juan, Ricardo & El Cachorro : cantaores

Juan : guitarra

Familia: compás

Todos de apellido: Manzano

Pirotecnia del barrio, hasta los petardos van a compás.

Tenemos Flamenco para rato

eXtracto de la fiesta:

¿Cuál será el siguiente destino, el litoral badalonés es una tentación especulativa de nuevo?

Camarón por Barcelona

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 05 Apr 2021 21:25:50 GMT

CAMARÓN

por Barcelona

En la plaza de toros Monumental presentó en exclusiva: “ La Leyenda del Tiempo ”.

Alojado en las Ramblas , visita St. Roc para escuchar al Tío Enrique y cierra “por Bulerías”, en el Festival Flamenco de Barcelona.

Sus avatares y andanzas por el mundo, le trajeron muchas veces a Barcelona . Ciudad, por la cual sintió un cariño especial, dando rienda suelta a sus noches de bohemia y de pasión.

“Hace falta imaginar, experimentar cosas y cambiar algo. Hace falta arriesgarse. Yo ya sabía de antemano lo que iba a pasar, claro. Es que los puristas no experimentan nada de nada. Si se queda uno solo con los puristas nos quedaríamos siempre en el mismo sitio. Están metidos en un círculo del que no se salen, y yo creo que hay que salirse un poco, ¿no? Experimentar”.

Mucha gente se ha quejado de que “ La leyenda del tiempo ” nunca se presentó en directo al público. No es cierto. El 13 de julio de 1979, en plena era punk, en la Monumental de Barcelona, ante más de veinte mil personas, la mayoría aducidos por los nombres de Weather Report, Stanley Clarke y Jeff Beck, fue la presentación.

Camarón y Dolores , en directo.

A algún iluminado se le ocurrió la idea de que Camarón abra esa velada. Los gringos llegaban con sus equipazos, técnicos y toda su parafernalia, pero así y todo, algo fallaba. Cuando acaban las pruebas, tarde, todos los técnicos se van a cenar y dejan a Ricardo Pachón ante una mesa de 48 canales, lo nunca visto por aquí, y encima, le limitan el sonido, lo dejan vendido.

Camarón , alucina con los camerinos que les montaron en el patio de cuadrillas, tan ajeno a lo suyo. Por lo que cuentan los allí presentes, el bajista Stanley Clarke, fue el que más admiración mostró por el cantaor, al oírlo templar la voz en los camerinos.

Pese a la limitación de sonido, un público adverso, retrasos y el mal clima que eso creo, Camarón saco adelante su Leyenda del tiempo e incluso arranco aplausos de los asistentes.

Pero Camarón no lo repetiría en su vida, se lo quedo guardado:

“sí no me entienden, ya me entenderán, a partir de ahora guitarra y palmitas, y mis 2 millones y medio por actuación”.

Nunca olvido.

Mick Jagger en el verano de 1990, manda buscar a Camarón y le ofrece cinco millones de pesetas por cantar en una fiesta privada que iba a celebrar en Madrid. La respuesta que le dio no tiene desperdicio:

¨Esos gaches no saben de flamenco¨.

Carlos Lencero , escritor, y flamenco, ha sabido como pocos captar la esencia de ese genio de la música. En su libro: “ SOBRE CAMARON ”, cuenta la siguiente anécdota:

El cantaor, como buen aficionado, busca en el barrio de Sant Roc – Badalona-, herencia del Somorrostro , al Tío Enrique . El motivo era escucharle cantar sus célebres tarantos, que Lole y Manuel, grabaron en su disco: Pasaje del Agua .

" A las seis de la mañana
se levanta mi marío
a las seis de la mañana
se toma el café bebío
y se va pa las minas
con el cigarro encendido"

Estuvo alojado como en muchas ocasiones, en los Apartamentos Cosmos, en las Ramblas. Todavía los camareros mayores, recuerdan las aventuras de Camarón por allí. Corren los años 80…

“Fue precisamente en un viaje a Barcelona junto a su amigo Bambino cuando le ocurrió una de las anécdotas más espectaculares de su vida. Se instalaron en plena Rambla barcelonesa el Hotel Cosmos esquina con Escudellers. El inquieto Camarón llevaba una idea preconcebida: escuchar al Tío Enrique cantar por sus célebres tarantos, y, a ser posible, grabarlo. Adquirió una de esos radiocasetes con mil botones y después de hacerse con la dirección del cantaor se dirigió allí para cumplir su objetivo. Al parecer, según contaba después, pasó horas escuchándolo y grabándolo. Cuando regreso al hotel se dispuso a escuchar su tesoro junto a Bambino. Apretó un botón, luego otro, otro, otro; luego de dos en dos; de tres en tres; no salía el más mínimo sonido. ¡No había grabado nada! Tremenda mente irritado, arrojo el enorme aparato por una de las ventanas de las que daban a la calle Escudellers”

En 1980, se inaugura el Festival de Flamenco de Barcelona , organizado por La Caixa . Durante muchos años -hasta su lamentable clausura- se convirtió en un referente de las citas flamencas. Todos los grandes de la época-con la excepción de Antonio Mairena, al que su estado físico y anímico no le dejaba salir de Sevilla– participaron en alguna de sus ediciones. Como no, allí tenía que estar: Camarón. Un público en su mayoría gitano, aficionados e intelectuales, que se rendían ante el genio.

CAMARÓN, poble español, 1987 , último tema de la actuación, sale con la guitarra que le prestó su amigo José Candado , le acompaña Tomatito .

Por bulerías como el público entregado le pedía.

" Viviré
mientras que el alma me suene.
Aquí estoy para morir
aquí estoy para morir,
cuando me llegue,
cuando me llegue,
cuando me llegue.
……..

la vida, la vida,
LA VIDA ES

Si Peret sona, Barcelona es bona

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 05 Apr 2021 15:13:46 GMT

Si Peret sona

Barcelona es bona

Pedro Pubill Calaf

“Cuando vine al mundo, el 26 de marzo de 1935, fue “de prestao”, en una casa de buena gente, la familia Soriano, que dejaron a mi madre para que me pariese”

“Vivíamos en Mataró, en un descampado, allí teníamos nuestro campamento gitano con cuatro barracas hechas con madera, tochos, telas y piedras para aguantarlo todo. Delante de las barracas se levantaba una pared con argollas clavadas para atar los caballos, los mulos los burros que “els senyors” traían para esquilar; este era el oficio que ejercían mis tíos con gran maestría”

“De pequeño di mucha vueltas, pronto vine a Barcelona, a la calle Salvadors, 12. Recuerdo que nuestra casa siempre estaba llena de gente y yo iba de una casa a otra, de un sitio para otro, sin parar. La venta llevaba a mis padre a Vic, Manlleu, Ripoll, Puigcerda, Girona, Palma, Menorca…., nos quedábamos un mes o dos en algún lugar y después volvíamos. Alguna vez mi madre, cuando acaba el trabajo, no se acordaba en que casa me había dejado”

Después de sus inicios como guitarrista por locales de Barcelona y la costa, da el salto a Madrid. El Pescadilla tenía la ciudad alborotada y necesitaba refuerzos catalanes para animar, la noche madrileña, de finales de los cincuenta. Gitanillo de Triana lo contrata en su local “El Duende”:

“En “El Duende” todo era magia: los artistas, los camareros que tanto servían una copa como se ponían a bailar por bulerías, el público donde te podías encontrar al vicepresidente de cualquier país al lado de un torero que se arrancaba a cantar por fandangos, la gente vibraba. También venían asiduamente Manolo Caracol, y el Pescadilla con Lola Flores, se sentaban en mesas diferentes - el ambiente se cortaba a filo de navaja -",

Lo demás es historia pública, nace uno de los protagonistas de la Rumba, banda sonora de una época.

Peret , llevó la Rumba a sus momentos más comerciales, tuvo un talento particular a la hora de crear sus temas, gozando de una gran popularidad. Para profundizar en su vida tan agitada, les aconsejo el libro “Peret: l´anima de un poble ”, de su sobrina paya Cèlia Sànchez-Mústich, de donde hemos extraído alguna cita, gracias.

Murió el 27 de agosto de 2014, defendiendo, hasta que el cuerpo le aguantó, su reinado en la rumba. Nunca le gustó que la denominasen –rumbeta-, igual que a los flamencos no les gusta el diminutivo, -flamenquito, estos son para comer-, ¡sobran las palabras!

Como nos dejó cantado, que nadie le mande flores, que le lleven hierba buena, que alegra los corazones.

Video : Año 1972, Peret , en plena forma, tremenda banda y conectadísimo con el sonido del momento. Ese año Isaac Hayes , con su sonido Shaft , está pegando en las pistas de baile negras americanas, ese mismo año en Barcelona sonábamos así: en el Cine Padro.

En medio del barrio gitano del portal, para su gente, una de los pocos temas cantados en calo, el único de Peret: CHAVI.

Juan Breva, Julio Romero o Lorca: cante, pintura o poesía.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 04 Apr 2021 13:19:57 GMT

Juan Breva , Julio Romero o Lorca:

Cante , Pintura o Poesía.

“Julio Romero de Torres
Pintó la mujer morena
Con los ojos de misterio
Y el alma llena de pena

Puso en sus brazos de bronce
La guitarra cantaora
En su bordón hay suspiros
Y en su caja una dolora"

Un pintor que no pintaba el flamenco , lo era.

«Vividoras del amor», una de sus obras más polémicas.

“Si a mí me hubiesen dado a escoger entre la gran personalidad de Leonardo Da Vinci –por el que siento una admiración tal que lo reputo como el primer pintor de la historia–, o la de Juan Breva, no habría vacilado. Yo hubiera sido Juan Breva , es decir, el mejor cantaor que ha habido…” palabras de Julio Romero de Torres .

Uno de los pintores más relevantes de la primera mitad del siglo XX, conectadísimo y destacado entre todas las vanguardias artísticas mundiales del momento, siempre políticamente correcto.

Antonio Ortega Escalona, Juan Breva . Ese genial cantaor, nacido en la Cuesta de la Mora de Vélez-Málaga, donde pregonaba por las calles vendiendo brevas. Sus pregones se convirtieron en los pilares del cante flamenco, llegando a enamorar a pueblo e intelectuales. Trabajo en giras por toda la península, algo no habitual en la época, gozando de grandes éxitos

En 1910, la tecnología permitió que algunos de sus cantes quedasen grabados. Ya era un hombre mayor y no estaría en plenas facultades, pero nos podemos hacer una idea del gran cantaor que fue y lo diverso que es, era o debería ser el flamenco.

Según Federico García Lorca:

“ Juan Breva tenía

cuerpo de gigante

y voz de niña.

Nada como su trino.

Era la misma

pena cantando

detrás de una sonrisa.

Evoca los limonares

de Málaga la dormida,

y hay en su llanto dejos

de sal marina.

Como Homero cantó

ciego. Su voz tenía,

algo de mar sin luz

y nara nja exprimida ”.

Igual que el cante de Juan Breva , y de tantos otros, embelesó a pintores y poetas de su época, hoy el flamenco debería de gozar del mismo acercamiento, porque el cante sigue vivo en muchos rincones de estas tierras.

Antonio Gades: la cultura es otra cosa, es dejarte pensando, hacerte sentir

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 02 Apr 2021 20:33:12 GMT

Antonio Gades

la cultura es otra cosa, es dejarte pensando, hacerte sentir

“A Carmen no le gustaba hablar de baile, hablaba de cosas más simples, siempre con un paquete de tabaco rubio, el mechero en la mano izquierda y una taza de café”.

Antonio Esteve Ródena, un referente en el mundo de la danza y el teatro en el siglo XX. Consciente, en todo momento, de dignificar la herencia cultural de su pueblo, desde un respeto total a la integridad, sin perder un ápice de naturalidad.

Sus cenizas, de ese niño de Elda, reposan en el Mausoleo de los Héroes del Segundo Frente Oriental, en Cuba.

“Cuando oigo hablar tanto de subvenciones: que si son imprescindibles, que si no se puede hacer nada sin ellas, contesto que también es necesario luchar... Lo que sí hay que hacer es abaratar las entradas. No dar una subvención a determinadas personas para que luego la entrada cueste lo mismo que cuesta la de un espectáculo privado. A mí me parece perfecto que en un espectáculo de diversión se pague lo que sea, lo mismo que un vaso de whisky. Pero no un vaso de leche. La cultura es tan importante como un vaso de leche o un filete. Es nutrirse, no divertirse. Y ahora se está llegando a creer que la cultura es diversión.

La cultura es otra cosa, es dejarte pensando, hacerte sentir”.

Gades llevó el universo flamenco al plano del arte dramático. Convirtió sus bailes en grandes obras de teatro, siempre desde una visión inclusiva, rechazando exhibicionismos.

“La gente piensa que para bailar hay que ser joven, guapo, alto, delgado… Para nada es así. Bailar es expresar un sentimiento y lo puede hacer cualquiera. Probablemente una de las razones por las que nuestra compañía tiene tanto éxito es porque es verdaderamente humana. No es una compañía que danza, es un pueblo que danza”

“Cuando yo nací mi padre había renunciado a estar presente en el nacimiento de su hijo para estar al lado del pueblo, con un fusil en la mano, algo que me llena de orgullo”.

“Una herencia maravillosa, que se resume en dos normas: el que no es agradecido no es bien nacido, y en mi hambre mando yo”.

“Probé de todo, de ciclista, torero, lo que nos dejaban a los pobres, hacer de bufones, básicamente. Hasta de boxeador, pero la primera guantada que me dieron dije que la próxima se la diera a su madre y tiré los guantes”.

“Para escapar del hambre, no por otra cosa. Por mis venas no corría entonces sangre vocacional por la danza, sino más bien anemia por hambre. O sea que llegué al baile por hambre. El hambre, o te hunde o te despierta la inteligencia”

Antonio Gades y Carmen Amaya

La noche de aquel 19 de noviembre de 1963 cogía a Antonio en Barcelona, llegaba la noticia de que Carmen había muerto. Antes de salir para Begur, recorrió todos los tablaos y locales flamencos de la ciudad, para avisar que esa noche no había flamenco.

La primera vez que la vio bailar quedó paralizado. Tras la actuación, se fue llorando hacia su camerino, siguió llorando dentro, mirando a Carmen, dejándose abrazar por ella, sin palabra, y con las mismas salió llorando.

“A Carmen no le gustaba hablar de baile, hablaba de cosas más simples, siempre con un paquete de tabaco rubio, el mechero en la mano izquierda y una taza de café”.

Gades, Farruca, en las Ramblas. Escena de "Los Tarantos"

Picasso: las Malagueñas de La Trini.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 30 Mar 2021 20:09:11 GMT

Picasso nunca olvido las Malagueñas de La Trini .

"Bailo, pinto, amo"

"Recuerdo como si fuera ayer a “ La Trini ”, una cantaora, la más famosa de todas, que cantaba en un ventorrillo propio que se había montado en La Caleta, algo más allá de la Victoria. La primera vez que me llevó mi tío salí como embrujado, la voz de aquella mujer y el texto de sus coplas me llegaron al alma y algunas no he podido olvidar:

‘ La tierra que a mí me cubra
ni la mires ni la pises
no te acuerdes más de mí
que mi lengua te maldice
muerta reniego de ti’.

Fíjate, tendría yo 8 años y aquella voz desgarrada al principio hasta me dio miedo. Luego, pasados muchos años, volví a ver a “La Trini ”. Una de ellas fue en 1919, cuando llevé hasta Málaga a Diaguelev y Falla para que la conocieran y la oyeran cantar. Estábamos preparando El sombrero de tres picos y yo les había sugerido incluirla como cantaora estrella, cosa que aplaudieron en cuanto la oyeron... y es que “ La Trini ”, aquella espléndida tarde veraniega, dio el do de pecho, a pesar de su madurez, con un repertorio que ponía la carne de gallina. Recuerdo muy bien una coplilla que dijo ser del joven poeta granadino Federico García Lorca (Lorca no era por entonces el que luego sería). Pero, al final fue ella la que no aceptó, yo creo que por coquetería, pues había perdido un ojo en su juventud y llevaba un paño negro que le tapaba el hueco. Otra fue en 1921, cuando viajé a España con Olga, como viaje de novios y la llevé a Málaga para que conociera mi ciudad natal. Por cierto, que aquella noche cuando llegamos al ventorrillo de la Trini nos encontramos con Manuel Machado , que al parecer no sólo era un gran amigo de la cantaora y un asiduo cuando pasaba por Málaga, sino que además le había escrito varias coplas, pues ya se sabe que era un apasionado del cante popular»,

Pablo Picasso , grabó en su código artístico lo vivido en su Málaga natal. Allí aprendió, casi todo, del arte.

A su padre, José Ruiz Blasco, se lo recuerda como: “ ingenioso y bromista pertinaz” y un “dandy aficionado a los toros y al cante flamenco".

Otra gran influencia, en la creación de su genio, fueron las escapadas al barrio de “Chupa y Tira”, donde vivían muchos gitanos. De ellos aprendió a fumar por la nariz, algunos pasos de flamenco y otras cosas que se guardó para sí:

“Los trucos que aprendí de los gitanos no tienen fin”

Su obra plasma esos recuerdos. Su otra gran referencia artística fue “La Guapa”, “La mujer Morena”:

“ La Trini ".

“ Haciendo por olviarte
creí que adelantaría
haciendo por olviarte
cuando pasaron tres días
como loco fui a buscarte
porque sin ti no vivía”.

Adaptación de La Susi y Verdiales:

“ La última vez que la escuché fue el año 1907. En esa época cantaba yo en el café Chinitas , y una mañana me invitan para que asistiera yo, y que a la vez les avisara a los guitarristas Santiago Segovia el Ciego y a Santos Ramos , más al excelente cantador Rafael el Moreno , para entre los cuatro amenizar una comida, en el ventorrillo de la Trini .

En un momento en que estaba entre nosotros Trinidad, tuvo un arranque de esos que no tienen más que los verdaderos artistas y con la suavidad y dulzura que hablaba aquella virtuosa del cante por malagueñas, dirigiéndose a la reunión, dijo:

-Señores, yo, en vista de lo a gusto que veo que están ustedes y que a pesar de eso el homenajeado no dice esta boca es mía, si ustedes me lo permiten voy a cantar una coplita; porque yo también estoy muy a gusto en la reunión y no puedo demostrarlo de otra manera.

¡Callarse, que va a cantar la Trini!

¡Las olas callaron y la Trini cantó! Es decir, aquello no fue cantar, fue hacer llorar a más de veinte hombres que con religioso silencio la escuchábamos. Con esta copla nos despidió, la que según mi opinión, ha sido la mejor cantadora de malagueñas conocida hasta hoy”:

“Cuando me pongo a pensar
lo lejos que estoy de ti,
no me canso de llorar:
porque sé que te perdí,
para no verte jamás”.

Así recordaba Fernando el de Triana a: “La Trini”.

Trinidad Navarro Carrillo, “La Trini” , fue una excelente cantaora de finales del S.XIX. Discípula de Juan Breva, posiblemente la mejor interprete de malagueñas de la historia, creadora de sus estilos personales que han marcado escuela.

Un personaje que recibía el apodo de ‘ La Guapa ”, `pero de la cual no se conservan imágenes, dicen que no quiso retratarse desde que la dejaron tuerta. A La Trini la dejó sin ojo un novio tras clavarle un navajazo, desde entonces llevo un parche tapándose el ojo.

Su vida desde el inicio, criada por unos padres de adopción, fue un eterno remover de sentimientos donde los hombres y sus vivencias, hacían que cuando cantaba la gente se tenía que comer las lágrimas, todo sentimiento vivido. Penetrante expresión de ese sentimiento, de su corazón herido cantando, su cante fue expresar la tragedia de su vida llena de lucha y padecimiento.

Para Picasso , La Trini , fue un modelo artístico y vital. El flamenco, fue la banda sonora de su obra, siempre.

Entrevista a Pablo Picasso :

- ¿Por qué bailas?

- No hay 'por qué', bailo.

- ¿Eres un artista plástico que baila?

- Sí... o un bailador que pinta, lo que prefieras.

- ¿Desde cuándo bailas?

- Siempre.

- ¿Qué piensas cuando bailas?

- No pienso, lo siento.

- ¿Qué sientes?

- Amor.

- ¿Amor?

- Sí, Sí.

- ¿Pero por qué?

- No hay "por qué" para el amor.

- ¿Sientes algo más?

- Vida.

- ¿Qué quieres decir?

- Algunos, solo algunos, hacen en esta tierra aquello para lo que fueron creados. Estos viven. Otros sobreviven. Quien baila vive.

¿Es el baile algo imprescindible?

¿Es esencial respirar? ¿Respondí tu pregunta principal?

- Pero hay un 'precio' para esa elección.

- ¿Para bailar? Sí hay.

- ¿Es caro?

- No importa.

- ¿Pagaste este precio?

- Todavía pago.

- Deberías bailar para alguien...

- También, quiero decir, no solo para alguien, o por una razón. Bailas porque naciste para bailar, así como pintas porque los cuadros ya existen dentro de ti, solo los liberas; así es con el baile, se mueve dentro de ti; si no lo sueltas, es capaz de ... ¡Ni siquiera lo sé! Una hormiga hace su trabajo sin cuestionar, los pájaros vuelan sin cuestionar, los peces nadan... los hombres, unos matan, otros prefieren hacer aquello para lo que fueron creados: amar.

- Bailo, pinto, amo

El Niño Sabicas y El Negro Aquilino.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 21 Mar 2021 15:22:51 GMT

El Niño Sabicas

El Negro Aquilino

El creador del cante jondo en el saxofón, acompañado por la guitarra de un navarrico, graban en Barcelona, treinta años antes de que Coltrane, Davis o Parker, se lo pudiesen ni plantear, algo que suena más jazz flamenco que sus grandes obras.

“Es como un pequeño núcleo. Tienes que hacer que crezca, sin perder la esencia. Si rompes el núcleo, puede que salga música, pero no es flamenco”

Agustín Castellón Campos , guitarrista y elemento clave en la internacionalización del Flamenco. Nació en el número 7 de la calle Mañueta, de Pamplona.

Un gitano antiguo pero hombre moderno, con el respeto justo por la tradición, ni en exceso ni por defecto. Su virtuosismo y su toque tan gitano embelesaban a todo el mundo.

“La guitarra flamenca no se había tocado nunca nada más que en España, y no todo el mundo, muy poquita cosa. Entonces, desde que salieron mis discos, en los últimos treinta años, la gente se aficionó a la guitarra flamenca en cualquier lado del mundo”.

“Me crie en un ambiente flamenco. Mi familia era gitana, así que nos encantó el flamenco – incluso siendo norteños, de Pamplona. Mi padre tocaba la guitarra, pero sólo un poquito. Mi tío cantaba las falsetas o variaciones musicales, y yo las copiaba con mi guitarra. Jamás nadie me enseñó nada”.

“Mi primera guitarra me superaba tanto en tamaño, que no podía sujetarla. Así que toqué todas las canciones en el mástil”.

Recordaba que en la formación de su discurso musical contó con la influencia de dos guitarristas. De su tío Ramón Montoya aprendió la vertiente clásica y técnica. Y de “ Manolo el de Huelva ”, la vertiente más gitana del toque.

Con siete años actúa en público, por primera vez, en el teatro Gayarre de la capital Navarra, aún en pantalones cortos:

“La gente me tiraban monedas y yo saltaba para cogerlas”.

Con diez se traslada a Madrid. Descubierto por Manuel Bonet, debuta en el teatro El Dorado (hoy Teatro Muñoz Seca) acompañando a “La Chelito”. De inmediato causa gran sensación, nace el mito del Niño Sabicas , pronto llegará a ser reconocido como uno de los grandes guitarristas.

“Tocaba un fandanguillo y levantaba una mano y me quedaba con una mano sola y aquello fue una bomba”

Ya no paró, trabajando y alternando con la amplia gama de artistas con que contaba la escena flamenca en ese momento. En el video, una entrevista en Canal Sur en NYC, nos cuenta su presentación en la Maestranza de Sevilla con su vuelta al ruedo, también nos desglosa su punto de vista de los cantaores del momento: Niña de Los Peines, Manuel Torre, El Gloria…. Aprecien su acento pamplonica, y la finalización de los términos cantador, tocador o bailador, hoy acortados. El flamenco también es del Norte.

Barcelona:

La primera vez que Sabicas vio a Carmen Amaya, ella estaba bailando en una taberna del barrio chino, Cal Manquet .

“Un cantaor me había llevado a la taberna. Carmen estaba bailando con unos cuantos. Era muy joven. Eran asombrosos los ritmos que salían de sus manos y pies”.

Esa noche nació una de las parejas artísticas que han dado más proyección internacional al flamenco: Carmen Amaya y Sabicas, el éxito estaba garantizado y el destino América.

¿Gitanos?

“Algunos tienen dinero, algunos no. Algunos van al cole, otros hacen novillos. Yo, personalmente, siempre he sido un caballero de bien, un señorito”

“Nosotros los gitanos, siempre nos reconocemos mutuamente. Tenemos un aire diferente. Soy gitano de la cabeza a los pies. También Carmen lo fue. Gitana pura ella”.

Como muchos artistas, Sabicas insistió desde el principio en vivir: “ a mi manera ”.

Una vez en la Habana una gitana que llevaba un clavel de color rosa quiso decirle la buenaventura.

“¡Vete!, ¿no ves que también soy gitano? ¡Sabes bien que nosotros los gitanos no tragamos esa falsa magia!”

Pero la mujer insistió. Le sacó la carta de las espadas y dijo que su padre iba a morirse pronto. Sabicas había sonreído sabiendo que su padre gozaba de perfecta salud. Pero en menos de dos meses la profecía se cumplió.

“Así que ya ves, los claveles son un mal presagio”.

Cuba tiene una influencia tremenda de la cultura gitana, de las tradiciones populares ibéricas y del sincretismo mágico espiritual, lo que nos une tremendamente ¿Por qué llegó a Cuba Sabicas?

Debido a conflictos sociales y las guerras, durante la historia moderna, se han extraído grandes beneficios económicos, lo único malo, a pesar del expolio y explotación, han sido los emigrantes. Quizás culturalmente, como algo no tangible, han sabido mover personas y sus costumbres, lo que ha permitido nuevas mezclas culturales, sobre todo destacables, las que mantienen nexos históricos.

Por estos lares explota una guerra in-civil, que provoca un nuevo éxodo, uno de los destinos fue, de nuevo, América. Allí desembarcaron Carmen Amaya, Sabicas y muchísimos flamencos más, para junto con los que allí habitaban crear parte de la mayoría de las bases de la música moderna actual.

Aunque uno de los principales motivos de su paso por Cuba era debido a que Carmen Amaya tuvo que dedicar unos días a aprender a escribir cuatro letras y firmar, sino no entraba en USA, y esperaban grandes contratos.

Pocos años antes el efecto llamada tuvo un sentido inverso. La ley seca, la primera guerra mundial y el crack económico del 1929 provocan grandes movimientos de huida. Entre ellos hay músicos, bailarines… quienes deciden embarcarse hacia Europa en busca de trabajo y un ambiente social más propicio, especialmente los excombatientes negros.

El caldo de cultivo que se cocía de los Pirineos para abajo, no tenía nada que envidiar al parisino o londinense, los años treinta aquí superaban el glamour europeo con creces. Si a esto le añadimos que muchos de los artistas que nos visitaron, en particular los de origen africano, aquí gozaban de una No Segregación, mientras que en USA era tenaz. Y sumamos que sus músicas tenían nexos comunes con las nuestras, pocos tenían con británicos o franceses, dieron lugar a que se retroalimentasen.

“Es como un pequeño núcleo. Tienes que hacer que crezca, sin perder la esencia. Si rompes el núcleo, puede que salga música, pero no es flamenco.

"El flamenco no tiene más que un camino. El público muchas veces no comprende lo que es el flamenco. Si a la gente le gusta una cosa, pues tienes que tocar eso, cantar eso. Pero cuando es el flamenco puro... con la verdad se va a cualquier lao del mundo. No importa que por el momento no te comprendan, ya hablarán de ti", Sabicas .

El Negro Aquilino, saxofón jondo

“ El saxofón flamenco, el negro de alma gitana, el creador y el único. Con su formidable espectáculo original moderno, internacional y castizo debuta en este circo.

Después de recorrer triunfalmente todas las plazas de toros en un espectáculo tan artístico como interesante, debutó anoche en Price esta notable agrupación musical, integrada por profesores de color, bajo la dirección del ya popularísimo Negro Aquilino ha acaparado todos los éxitos del año en una turné brillante, pródiga de triunfos económicos y artísticos.

Pero donde se desbordó el entusiasmo del público fue en la intervención del Negro Aquilino, con su ya célebre saxofón flamenco. Y, en efecto, el maravilloso saxofón de Aquilino matiza todo el “cante jondo” con el más depurado estilo. Es a ratos Marchena y Angelillo y Vallejo, en la interpretación del fandanguillo, milonga y malagueña. Aquilino paseó en triunfo anoche por la pista del Circo entre clamorosas ovaciones” . Publicado en “El Heraldo” de Madrid.

Aquilino Calzado González , nacido en el oriente cubano, vivió por estas tierras entre 1932-40, donde alcanzó los apodos de “ El Saxofón Humano ” y “ El Mago del Saxofón” . Fue el pionero en cubrir la brecha entre el flamenco y el saxofón, un instrumento que nunca había sido considerado hasta su llegada. Su aportación fue tal que a menudo se le presentó como el “ Vallejo del saxofón”, “ Guerrita del saxofón” o “ Marchena del saxofón”, apodos todos que lo compararon, por su arte y originalidad, con los maestros del cante en los años treinta.

Consiguió sacar la pasión y fuerza expresiva del cante de su instrumento, tocándolo como si estuviera cantando.

“ Su saxo canta, más de lo que toca, con toda su emoción, todo su sentimiento, el cante jondo, el más flamenco de todos, el que toca tu alma. Es una voz humana la que escuchamos en estos fandanguillos, estas guajiras, estas milongas y medias granainas.”

“El saxofón canta más que interpreta, con toda su emoción, con todo su sentimiento, el cante jondo, el más flamenco de todos, el que sabe llegar al alma.”

Aquilino gozo de notable éxito y prestigio. Actuó con “ Las Estrellas Negras ” (The Black Stars) y “ Los Ases ” (The Aces), con el saxofonista jienense Fernando Vilches, y los cubanos, Negro Beltrán, pianista y el trompetista, Pedro Blanco. También trabajo con artistas norteamericanos como Harry Flemming o Josephine Baker , por las plazas de toros con en el espectáculo: “El Bombero Torero”.

Aquilino se introdujo en el mundo del flamenco del momento, ganó una atención especial por su trabajo con los guitarristas: Ramón Montoya, Manolo de Badajoz o Sabicas , que lo consideraban “ el hombre negro con un alma gitana”.

Pero tocaba moverse, como se escapó de la guerra Sabicas, se escapó Aquilino y le perdimos el rastro. Ese fue un momento clave en la música moderna, América recibía un caudal artístico y humano, que aquí se hecho a faltar.

Negro Aquilino y Sabicas , grabaron en Barcelona , los temas:

-Maria Magdalena, versión del clásico del maestro Quiroga por bulerías. Un clásico del momento, en boca de todo, el mundo adaptado al flamenco y cantado por un saxofón .

- Asturianas por bulerías : adaptación de aires asturianos por bulerías. El flamenco también es del Norte, no lo duden.

- Media Granaina : adaptación de un palo flamenco. Aquilino recién llegado era capaz de adaptarse a patrones locales, lo cual me hace pensar que en ese momento Cuba era muy flamenca.

Estos temas recogen un espíritu y naturalidad, que se asemeja a lo que buscaban: Mingus, Coltrane, Davis u otros muchos jazzmen norteamericanos , aunque ninguno fue capaz de hacer cantar su instrumento como lo hacía Aquilino . Su técnica y habilidad con el instrumento no tenía nada que envidiar a ningún norteamericano, pero lo que estos no tuvieron hasta que llegaron los latinos, fue: ni la magia gitana, ni las tradiciones milenarias ibéricas, ni el sincretismo mágico espiritual, con la que un cubano se criaba en esa época, si era de los que pisaba la calle.

Sabicas compartió cartel con Coltrane y todos los demás lo adoraban, ¿Cómo ninguno fue capaz de acompañarlo? , no fue ni por color, ni por empatía, todo me hace pensar que nunca entendieron ni su música, ni sus tiempos, ni su capacidad de improvisación. Ante estas situaciones Sabicas nunca se vio motivado para ni intentarlo, le paso como con el inglés, sabía tres palabras y mal, lo que había que aprender ya lo había aprendido en Pamplona.

Muchos intentan desvirtuar y esconder grandes capítulos de la historia musical en post de intereses económicos, pero la música no es una empresa. Sin duende, sin que te emocione, no debería ser arte, simplemente pasatiempos adoctrinados.

SABICAS, un Gitano de Pamplona en Nueva York

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 16 Mar 2021 11:24:33 GMT

SABICAS

un Gitano de Pamplona en Nueva York: “The King of Flamenco” y su Rock ( Des )Encounter.

“De no haber sido por la Guerra Civil, hubiera estado en España hasta el día de hoy. Estoy seguro que nada, ni siquiera la Guardia Civil, hubiera podido obligarme a salir”

“No me fui a América como exiliado. Me fui porque me contrataron. Yo nunca he sabido nada de política, ¡ni quiero saber!”.

“Cuando me marché de Madrid, fui a Marsella donde cogí un barco para Buenos Aires. Estaba con quince personas más, quince flamenco s”.

Carmen Amaya ya estaba en Argentina, juntos, marcaron tendencia en la nueva América emergente, que bullía en actividad, donde ganaron sumas impresionantes. Sabicas se acordaba de todos los números, lo que había ganado en cada sitio, cifras desorbitadas como el alquiler semanal de su casa en Hollywood. Después de nueve años de éxitos consecutivos, se separaron en 1945.

“A pesar de lo que puedes pensar, no estaba enamorado de ella. Yo amo a todas las mujeres en general. Amo a cada una. Estaba enamorada del genio de Carmen”

Acabó instalado en el corazón de la gran manzana sin aprender una palabra de inglés:

“Ni Dios quiera”

“Sólo sé tres palabras y no entiendo ninguna”

“A los artistas nos gusta estar donde hay dinero”

A partir de ese momento se convirtió en guitarrista solista de flamenco, el solo, con su guitarra, ponía patas arriba los más grandes teatros, nacía el mito The King of Flamenco.

El guitarrista Juan Maya “ Marote ”, que lo conoció en NYC, recordaba:

-Un día Sabicas me abrazaba y dijo:

-“me quiero ir pa' España…aquí no hay más que rascacielos…pero yo no puedo ir pa' allá”.

- ¿pero no puedes ir a estas alturas? Él tenía miedo a los aviones… luego vino y ahora tiene su nombre aquí. Para mí ha sido un monstruo, y yo lo he escuchado bien”.

“Cuando llegué a Madrid empecé a llorar allí mismo en medio de la calle”

“Daría todo lo que tengo si pudiera tener siquiera la mitad de la popularidad que entonces gozaba. Antes de la guerra, hasta las piedras sabían mi nombre”.

“Era un gitano antiguo. Tenía no sólo una imponente presencia tocando sino también andando por la calle. Le gustaba recordar los viejos tiempos”, Pepe Habichuela

“Yo tenía 13 años y estuvimos tocando en el Café de Chinitas. Era un gitano de postín. Todavía recuerdo el garbanzo de diamante que llevaba en la corbata. Su forma de tocar tenía una fuerza increíble” , José Mercé

Muchos intentaron descubrir el secreto de la música de su guitarra, pocos lo consiguieron, convirtiéndolo en “The King of Flamenco” y desde NYC, su leyenda, se expandió por todo el planeta.

“No sé de dónde vienen las ideas. Simplemente cojo la guitarra y empiezo a tocar. A veces sale bien, y a veces no”.

El mundo de la música, en particular los guitarristas, de cualquier género intentaron emular la guitarra de Sabicas. El mismo recordaba su encuentro, con:

“Aquel excelente y singular Andrés Segovia”,

Lo vio tocar quedando fascinado con una técnica en particular,

“el alzapúa con un dedo solo, le enseñé cómo lo hacía, y quedó asombrado. “Hazlo otra vez” dijo una y otra vez. “Hazlo otra vez” Pero, una técnica, no explica el genio de un artista.

"Con Sabicas descubrí una limpieza de sonido que yo nunca había oído, una velocidad que igualmente desconocía hasta ese momento y, en definitiva, una manera diferente de tocar. Nosotros somos los transmisores de Sabicas y de su genio. El sonido de esa guitarra es exagerao. Todos le debemos mucho”, Paco de Lucia .

“Hay demasiados que son buenos, pero yo adoro a Paquito, el pequeño Paco de Lucía. Es mi auténtico discípulo”.

-“¿Estudió con usted?”

“No. Pero estudió mis grabaciones. Vino a Nueva York más joven, de gira con José Greco. Y me vino a ver. Me dijo que había escuchado todas mis grabaciones. Y me tocó la guitarra. Le observé las manos, cómo movía los dedos, y fue entonces que me di cuenta de lo que llegaría a ser”.

“ Si no me hubiera dedicado a la guitarra, hubiera sido torero ”.

Murió en América con las ganas de instalarse en Madrid, junto a la plaza de toros, para cada tarde comprarse una entrada para la corrida.

El 14 de abril de 1990 murió en Nueva York y fue enterrado, donde nació, en Pamplona, donde le cogía a su madre las “habicas” del canasto de la compra.

Son muchísimo los hitos que consiguió en América, pero vamos a empezar por el que menos le gusto. El encuentro de la guitarra flamenca con el mundo del Rock, que se estaba instalando como una plaga musical por todas partes, simplemente desde un prisma económico no artístico. Como intuía el maestro no era un buen camino:

“Estaba yo: Ricardo Pachón , en Nueva York con Mario Pacheco y los Pata Negra , que iban a tocar en el Instituto Cervantes. En el concierto estaba Sabicas, y al ir a saludarlo me espeta:

“Desde luego yo no he visto una locura como esta”.

Yo le contesté:

“Pues sepa que es usted es el responsable: Rock Encounter” ,

“el disco aquel había sido cosa de mi hermano”. Tanto es así que cuando estaban registrando sus discos aquí en la Sociedad de Autores, decía:

“No, de ese no quiero saber nada”

“Eso fue cosa de mis productores que eran unos peseteros. ¡Esos discos míos no valen un duro!”.

Sabicas en 1966 grabo “ Rock Encounte r”, sin duda, la primera aproximación del Rock y el Flamenco, lo achacaba a maniobras comerciales de su hermano, no le interesaba lo más mínimo.

“Lo hice porque mi hermano, Diego, quería abordar otros géneros para así vender más..."

Su hermano pensaba que era una buena manera de acercarse a otros públicos, seguir sumando, seguir aumentando la amplitud del mundo del flamenco.

Rock Encounter se grabó en los estudios A&R, en la 7ª avenida de Nueva York, en 1966, aunque tardaría cuatro años en salir al mercado. Contó con el elenco artístico:

- Sabicas , guitarra flamenca

- Joe Beck , guitarra eléctrica

- Diego Castellón , guitarra y hermano de Sabicas

- Tony Levin , bajista entre otros de: John Lennon, King Crimson, Robert Fripp o Peter Gabriel .

-Donald McDonald , batería, de Frank Zappa, Ritchie Havens o Jimi Hendrix .

- Warren Bernhardt , teclados, de Steely Dan, Simon y Garfunkel, Bill Evans o George Benson.

-Domingo Alvarado, cantaor

- Carmen "La Chuny", bailaora. S obrina de Carmen Amaya, hija de Antonia Amaya y Chiquito de Triana y hermana de "La Winy".

Joe Beck era un compositor y guitarrista de rock respetado, había tocado en orquestas sinfónicas y con los nombres más importantes del rock o el jazz. Después de hacer el álbum “Middle Eastern Rock” con el músico John Berberian , intérprete de Laúd Árabe, el productor, Harvey Cowen, sugirió a Joe que hiciera lo mismo con el flamenco y el rock.

En el estudio de grabación se juntaron dos factores que limitaron los acontecimientos. La difícil comunicación entre Sabicas y los músicos anglófonos. La otra, la sonorización de una guitarra flamenca, de por sí difícil, más si le añadimos los instrumentos amplificados y la batería.

Joe Beck comentó que a pesar de la buena disposición de Sabicas la comunicación entre ellos fue bastante complicada, eran dos mundos opuestos.

El flamenco , si lo es, te remueve la sangre. No se queda atascado en los oídos, sino que llega directamente al alma. Es una música que reúne la variedad y sofisticación del occidente musical y la capacidad emotiva de las músicas con alma. Es factor obligado que el artista no se vea forzado a demasiados encajes por donde el duende no pueda ser convocado, y, los estudios de grabación o el Rock sajón, suelen carecer de dichos tempos. Lo cual nos dice por qué muchos de los mejores momentos del flamenco no han quedado registrados para la posteridad, sino más bien han quedado grabados en el recuerdo de los que buscan los duendes.

A pesar de los pesares, el disco abrió un camino a lo llamado “ fusión ”, para unos, o “ confusión ” para otros, influyendo en Morente, Smash, Triana o Pata Negra , creando la base para ese nuevo flamenco que a él no le gustaba, en la mayoría de los casos.

Bo-ulerías desde la frontera: Diego del Gastor, El Perrate, Fernanda, Pepa y El Andorrano.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 07 Mar 2021 22:10:17 GMT

B o - ulerías desde la frontera.
Banda sonora : Diego del Gastor, El Perrate, Fernanda, Pepa y El Andorrano .

“Todo lo que no es tradición, es plagio”, Eugeni d'Ors.

“ Una flamenca pura
trincó el puchero,
y de la rebañaura
nació el bolero”

“Solo resulta posible crear en contacto con la tradición; la novedad por sí misma carece de sentido. El aburrimiento contemporáneo surge de una supuesta novedad que, en realidad, se ha convertido en repetición. La tradición no remite más que al arraigo, solo desde el arraigo se puede ser auténticamente creativo; nuestras ideas provienen de nuestras raíces. Toda esa obsesión por el progreso ha conformado una actitud equivocada. En el consumismo contemporáneo, los aspectos estéticos o la belleza se han tematizado, lo que me hace desconfiar: no deja de ser una actitud manipuladora frente a la belleza. En el mundo del arte no creo que puedan detectarse progresos significativos”, Juhani Pallasmaa.

La evolución del flamenco, como la mayoría de los géneros musicales, que se transmiten por tradición oral, ha sido una constante, sin perder de vista la tradición. Las músicas con alma ni se crean ni se destruyen, van transformándose, siempre, con una total espontaneidad.

El Bolero , antes que surgiera en Cuba, fue quizás, uno de los ingredientes de los primeros guisos flamencos. Hubo un momento en que guitarra y baile bolero se fundieron con la queja del mundo gitano, coincidiendo con el surgimiento del primer género urbano en la era industrial: el Flamenco.

Las músicas se trasformaron, viajaron en interminables idas y vueltas, pero quizás con un gen dominante, que lo hace capaz que a partir del flamenco, tango o boleros americanos, volvieran para ser cantados con una queja evidente y exclusiva.

“ Pecado ”

“ Yo no sé si es prohibido,

si no tiene perdón,

si me lleva al abismo,

sólo sé que es amor.

Yo no sé si este amor es pecado que tiene castigo,

si es faltar a las leyes honradas del hombre y de Dios.

Sólo sé que me aturde la vida como un torbellino,

que me arrastra y me arrastra a tus brazos en ciega pasión.

Es más fuerte que yo que mi vida, mi credo y mi sino,

es más fuerte que todo el respeto y el temor a Dios.

Aunque sea pecado te quiero, te quiero lo mismo

aunque todo me niegue el derecho me aferro a este amor ”

El Tanguero, Carlos Bhar, cometió un “pecado”, en los albores de la música latinoamericana, introdujo, con gran éxito, un Tango argentino en la historia del Bolero . Buenos Aires y su esplendor a principios del siglo XX, propició que se convirtiese en una de las capitales flamencas de América, tradición que se ha mantenido hasta nuestros días. La capital Argentina cuenta con más oferta flamenca, quizás que Barcelona , sin que allí sea uno de los atractivos turísticos más importantes, como es el caso de Barcelona.

En riguroso directo “ Pecado ”, con “ El Perrate ”, le acompaña Diego del Gastor.

José Fernández Granados , nacido en Utrera, en plena plaza del Cuartel, el 9 de junio de 1915, en el seno de una familia humilde, pobre, a decir de su hermana María “ La Perrata ”:

“Éramos muy pobre, pero muy felices, nosotros en teniendo la olla puesta con el potaje de frijones ya no queríamos más ná”.

El sobrenombre le viene de su abuelo muy aficionado a la cría de perros.

“ El Perrate ” pertenece a la escuela natural del cante, lo innato le viene por ser criado en el seno de una familia gitana y flamenca, que lo hace un elegido de lo jondo. Confesó estar influenciado por el cante de su padre, “ Juaniquí ”, “ Juan Talega ” y, “ José de la Aurora ”, padre de “ Fernanda” y “Bernarda ”, le asesoró en como cantaban “Merced la Serneta ” y “ Rosario la del Colorao ”. Con todos estos ingredientes construye su cante dotado en un indiscutible, sello propio, que según decía la Fernanda:

“Más que un sello, tenía un sobre” , para:

"Toda una vida"

Osvaldo Farrés , compositor cubano, escribió este bolero dedicado a su esposa, en 1943, que sería estrenado con la voz del mexicano, Pedro Vargas .

“Toda una vida me estaría contigo

No me importa en qué forma

Ni como, ni donde, pero junto a ti.

Toda una vida te estaría mimando

Te estaría cuidando como cuido mi vida

Que la vivo por ti.

No me cansaría de decirte siempre,

Pero siempre, siempre,

Que eres en mi vida

Ansiedad, angustia y desesperación.

Toda una vida me estaría contigo,

No me importa en qué forma,

Ni como, ni donde, pero junto a ti.

No me cansaría de decirte siempre,

Pero siempre, siempre,

Que eres en mi vida

Ansiedad, angustia y desesperación.

Toda una vida me estaría contigo,

No me importa en qué forma,

Ni como, ni donde, pero junto a ti”.

El Bolero , él que nació en América, tuvo su génesis en el corazón del Caribe. Cuba reunía grandes condiciones para ser una de las máquinas de ritmo más importantes del planeta, allí se gestó el Bolero. El boom económico del México de los años 40 , sirvió como base para que muchos músicos del mundo en particular cubanos y españoles, se asentasen allí, convirtiéndose en una plaza grande del género, al igual que pasó con el toreo.

Canta “ Fernanda de Utrera ” le acompaña Paco del Gastor .

Fernanda Jiménez Peña , que junto a su hermana fueron las inimitables “ Fernanda y Bernarda ”, emparentadas con las grandes dinastías del arte flamenco.

“Ella tiene su sello. Es inimitable. Alguien dijo que la voz de Fernanda es como el bordón de una guitarra. Su voz es suya. Yo no puedo hacerlo igual por eso. Pero fíjate, a mi madre le gustaba más yo; y a mi padre le gustaba Fernanda. Pero la pureza de su voz… Mi hermana canta como mi madre la parió y no copia a nadie.”

“¡Mira!, un día en el Lope de Vega ningún guitarrista quería acompañarnos. Ya empezamos a mosquearnos porque veíamos cosas raras. Entonces, fui a preguntar y me dijeron que nuestro compás era muy difícil. ¡Pues a aprender! Al final tuvimos que salir las dos sin guitarra. La gente se volvió loca” , según declaraciones de su hermana Bernarda de Utrera.

“Las Cuarenta”

“Con el pucho de la vida apretado entre los labios

La mirada turbia y fría, un poco lerdo el andar

Dobló la esquina del barrio y, curda ya de recuerdos

Como volcando un veneno esto se le oyó acusar

Vieja calle de mi barrio donde he dado el primer paso

Vuelvo a vos, gastado el mazo en inútil barajar

Con una llaga en el pecho, con mi sueño hecho pedazos

Que se rompió en un abrazo que me diera la verdad

Aprendí todo lo malo, aprendí todo lo bueno

Sé del beso que se compra, sé del beso que se da

Del amigo que es amigo siempre y cuando le convenga

Y sé que con mucha plata uno vale mucho más

Aprendí que en esta vida hay que llorar si otros lloran

Y, si la murga se ríe, uno se debe reír

No pensar ni equivocado ¡para qué, si igual se vive!

¡Y además corres el riesgo de que te bauticen gil!

La vez que quise ser bueno en la cara se me rieron

Cuando grité una injusticia, la fuerza me hizo callar

La experiencia fue mi amante; el desengaño, mi amigo

Toda carta tiene contra y toda contra se da!

Hoy no creo ni en mí mismo, todo es grupo, todo es falso

Y aquel, el que está más alto, es igual a los demás

Por eso, no has de extrañarte si, alguna noche, borracho

Me vieras pasar del brazo con quien no debo pasar”

En el tute “ las cuarenta ” se cantan cuando tienes en la mano el rey y el caballo del palo de triunfo, metafóricamente es la hora de la verdad. Cantar “las cuarenta” es decir lo que importa. Francisco Gorrindo , poeta y hombre de la noche, nacido en Quilmes, escribió la letra de este célebre tango, la música se la puso el guitarrista porteño, Roberto Grela .

Canta “ El Andorrano ”, le acompaña su primo, Paco del Gastor .

Francisco Torre Amaya , le debe su nombre artístico a su padre: “ Joselero de Moron ” que cuando lo veía gatear de pequeño, decía que andaba como una rana: “ El Andorrano ”.

Sobrino de “ Diego del Gastor ”, con quien se fogueó en las fiestas que se organizaban en su zona. Su arte traspaso la comarca, ganando el primer premio por bulerías en el II Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba , de 1957. Lo que le llevo a trabajar en el tablao Torres Bermejas de Madrid, Los Gallos de Sevilla o recorrer medio mundo en la compañía de la bailaora catalana “La Singla ”. Destacado en sus bulerías cantadas y bailadas con un sabor magistral.

“Dos Gardenias”

Bolero escrito por la compositora y pianista cubana Isolina Carrillo . El 11 de marzo de 1947 ,en los estudios de la Panart ,en pleno centro de La Habana , y con arreglos de Dámaso Pérez Prado y el bandoneón del argentino Joaquín Mora, Daniel Santos graba su voz en el tema: “Dos Gardenias” , para el sello Columbia, con el acompañamiento de La Sonora Matancera , lo demás es historia. Llegando a convertirse en un estándar del repertorio de música latina.

“Dos gardenias para ti

Con ellas quiero decir

Te quiero, te adoro, mi vida

Ponles toda tu atención

Porque son tu corazón y el mío

Dos gardenias para ti

Que tendrán todo el calor de un beso

De esos besos que te di

Y que jamás encontrarás

En el calor de otro querer

A tu lado vivirán y te hablarán

Como cuando estás conmigo

Y hasta creerás

Que te dirán te quiero

Pero si un atardecer

Las gardenias de mi amor se mueren

Es porque han adivinado

Que tu amor se ha terminado

Porque existe otro querer

A tu lado vivirán y te hablarán

Como cuando estás conmigo

Y hasta creerás

Que te dirán te quiero

Pero si un atardecer

Las gardenias de mi amor se mueren

Es porque han adivinado

Que tu amor se ha terminado

Porque existe otro querer”

Diego del Gastor , guru flamenco, asentado en Morón de la Frontera, con su toque y su visión personal de cómo vivir la vida, se convirtió en uno de los catalizadores de que el Bolero o el Tango se irradiasen por Utrera, Lebrija y alrededores. A casa de Diego llegaron personas de medio mundo, con sus músicas. Morón tenía todas las novedades discográficas americanas, desde los años cincuenta, en primicia en la península; las latinas estaban en apogeo. La necesidad de oferta sexual para las tropas americanas, señoritos y otros necesitados, hizo que en la zona los Cabarets , fuesen un éxito comercial; allí estaban también los flamencos, tocando y escuchando la música grabada que transmitían, donde el Bolero hacía furor. Si a estos factores, añadimos la raíz musical con que contaba el maestro, lo que le hacía capaz de interpretar cualquier música que escuchaba, desde un prisma personal, vemos que a partir de una buena tradición, la podemos transformar con el fin de enriquecerla.

“ Pepa de Utrera”: “Dos Gardenias ” para ti.

Josefa Loreto Peña , nieta por línea materna de “ Pinini ”, hija del bailaor jerezano José Loreto Reyes, alias “ El Feongo ”, y de María Peña Vargas , forjadora de cantes estremecedores, además de hermana de “ El Charrúa ” y de “J uana la Feonga ”, una bailaora de las que ya no existen, y prima hermana de Fernanda y Bernarda de Utrera.

Pepa debutó a mediados de los años cincuenta en el tablao Cortijo del Guajiro , en Sevilla, y se trasladó a Madrid en la década de los años sesenta, donde se convirtió en una de las pioneras de la rumba y los boleros flamencos, destacando como cante fiestera a pesar de ser una cantaora de pies a cabeza. Trabajo en los mejores tablaos madrileños: el Corral de la Morería, Los Canasteros, Las Brujas o el Villa Rosa , pero fue en el Caripen donde acabo su carrera en la capital. El local regentado por El Pescadilla y Lola Flores , fue siempre un laboratorio musical, todo el que tenía algo que expresar sin ataduras, ni corsés comerciales; allí Pepa tenía a todo un maestro de rumbas y boleros, el Sr. Antonio Gonzalez Batista . Para despedirnos, otra catalana:

“El flamenco siempre tuvo un tradicional amor por el bolero ", Mayte Martín .

“Solo resulta posible crear en contacto con la tradición; la novedad por sí misma carece de sentido”

Diego Amaya Flores, los americanos y un catalán en Morón de la Frontera.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 28 Feb 2021 17:29:38 GMT

Diego Amaya Flores

los americanos y un catalán en Morón de la Frontera.

“ Ni Beethoven ni sus muertos ”, le arrancaba a Fernanda de Utrera.

Dicen que la noche antes de su muerte estuvo tocando hasta las tres de la madrugada en el barrio de Santa María, simplemente porque una vecina se lo había pedido:

«Diego de mi alma, tócame un poquito».

Así era, uno de nuestros guitarristas más carismáticos y personales del planeta:

DIEGO DEL GASTOR

Nació el 15 de marzo de 1908, en Arriate. Solía decir que su madre, Bárbara, empezó el parto en “ caravana bajo las estrellas ”, su padre, Juan, era tratante de ganado de notable reputación, oficio que le obligaba a ir con la familia de feria en feria, gozando de una situación económica y social, holgada. Lo bautizaron en Ronda acompañado de una fiesta que duró cinco días. Con 4 años, la familia se traslada a vivir a El Gastor. Aquí residen hasta que, en 1923, se mudan definitivamente a Morón de la Frontera.

“Mi padre, a tratante de caballería. Tratante muy fuerte. Los más fuertes que había por aquí”.

En la vida hay figuras que, por sus obras y por su personalidad, consiguen convertirse en mitos.

La independencia y creatividad personal de su toque, le hizo crear un universo fuera de la voluntad comercial del virtuosismo. Un toque con alma, sin adherirse a la corriente de la velocidad y el lucimiento. Retiene tenazmente la sencillez del pasado, un medio genuino y primitivo de expresar lo hondo, lo que lo convirtió en un mito de dimensiones internacionales, no en un aluvión de notas, simplemente una combinación de música y alma. Sonar al mismo tiempo a nuevo y a viejo, tradición y modernidad, es una cualidad que tienen muy pocos artistas, así es el toque de Diego del Gastor, el del pulgar tan complejo como minimalista.

“Empecé a estudiar música. Estudié la primera, la segunda y la tercera parte de solfeo. Hice algunos ejercicios y toqué algunas obras de concierto. Mucho, mucho me ha servido”.

“Los conocimientos siempre son necesarios. Luego para tocar flamenco, eso ya va de dentro. Y para sentir la guitarra, después de aprender a tocar flamenco, hay que sentir. Pero siempre es una ventaja”.

“Hoy se toca con más velocidad. Se toca, se domina la guitarra. Mucho. Hoy hay unos chavales que tocan divinamente, claro. El sentir de la guitarra es una cosa, y el ejecutar es otra”.

“Para acompañar hay que estar pendiente del cantaor, no hay nada más que estar pendiente del cantaor, y el solista puede tocar lo que él siente, y está independiente de acompañar. Una diferencia muy grande. Es la diferencia de él que toca para cante. Tiene mucho mérito también”.

“Yo tuve un hermano mío que me puso lecciones, Pepe Naranjo. Y después ya yo buscaba a quien escuchar. Una vez escuché a Montoya, otra vez al Niño Ricardo. Niño Ricardo siempre, iba detrás de él siempre”.

Culto gracias a su sola intuición popular donde es tan importante, lo que toca, como lo que no toca.

"Cuando acompaña es una gloria observarlo. Pierde todo el sentido de donde está y de autoconciencia a medida que se va identificando visiblemente con el cantaor. De manera instintiva sabe el tiempo que el cantaor va a mantener una nota, cuándo se va a parar y el tipo y longitud de las falsetas que debe insertar, para hacerse del ambiente e identificarlo. Cuando el cantaor consigue interpretar bien un tercio particularmente difícil, Diego se llena de alegría, como si fuera él el que lo hubiera cantado, a la par que se siente inspirado, hacia un toque todavía mejor". Pohren

¿Cuál es su rutina Diego?

“Pues todos los días tomo una copa con mi amigos, como aquí mi amigo Vicente, y otros más. Y tomar una copa, y hablar de lo que nos gusta a nosotros, de cante, de toque y de arte”.

Su personalidad, una especial timidez, contrastaba con un carácter fuerte, si alguien o algo no le agradaban, simplemente se iba y no tocaba. Esa fue su actitud de vida.

“El tabaco rubio y el señorito”.

“ Contratan una vez a Diego y a su grupo de gitanos de Morón para celebrar una juerga en un club de un pueblo cercano. Al llegar, les saludaron efusivamente y como eran amigos de Diego, les invitaron a una copa. Todo marchaba de maravilla hasta que a uno de los señoritos se le ocurrió sacar un paquete de rubio americano y ofrecer tabaco al resto de los señoritos presentes, ignorando olímpicamente en su ofrecimiento a los gitanos. Este detalle no se le paso por alto a Diego.

-“Y nosotros, ¿Qué?”.

El señorito le contesto mirándole fijamente:

-“¿Desde cuándo fuman rubio los gitanos?”

Diego reacciono como si le hubieran golpeado. Dio un salto y grito:

-“¡Se acabó! Que este “caballero” encuentre otra guitarra para que le toquen en su fiesta. ¡Me voy!”

Intentaron entre protestas que se quedara, viendo los demás artistas como les volaba el dinero de toda una semana.

-“¡Diego, por Dios, piensa en mis hijos!”.

-“Piensa tú. ¡Yo me voy!

Cuando se fue, el resto de gitanos tuvieron que seguirle, no sin antes decirle a los señoritos que intentarían persuadirle para que regresara. Todo fue inútil. Diego tenía otros planes. Se los llevó al bar y después de invitarles a unas copas y cuando el vino comenzaba a hacerles olvidar el disgusto, los miro con ojos brillantes y les dijo:

-“Vámonos a ver el Cojo y tocamos para los presos. Esa es nuestra gente, y no la canalla de los señoritos”.

Extraído de “ Una Forma de Vida ”, de uno de los alumnos e incondicional suyo, Donn E. Pohren.

Pasó la mayor parte de su vida en Morón de la Frontera , un cruce de caminos en esa tierra mágica que une Cádiz y Sevilla, siguiendo al Guadalquivir. Apenas abandono el pueblo, saldría para trabajar en contadas ocasiones y limitándose a los pueblos del entorno.

Rehusó hacer lo que todos esperaban de él. No pasaba horas en las oficinas de los promotores o empresarios, esperando la oportunidad de conseguir trabajo. No se esforzó en cultivar el favor de otros artistas por la fama. No acompaño a cantaores cuando no admiraba algún aspecto de su arte o carácter, ni a Antonio Mairena , ni a nadie, parece que de joven fue contratado para acompañar a Manuel Vallejo , pero a Diego no le gustaron las limitaciones impuestas a su toque, y pronto se despidió. Hizo solamente lo que quería hacer, aunque sufriese estrecheces económicas en parte de su vida. Su éxito consistió sencillamente en ganarse el pan acompañando a grandes cantaores. Y en esto, tuvo éxito.

Nunca pisó un estudio de grabación, cuando le ofrecieron la oportunidad de grabar un disco para la prestigiosa casa Philips, también, la rechazó. Pero el destino quiso que en busca apareciesen muchos extranjeros en busca de su sonido, gracias a estas grabaciones realizadas con magnetófonos particulares, se traspasaron nuestras fronteras y se esparcieron por todo el mundo en forma de copias ilegales, vendidas a precios desorbitados, ya que eran consideradas como únicas.

Surge por medio mundo la leyenda que en Morón había algo más que un guitarrista. Naciendo así un mito internacional, más que nacional.

Desde 1953, la base aérea de Morón de la Frontera es compartida con la Fuerza Aérea de Estados Unidos y la música ha sido el principal motivo que ha unido a estas dos regiones.

Morón se convirtió en destino de muchísimos americanos que tenían la inquietud de aprender a tocar la guitarra, pero también de jóvenes que andaban en busca de una identidad singular y atrevida, algo que representara la esencia y que pudiera servirles de reflejo. Diego del Gastor se convirtió en un gurú.

¿Diego da usted clases?

“Muchas clases. A los americanos. No solamente a los americanos. De Finlandia, de... de Francia, de Italia, y de... ¿Cómo es? Suecia pero.... hay otra...

¿Grecia?

Grecia no, más para allá. ¿De Japón? Más para allá. ¿Cuál es la...?

¿Australia?

¡Australia!. Aquí mismo están en Morón ahora mismo.

¿Y da clases a todos?

A todos. Y son inteligentes, y les gusta mucho”.

En Casa Pepe, master class: actitud flamenca en la guitarra.

Uno de los americanos que cayó atrapado en el universo flamenco fue Don E. Pohren . Flamencólogo y guitarrista, nació en Estados Unidos en el año 1931. También conocido por “Daniel Maravilla”. Se inició en Méjico, después de conocer el arte flamenco a través de Carmen Amaya.

En 1960, acudió a la celebración del « Potaje de Utrera ». La soleá de Fernanda , acompañada por Diego, en esa simbiosis que los convertían en uno, impresionó tanto al norteamericano que, dos días después, fue a buscarlo a Morón. El encuentro entre Diego y Pohren, acabo marcando sus vidas.

Pohren acompañando a Joselero, en la fotografía.

“Ver a Diego del Gastor acompañar a Fernanda de Utrera toda una noche entera – hora tras hora dedicado casi exclusivamente a solamente un estilo, la soleá, y con Diego concentrado en muy poco de su arsenal de más de cien falsetas personalísimas, era gozar de dos intérpretes en la cima de su arte, unido y enlazados en una relación simbiótica que llevaba a los dos hacia la máxima intensidad creativa.”

El lugar donde se conocieron fue Casa Pepe , centro de reunión del mundo del flamenco en Morón. Diego del Gastor casi vivía allí, y las pocas tapas que consumía a diario eran la totalidad de su alimento. Con el tiempo, se convirtió en centro de peregrinación internacional, cogían habitación en la Fonda Pascual y se dirigían directamente cuesta arriba a Casa Pepe, en busca de nuevas experiencias emocionales.

La primera escena para Mr. Pohren en Casa Pepe fue encontrarse a Diego del Gastor:

"recitando en voz alta, despeinado, sin afeitar: los ojos brillantes y gesticulando..."

Diego lo recordó aunque en Utrera había hablado un instante con él. Le atendió maravillosamente y enseguida lo presentó a todos sus amigos para que no se sintiera extraño.

"Bastaron las primeras notas para comprender que jamás había oído una cosa igual. Era aún superior a aquel Diego que en Utrera había sonado como excepcional acompañante. Sin adornos técnicos, todo emoción. Cada nota tenía su propio significado y su música, era un flujo incontenible, un mágico oleaje. Me sentí hechizado. Durante mis treinta y un años había oído mucha música, pero nada que se aproximara siquiera a lo de aquella noche"

Pasaron cinco años para que su sueño se hiciera realidad. Los tres primeros años los pasó en el barrio de Santa Cruz en Sevilla, mientras trabajaba como contable civil en la base aérea de Morón. Y los dos restantes en organizar y llevar Los Gabrieles: un club privado de flamenco en Madrid. Al cabo de los cuales, pudo convencer a sus socios de que el lugar adecuado, donde "el arte y la vida flamenca se mezclaban indivisiblemente como caras de la misma moneda" era Morón y no Madrid.

Pohren acabo asentándose en 1965 a las afueras de Morón, regentando una pensión: ‘ Finca El Espartero ’, donde, además de hospedaje, se daban clases de guitarra, donde se celebraron continúas fiestas flamencas para amigos, compañeros, paisanos suyos o personajes llegados de cualquier rincón del planeta detrás del mito de Diego del Gastor. Se establecía el primer centro de la historia del flamenco ofreciendo clases de guitarra, baile y cante, y lo que aún era más importante para él:

"la oportunidad de participar en esa forma de vida de los gitanos en aquellos momentos ya casi desaparecida"

Eclipsado por Diego y el flamenco, escribe dos libros sobre el tema. “ The Art of Flamenco ”, no solo tuvo un gran éxito en Estados Unidos, sino también en Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Japón, Inglaterra y Francia. El segundo, “ Lives and Legends of Flamenco ”, gozó de una mayor repercusión internacional.

De lo acontecido en la finca, las continuas juergas en las que se vio inmerso, su amistad con los artistas, el privilegio de vivir una buena etapa del flamenco como partícipe y promotor, nace: “Una forma de vida”, su tercera obra literaria. Aporto al flamenco un canal más de internacionalización.

“Fuera de España su fama adquirió un “mystique” tan poderoso que algunos norteamericanos, y otros aficionados no españoles, hacían el peregrinaje a Morón para buscarlo y aprender directamente de la fuente”.

Tal fue el fervor que se suscitó por lo flamenco que, a finales de los 60, venían a Morón guitarristas de todas partes para aprender la magia de la guitarra de Diego. Sus grabaciones eran comercializadas a precio de coleccionista. Con este reconocimiento universal, el toque de Diego empieza a influir en el mundo de la música, no solo en el flamenco, sino que músicos especialistas en otras modalidades musicales beberán del arte de Diego; sobre todo, de su capacidad de improvisación.

“Antes de los libros de Pohren, yo y algunos otros norteamericanos ya habíamos aprendido algo sobre el toque de Diego, gracias a dos jóvenes tocaores estadounidenses, Chris Carnes y David Serva, que habían estudiado extensamente con él” , Ira Gavrin .

“ Creíamos ser enormemente privilegiados por haber encontrado este lugar, y a este hombre, y esta música mágica. Y que algún día todo aquello sería leyenda. Y que habría reconocimiento universal de la importancia de ese momento especial en la historia del flamenco”, Steve Khan, cronista visual de la época.

En 1967, era un estudiante de Matemáticas en Nueva York, pero quiso venir a Morón, a aprender del maestro. Primer encuentro:

“Caminaba calle abajo con un traje de riguroso negro y camisa blanca, y las manos en las respectivas cabezas de dos niños rubios. Era una estampa espectacular. Me acerqué y le dije que me llamaba Esteban y que un amigo me había hablado de él. Se le iluminaron los ojos. Me encontró un lugar donde dormir y me llevó a una fiesta increíble”.

“Sin embargo, la figura de Diego y el valor de su arte son controvertidos. El magnífico artista y suprema figura Paco de Lucía ha, efectivamente, aniquilado la viabilidad de la guitarra flamenca de antaño, subsumiendo el instrumento en un conjunto basado en los grupos de jazz, y una música inspirada sobre todo en la armonía – considerada por Paco el elemento crucial que faltaba en el flamenco, antes de la revolución que él mismo provocó".

Para mí, y muchos otros extranjeros nacidos en una cultura occidental donde reina la armonía musical, la gloria de la tradición flamenca fue precisamente la falta de armonía – o sea, la centralidad de melodía monódica que daba al flamenco su aspecto exótico y oriental, tan único y tan evocativo de los misterios de la España de leyenda”

“El debate sobre la dimensión de Diego del Gastor como guitarrista debe ser visto por un filtro muy específico”.

La labor de Kahn, como fotógrafo e impulsor internacional del flamenco, también fue total.

La Sardana Fl amenca, 1970.

Con unos veinte años de edad, en un momento que empezaba a contar con reconocimiento en el grupo

Pic-nic, Toti Soler decide apostar con buscar una música más personal:

"No tenía una idea muy clara de lo que quería hacer. Decidí estudiar guitarra flamenca para conocerla bien y estar en condiciones de componer y poder cultivarme yo mismo como músico. Ahora, ya no doy nunca una cosa por terminada. Tengo todo el tiempo del mundo para hacerlo todo".

“Creo que el flamenco es algo que hay que vivirlo. Quizá nacerlo... pero vivirlo más”

“El flamenco es una música que ha salido de un pueblo y es una música natural. Una música que lleva siglos funcionando como otras músicas de todo el mundo. Lo que yo hago en realidad es una cosa mía, personal”

-¿Basta sólo con la técnica para tocar flamenco?

“No, no. Hace falta sentirlo. Y mucho”

Morón de la Frontera , fue el enclave y el Maestro, Diego Amaya Flores. A lo que se me hace la pregunta para un catalán, como tal, el flamenco es una cosa de Andalucía. Barcelona es también su capital y fuente de artistas inabarcable. Quizás algunos catalanes tienen más vínculos con sajones que otros.

Video de una de las “masterclass” a las que debió asistir Toti, bajo el nombre: “El Flamenco hace falta sentirlo y vivirlo”, en Casa Pepe .

“ Rito y Geografías del Cante” , de TVE, importantísimos programas y muy recomendables todos, tuvieron el talante de convencer a Diego para grabarlo tocando y hablando, corría 1971.

Dos años más tarde murió, cuando parecía que todos se acordaban de él, con 65 años flamencos a sus espaldas. Hoy en los conservatorios de música de Japón se estudia el estilo de Diego del Gastor como paradigma del buen toque , en Nueva York, existe una escuela de guitarra que estudia sus formas y modelos artísticos, y no debería haber guitarrista flamenco en el mundo que no se haya parado a escuchar el toque de Diego Amaya Flores.

Dos incógnitas se quedan aún abiertas:

¿Es familia de Carmen Amaya?

“Me parece que no porque hay los Amaya de Ronda, pero que es una familia, y la familia de Carmen Amaya, pero que es otra”.

A lo que yo me atrevo a decir que quizás si la tenían. En Barcelona los “Amaya Flores”, son los Cafeletes, los de Carmen.

La otra es la que algunos simplemente citan, pero no he encontrado evidencias, la admiración de Diego por la música afroamericana, que llegaba con los americanos a su pueblo. Dicen que le llevaron a tratar de hacer fusiones con la música negra estadounidense .

Casa Pepe, tenía como especialidad la tapa favorita de Diego del Gastor.

ESPINACAS CON GARBANZOS:

En una sartén grande, sofreír cebolla y ajo en abundante aceite de oliva. Agregar espinacas picadas y un puñao de garbanzos cocidos, sal y pimentón a gusto, un chorro cortito de vinagre y un poco de tomate frito. Cocer unos quince minutos hasta obtener una mezcla caldosa espesa de espinacas con unos garbanzos salpicados. Pan nuevo para acompañar y marchando.

¡Que aproveche!

Dizzy and Jerry: buscando la Conga Flamenca.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 15 Feb 2021 01:59:43 GMT

Dizzy y Jerry

El flamenco, como el jazz, es un lamento humano y eso suena igual en todo el mundo.

" Las raíces están en África. Da lo mismo que la música venga de Estados Unidos, de Brasil o del Caribe, todo viene de África. Por eso mismo es difícil hablar de un jazz blanco. Es como el flamenco. Yo conozco una chica alemana que lo baila, y muy bien, pero no es capaz de hacerlo cambiar. Cuando una música tiene tantas connotaciones etnológicas has de vivir allí donde nació, vivir en ella, en la música. Es la única manera de tener una referencia forma l ", Gillespie .

África acaba en los Pirineos.

“ Los flamencos tienen otras cosas que no se enseñan en el conservatorio y en la universidad, como pasa con los viejos rumberos cubanos o los músicos de blues en los Estados Unidos. Si uno quiere aprender a tocar blues no se va a aprenderlo en Berklee College of Music, se va a buscar a los músicos de blues a Nueva Orleans, Chicago, Detroit, Alabama… Pues lo mismo con el flamenco .”, González .

2 Trompretas, Con Alma.

Todo empezó con una llamada de Dizzy Gillespie , quien siempre andaba buscando conguero .

Pero el primer conguero le cayó del cielo, Mario Bauza , otro cielo, le presento a Chano Pozo .

Fue el primer conguero, en una banda norteamericana de Jazz, un negro curro que revoluciono la percusión americana. Los negros curros, fueron los primeros pobladores de los puertos latinos, creadores de la mayoría del imaginario afro-latino. Su puerto de origen fue el de Cádiz, eran negros ibéricos. Muchos años más tarde llegaron otros de África y sólo juntos, con los blancos, sin animo de lucro esclavista, se puede contar esta historia.

Chano no tenía ni papa ni de música formal, ni de inglés.

Dizzy no tenía ni papa de música africana, ni de español, ni mucho de lenguas afro, como dominaba Chano.

En 1947, Chano propone a Dizzy grabar una Oda a la Marihuana. que acabará cambiando el rumbo de la música.

“Tengo una idea para una melodía. Chano era bastante ingenioso —cuenta el Dizzy—. No sabía hablar inglés, tarareaba, canturreaba la línea de base, la melodía —la idea es lo importante—, pero concibió la melodía, ya tenía pensado lo que debía hacer el contrabajo, cómo iba a arrancar y a entrar después los saxos, tarareaba los cambios. Tenía un riff. Y también lo de los trombones, agitaba los dedos de la mano derecha y golpeaba el suelo con el pie para indicar la dinámica del sonido de las trompetas. Sabía perfectamente todas las figuras que quería”.

“ Manteca ” se graba el 30 de diciembre de 1947, en la RCA Víctor, pero es en 1948 cuando estalla su popularidad mundial y se convierte en un himno del jazz latino (cubano).

Con la conga amarrada al hombro, Chano tocaba, bailaba y entonaba melodías en lucumí y abakuá, de sociedades secretas, de bembes en los solares. Llegó a convertirse en tremenda influencia para Dizzy, Parker, Davis... y un impulsor del reencuentro entre la comunidad negra norteamericana y África, se la habían extirpado de cuajo.

En una de sus visitas posteriores a Cuba, a pesar de la negativa institucional de su país, Dizzy hablaba así de él,

“Chano cambió el mundo musical, adaptó sus tradiciones de siglos a la música más avanzada de su tiempo, es un inmortal”.

"Sin Chano, la música en los Estados Unidos, hubiera sido otra cosa".

Murió, en la noche norteamericana, de un tiro por cuestiones de wanikiki, el 2 de diciembre de 1948, justo cuando Manteca se convierte en un éxito.

Dizzy no lo olvidará nunca y siempre se preocupo de llevar un conguero en su banda, buscando siempre nuevas ideas.

Veintitantos años después Jerry González recibe la llamada de Dizzy . La idea era terminar un par de compromisos en Washington, realizar una gira por cuatro estados y grabar un disco.

"Cuando conocí a Gillespie yo estaba tocando el tambor, pero él se dio cuenta de que tocaba la trompeta, y quería que tocara. Le dije: «No, me quedo con el tambor hasta que aprenda. Hay que esperar». Más adelante, cuando ya tenía formado «Ford Apache Band», lo invité a tocar conmigo. El toque ese le inspiró a hacer música afrocubana y le inspiró más adelante a montar la United Nations Orchestra (UNO), le vino bien porque él andaba entonces tocando boogaloo".

Jerry se convirtió para su ídolo, que no encontraba nuevos caminos, en tremenda aportación. Dizzy, le abrió sus caminos.

"Un día pasaba cerca de mi casa Dizzy Gillespie. Me recogió y me dijo: «Vamos a pasar por la casa del viejo». Imagina, yo llevo cuatro años con la trompeta y estaba sentado con esos dos maestros"

El viejo era el Sr. Louis Armstrong , que en una entrevista a la Vanguardia de 1955, declaraba:

¿Ha oído flamenco?

- Sí.

¿Hay puntos de contacto?

- Muchos; son expresiones del sentimiento.

Amstrong , otro Viper , era consciente que la música anglosajona solo mostraba similitudes armónicas con la africana, la de los españoles desplegaba semejanzas en el manejo del ritmo y del timbre.

"El Flamenco es como el blues de América. Tiene el mismo lamento. Es fácil para mí. Me gusta compartir con los gitanos" Jerry

Dizzy, compartía criterio, dedicándole un tema a los gitanos y al flamenco. El fraseado de su trompeta lo dice todo. La guitarra es de Elek Bacsik , gitano de origen húngaro.

" For the gypsies. Ole "

" Con Alma " otro tema con spanish tinge. Gillespie, entre otros destacados, se rodea de Mongo Santamaria y de un joven trompetista, Quincy Jones ,1954.

Jerry participa en la grabación de " Calle 54 ", una excelente película musical del Latin Jazz, del director Fernando Trueba . Corría el año 2000 y después del último concierto de presentación de la película en Madrid, Trueba le presentó a " El Cigala " y al resto de piratas flamencos. Un encuentro que nuevamente lo cambiaría todo.

" ¿Qué vas a hacer ahora?», me preguntaron. Les digo que me vuelvo al día siguiente a casa. Al rato me preguntan que por qué no me quedaba. «No puedo«, les dije. «No puedo pagar hotel aquí, quedarme así..«. «No«, me contestan, «te vienes con nosotros y estás en casa, no hay problema" .

Acabaría transformando en un auténtico pirata del flamenco.

Jerry González & los Piratas del Flamenco fue el primer fruto de sus tiempos en España, junto al guitarrista Niño Josele , el cantaor Diego El Cigala y el percusionista Israel Suárez El Pirañ a. El álbum fue nominado al Grammy como mejor disco de jazz latino y obtuvo el galardón de la crítica en los premios de jazz de Nueva York dentro de la misma categoría.

" Josele empezó a tocar el riff que le había salido mientras estaba escuchando la grabación del día anterior. Yo mis congas. Y así empezó: la la la la, doo doo… alone. So I do my drums: tuc pac pac tuc… Y calzó ahí mismo, and I said OK. He said, «I’ve got this idea: you play this,» and I said OK. And he played the first thing when we played cajón, just to set up the rhythm. Y así encontramos la línea melódica para eso. And then we started doing the shit up there, it was just me and Josele. The majority of the album is just me and Josele, you know; I’m doing the horn shit, the percussion shit, and he’s doing the guitar shit, you know. I taught him some shit, he taught me some shit, you know. And we did the record, man !"

Trabajo en la fusión del flamenco y el jazz latino, en diferentes proyectos.

«El primer álbum de flamenco que escuché en mi vida fue « Potro de Rabia y Mie l» de Camarón y Paco de Lucía, el disco de despedida de Camarón. Fue una revelación. No imaginaba entonces que acabaría grabando con Paco en su álbum “Cositas buenas”. Cuando llegué a España con «Calle 54″ enseguida me compré sus discos. Cada uno era mejor que el anterior. Este disco homenaje era lo mínimo que podíamos hacer quienes le conocimos y admiramos para reconocer lo que nos dio con su música.»

Jerry González y los Piratas del Flamenco: " Obsesión "

Vivió, ya, a caballo entre Madrid y Vigo con su pareja gallega, hasta que el 1 de octubre de 2018, un incendio acabo con su vida.

Por las venas nuyorriqueñas de Jerry González, corría también sangre asturiana.

-¿Conoce algo de la música asturiana?

"Tengo que aprender mucho. Lo más parecido fue una vez que estuve en Ortiguera, que toqué con gaiteros. Yo me sorprendí de que hubiera gaita, pero, claro, está tan cerca de Inglaterra."

No acabo de aprender y no se puede saber todo, las gaitas que se tocan en el noroeste peninsular, ni ninguna, son de origen británico. Las gaitas llegaron de África y de Galicia llegaron a Irlanda. Las británicas son muy grandes pero con el ritmo iban perdidos como sus congéneres asentados en norte américa. No le paso lo mismo a sus familiares asturianos instalados en Puerto Rico, que junto a la población local compartieron alegrías y penas, boleros y rumbas, compartieron la sangre para crear una nueva donde todos contaban, sin discriminación de colores.

Chick Corea, se despide con mensaje.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 12 Feb 2021 00:59:38 GMT

Chick Corea:

"mis asombrosos amigos músicos"

" Quiero agradecer a todos aquellos a lo largo de mi trayectoria han ayudado a que brille el fuego de la música. Tengo la esperanza de que aquellos que sientan la necesidad de tocar, escribir, actuar o cualquier otra posibilidad, lo hagan. Si no es por usted, hágalo por los demás. No es solo que el mundo necesite más artistas, también es muy divertido. Y a mis increíbles amigos músicos, que han sido como una familia para mí desde que los conozco: ha sido una bendición y un honor aprender y tocar con todos ustedes. Mi misión siempre ha sido llevar la alegría de crear a cualquier lugar que pudiera, y haberlo hecho con todos los artistas que tanto admiro; esta ha sido la riqueza de mi vida "

Nos ha dejado Chick Corea.

Su familia ha hecho publico su fallecimiento y el escrito con el que se despedía.

Su legado perpetuará, con ese llamamiento a que, como él, nos zambullamos en nuestra músicas.

El Flamenco tiene Alma como Chick Corea. Descanse en Paz

" Tocar con latinos en Nueva York volvió mi corazón español "

" Los músicos de América Latina y España han imbuido el jazz estadounidense tradicional con un nuevo "espíritu rítmico y sincero", lo que ha ampliado el género y la música en gran medida ".

Salsa Gitana: una de las últimas joyas de la Rumba

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 06 Feb 2021 09:35:58 GMT

Salsa Gitana

Gitanitos, Morenos y Payos, en Gracia se dan la mano

Salsa Gitana , una de las últimas joyas de la Rumba, antes de su nacionalización y su consiguiente desvirtuación. Un fenómeno similar al vivido con la Salsa manejada por los lobbys americanos.

Mayito Fernández , pianista cubano llega a la Barcelona, en ebullición, de los años setenta. Venía de New York, donde se empieza a hablar de un fenómeno que recogía todas las inquietudes musicales de la comunidad latina, asentada por esos lares, bajo la etiqueta comercial de: Salsa.

Tito Puente , sin embargo, aseguraba:

" la salsa es una cosa que se le echa a la comida "

En Cuba formó " Mayito Fernández y la Charanga de Cuba '', donde incluye una versión del clásico, "El Porompompero", con un sonido bien diferenciado al que cogió la Salsa.

En Nueva York, trabaja con los caballos: Tito Rodríguez o Rafael Cortijo . Pronto cogerá camino a Barcelona donde acabó asentándose y formando familia. Aquí fundó su orquesta " Salsa Picant e".

El maestro, de las blancas y las negras, recordaba una noche de juerga en Gracia:

" Un día andábamos con el Gato tomándonos unas copas, teníamos unas cuantas copas de más, le dije:

-Déjate de tanta cosa que tu no sabes de rumba, ni de na, ni de salsa ni de nada".

Fue la inspiración para:

" Gitanitos y moreno s son los ases del compás

Y en la sangre de sus venas late un pulso ancestral"

Pronto hará un año, en los principios de la pandemia, Gracia despertó con la ausencia de otro de los protagonistas de Salsa Gitana.

Antonio Vázquez: " El Nabo ", percusionista, nacido en Gracia, hijo de cantaor, también del barrio. Payo, se cría en un entorno flamenco, en convivencia con la comunidad gitana del barrio. Hay muchas formas de mamar y no es exclusivo de nadie.

Lo recuerdo paseando su perro por el barrio, antes o después del trabajo, que tuvo que buscar para sobrevivir, cuando con la rumba ya no lo podía hacer.

Las últimas veces que le vi, me decía:

"hem jobilo, si consegueixes algo guapo, vull tornar a tocar".

Murió recién jubilado y sin que, casi nadie, se acordara de él, por supuesto, el mundo de la cultura, ni fu, ni fa.

Su mensaje, siempre, fue: hay que hacer la Rumba, con sabor local.

Hace unos años murió otra de las piezas claves de esta banda y las siguientes en las que formó parte. Carismático, buena persona, un sello en la voz y un figura en la percusión: Ricardo Batista " El Tarragona ", unos de los reyes de la Rumba.

Para formar la banda sólo faltaban algunos mocitos más del barrio:

Enrique “ De la China ” Maya, la voz de la salsa barcelonesa, trabajó con las principales bandas que llevaron la Salsa como bandera en esta ciudad. Vive con la nostalgia de esa época en que fueron los príncipes de la noche y deseando volver a cantarle al mundo.

Manolo González “ Patata ”, percusionista sobrino de "El Pescadilla", sigue por su barrio sin la esperanza de que esos momentos vuelvan.

Antonio Jiménez “ Burris ”, voces y palmas. Sigue en la calle Progres, esperando el tren.

Colaboraron:

Alfonso Jiménez, voces y palmas

Juanito Batista, percusionista

Más la sazón rítmica de:

Rafael Hidalgo “Chamo”, percusionista venezolano

Xavier García: bajista

Juntos dieron forma en 1979 a un sonido diferente y original, formando parte de un nuevo movimiento, emergente en ese momento, el Nuevo Flamenco , que incorporaba a la tradición nuevos estilos, en particular los latinos. Nada muy diferente a lo que hicieron sus antepasados con la génesis de la Rumba .

El disco mantiene un equilibrio entre la Rumba local y el piano de Mayito , un toque previo al piano salsero, muy conectado con el toque ibérico del instrumento. Las percusiones no asumen el protagonismo, ni son tratadas como unos años más tarde pasaron a formar parte de casi todas las bandas: conga, paila, bongo y campana, cual americanos. Y siempre presentes guitarras y palmas.

Salió a la venta en formato cassette, en 1979, sin una gran producción, pero con mucha verdad.

Un tema Flamenco, Taurino y Canastero, por si lo dudan. Tres conceptos no políticamente correctos, que no quede en cosa del pasado o se lo acabe desvirtuando del todo.

Extra ball." No me engañes más mujer " con contenido, hoy, Parental Advisory .

Que no pari la Rumba.

El Niño Miguel, genio del toque flamenco.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 31 Jan 2021 19:54:05 GMT

El Niño Miguel

guitarras y futbolines fueron las pasiones de este genio del toque flamenco.

"Apartado de la guitarra, no sé cómo expresar mis sentimientos,....., mis sufrimientos"

El Niño Miguel tuvo la honestidad de vivir sin ataduras, como pocos son capaces de afrontar, toda una vida.

Tocaba con la falta de prejuicios propia de los inventores de la guitarra flamenca. No cabe más emoción en menos compases.

Miguel Vega de la Cruz nace en Huelva por el 1952, en el seno de una familia gitana, arraigada en el mundo flamenco. De su madre, Ana, adopta los apellidos.

Hijo del tocaor Miguel Fernández Cortés: "el Tomate ". Almeriense de origen, que aportó un nuevo sello, personal, al toque en la tierra del fandango, donde se le recuerda siempre muy elegante, en los inviernos con un sombrero tirolés y un gabán de tres cuartos a juego.

Miguel desde pequeño se ve fascinado por la sonanta, pronto su padre le prepara su primera guitarra. Siendo un niño, mientras todos dormían, esperaba que llegase su padre en la madrugada, después de buscarse la vida en las ventas y fiestas, que se daban en la noche de Huelva, para que le diese alguna nueva lección.

Quería conocer el lenguaje secreto del instrumento.

Con 8 añitos conociendo todo el legado paterno, se enfrenta al mundo, empieza a buscarse la vida con su padre en la Huelva flamenca de los años 60.

Desprovisto de academicismos, callejero en el noble sentido de la palabra, es decir elaborado de forma autodidacta en el trato humano y en paseos cotidianos por las calles de la vida, empieza a formar la leyenda del Niño Miguel .

Desde su infancia acompaña a primeras figuras del cante. Es en 1973, a raíz de conseguir el primer premio en uno de los concursos más emblemáticos para los guitarristas, el " Concurso Nacional de Guitarra Flamenca " en la peña jerezana de " Los Cernícalos ", cuando su carrera se ve proyectada. Corre dentro del mundo de la guitarra y el flamenco, que en Huelva hay un gitano capaz de callar a cualquiera.

"Sólo dejé de tocar en la mili"

Se ve obligado a ir al servicio militar, un mundo donde su libertad se ve coartada. Sí a ese estado le acompaña, que debe de dejar de pasarse, día y noche, tocando su guitarra. Pronto surge un problema neurológico, que se le va desarrollando por momentos, afectándolo, ya, toda la vida. Al coctel sólo le falta añadir una adicción a la heroína que estaba en camino.

La expectación y admiración por su toque corre en el gremio.

Paco de Lucia se queda prendado de su toque.

En la Ciudad de los Niños se efectúa un festival flamenco: al cante Fosforito y Camarón, a la guitarra Paco de Lucía y Niño Miguel. Comienza el Niño Miguel con un solo de guitarra y al escucharlo Ramón de Algeciras y su hermano Paco, quedan asombrados, hasta el punto que Ramón le dijo a su hermano:

"Paco, tienes que apretarte, no veas cómo toca este gitano".

Paco se convierte en uno de sus grandes admiradores, desplazándose muchas veces a Huelva.

"Pasábamos noches enteras tocando la guitarra y era impresionante como tocaba ese hombre".

En una ocasión le ofrece un contrato en una sala de fiestas de Madrid, pero todo era un problema, pegas, trabas, evasivas. Por nada quería ausentarse de su tierra, de su ambiente y sus gentes.

Antonio Mairena , se queda fascinado en su casa de Sevilla al oír tocar a Miguel. Al cabo de unas horas, el cantaor le dice a Miguel:

"¡La semana próxima, te vienes conmigo a Almería, para tocarme! Estaremos 4 días y te puedes traer libres diez o doce mil duros".

"¿Y eso cuánto dinero es?"

"Cincuenta o sesenta papeles verdes de mil pesetas"

"¿Y cómo voy a ir hasta Almería?".

"no te preocupes, coges la camioneta de Damas hasta Sevilla y desde aquí nos vamos en coche con un amigo".

"Y si se cae la camioneta por un barranco y nos llevamos allí dos o tres días sin que nos encuentren, y Ana (su madre) no sabe dónde estoy y después las cuestas y curvas, que tiene que haber hasta Almería. ¡Yo no voy! pa que quiero tanto dinero, yo estoy mejor en Huelva".

Manolo Garrido Palacios, director en TVE del programa Raíces, acompañado de Camilo Gómez Cruz , van en busca de Miguel. Al llegar a su casa su señora, Fuensanta, les dice que estaba en un salón de juegos en el futbolín. Entusiasmado con el juego, le proponen un trabajo en una película y ganar un buen dinero.

“Yo estoy para que me hables de guitarra, llevo los tres partidos perdidos y me vienes tú a hablar de guitarra. Déjame tranquilo y vete ya, hombre”.

Graba dos discos, que son historia de la guitarra flamenca.

En 1975 aparece su primer LP: "La guitarra del Niño Miguel", al que seguirá en 1976: " Diferente". Grabo 19 temas que siguen siendo hoy actualidad y quebradero de cabeza para el que los quiere tocar.

Firmó contrato por 4 discos, pero cuando empieza a grabar el tercero abandona ese barco.

Se lo quiso llevar todo el mundo como guitarrista, contratos en la mesa, televisión dinero... y él prefirió seguir su rumbo. Acabó harto de las maneras. Renunció a hacer discos, a la fama, a la vida que, por su talento, debía llevar. Y en vez de brillar para la sociedad, como una estrella más, se convirtió en un queridísimo mito local y decidió volver a Huelva.

"Mi amigo es el mejor. El mejor amigo eres tú mismo"

Miguel vivió sus mejores años como un grandísimo artista, admirado por grandes músicos y guitarristas, consiguió que el nombre de Niño Miguel se convirtiese en uno los más grandes genios de la guitarra flamenca. Conocido y popular en todo el mundo, de manera especial en Japón, donde es un auténtico ídolo a pesar de que nunca visitó el país.

Vivió con su esposa, Fuensanta Fernández, su hijo Ángel y sus amigos del barrio de La Orden.

En contra de lo que puedan pensar muchas personas, Miguel, de joven y recién casado, nunca había tomado ni una simple cerveza, ni nada de alcohol, sólo Coca-Cola, algún refresco o café. Sin embargo, el éxito, los aduladores que le olían el dinero y la fama, la noche, las fiestas y otras sustancias que se manejan en estas reuniones, hicieron el resto.

Su vida dio un giro de 180 grados, sus problemas neurológicos se agudizan, cayendo en una espiral de autodestrucción que ya nadie pudo parar.

Sus biografías relatan que su última actuación fue en la III Bienal de Sevilla en 1984 , pero nunca dejo de crear, tocar y regalar el arte y la magia que llevaba dentro. Simplemente cambió los escenarios, por el escenario de la vida, la calle y el pueblo.

Un artista único que era capaz de crear una falseta prodigiosa con una guitarra sin apenas cuerdas.

Camarón y el Niño Miguel.

Ambos sentían admiración mutua.

En una actuación de Camarón por 1986, en Gibraleón, Tomatito decide avisar a su tío para que sea el encargado, esa noche, de acompañar al cantaor. Gibraleón está a 12 km de Huelva y el Niño Miguel asume el compromiso, acompañándolo como pocos podían hacerlo.

Por Mineras y Cartageneras:

Cuatro años más tarde y lógicamente cerca de Huelva, en Lepe, esta vez tío y sobrino, los Tomate, acompañan a José.

Por bulerías:

Miguel murió en 2013,dejando un vacío en Huelva, la guitarra perdía una de sus voces más originales.

Quedan 2 joyas en forma de disco, escúchenlos.

Ole, John Coltrane

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Mon, 25 Jan 2021 00:16:36 GMT

¿Dónde hay un sabio que explique lo que quiere decir, Olé ?

JOHN COLTRANE

John Coltrane convierte un " Olé " en un grito de rabia: “ We want freedom ”.

Nunca dejó de preguntarse qué quería de la música y nunca dejó de traspasar los límites.

A inicios de los años 60, en pleno boom del Black Power y los movimientos pro derechos civiles publica, quizás, su obra más transcendental, con el sugerente título: “Ole”

"Me gusta tocar largo"

Le dedica 18 minutos, la cara a del disco, a una melodía que cantaban los trabajadores en la lucha contra el capitalismo durante la guerra “in” civil: “ Anda Jaleo, Jaleo ”.

Su música fue criticada por algunos por ser demasiado "agresiva", pero Coltrane sabía que amor y libertad eran las premisas. Su obra mamó de; Lorca, MalcomX, Nicolas Guillem, La Niña de los Peines o Langston Hughes , no sólo de música vive el hombre. Juntos cocinaron las bases para crear un orgullo del pueblo, con un cierto sabor español.

“El ole es una palabra

¡Ole!

que no tiene explicación

el ole es como una rosa

¡Ole!

que sale del corazón ”.

Art D'Lugoff, dueño del Village Gate, club neoyorquino que contó con la flor y nata de la música afroamericana desde finales de los años cincuenta, programaba a Coltrane y también a artistas flamencos, Carmen Amaya o Sabicas, tenían un lugar destacado.

En 1961, fecha de grabación del disco, Art declaró:

“Cada uno hizo lo suyo, y la misma audiencia los amaba a ambos ”.

“Langston Hughes me dijo que la música gitana y el jazz compartían muchas similitudes”.

¿Dónde hay un sabio que explique lo que quiere decir ole?

El asalto de los seguidores de Trump al Capitolio, dejó, de rebote, una imagen muy curiosa. De fondo aparecieron, cuadros de Hernando de Soto, el primer europeo en cruzar el Mississippi, o Francisco Pizarro mirando impávidos las escenas surrealistas que se vivieron, sería difícil desvincular la historia, de ese país, con el nuestro.

Sí nos remontamos a Harlem años 20, génesis del barrio negro por excelencia, el Ole , ya se decía a tiempo.

Langston Hughes fue uno de los impulsores del Renacimiento de Harlem, poeta, novelista y columnista afroamericano.

En su obra plasma el drama social de su raza, sus aspiraciones, sus sufrimientos y sus luchas contra la explotación capitalista.

Un aspecto sugerente de su obra se centra en demostrar el paralelismo entre el flamenco y la música negra americana. Hughes visitó España, con su colección de discos de jazz, que se escucharon en los salones de la Alianza de Escritores Antifascistas. Siempre que podía acudía a ver actuar a artistas flamencos en el Madrid asediado por los bombardeos.

Se queda prendado de La Niña de los Peines:

“una cantante que es capaz de poner los pelos de punta, de crear en tus entrañas el mismo efecto que las sirenas de un bombardeo y, con su voz, podía quebrarte el alma”.

"Qué bonita está Triana

cuando le ponen al puente

banderas republicanas " .

Antes de que Pastora Pavón, cantase a las banderas republicanas, el quejío ya era queja, y el ole era alegría.

Cantaba el flamenco contra el abuso, la tropelía frente al obrero jornalero. O al que ni obra ni jornal vea.

Andalucía, fue experimento de expolio de tierra, de sus recursos, contando con el esclavismo, como régimen laboral. Como el implantado, luego, al Sur de USA, y ya juntos, en ambos territorios, la expulsión de esclavos hacia el Norte para ser explotados en sus fábricas. Quizás las similitudes musicales coinciden por muchos factores.

"Es con alma de pueblo o con alma de español que el negro de Cuba está junto al pueblo de España; y es así también como comprende que el hombre humilde miliciano que hoy lucha y muere en la trinchera no es más el instrumento ciego del egoísmo, la proyección imperialista del conquistador, la máquina, en fin, para robar tierras, sino un hombre, nada más que un hombre y nada menos, que tiene los pies poderosamente afincados en el suelo y que no quiere para su porvenir, para el de todos, más que hombres sobre el mundo ¡hombres sin colores, sin guerras, sin prejuicios y sin raza!", Nicolás Guillen.

La Niña de los Peines, cuando Hughes se instala en Madrid, era una figura consagrada en el panorama musical, gozando de notable éxito comercial, lo que la llevo a participar en actuaciones conmemorativas de la II República.

Lorca dijo de ella:

“Maestra de gemidos, criatura martirizada por la luna o bacante furiosa. Verde máscara gitana a quien el duende pone mejillas temblonas de muchachas recién besadas. La voz de esta mujer es excepcional, rompe los moldes de toda escuela de canto como rompe los moldes de toda música construida. Cuando parece que desafina no es que desafina, sino todo lo contrario, que afina de manera increíble puesto que por milagro especial de estilo y pasión ella da tercios y cuartos de tonos imposibles de registrar en el pentagrama”.

Federico sabía bien, lo que vale un peine

La guerra civil ocupa otro apartado significativo en su obra literaria y del activismo afroamericano.

En “I Wonder as I Wander” nos ofrece un panorama muy sugestivo de su paso por estas tierras y de su especial relación, influyendo sobremanera en su forma de expresar su obra poética. Antes de su visita ya se había manifestado en defensa de la II República, en su poema antibélico: “Song of Spain”.

Como corresponsal del "Baltimore Afro-American", en compañía de Nicolás Guillén y tras una corta estancia en Barcelona y Valencia, se instaló en la sede madrileña de la "Alianza de Intelectuales Antifascistas para la Defensa de la Cultura", en agosto de 1937.

En cuanto a las crónicas que envió a diversos periódicos estadounidenses, Hughes las escribe con afán militante, para que sus lectores se solidaricen con la República en peligro. Su mensaje es sencillo y hasta repetitivo:

"en la guerra de España se está debatiendo la lucha por la libertad y, si el fascismo triunfa en España, después se extenderá por el resto de Europa. En esa lucha por la libertad destacan los numerosos héroes anónimos de todas las partes del mundo integrados en las Brigadas Internacionales"

Un colectivo de estos estaba constituido por afroamericanos, cuyas vicisitudes por las trincheras republicanas describe y comenta como ejemplo y motivo de orgullo para sus lectores.

Le sorprende de sobremanera la presencia de soldados marroquíes en el ejército de Franco, lo que no debía saber era que ninguno fue voluntario y vinieron a sueldo, pagados por los señores de las fábricas, ninguno paso el Ebro, las zonas que pagaron las dietas de guerra anti republicana no deberían ser increpadas, sólo favorecidas. Pagando St Pere canta.

Finalmente, Hughes escribió alrededor de una docena de poemas sobre España y la Guerra Civil, unos escritos aquí y otros a su regreso a los Estados Unidos. Casi todos son de una gran emotividad y fuerza expresiva.

Las "Gypsy ballads" de Lorca.

La admiración que sintió por la obra literaria de Lorca le fue fuente de inspiración, la admiración del poeta por el flamenco es simplemente una evidencia.

Son prueba sus traducciones al inglés de diversos textos del granadino. En Madrid, con la ayuda de Rafael Alberti inicia la traducción del "Romancero gitano", que acabó en U.S.A. con el título de" Gipsy Ballads".

“tan bellos que desearía haberlos escrito yo en vez de traducirlos únicamente”.

Lorca contó en su conferencia: “Un poeta en Nueva York” (1932), su visita a uno de los locales de moda en Harlem, frecuentado tanto por blancos como por negros, el cabaret Small’s Paradise, club del que Hughes también era asiduo y tremenda escuela para el gran estratega: Malcom X .

“Todos los días en Small's Paradise Bar fueron fascinantes para mí. Y desde el punto de vista de Harlem, no podría haber estado en una situación más educativa. Algunos de los estafadores negros más capaces de Nueva York tomaron simpatía por mí, y sabiendo que todavía era verde según sus términos, pronto comenzó de manera paternal a 'enderezar a Red' ".

Smalls Paradise, club ubicado en el sótano de 2294 Seventh Avenue, Harlem. Se inauguró en 1925, propiedad de Ed Smallsde, afroamericano, siendo de los pocos locales que llamaron integrados, no había selección racial. Allí el ambiente era 24h, sólo se cerraba al público para limpiar un par de horas. El lugar contaba con la mejor música, en riguroso directo, acompañado de una carta de comida y bebidas exquisita: soul food. Todo con el aliño de una amplia gama de servicios, que incluía: compañía del sexo requerido, proveedores de las mejores sustancias sin licencia legal o un abanico de expertos capaces de vaciarte los bolsillos con juegos del azar. Siempre con total discreción y categoría. La descripción coincide con cualquier local flamenco del barrio xino, sólo cambia la banda sonora y la solera, en Barcelona, Cádiz o Vigo, existían unos cuantos años antes.

Hughes, recuerda un momento en que se conjugaron los astros, tras escuchar un poema de Nicolás Guillem:

"¡Ardiendo, España, estás! Ardiendo

con largas uñas rojas encendidas;

a balas matricidas

pecho, bronce oponiendo,

y en ojo, boca, carne de traidores hundiendo

las rojas uñas largas encendidas"

"Te he visto muy atento a esta tertulia ¿Qué pudiste recoger de todo lo oído?" le pregunta Hughes al camarero.

"Que usted es uno de los poetas y literatos afroamericanos más grande que yo he conocido en el corto tiempo que llevo en este lugar"

"Te voy a recomendar que leas sobre el batallón Abraham Lincoln, donde participaron voluntarios de Estados Unidos en apoyo a la II República Española".

«Gracias, maestro»

El camarero era Malcolm X, se guardó el momento y lucho por él hasta que fue asesinado. Su empleo le permitió conocer que una intelectualidad negra existía.

Malcolm también descubre en quién confiar, a quién evitar y los entresijos de todo tipo de actividades delictivas, incluidos robos, proxenetismo y juegos de azar, para convertirse en un especialista en estos menesteres.

En la cárcel vuelve a aprender a leer y a escribir, el ansia por conocer le hace devorar libros y asistir a toda clase que podía recibir. En su busca, se encuentra con la Nación del Islam, que le va al pelo para desmarcarse del mundo blanco y crear su ideario.

Tras cumplir la condena se entrega a la Nación convirtiéndose en un líder social y espiritual, activo y combativo, centrándose en la defensa de su comunidad y su falta de derechos.

Se tiene que enfrentar con los recuerdos de los intelectuales que tanto le cautivaron, se acuerda de Lorca, España y lo toma como ejemplo. La Boina se convierte en insignia del cambio en América, los Black Panthers la usan con orgullo.

Otro amigo de la Boina, visita NYC.

"Mientras el Tio Sam esté contra ti, sabes que eres un hombre bueno"

Malcolm X se encarga de hospedar en Harlem a Fidel Castro , tras la negativa de ser alojado en Manhattan. El 19 de septiembre de 1960, se encontraron en el Hotel Theresa de Harlem.

"Para usted el centro de la ciudad fue como hielo. Pero aquí es más acogedor".

"Ah, sí. Aquí sentimos el calor", Castro sonrió con agrado.

"Creo que verá que el pueblo de Harlem no es tan adicto a la propaganda que sacan en la alcaldía".

"Eso yo lo admiro. Yo he visto cómo la propaganda puede cambiar a la gente. Su pueblo vive aquí y enfrenta esa propaganda constantemente y sin embargo comprende, Eso es muy interesante."

"Somos 20 millones", dijo Malcolm, "y siempre comprendemos".

Tras su salida de dicha estructura consigue desarrollar su discurso. Viaja a la Meca en 1964, su primer viaje fuera de USA, conoce un mundo sin discriminación racial, su lucha cambia, el enemigo no depende del color, es el capitalismo. Es invitado por dirigentes de diversos países africanos a descubrir sus inquietudes. África, deja ya de ser lo que un gringo veía en esa época en el cine o la tv: es rica, culta y tienen otra forma de explicar la historia sin censuras capitalistas.

Ya no importa el color, ni el origen, importa el enemigo.

Ya no era, para el sistema, un negro alborotando a su gente, era una estratega para un cambio y eso no lo iban a permitir.

"Nadie conoce al amo mejor que sus sirvientes. Hemos sido sirvientes desde que nos trajo aquí. Conocemos todos sus trucos. ¿Se da cuenta? Sabemos todo lo que va a hacer el amo antes de que lo sepa el mismo"

Fue asesinado en 1965.

La música de Coltrane simboliza el malestar del momento, manifestando públicamente su apoyo a las protestas en favor de los derechos civiles.

“ Creo que la música es una expresión del corazón humano, del ser humano siendo él mismo, expresando lo que está viviendo. Toda la experiencia humana siendo expresada en un momento concreto. Eso es la música ”

El 25 Mayo de 1961, en New York, graban: "Ole”, el último para él en el sello discográfico Atlantic. Coltrane, arropado de un quinteto formado por:

Eric Dolphy: flauta y saxo alto

McCoy Tyner: piano

Reggie Workman: bajo

Art Davis: bajo

Elvin Jones: batería

y, como invitado, Freddie Hubbard: trompeta

Bien, quizás, motivado por el acercamiento a lo español del que había sido su jefe, hasta hace poco: Miles Davis, con quién grabó su tema: “Flamenco Sketches".

Seguro por la búsqueda de nuevos sonidos y de su propia espiritualidad.

La búsqueda de la universalidad del sentimiento que la música puede inspirar, porque no se conformaba únicamente con el análisis y la experimentación en el campo musical, quería llegar a la esencia misma de la música para conseguir con ella hacer felices a los demás.

John Coltrane decidió incorporar “El Vito”, un tema de moda durante la II República, cuya melodía fue adaptada por los soldados republicanos durante la contienda. Sí quería llegar a su gente e influirles, la melodía debería inspirar un sentimiento de lucha.

Pete Seeger recopiló en un disco las canciones más populares usadas por la Brigada Lincoln en la Guerra Civil Española. Una de ellas, llamada “El Quinto Regimiento” era una adaptación de “El Vito” y al igual que llegó a Coltrane, llegó al nuevo hipismo blanco en ebullición. Pero a Coltrane, como a Malcom X, le llegó por otro camino, era un tema popular entre los nuevos movimientos relacionados con el black power.

“ Olé ”, la primera pieza del disco, arranca con la originalidad de la interacción de dos contrabajos juntos, pronto se unen la batería y el piano, creando una potente base rítmica, colchón para que todos improvisen sobre la línea melódica de “El Vito”, de forma evidente.

El flamenco, como música popular de un pueblo, manifiesta en su amplio abanico de palos, estilos y letras, todos los sentimientos humanos, como pocas otras en el mundo.

La lucha contra las injusticas ha sido una premisa.

La X-paña vaciada

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Tue, 22 Dec 2020 15:04:47 GMT

La X -paña vaciada

Entre las noticias que nos inyectan, como una nueva doctrina, que a modo de cábala se nos intenta meter en las entrañas: "La X -paña vaciada" .

Un tornado humano, soy el tambor con los pies.

Cíclicamente se han ido expoliando los recursos naturales y culturales ,con un fin inversamente proporcional al interés del pueblo, el único perpetuador de un legado milenario que ha sido inspiración de las páginas más destacadas del arte moderno.

La música popular en los, mal llamados, países desarrollados, sólo se podría entender como los más usurpadores de todo tipo de valores, los musicales o otras artes no están exentos. Pero no olvidemos que: "The show must go on"

Lo siguen haciendo, Consultando las fuentes de wikipedia:

¿Muisca ¿británica? siglo XX?

"En el siglo XX, las influencias de la música estadounidense fue la más dominante dentro de la música popular. Esto produjo la "explosión" de la invasión británica, mientras que los movimientos posteriores más notables incluyen la Nueva ola del heavy metal británico y el Britpop. Hoy en día, la industria musical del Reino Unido es una de las más grandes del planeta, con gran cantidad de músicos británicos influyendo en la música moderna."

Todas surgen a imagen y semejanza de las músicas Afro americanas: rock, beat, pop, jazz, ska, soul, son, blues...y sucedáneos. TODO. Estas músicas no existirían sin los anteriores episodios de la serie "La X vaciada", sin ella la población afro en América no hubiese tenido el sentido actual, ni las carteras de negocios, que se han repartido el lobby británico. Para los protagonistas sólo les quedaron migajas.

El Village Gate de NYC, se ha vanagloriado con tener una cartelera musical de calidad, más a finales de los 50, donde Sabicas y Carmen Amaya eran cabezas de cartel. Ambos artistas son el claro ejemplo de la X-paña vaciada, por desgracia no fueron los únicos. En beneficio de que las fabricas siguiesen facturando, en regiones muy concretas peninsulares, se sometió al exilio a miles de personas, para ayudar a definir el cine, la pintura, la literatura,..

García Márquez, cuando en 1982 recibió el Premio Nobel de Literatura, dijo a los presentes…

"Escribí “Cien años de Soledad ” usando el mismo método de mi abuela. Es decir, narrando las historias, sobre todo las más inverosímiles, con la cara de palo con las que me las contaba ella, mi abuela gallega".

o como recordó en otras entrevistas al hilo de la cuestión:

"Mis abuelos eran gallegos y me contaban fantasías sobrenaturales que, no lo dudes, tuvieron gran influencia en mi vida".

"Ya, cosas de meigas, de la santa compaña, misterios contados al pie de una lareira como la que tiene en su casa el Comandante, de esas que en Cuba nunca se prenden, ni siquiera tienen leña, pero adornan un salón".

"Mi abuela, sobre todo, utilizaba mucho los diálogos con santos y con las almas del Purgatorio; y también las leyendas protagonizadas por fantásticos personajes. Nunca llegué a saber a ciencia cierta si existían realmente o eran pura ficción que imaginaba cuando sufría esa enfermedad que llamáis morriña".

El poder de una cultura ancestral, sirvió para definir el nuevo arte moderno, a raíz del sufrimiento de personas que llorando dejaban sus hogares, para satisfacción de revolucionarios industriales, vaya revolución.

Este quizás fue el último episodio trágico de la X-paña vaciada, antes hubo muchos otros de gran éxito empresarial, siempre rodeados de misterio.

Hoy las calles de NYC, poca conciencia tienen de este pasado reciente, pero la magia surge cuando dos músicas hermanas se juntan.

Streets of NYC: Flamenco y música afroamericana, baila el Farru,

El Farru , es nieto del bailaor flamenco por excelencia: Farruco ; " soy el tambor con mis pie s "

Farruco llevó desde pequeño una espina clavada:

"Mi padre fue comandante de un batallón de la 30 Brigada Mixta. Le fusilaron en Madrid con 34 años"

Manuel Montoya Carrasco, gitano por los cuatro costados, fue criado por una familia de la aristocracia liberal, con el privilegio de una formación universitaria. Republicano hasta la medula, estuvo al mando de una batallón de gitanos y payos, que lucharon por la defensa de Madrid, con un final trágico.

Su madre, enfundada en una mono azul, cavó trincheras en el asedio de Madrid, acabando 4 años en la cárcel.

"Mi madre se llama Rosario Flores Campos, Nació en Ceuta y esta bautizada con un nombre árabe y por eso se salvo del fusilamiento".

Farruco le dio varias vueltas al mundo como rey del baile, donde fue siempre recibido con gran entusiasmo.

"A mí el flamenco pop no se me mete en la cabeza, como no se me mete que yo esté bailando por soleá y haya un violín, una flauta o una caja. Si la caja soy yo, soy el tambor con mis pies.¿ Y para que necesito una flauta?, sino soy ilusionista de cobras. El flamenco siempre ha sido un cantaor, un guitarrista y una bailaora o un bailaor".

Video: Farruco, El Chocolate, Martin Revuelo y Luís Habichuela.

¿Para cuando una UK, Holanda, Dinamarca Bélgica, Alemania...vaciadas? Aunque ya muchos nos conformaríamos con que vivan de sus recursos y dejen de robar, sin sus colonias.

Aunque todo apunta a que nos seguirán vaciando.

Hip Hop con compás de la plana mayor del Flamenco en las calles de Oakland , California.

Sin duda aquí hay un camino natural y actual, como el Flamenco.

Charles Mingus: bajista, referente de la revolución del Jazz y, Flamenco.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 02 Dec 2020 19:28:09 GMT

Charles Mingus , fue sin duda, un genio de la música y del jazz moderno .

Su aportación al desarrollo del jazz fue extraordinaria y es considerado uno de los grandes compositores del siglo XX.

Conoció, sintió y plasmó el Flamenco en sus obras, en su forma de vivir.

Cuando hablan, hoy en día, de esa etapa musical, parece que todo queda en Be Bop, el pez gringo se comió al Cu Bop y, por supuesto, al Spanish Bop , quizás el padre, su madre, África.

Con lo Spanish, la comunidad de raza negra norte americana, recuperó su vinculo africano, que sus amos se habían preocupado de borrar de cuajo, para hacerles creer que eran sólo esclavos.

Con ellos llegó una identidad, lo Afro, tambores, magia. baile, Marihuana, los clubs, músicas con sonidos negros, lo gitano, una forma de vivir que les hizo sentirse orgullosa de sus orígenes, creando una nueva identidad y un orgullo.

Mingus , fue un impulsor de la causa y del sonido Afro. Basó sus orígenes musicales en los espirituales negros y el Jazz. Su primer instrumento fue el trombón, luego el chelo, pero cuando se dio cuenta que ese era un instrumento de blancos, apostó por el contrabajo, llegando a ser uno de los grandes.

Se sentía orgulloso de dos de sus discos :“Tijuana Moods” (1957), su preferido, y “The Black Saint and the Sinner Lady” (1963) , ambos con sabor ibérico. Dos obras claves para entender la tremenda influencia flamenca e ibérica en la música moderna americana.

Era un enamorado del Flamenco, al final de su vida, cuando la enfermedad comenzaba a acecharle, tuvo su último momento de gloria en el Carnegie hall de NYC, cuando unas bailaoras, que habían interpretado un tema suyo, le sacaron al escenario y se puso a bailar con ellas. Allí recibió su ultima gran ovación.

Pero todo empezó unos años antes de una forma evidente.

Mingus y Dannie Richmond, su amigo y hombre de confianza en la batería, toman rumbo a Méjico, tras la ruptura matrimonial del bajista.

Flamenco, Tequila, Sexo, Mariachis, mucho picante y lo que el cuerpo te pida: "Bienvenido a Tijuana".

“ Toda la música en este álbum fue escrita durante un período muy triste en mi vida. Estaba menos una esposa, y volando para olvidarla con un sueño preconcebido en Tijuana. Pero ni siquiera Tijuana podría satisfacerme, a pesar de las corridas de toros, el jai alai, cualquier cosa que puedas imaginar en una ciudad salvaje y abierta. Después de encontrarme con el golpe del tequila, sal y limón en la boca y quemarme las fosas nasales, decidí beneficiarme musicalmente de esta experiencia y me propuse componer y recrear lo que sentía y veía a mí alrededor.”

Así nació "Tijuana Moods".

“ Caminé de tacos en tacos, de tequila, sal y limón a todos los chiles picantes que el estómago pudiera soportar, tirando todo el dinero que había ganado y más, tratando de olvidar la tristeza que había traído conmigo, menos una esposa. En realidad, todo terminó en un concurso entre Danny y yo para ver quién superaba a quién en la Tijuana de tequila-vino-mujeres-canciones-y-bailes. Danny perdió: él tenía mucha hambre, yo estaba hambriento.”

Fruto de dicho viaje nace su obra maestra " Tijuana Moods " grabado: el 18 de julio y el 6 de agosto de 1957 en el Estudio A de la RCA Victor en Nueva York.

La banda la formaron.

Sus habituales :

Clarence Shaw, trompeta, pieza clave para Mingus.

Jimmy Knepper, trombón

Bill Triglia, piano

Shafi Hadi, saxofón alto

y el compañero de viaje Dannie Richmond,a la batería.

invitados:

Frankie Dunlop, percusiones

Lonnie Elder, voces

Isabel Morel, en las castañuelas

Mingus consideraba a "Tijuana Moods" como uno de sus mejores discos, sin duda una obra maestra. Este no fue editado hasta junio de 1962 y bajo el nombre “Charlie” Mingus lo que molestó al compositor:

“ No me llamen Charlie, Charlie es como le llamarías a un caballo.”

Uno de los temas más relevantes del álbum se llama:

“ Ysabel´s Table Dance ”, el Tablao de Isabel.

"Creo que esta composición contiene el fuego, el pulso y todo lo que sentí al escuchar la melodía en mi cabeza con el movimiento de su cuerpo. Es la última pieza; Luego volví a mi verdadero ser y todo terminó, excepto la música.”

Al Sr. Charles, tampoco le hubiese gustado que Isabel Morel fuese rebautizada como Yzabel.

La conoció en su visita a Tijuana, Isabel debió ser más que una bailaora, al uso, una bailarina de clásico español.

El tema le rinde tributo, Isabel participó en la grabación del tema arrancando con sus castañuelas, luego Mingus la acompaña con una melodía ibérica, tocando el contrabajo con arco, mientras se va uniendo el resto de la banda.

“ Ysabel’s Table Dance” destaca por su fuerza y por ser un perfecto ejemplo de la música de Mingus: cambios de ritmo, melodías entrecruzadas, mezcla de estilos y unos deliciosos arreglos para pequeña formación que consiguen que suene como una grande.

A ello sólo añadir el toque de castañuelas, instrumento que fascinaba a los jazzman.

El resto del disco, una joya;

"Dizzy Moods", Tijuana Gifts Shop", "Los Mariachis" y cierra con "Flamingo", otra declaración de intenciones.

Sí este fue su disco favorito, " The Black Saint and the Sinner Lady " será considerado como una de las cumbres de la orquestación en el Jazz.

Una suite distribuida en seis partes, la última de ellas subdividida a su vez en tres movimientos. Concebida para el baile y estructurada para diferente número de bailarines, con una riqueza compositiva, orquestadora, interpretativa y sonora sorprendente, con una estructura, muy similar a la sinfónica.

Las partes tercera, concebida para Grupo de Baile, y cuarta, para Trio y Grupo de Baile, vuelven a presentar evidencias ibéricas. Incluye la guitarra de Jay Berliner, con acento flamenco, otra evidencia que hace al disco original y diferencial.

El disco se grabó para el sello Impulse! en 1963, para formar parte de la historia de la música moderna.

Debieron ser muchas más sus inquietudes y proyectos en torno al Spanish Tinge , era consciente que sin este no existe Jazz.

A la pregunta de la actitud y maneras de artistas del Jazz, se plantea un paralelismo total con lo flamenco, podríamos fácilmente cambiar a Monk por Camarón y sería muy acertada su respuesta. Dos músicas hermanas.

“Es lo que le gusta al publico, ¡eso es el jazz! Recuerdo un club al que Monk llegó con hora y media de retraso y la gente se levantó para aplaudirle, olvidándolo todo. El público sabe que esas cosas ocurren de vez en cuando” .

"La mayoría de las cosas que he compuesto no corresponden a lo que realmente quiero hacer. Cuando compongo lo que realmente quiero, nadie puede tocarlo”.

Ante lo cual se plantea: ¿Qué habría podrido hacer este portento musical, con un equipo Flamenco de gama alta?, la incógnita no la pudo resolver.

Charles Mingus , falleció en Cuernavaca, México, el 5 de enero de 1979.

El Camino de los Gitanos

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Thu, 26 Nov 2020 19:27:41 GMT

Latcho Drom:

El Caminos de los gitanos, del desierto del Thar a la Plaza Real.

Latcho dron , buen viaje: que encontréis suerte y buenas personas en vuestro camino.

Hace unos mil años, el pueblo romaní salió de India en varios movimientos migratorios. Uno de los caminos empezó cuando llegaron de la India varias familias a amenizar y ponerle banda sonora a las Mil y Una Noches persa.

Desde entonces sus pasos no han dejado de escucharse por caminos, campos y ciudades.

Su música y danza, transmitida de generación en generación, conserva los elementos de la naturaleza, esenciales en su recorrido y fundamentales para la subsistencia: el agua, el fuego, el aire, la tierra, el árbol, la rueda, los animales, a partir de los cuales se crearon sus cantos y músicas. Los gitanos, cantan sus lamentos de exilio y errancia, haciendo del viaje su hogar y de la música el lenguaje de sus pasos.

A finales del siglo XV se asientan, definitivamente, en Barcelona.

En cada asentamiento, donde se han erradicado, al abandonar el camino, han creado, con su lenguaje universal: la música, estilos en concordancia con los del lugar, en concreto: con ellos llego la Rumba.

Muchas veces se busca el origen del Gitano en la India, para mi se me hace más evidente que el viaje tuvo su inicio hace mucho más, el punto de origen fue el antiguo Egipto, que sin duda tiene su génesis en el nacimiento del rio Nilo, en el corazón del África negra.

Dil Mastana y Papawa, gitanos catalans e hindús, la música los vuelve a unir. Esta vez fue en la sala Sidecar, durante unas sesiones semanales, reivindicando nuestro estilo más original:

“la Rumba de Barcelona, la porto jo”.

Papawa & Dil Mastana : disculpen los problemas del sonido.

El Torta

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 25 Nov 2020 21:52:20 GMT

EL TORTA

" La noche es más larga que la muerte ".

“ El arte desprovisto de mito y misterio es pura técnica, sólo andamiaje sin trascendencia ”.

Juan Moneo Lara « El Torta »

Jerez de la Frontera, 4 de septiembre de 1953-Sanlúcar de Barrameda, 31 de diciembre de 2013

"Siempre he aprendió con los viejos, mi fuente eran ellos".

"Ya de muy pequeño me tiraba cantar e ir al cabaret, donde se bebía, había mujeres, se alternaba, y ahí escuché a los más grandes".

"Hace ya mucho, tenía 18 años, cuando me puse a cantar. Un día fui a la casa de niño Jero -Periquín- su padre entonces estaba trabajando en una sala de fiestas, donde había alterne, mujeres… ahí cantaba Terremoto, Tío Borrico, cantaores todos muy grandes de Jerez. Allí en casa de Periquín, con él a la guitarra, empecé yo a cantar por Camarón y me escuchó su padre, entonces ya a los tres días fue a mi casa a buscarme, ¿oye, tu quieres trabajar?.

Así me llevó a 'Los Cuatro Muleros', empezando a ganar 25 duros, pero yo iba por estar rodeaos de todos ellos y del ambiente ese. Mi padre no quería, pero yo me escapaba, aunque me volvía a pegar mi padre a mi me daba igual, yo me iba cada día ."

¿Camarón?

" Por supuesto. Camarón es mi ídolo. Va aparte de cualquier otro. Yo lo tengo como un comodín. Están los ases, cada uno en lo suyo, y Camarón, que combina con todas las cartas."

¿Terremoto?

" Sí, era como un niño chico, un marginado... Parece mentira que alguien pueda ser tan humilde y a la vez tan grande, y ahora, ves tú, los alcachofas...

¿Los alcachofas?

"Sí, los que no tienen ni idea y se creen lo máximo. El artista no quiere flores fuera del escenario; en la calle prefiere ser uno más. Aunque a los que no lo son y se lo creen sí que les gusta que les vayan detrás."

"No soy un flamenco de laboratorio. El artista es artista y no se puede fabricar. Yo no soy artista de demasiados ensayos ni de ninguna academia ni Conservatorio. Solamente tengo un público al que satisfacer y que cada día pide más. Yo siempre que me subo a un escenario intento llegar a los cabales que son los que a mí me interesan, las personas que van a escuchar y no a buscar la eterna fiesta ."

Coincidiendo con la publicación de su disco " Momentos ", El Torta paso una día, en el Barrio Chino.

A petición de su manager, organizamos sus entrevistas con los medios de prensa, en nuestro local de la calle Marques de Barbera. Una experiencia inolvidable.

Unos días antes 'Ojos de Brujo' habían estado también en nuestro local , concediendo entrevistas a la medios de comunicación internacionales, a raíz de la obtención del Grammy Latino, al Mejor Álbum Flamenco.

Qué te parece que le den un premio como el Grammy latino al mejor disco de flamenco a Ojos de Brujo ?

"No sé quién es ese Ojos de Brujo, no lo conozco".

" Yo veo muy bien que cada uno haga aquello que le plazca y cante como quiera, pero que no le llamen flamenco. Tengo claro que es bueno innovar, pero el flamenco es el cante que duele, el cante que asusta a la gente, el que nadie quiere, el que no es vendible.·"

“Ahora me están dando mi sitio y para mí es un lujo que por fin me llamen y me respeten. Me siento como el cantaor más viejo y el más joven que hay ahora en Jerez. Y si hablamos de flamenco, quien habla de Jerez habla del mundo. El más viejo porque vengo de otra época, cuando estaban todos los monstruos, y el más joven porque empiezo ahora”.

Su ultima gran actuación fue en eléctrico, con una camiseta de Jimi Hendrix, pero muy flamenco.

" Juan Moneo «El Torta» se interesó por participar parecía que la entidad del proyecto podría ser tal que ocupara un primer lugar en nuestras agendas. Fue un amor a primera vista, el concierto con él, en el Teatro Central de Sevilla en septiembre de 2013 nos llevó a configurar un repertorio único. Todo estaba listo para girar en 2014 con varios compromisos firmados, pero se acabó el año 2013 y con él se apagó El Torta. El proyecto cayó en un limbo triste... ahora, que mejor homenaje a este gran cantaor que consideraba Mixto Lobo su grupo... , que la música siga sonando " Mixto-lobo .

video:

El Torta y Mixto lobo , Teatro Central de Sevilla

Barri Xino y el Villarosa

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 25 Nov 2020 18:01:08 GMT

Barrio Xino y el Villarosa :

Arc del Teatre y la familia Borrull. Sabicas y Carmen Amaya.

En la Barcelona de hace ahora cien años, una de las arterias con más vida era: l´arc del teatre , puerta al paraíso sensorial del Barrio Xino , que contaba con una banda sonora propia; el Flamenco.

Cortaba una encrucijada de calles, uniendo las ramblas con el paralelo, sí entrabas la experiencia era asegurada. En esa época no existía ni avenida drassanes, ni rambla del raval, la telaraña de: callejones; buscavidas; actividad industrial –la mayoría de industria la aglutinaba el barrio-; estafadores; personajes escondidos de la justicia o guerra, de cualquier rincón del planeta; señoritos y nens de bona familia; comercio-servicios; juego; multiculturalidad; prostitución, sin connotación de genero alguno, todo se podía encontrar; intelectualidad; marineros recién llegados a puerto; … y la Sra. Pepita, otorgándole al barrio la fama de ser uno de los más psicodélicos del momento: la farlopa era la sustancia de moda y la oferta de ocio excelente, no podía tener mejor banda sonora: el flamenco .

¡Pagant St Pere canta!

Sebastia Gasch , como buen cronista del barrio, nos inmortalizo sus andanzas con Joan Miro por el Barrio, como complemento a su formación en el Cercle Artistic de Sant LLuc . Buscando cosas vivas, describe una farmacia situada en la calle Arco del Teatro :

Accediendo a la calle Arc del Teatre, del Teatre Principal, desde las Ramblas, una arcada a modo de pasillo hace de entrada misteriosa a un mundo donde convive lo cotidiano con lo mágico, si la seguías el desenlace era el paralelo, si antes no te desviabas por cualquier callejón.

1916 nace el Villa Rosa y la calle se corona.

Sí el mejor local de alterne era el Madame Petit, justo enfrente se inaugura el mejor local de flamenco del planeta.

La familia Borrull es una de las dinastías flamencas más importantes, cuya carrera está íntimamente ligada a la ciudad de Barcelona.

Miguel Borrull Castelló , destacado guitarrista gitano nacido en Castellón en 1866, se casó con la bailaora Lola , perteneciente a una saga de memorables bailaoras, junto con sus hermanas La Regla, Tía Gabriela, Juana y María Luisa.

Fruto de este matrimonio continuarán su legado: Miguel Borrull Jiménez, guitarrista cuya obra podemos apreciar en muchas de las grabaciones de esta primera época, y sus hermanas, las bailaoras: Concha, Isabel y Julia, belleza gitana, modelo del famoso cuadro: “Alegrías”, del pintor Julio Romero de Torres.

La tercera generación artística la encabezó la nieta de Miguel, Mercedes Borrull “La Gitana Blanca”, bailaora, cantaora y actriz, de gran éxito.

Miguel Borrull fue uno de los más destacados guitarristas y el preferido de Antonio Chacón , del que dijo:

“ la guitarra flamenca tomó otro aspecto con el gitano Miguel Borrull, con un estilo personalísimo y una escuela peculiar, en los cuales se han inspirado los tocaores del día ”

Borrull dio a los fandangos malagueños una mayor expresión y dimensión, creando un toque que pasó a denominarse la Rondeña . Combino sus excelencias flamencas, destacando en los toques de levante, con su conocimiento de la guitarra clásica, siendo admirador del guitarrista Tárrega .

En 1915 Borrull es contratado junto con su hija Julia, para actuar en el Folies Bergére, más conocido como Teatre Arnau, en el Paralelo barcelonés. A raíz de dicha estancia decide establecerse en Barcelona y adquirir el local Casa Macia, actual club de tecno: Moog - calle Arc del Teatre, 3-. Este fue un café de alterne, frecuentado por los peculiares personajes que ambientan la obra de Juli Vallmitjana .

Tras su remodelación en 1916, lo reinaugura como café cantante, con el nombre de Villa Rosa , convirtiéndose en un referente mundial y guarida de los más destacados artistas modernistas catalanes. Con motivo de su apertura será Santiago Rusiñol , uno de sus principales impulsores: organizando fiestas para sus amigos, dotándolo de un ambiente bohemio, se convertiría en local de moda. Durante la primera guerra mundial, el Villa Rosa gozará de gran éxito, gracias a la llegada de la burguesía europea que busco cobijo en la capital catalana.

“ La calle Arc del Teatre palideció con los smokings y los fracs, los brillantes y los abrigos de piel, y oyó el trepidar de los autos que pasaban por su mal empedrado pavimento”

El local consiguió fama de seriedad y buen servicio, la excepción en un barrio donde abundaban los locales en los que dominaba el descontrol y alborotos, consiguiendo el sobrenombre de la Catedral del Flamenco. Por allí solían pasar los habituales del Liceo tras la opera de turno y se convirtió en reclamo turístico de primer índole, dentro de las actividades más originales y auténticas a presenciar en la ciudad.

Así y todo no estaban exentos de trifulcas, como nos recuerda la prensa:

En 1929 las propagandas turísticas, en boga, lo anunciaban como monumento destacado, con la frase publicitaria:

“El Tibidado, Montserrat, la Sagrada Familia, la Monumental, Montjuic, la Casa d´en Mila … Villa Rosa”

De esta publicidad nos habla Josep María Planes, en la revista Mirado r:

“Villa Rosa. Los flamencos, las gitanas, los extranjeros y la manzanilla. Es una concesión magnifica que Barcelona hace a los extranjeros. Posee todo el misterio, toda la incomodidad y la falta de limpieza precisas para que el turista no se sienta defraudado. El exotismo inteligente y calculado hace efecto al mismo tiempo al viejo de la calle Aribau y al marinero de Liverpool. Las gitanas tienen el punto justo de morenez, de casticismo y de mala educación para no aterrar a la clientela local ni impresionar excesivamente al señor de más allá de los Pirineos.

Sin Villa Rosa, muchos ingleses, franceses, americanos se irían de Barcelona con la profunda impresión de que les han embaucado. Si algún día la familia Borrull, cansada ya de ganar dineros, se decidiese a abandonar el negocio, creemos que el Ayuntamiento no tendría más remedio que hacerse cargo de él”

Como podemos ver, el flamenco ha sido uno de los atractivos de esta ciudad desde hace mucho tiempo y seguirá siéndolo, es quizás una de sus señas de identidad con raíces más profundas.

No sólo de Modernismo vive el hombre.

Pasaron por el local los artistas más destacados de la época, cabe destacar a: Manuel Torre, El Cojo de Málaga, La Macarrona, Antonio Chacón, la Niña de los Peines, la Malena, Faico, Manuel Vallejo, Antonio de Bilbao o el Pescadilla padre.

Para Carmen Amaya , que frecuentaba desde niña el barrio, el Villa Rosa formaba parte de su tour nocturno por los locales flamencos barceloneses, acompañada de su padre El Chino y su tía La Faraona .

Al Villa Rosa la decadencia le sobrevino lentamente, al igual que al Barrio Chino e igual que el esplendor de la Barcelona flamenca. Después de la guerra civil sólo queda el nombre, el barrio hoy, y, después de lo que estamos pasando, ya no le quedará más que el Alma, en el corazón de muchos, aún lo podremos recuperar.

Vídeo:

La Rondeña de Sabicas , palo identidad de Miguel Borrull.

Sabicas y Carmen Amaya , dos jóvenes en el apogeo del Villa Rosa, crearon una de las parejas artísticas más espectaculares de la historia del género. fue donde se conocieron, quizás en el Villarosa.

Madrid tenía, también, su Villarosa y allí tenía que ir Carmen.

Sabicas ayudó a El Chino para que llevase a Carmen a Madrid y la viesen bailar. Este es el testimonio de la primera noche de la niña, en el Villa Rosa madrileño. Sabicas la presenta en una reunión flamenca:

“ Aquí tenéis a una gitanilla catalana que lo hace muy bien y que sabe bailar lo que vosotros quisierais saber. En la reunión se encuentra un cantaor viejo: El Peluco, que, riéndose a carcajadas comenta: “¡Catalana seguro que es un petardo!”. Carmen, se levanta, se planta ante el cantaor mirándole desafiante y rompe a bailar, su baile está lleno de rabia y enteramente poseído por el genio del duende. Carmen baila para él y sólo para él, lo rodea, lo acosa, lo enloquece… El Peluco, no puede aguantar más, y traspuesto, grita: ¡Y yo la había llamado petardo! ¡Eso es bailar niña! La noticia se propaga por todo Madrid, ya todo el mundo la respetará .”

Años más tarde, marcaron juntos hitos, especialmente en el periplo americano de Carmen Amaya. Quedan registrados documentos de películas y grabaciones de esos dos monstruos juntos, para la posteridad. Se les atribuye: la creación del baile por tarantos, actuaciones memorables –imaginen Carmen Amaya, al baile y Sabicas, a la guitarra- y amoríos.

MODERNISMO y FLAMENCO

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Wed, 25 Nov 2020 17:04:16 GMT

Flamenco entre el Modernismo y la actualidad pintada :

Manolo Gómez Romero

El Modernismo se manifiesta por la libertad que aporta a la creación artística, buscando la autenticidad por encima de la belleza. Esto hace que los artistas que siguen esta tendencia se interesen extraordinariamente por la música popular y en particular, por el Flamenco .

La vida bohemia se convierte en uno de los grandes mitos de la modernidad, inspirada en la idealización de los bohemios, del pueblo Gitano, de los que la historia del arte siempre ha tipificado como símbolo de una vida sin reglas y sin ataduras, libre de convencionalismos institucionales.

En el periodo comprendido entre 1888 y 1929, Barcelona fue sede de dos Exposiciones Internacionales, lo que dio lugar a que la ciudad se saliese de las murallas. Con motivo del auge económico, debido a la aportación del capital y el espíritu empresarial de los indianos, motivado por la pérdida de las últimas colonias; acompañado de un potente proceso de industrialización: Barcelona se convierte en una ciudad emprendedora, con una rica actividad cultural y de ocio. La “ Rosa de Foc ” será la protagonista de un nuevo fenómeno cultural y social: el Modernisme .

Aunque los Modernistas más famosos hoy en día son arquitectos, los primeros artistas catalanes que asumieron esa tendencia fueron: Santiago Rusiñol , Ramón Casas o Juli Vallmitjana , este introdujo a Picasso o a Isidre Nonell, en un universo idolatrado por el París de la época, la Boheme, la forma de vivir del pueblo gitano, signos culturales aún hoy presentes en la vida francesa.

Consuelo Jiménez, la musa de Isidre Nonell

La Trini, Graciela, Dolores, La Pilar, Consuelo , dan nombre a la mejor obra de Nonell: los retratos del Somorrostro, donde pone rostro a los gitanos barceloneses, en su estudio de la calle Comerç.

Pero fue con Consuelo con quién mantuvo una relación apasionada y fascinante. Empezó a pintarla con 14 años, siempre con la compañía de su abuela, con la que vivía en una barraca en la calle Entenza. La chispa se encendió, surge una relación amorosa, que la familia de Consuelo no quería asumir y deciden enviar a la niña a Madrid para casarla con un gitano.

El matrimonio duro poco, Consuelo se escapa y vuelve a Barcelona, para seguir posando para Nonell. La desgracia los separa, con 17 años muere Consuelo, un huracán destruye su casa y la inspiración del pintor.

Desde su regreso de sus múltiples estancias en la capital francesa, en 1901, su temática se centró en el mundo de las gitanos. Su paleta se oscureció, tabernas, arrabales, barracas, patios siniestros, los escenarios de la otra Barcelona: subterránea, sórdida, con su propia lengua: el caló catalán, impenetrable para payos y, sobre todo, para la policía.

Su pintura fue una patada en el estómago a la burguesía conservadora, rechazado e incomprendido por crítica y público, el reconocimiento no llegó hasta su última exposición en 1910 donde alcanzó un gran éxito. Ya era tarde moría un año después a la edad de 38 años, su entierro se pobló de gitanas portadoras de flores silvestres y el ataúd iba seguido de palmeros, guitarristas, cantaores, taberneros, bailaoras: su gente.

Video: Herencia directa del Somorrostro , familia Manzano “ El Cachorro ”, las nuevas generaciones del cante gitano catalán, dentro de la programación de Flamenco Barcelona, en sala City Hall.

Seguro que Nonell estaría contento ver como la herencia gitana sigue patente en su ciudad.

Siglo XXI , un gitano reinterpreta con la pintura abstracta el grito ancestral.

MANOLO GOMEZ : “ Mi pintura es una forma distinta de mostrar lo que es gitano ”

Morón de la Frontera, 1967

“ Yo soy autodidacta, veía como mi madre pintaba con cal las paredes y en las pintitas que caían en el suelo y los trazos que daba con el pincel, yo ya veía dibujo ”

En 1989 se instala en Barcelona, donde hace de la pintura su forma de expresión, conoce a su esposa Joana , nieta de Llorenç Artiga s. Dentro de este entorno familiar le animan a que desarrolle su vocación:

“ tu obra no puede quedar muerta”, repetía Joan Gardy Artigas , hermano de su suegra Mariette Llorens Artigas, gracias a ella Manolo se adentra en el mundo de la pintura, convirtiéndose en artífice de su formación como pintor.

“A mí lo que me interesa es expresar la parte más íntima mía, como siento, y lo expreso mejor en pintura”

“Pintar me da sufrimiento, placer y rabia”

“Mis trazos son eso: emociones y sentimientos. La pintura figurativa me gusta, pero no la siento igual. Prefiero la abstracción, que quizás es el arte más antiguo”

“ Lo que me interesa es que tengan movimiento, que reflejen las pautas que están claras en el baile flamenco ”

Dos caras de la misma moneda, con 100 años de diferencia, un payo y un gitano, reflejan la forma de sentir del pueblo gitano.

Video : El Funi con Diego del Gastor , en Casa Pepe , Morón de la Frontera, este es contexto en que se crio Manolo Gómez y lo que busco Isidre Nonell.

El Pescadilla y su Caripen, Las Grecas y Rosalia las reinterpreta.

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sun, 22 Nov 2020 21:23:56 GMT

El Pescadilla y su Caripen :

con el nacen Las Grecas y Rosalía las reinterpreta.

“ Si tuviera que definir con algún nombre CARIPEN, diría que era como un precioso costurero. Antonio y yo no lo teníamos como negocio, lo teníamos como hobby. Allí se pasaban unas noches maravillosas, porque se juntaban los artistas contratados con otros que venían a tomar una copa, entre ellos Camarón, Fernanda y Bernarda, el Beni, la Paquera, Pansequito, Farina y tantos otros. También iba Curro Romero, torero de esa esencia especial, cantaba sus fandanguitos como él sabe cantarlos. Y, otras grandes estrellas como Pastora Imperio, Concha Piquer, Rocio Jurado, Rocio Durcal… Bueno infinidades. ” Confiesa doña Lola Flores .

A principios de los setenta, frente al edificio del Senado, se organizaron juergas memorables, que definirán una nueva forma de vivir la noche, anticipo y embrión de la Movida madrileña. Yul Brynner, Sofia Loren, John Huston, Douglas, Frank Sinatra, Hemingway, Welles, por mentar a alguien conocido, pero, allí estaba invitado todo el mundo, grandes noches de bohemia y de pasión, mal negocio. El local se convirtió en parada de la ruta nocturna madrileña y laboratorio musical, los artistas que no tenían sitio en los locales tradicionales, allí eran apreciados.

En los primeros años 70, Lola Flores era ya una estrella internacional. Afianzada en su carrera y en su matrimonio con Antonio González, El Pescadilla . Juntos, unos años antes, habían dado la vuelta al orden musical, dotando de total actualidad su nuevo discurso. La Rumba vuelve al mundo, dibujada por el maestro de Gracia y el poderío de la Jerezana, la forman internacionalmente. Los grandes de la música latina, en esos momentos emergentes, ven que sus músicas tienen una raíz, y Lola y Antonio, les dan la vuelta, los adoran. De eso da fe el acto, de toda la comunidad latina de Miami, cuando por nuestras tierras se les tachó de franquistas y ladrones; no de ARTISTAZOS, apolíticos y buscavidas, o mejor, amantes de la vida. Les organizaron un concierto, como esa familia se merecía, por todo lo alto, y allí desinteresadamente pasaron los mejores, para salvarlos del descontrol económico que les habían metido, después de haber ayudado a tanta gente. Esa noche triunfaron los González Flores.

Video: Pan y Chocolate

Un laboratorio musical, donde la creatividad prima. El Pescadilla, lidera el nuevo movimiento, de lo que vino a llamarse, Nuevo Flamenco.

En Caripen , se apreciaba el buen hacer y la personalidad artística. Allí cogió forma lo que el Sr. Antonio siempre reconoció: Pepa de Utrera y Bambino, eran punto y aparte, como intérpretes, de ese género que tan bien conocía, llegando a atribuirles la creación de la “Rumba Utrerana”.

Pero, allí, se moldeo uno de los sonidos más innovadores, que marcaría una nueva época: Las Grecas y su Gypsy Rock.

Dos gitanas castellanas Edelia “Tina” y Carmela Muñoz Barrull, nacidas en 1955 y 1958, de una estirpe en la que el cante flamenco venía de lejos. Se trasladan en 1965 a Argentina, donde empezaron a cantar en fiestas de la comunidad española. Allí entraron en contacto con las músicas americanas. Pero una pieza clave sería un gitano gallego. instalado en Buenos Aires, “El Luís”. El Luís estaba ensamblando un nuevo sonido que unía flamenco y rock, le cedió un tema a las hermanas Muñoz y un nuevo discurso, se convirtieron en dos gitanas canasto-rockeras. Años más tarde con el éxito de sus compañeras, regresa por estas tierras para crear unos grandes discos de Gypsy Soul.

Tina y Carmela regresaron en 1970, a un tablao de Toledo perteneciente a un tío suyo, donde empiezan a interesarse seriamente por el arte musical. Pronto se trasladan a Madrid, donde no cumplen con los requisitos de la escena flamenca del momento, cantan juntas, una es rubia y la otra muy salvaje, pero canta para rabiar, nadie las quiere. Don Manolo Caracol, las ve cantar y se enamora de ellas, ya pueden empezar a trabajar en Los Canasteros.

“ Aunque me hubiera gustado estudiar, no había medios y dejé los estudios tras obtener el graduado escolar, como mi hermana. Intenté abrirme paso cantando en algunos tablaos madrileños y lié a mi hermana para que me acompañase el día que hicimos una prueba ante Manolo Caracol, Camarón y Paco de Lucía en Los Canasteros”

De Caracol pasan al Pescadilla, este pone Caripen y su sabiduría a su disposición. Ganan 4.000 pesetas por día, pensaron entonces que sus dotes musicales podían salvar la maltrecha economía familiar. De hecho, pusieron las primeras 4.000 pesetas que ganaron encima de la mesilla de noche de su entonces enferma madre. No se equivocaron. Aquellas primeras actuaciones sirvieron como punto de partida de una carrera tan exitosa como breve.

La voz se corre entre la noche madrileña. Por allí se dejarían caer el productor José Luis de Carlos y el compositor Felipe Campuzano, atraídos por la interpretación vocal al unísono en sus actuaciones. Juntos fichan para CBS, y el nombre elegido sería: “Las Grecas”. El motivo era que la gente hablaba de ellas como «las niñas que cantan en griego», en referencia a la manera que las hermanas interpretaban sus canciones.

Vídeo : Por Fandangos, personales u rabiosos, Tina, de Las Grecas .

Estaba cantando Camarón, se para a escuchar dos letras de fandangos de una de sus cantaoras favoritas, exclama: “No se puede aguantar uno coño”. Tina, de lo más puro a lo más moderno, sólo hay una manera, llevarlo. párrafo

Primera letra del Fandango, sentimiento a flor de piel.

" Mira si ella estaría borracha

que hasta la copa de vino

que tenia en las manos se le caía

No maltratarla por Dios

que yo también tengo una hermana en la vida

y esas son desgracias que nos manda Dios "

OLE

Primer sencillo: «Te estoy amando locamente» / «Amma immi», numero 1 durante cinco semanas y 500.000 copias vendidas.

Para ello se juntan en los estudios Audiofilm, José Luis de Carlos, las hermanas y músicos de rock como Johnny Galvao, Eddy Guerin o Pepe Nieto. Se grabó el que resultó ser un éxito desbordante. Según José Luís de Carlos, cerebro de la operación y productor de grandes momentos de la historia del flamenco y la música moderna.

“ Gipsy Rock es la realización de una idea basada en la fusión de elementos originalmente dispares en lo cultural, pero compatibles y curiosamente coincidentes en muchos aspectos. Estos elementos son, de un lado, la asombrosa fuerza expresiva de unas originales voces gitanas muy jóvenes; y, de otra, el electrizante poder de penetración y arrastre de la actitud sonora más joven e internacional que conocemos: el rock".

Un sonido revolucionario, las pioneras del sonido Cañorroto.

“Te estoy amando locamente”, escrito por ellas mismas, empezó a sonar en todas partes y se erigió rápidamente en himno de guerra de una juventud que nos volvíamos locos. Con el tiempo, sería versionado hasta la saciedad. Incluso Paco de Lucía llegó a inspirarse en esa canción para componer su tema: “Entre dos aguas” y para Camarón será el detonante para plantearse su “Leyenda del Tiempo”.

Vídeo; Te estoy amando locamente, Las Grecas.

Las Greca s, son odiadas por puristas y elogiadas por los puros, rompen esquemas siendo las más flamencas del mundo.

Vídeo; Amma Immi,,Camarón adapta a Las Grecas

El éxito de su debut hizo que volvieran a meterse rápidamente en el estudio de grabación para dar forma a su primer elepé, “Gipsy Rock” (1974), compuesto por diez temas. En palabras de su productor, José Luis de Carlos:

“Gipsy Rock no es la sofisticación gratuita de una idea con mayor o menor gancho comercial. Se trata simplemente del nombre dado a la realización de una idea basada en la fusión de elementos originalmente dispares en lo cultural, pero compatibles y curiosamente coincidentes en muchos aspectos. El swing ‘gitano’ y el ‘son’ rockero se han mezclado en Las Grecas, y eso es su Gipsy Rock” .

Su revolucionario estilo, conectado con la máxima modernidad, su poderosa presencia escénica y la pasión que ponían en sus bailes totalmente improvisados, conectaron rápidamente con la juventud de la época, ávida de colores y fiesta.

Apariciones constantes en televisión, giras interminables, ventas masivas y galas que se caracterizaban por su elevado caché. La prensa se volcó con ambas, queriendo retratar su vida cotidiana. Fue así como el público descubrió que Tina estaba casada por el rito gitano desde los dieciséis años, y que pronto nacería su primera hija. La artista debía cumplir con sus compromisos profesionales a la vez que intentaba compaginarlo con su labor de esposa, tarea difícil que acabaría afectando a su matrimonio. Su amargura sentimental era el contrapunto a las joyas, abrigos de pieles y propiedades que estaba logrando, junto a unos ingresos que jamás antes había imaginado.

Como estrellas, Las Grecas, viajaban en Cadillac y veraneaban en chalets. Incluso sus padres disfrutaban de servicio doméstico y podían permitirse ciertos lujos que distaban mucho de su anterior modo de vida en el humilde barrio madrileño de San Blas.

Todo empieza a desmoronarse. Al parecer, la actitud prepotente de su mánager dinamitó la carrera del dúo. Las contrataciones empezaron a escasear, Las Grecas, decidieron despedirle, descubriendo que además de estafarlas, usó su influencia en el mundillo para boicotearlas. Fue uno de los motivos que propiciaron la disolución del dúo en 1979.

Malos tiempos para la lírica.

Las Grecas lo tuvieron todo. Precursoras de la fusión del flamenco rock, saborearon disfrutaron de un éxito que tan rápido como vino se fue. El fin de su fulgurante carrera hundió su ánimo y su economía. Volvieron al barrio, intentos de suicidio, barbitúricos, brotes psicóticos, drogas, violencia, cárceles, desengaños amorosos, sus vidas se convirtieron en un Blues sin final.

Tina, que se casó en varias ocasiones y tuvo cinco hijas, fue diagnosticada en 1983 de esquizofrenia paranoide. Se vio forzada a dar en adopción y dejando a cargo de familiares a todos y cada uno de sus retoños. Llegó a escaparse en varias ocasiones de las clínicas psiquiátricas en las que había ingresado, y fue vista mendigando por las calles de Madrid. Ella misma llegó a contar que dormía en coches abandonados para poder cobijarse del frío. Falleció en un centro de acogida de Aranjuez en enero de 1995, con 37 años.

Carmela, por su parte, tampoco logró levantar cabeza desde entonces y perdió hasta los derechos de Las Grecas:

“Durante mucho tiempo, eché de menos los focos y los escenarios, pero ya no. Nunca dejaré de ser artista, pero en la vida hay cosas más importantes que cantar”

La autoría de sus primeras canciones les pertenecía, aunque en su grabación hubiesen sido ligeramente modificadas. Tuvieron que asumir con resignación que sólo constase el nombre del músico Felipe Campuzano, artífice de sus peculiares arreglos. Pero el dinero les llegaba en abundancia en su inicio, no supieron preocuparse, pensaron que tanto dinero paliaba cualquier injusticia. Pero nada es eterno.

Rosalía , casi 50 años más tarde, ha recuperado en sus directos, el hit de Las Grecas: Te estoy amando locamente.

Hacía donde va el Flamenco en el S.XXI, donde lo digital prima y lo de poner los pelos de punta mengua. No nos perdamos en el entusiasmo, lo bueno perdura, como el Pescadilla, Camarón o Las Grecas, dejemos que el tiempo ponga las cosas en su sitio. Agradecer a Rosalía, su afición y estudio, pero el flamenco tiene algo más que no es tangible, tiene más que ver con la magia y la vida.

Vídeo: Te estoy amando locamente, Rosalía.

Los Amaya

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 21 Nov 2020 23:22:36 GMT

LOS AMAYA

"Inventamos la rumba para cualquier hora, con mensaje"

José y Delfín Amaya , son hijos de una familia gitana proveniente de Vic.

Familia de la bailaora Carmen Amaya , desde niños tocaban la guitarra y cantaban en las fiestas gitanas y con mucho apego, a su: Barcelona.

"A mí me quitas de Barcelona y me matas"

Pero las cosas del destino quisieron que:

En 1952, José, naciera en La Coruña, y Delfín, en Oviedo, en 1954.

" Nuestros padres se dedicaban a la venta ambulante de telas para trajes y de muy niños vivimos en diferentes ciudades”

"Recordamos con mucha nostalgia aquellos viajes en tren, mirando los paisajes por la ventanilla".

En 1960, con una ciudad sumida en una total vorágine económico-social, se instalan definitivamente en Barcelona. Dieron vueltas por medio mundo, pero su ecosistema natural siempre ha estado entre el Barrio Chino y la Barceloneta.

Será, en esos inicios, en el seno familiar, donde se forjará el sonido de lo que unos años más tarde los convertiría en número 1, en cualquier lugar, y en cualquier momento.

El barrio era el del Portal . Nacía el sonido Los Amaya y las bases de los hits que los consagraron en Latinoamérica, U.S.A, Rusia, Alemania, Holanda, Israel o Japón, entre otros, y que cuando ya los daban por olvidados, resurgían con más fuerza.

" Cuando aún no estábamos casados y vivíamos en casa de mis padres, hubo una época en la que no parábamos de componer. Las grabábamos en un casete y las acumulábamos en un cajón" .

El Paso , un bar, gallego, de alterne, en la calle Escudellers , la calle del ritmo, fue su verdadera universidad de la vida, su escuela era la familia.

"Era de un policía, que además coleccionaba música caribeña. Empezamos a actuar cuando todavía éramos menores y aquel hombre nos dejaba grabar sus discos, para que aumentáramos el repertorio. ¡Cómo se bailaba allí con el bugalú!".

"Antes te enamorabas hasta las trancas. Ahora no hay seriedad"

"Nos adoptaron y nos querían una barbaridad".

Allí forjan un discurso, que los definirá y marcará definitivamente. Las "mujeres de la vida", entran en su mundo, y siempre recordarán el slogan profesional:

"Cuando una puta quiere a un hombre, lo respeta a morir, haga lo que haga cuando tiene que trabajar".

"Inventamos la rumba para cualquier hora, con mensaje"

Sus primeros pasos en el mundo del espectáculo los dieron de la mano del guitarrista de Carmen Amaya, Andrés Batista. En 1969 debutaron discográficamente con temas como: El bueno, el feo y el malo; Zapatero remendón; Pena, tristeza y dolor o Bailadores.

Cuando Los Amaya eran gitanos 'hippies'. " Y lo seguimos siendo ", puntualiza Pepe.

" Es que no había tiempo para virguerías"

Video: Caramelos , versión acústico-flamenca, sona a Rumba.

"Se grababa en directo, en dos pistas. Todos juntos: guitarras, palmas, voces. En una mañana, te sacabas fácilmente uno de aquellos epés de cuatro canciones. Y nos íbamos a celebrarlo a la calle de la Cera".

Video: Vive la Vida , rock gitano.

Saltan a la fama en 1971, con el tema de gran éxito: Caramelos y en 1977, de la mano del productor Tony Ronald, firman con la compañía RCA. Adaptan su sonido, convirtiéndose en los reyes del medio tiempo, creadores del hit de la música moderna: Vete.

" La rumba era cosa de borrachera, las discotecas lo pinchaban a las cuatro de la mañana. Y nosotros inventamos la rumba para escuchar a cualquier hora, con mensaje" .

No pudieron mantener tanta genialidad mucho más, siguieron grabando y actuando, pero sin la calidad ni la repercusión de que habían gozado.

En los ochenta llegó la decadencia.

" Tenemos unos pisos alquilados. Las mujeres llevan un bar y una peluquería. Y luego están las liquidaciones de la SGAE, hay allí 200 canciones nuestras registradas. Oye, ¿tú sabes cómo funciona eso de la SGAE?”.

Esperamos que la fortuna haga que algún tema de Los Amaya, los vuelva a convertir en, lo que son: Número 1.

HARD CAT-ROCK, la gran estafa

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 21 Nov 2020 18:18:15 GMT

HARD CAT-ROCK

la gran estafa del Rock-n-Roll se apodera de nuestra cultura .

“ La Generalitat es gratarà la butxaca per materialitzar BCN World. Abans del 5 d’octubre -després d’una pròrroga de cinc mesos aprovada pel Govern per l’esclat del covid-19- s’ha de formalitzar la signatura dels contractes de compravenda dels terrenys on ha d’ubicar-se el macrocomplex d’oci per un import de 120 milions d’euros ” Ara.cat

En unos momentos, en los que el mundo de la música esta tan necesitado de nuevas iniciativas. La Generalitat, se decanta por ayudar a instalarse en nuestros contornos, a una de las maquinas más endiabladas de aniquilar, la rica diversidad musical mundial.

El fin es crear un maravilloso parque de ocio y turismo, una forma muy catalana de hacer las cosas, a lo grande.

Hard Rock, una empresa como deben imaginar, made in U.S.A., representa la pura ameriKKKa, por donde pasa arrasa.

¿Debemos ayudar a empresas americanas a instalarse en nuestros lares o seguimos teniendo vínculos históricos económicos, entre Cataluña y los estados esclavistas? Que me lo explique el que lo sepa, no sé si la gente quiere esos modelos de negocio, campando a sus anchas, y con las máximas facilidades.

El Rock es la herencia musical del pueblo afroamericano, asentado en la zona de Nueva Orleans. Dichas músicas fueron remontando el Missisipi, hacia las nuevas ciudades industriales, en un momento ya lejano en el tiempo, llegándose a convertir en el ritmo de moda de la comunidad, durante un par de veranos.

Nueva Orleans, es un puerto, notablemente influenciado por el de La Habana y, cómo podemos imaginar, éste lo estaba por lo menos, al 50 por ciento, de Vigo, Barcelona o Cádiz. Por lo tanto, en el génesis del Rock, hay un componente Flamenco, hay corazón.

El lobby musical sajón, a partir de los años sesenta, empieza a encumbrar bandas de Rock blancas, como los Beatles o Rolling Stones. ¿Qué sería de ellos sin Chuck Berry, Muddy Waters, James Brown o sus otros primos? creadores de ese lenguaje, de una forma natural.

Estas nuevas bandas se convierten en refritos de grandes guisos.

No contentos, empezarán una carrera, sin escrúpulos, de refritos de otros, en cadena perpetua, hasta llegar al Rock Catala con sus limitadas variantes.

Mi afición prematura, por dejarme seducir, ante los placeres de la música, me adentró en la Barcelona de finales de los años setenta, con bastante predisposición a saber.

La Barcelona de finales de los setenta era rica, diversa y activa. Contaba con un abanico que abarcaba: del Flamenco (más tradicional o más alternativo), al Punk más transgresor, pero siempre, con un sabor Rumbero original, que la hacía Latina, Africana, Árabe, Jazzera… todas las especies eran válidas.

La mayoría de bandas sajonas, en aquella época, se cagaban al subir a nuestros escenarios. Para los que no estuvieron, en el segundo concierto de Motorhead en Montjuic, y a modo de puesta en contexto. Estos rockeros tuvieron que abandonar el escenario varias veces, ante la avalancha de botas de vino, porros…insultos. La gota, que colmó el caos, fue el impacto del hueso de un jamón en pleno bajo con 500w, aprox., de potencia. En esa época se iba a los conciertos de heavy con la bota de vino, el jamón y un tocho de chocolate, como mínimo. Por descontado, les robaron todas las camisetas y merchandising, al ser arrollados a la entrada del concierto por los asistentes, muchos de los cuales también se colaron.

Toda esa fuerza se ha ido castrando con el paso del tiempo.

Quizás sean las Olimpiadas, otro punto de inflexión, que sirvió para poner Barcelona en el mundo, pero sin duda sirvió para adulterarla y corromperla. Ya nada sería igual, lo popular perdió fuerza en post de lo reglado e institucionalizado. A lo cual, se me viene a la cabeza:

¿Qué regalamos, a quién y a santo de qué?

Regalamos nuestra ciudad a intereses internacionales, que poco aprecian de su diversidad y alegría. Cerrando los ojos al Sur y abriendo las carteras al Norte, y nuestro Norte artístico, cultural y emocional, debería seguir mirando al Sur. Algo tendría que pasar y no va a ser bueno.

Instituciones y naciones, se arman para aniquilar todo rastro de música popular local.

Podemos hablar de una música popular catalana que, en ediciones anteriores, ya se encargaron de aniquilar. Perdurando, hoy, algo simplemente folclórico, sin conexión de padres a hijos, por lo tanto, no denota un grado muy popular. Las únicas músicas, netamente, populares catalanas y vivas, son el Flamenco y, por extensión de éste, la Rumba - bajo mi humilde opinión.

La campaña ha conseguido que, la diversa oferta musical local, se vea en notable decadencia, en post de la lacra musical universal: el Rock y su actitud sajona, con cierto tufillo racista. Para su inicio, arraso, esa escena rockera local, en post de una nueva, que contaba su batalla en el idioma correcto, pero de una forma ya no tan adecuada.

Una vez controlado el Rock, la campaña se extiende. Escuelas de música, empresas de gestión cultural, festivales, centros cívicos…, todos con una visión sajona del negocio, intentan formar a nuevos músicos o proyectos artísticos, bajo el prisma: flamenco o rumbero. Nacen nuevos refritos: el flamenco y el rumbero, de guisos exquisitos, que durante cientos de años, han pasado de generación en generación. Esto huele un poco a pasado, no hay sustancia.

Esto no sería tan grave, si no tuviésemos en cuenta que grandes: cantaores, guitarristas, bailaores y otros músicos, que los han acompañado en sus andares flamencos, se vean en casa y con unas ganas locas de expresar lo que llevan dentro. En el Flamenco, a pesar de las adversidades, contamos con una cantera excelente de artistas, que deberían contar sus historias con los mejores medios posibles.

En la Rumba, la enfermedad, ha calado más fuerte. Hoy, en Gracia, en su isla tropical gitana, uno de los pocos nuevos exponentes activos de la Rumba, me ha comunicado su deserción, abandona el barco.

La Rumba, ha padecido más este trajín. Ha pasado de ser una música original, gitana, con no gitanos también, pero con mucha fuerza, a ser una mala versión del original. Han irrumpido esos nuevos elementos, que la han querido exprimir, pero no sale ni gota.

Por un lado, aparecen como churros, grupos que usan esta bandera para defender sus discursos, con grandes planteamientos pero poca chicha. Y por el otro lado, todos los herederos de esa magia ancestral, empiezan a ser desprestigiados y castigados sin trabajar. Dicha situación ha hecho que los rumberos gitanos, hayan perdido su sitio, de cantar en los mejores locales, a tocar en cualquier lugar y a cualquier precio.

¿Por qué los gitanos catalanes no son los que hacen esas giras mundiales, llevando el nombre de la Rumba?

La única respuesta que no aceptaría es que han perdido arte. Como los flamencos, con buenos medios y equipo, serían capaces de desarrollar un talento, que hoy en día veo limitado.

¿Se puede llegar a autodestruir la Rumba al convertirse en catalana, con tanta devoción? Por favor, que así no sea.

No más festivales de Rumba, sin Rumberos
No más festivales de Flamenco, sin Flamencos
No más festivales, sin tener en cuenta su sentimiento
No más festivales, sin Gitanos
y, sin Gitanos, porqué son la esencia
y, con todos los que lo sientan.

No más Hard Rock y sus asociaciones empresariales pertinentes. Apoyemos lo local, con un concepto local, seremos originalmente internacionales.

Exquisitas reliquias:
Para que no se olvide, músicas de antes del declive nacional.

¿Quién son? hay para escribir libros, pero que son catalanes, no hay duda, y aún podrían contar, cantar, muchas cosas. Disculpen la calidad del audio y el paso del tiempo, aprecien el contenido. Grandes artistas están involucrados, muchas especias llevan estos guisos, del Blues, Jazz, Latino, Funk…., sin dejar en ningún momento de ser flamencos.

Tres joies de la música catalana, `pasen y escuchen: Mariona, Salsa Gitana y La Chica.

Fotografía: El Pescadilla y Porrina de Badajoz , flamenco y rumba. Para tocarle la guitarra a ese Sr., había que meterle mano. Barcelona, tiene poder.

EL ZINGARO: Gansta, Gitano y Gallego

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Sat, 21 Nov 2020 17:50:50 GMT

GANGSTA, GITANO , GALLEGO, pero Flamenco.

Al amanecer el día, de juerga en Águilas, la cuna del Taranto, con las nuevas generaciones flamencas.

" Que trabajan en las minas

malditos sean los dineros

que ganamos en las minas

gastármelos, el ZINGARO, prefiero

aunque viva en la ruina

por sí de pronto, me muero ".

Nacido en Coruña, Antonio Barrull , fue a finales de los años setenta unos de los pioneros del nuevo sonido gitano, que años más tarde se acuño como Nuevo Flamenco. Sin duda, un activista del barrio, un Gangsta Gitano.

Ha sido y ha de seguir siendo, uno de los referentes de los cambios del Flamenco, a finales del siglo pasado, hoy tan enjaulado y falto de perspectivas.

Vive en Lugo, después de recorrer medio mundo, miles de aventuras. Sigue esperando el próximo impulso para saltar a los escenarios, que nunca quiso dejar.

Video:

"Tangos": sonido fines de los setenta, conectado con él americano del momento. Tiene más Groove, que muchas bandas especializadas en sonidos negros o confusión, y encima es: Flamenco.

La Singla

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 20 Nov 2020 22:04:15 GMT

La Singla

"Carmen Amaya me dijo que sería su sucesora"

Antoñita Contreras, “ La Singla ”, bailaora gitana nacida en el Somorrostro, otro de los misterios que sólo el flamenco puede explicar.

“Me llamaban “la múa”, no dije nada hasta los 14 años. De bebé tuve una infección que me dañó los tímpanos y entonces dijeron a mis padres que sería sordomuda”

Somorrostro :

“ Lo recuerdo muy bonito. Había mucha pobreza pero éramos felices y estábamos muy unidos”

“Siempre bailé. Bailaba mucho delante del espejo. Y no tenía compás, pero me fijaba en las manos y en la boca de mi madre, me hacía los doce compases y así iba haciendo. Y a la gente le gustaba mucho. En los bares mi madre me decía “¡báilame!”. Y los clientes contentos nos daban unas monedas. Un guitarrista gitano muy bueno que se llamaba Juan Aguilera me enseñó mucho también”

“Yo sacaba el ritmo de la vibración de los sonidos. De los coches, del tren, del tranvía, que entonces hacían mucho más ruido que ahora. Todo eso me inspiraba y entonces me salían los pasos. Fui aprendiendo yo sola a base de mucha constancia. Y cuando ya empecé a bailar mejor y actuar en público, bailaba ‘pegaíta’ al guitarrista, necesitaba ver su mano en la guitarra”

Los Tarantos , el peliculón de Rovira-Beleta y Carmen Amaya

“En la grabación pasé mucha vergüenza, no me lanzaba a bailar. Pero tenía el cariño de los compañeros y en especial el de Carmen Amaya: era estupenda, me quería y me valoraba mucho. Me hacía bailar delante de ella y de su marido, querían llevarme a América, pero no me dejaron. Me dijo que yo sería su sucesora. Nos parecíamos, porque éramos las dos muy humildes y sencillas y bailábamos con mucha fuerza. La pobre pasó mucho frío en la grabación y se puso muy enferma, la iba a ver a su hotel y se ponía contentísima”

“En la Costa Brava de bien pequeña ya bailaba por los hoteles. Y con 14 años, que yo aún no tenía el “carné de artista”, estuve en “Los Tarantos” de Barcelona. Estando allí, un representante llamó a mi padre para que me llevara a Madrid. Llegué al tablao “Los Califas” como una niña de pueblo, con una maleta de cartón amarrada con cuerdas y un abrigo de pelo que me dejaron que me caía grande, “como mangante ‘perdía’”, tanto que el dueño no quiso ni verme. Nos trató mal, pero nuestro representante le dijo “cállate, tienes que verla bailar”. Y acabamos firmando un contrato en exclusiva para toda la vida”

“Con 16 años un representante concretó varias actuaciones por Europa y reunió un grupo muy bueno para hacer una ‘tourné’. Camarón de la Isla, Paco de Lucía, Juan Maya Marote, el Lebrijano, María Vargas, la Tati, Pepe Habichuela… Actuamos en Suiza, Viena, Londres, París, Stuttgart, Bristol, Copenhague y otras tantas. También participamos en el Festival Flamenco Gitano de Alemania, que fue un éxito total. El representante se preocupaba de ganar dinero con las actuaciones. Recuerdo que nos dijo: “gano más dinero con La Singla que con Tina Turner”, a quien también representaba. Y es que llenábamos todos los teatros. Actuamos en un Royal Albert Hall de Londres lleno hasta los topes, había gente sentada en el suelo, se dobló su capacidad. Se mataban por la entrada. Cuando aplaudía el público parecía que se iba a caer”

“Trabajé durante muchos años, pero al año de casarme tuve un problema de tiroides que me impidió bailar. Los médicos no daban con lo que era y esto me provocó una depresión. Así que con unos 29 años tuve que retirarme. Fue una pena, muchos artistas querían trabajar conmigo, tenía mi compañía y muchos contratos”

“ Soy feliz aquí, en Santa Coloma con mi familia. Los tengo muy cerca y nos juntamos a menudo, hacemos nuestras fiestas y lo pasamos muy bien. Mis nietos son los que más me hacen disfrutar. Lo que yo hubiera querido es seguir bailando durante toda la vida, pero no pudo ser, así que disfruto de mi gente y de su arte. Como siempre, llevando una vida sencilla junto a los míos" .

Extracto del artículo: ‘ La Singla ’: « Carmen Amaya me dijo que sería su sucesora » de Pilar Tomás, 08/03/2018, Diari Digital de Santa Coloma, ciudad donde sentó su base La Singla.

"La Singla se movía al son que le dictaban sus sueños, su inconformismo y su pasión. Con dificultad escuchaba la música, pero conseguía agitarse al ritmo de la misma"

Rumba Jive en el Salón Amaya

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 20 Nov 2020 21:54:04 GMT

Gypsy Jive

Salón Amaya, cuna de la Rumba de Barcelona . B - Flamenco

GYPSY JIVE : sí Harlem tuvo El Savoy, el Barrio Chino tuvo el Salón Amaya , sus protagonistas fueron unos gitanos: " Los Pollos del Swing ” y sus bailes acrobáticos.

El Sardineta, el Melenas, el Patillas, el Tau, el Coqui, Batista y el Polla , pusieron a volar a las chicas que solían ir al baile acompañadas de alguna madre, para no llevarse ningún disgusto. Los bailes que estaban en boga eran: el boogie, jitterbug o el lindy hop, recién llegados del corazón afroamericano. La parte femenina la componían chichas con faldas de campana por debajo del tobillo y zapatos topolino, destacaron: la Blanca, la Bacilo i la Queca.

Su lugar habitual de reunión era el bar La Cubana, justo al lado del Amaya.

Gitanos vestidos al estilo Hot : tupé retador, interminable cuello de camisa, chaqueta larga y pantalón que apenas llegaba a los tobillos. En Harlem hubiesen pasado desapercibidos, en el Paralelo post guerra, eran los reyes de la fiesta.

A pesar de las secuelas de una guerra incivil, los años cuarenta contaron con un estimulo nuevo, surgen las salas de baile con orquestra. Estas incorporan en su repertorio los ritmos más calientes del momento.

Nace el Hot Club de Barcelona.

El salón Amaya abrió sus puerta en los números 106-108 del Paral.lel, durante el periodo comprendido entre 1943 y 1949. Por la tarde abría a las 5:30 y por la noche a las 10:15 hasta altas horas de la madrugada. Antes de la guerra fue el taxi-dancing Royal Concert o Dancing Estambul. Conto con una clientela de condiciones sociales muy diversas, con un espectacular concurso de baile cada jueves.

" Las noches del Amaya llegaron a ser la atracción más trepidante de Barcelona. Toda la ciudad estaba sometida al imperio del swing. Si los populares salones de baile Apolo, Metropolitano y Rialto eran sus iglesias, el Amaya tenía honores de Basílica, tanto por las dimensiones de la sala como el fervor que distinguía a su clientela. "

Barcelona estaba a la vanguardia de las nuevas tendencias, "Los Pollos del Swing" y lo que se llamo Estilo Amaya , llegaron a anunciarse en Madrid con gran éxito.

El Salón Amaya, fue laboratorio de un nuevo estilo en la ciudad: La Rumba.

El Salón Amaya contaba con orquestas que recreaban un sonido en ese momento innovador, todo el que tenia que ver con los ritmos Hot. Allí acudían las nuevas generaciones de flamencos ansiosos de nueva experiencias, que como por memoria histórica les eran familiares. El cuerpo de baile contaba con ellos como elementos destacados, pero por allí pasaron los músicos que dominaban la noche flamenca. El salón también conto con actuaciones de estos gitanos flamencos, Raymond, Patufo o Sardineta, eran algunos que actuaron, pero todo me hace pensar que pasaron muchos más.

Barcelona, fue plaza de primera en términos flamencos, y taurinos, también, la única con tres plazas de primera, pero eso era antes de la contienda. En la posguerra retomo su camino, pero ya nunca fue lo mismo, cayendo en su mercantilización estéril, cuanto más avanzaba el siglo. Con la conclusión que antes de la pandemia, su escena se limitaba al turismo y otras honrosas excepciones, pero ya nunca desde una perspectiva como la que se conjugaba en el Salón Amaya, cuna de la música moderna de la época.

Algunos definen a la Rumba de Barcelona, como hija de Elvis y Damaso Pérez Prado , desmarcándola del flamenco.

Elvis fue el hijo de las músicas negras como las que se escuchaban en el Salón Amaya, unos años antes. Todo me hace pensar que la Rumba es pre-Elvis y se empezó a ensamblar antes , gran parte de este engranaje lo llevaba la familia González Batista. Barcelona ya tenía Rumba antes de Presley y quizás influyo en sus poses con la guitarra y movimientos pélvicos.

La parte tropical es quizás una seña de identidad en la ciudad y antes de sonar el Mambo, ya habían pasado por aquí dejando una huella imborrable sus padres: Machín, Lecuona, el Negro Aquilino, entre otros, con sus sones y guarachas.

El flamenco sin duda es el factor más identitario y diferencial de la Rumba de Barcelona.

El Salón Amaya, se convirtió en punto de encuentro de dos culturas hermanas, que deben retroalimentarse: El Flamenco y los sonidos negros. En la foto, anterior, del Salón Amaya prendido, conviven payos, gitanos y negros, quedan pocos sitios así.

Necesitamos más Estilo AMAYA , en nuestras músicas.

En amerikkka sigue estando presente, en su forma de bailar: el zapateado y el uso de elementos corporales como instrumentos rítmicos, lo que lo hermana tremendamente con el baile Flamenco. Sí importante fue la influencia americana en la Rumba, la del Flamenco en la americana fue inmensa desde su Genesis.

-dancing in the streets, tremendas patadas flamencas: OLE

Triana o Lole y Manuel

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 20 Nov 2020 18:59:04 GMT

Todo es de Color

Manuel Molina o Jesús de la Rosa .

TRIANA o LOLE y MANUEL

TODO ES DE COLOR

Para cuando nuevos colores, hechos desde la Verdad.

El flamenco, esta vivo, y debe estar donde estos señores lo pusieron, en actualidad, Vanguardia internacional, donde se merece.

Se iniciaban los años 70, por Sevilla andaban Juan José Palacios: "Tele", Eduardo Rodríguez y Jesús . Los tres empezaron a ensayar y pronto se les sumó una pareja de lujo; Lole y Manuel . Aunque el quinteto llegó a ensayar varias veces no cuajo. Manuel, tras hablarlo con Jesús, decidió seguir un camino distinto.

De esos encuentros, dio para que surgiera un tema, que Triana y Lole y Manuel , plasmaron con letra e intenciones diferentes, en sus primeros trabajos discográficos, ambas muy válidas y personales.

Manuel y Jesús, 2 Mostruos :

«Nosotros queremos hacer ver que el flamenco, que no el typical spanish, presenta no solo la cara triste, sino la viva; las flores, el sol y todos aquellos factores vitales tan importantes para comprender la esencia del pueblo andaluz» Manuel Molina

"Yo no pienso que sea imitación, ni nada, y que en un momento dado, tampoco hemos inventado ni descubierto nada. Mas bien ha sido tomar conciencia e intentar hacer una música relacionada con su entorno.

"Llevo mucho tiempo con esa fe, porque pienso que indudablemente todas las grandes figuras del mundo, como los americanos o los ingleses, están intentando de mirar para el flamenco, desde hace ya tiempo".

"Pienso que el rock ha llegado a una serie de cauces, que esta, en un momento dado, en un callejón sin salida".

"Creo indudablemente que sí toda esa gente están mirando para Andalucía porque hay una riqueza de tiempos, de matices y de música muy grande. Los grupos andaluces, que conocen esos medios para utilizarlo bien, son los que tienen la posibilidad de desarrollarlo, y que en un momento dado, dar esa posibilidad al mundo, un poquito de aire fresco para el rock universal " . Jesús de la Rosa.

Llevar nuestra música al mundo.

" Crear un bloque importante y fuerte, de música moderna andaluza, y que en un momento dado, podamos con esa fuerza salir fuera de España . " Jesús de la Rosa

Inicios:

" Yo, bueno, he estado estudiando seis años en Sevilla, estudiando en un conservatorio, y, por lo tanto tengo una educación de técnica, o sea, musical, no. Lo que creo que ocurre es que creo es que soy más autodidacta ". Jesús

« Esta claro que yo no toco la guitarra como lo hace mi padre ni Lole canta como lo hace su madre. Nuestros padres no oyeron a Janis Joplin ni a Jimi Hendrix, tampoco escucharon la música de los Beatles. Nuestro cambio está, sobre todo, en el ritmo… hemos renovado nuestra propia música, hemos intentado descubrirnos a nosotros mismos . » Manuel

Sevilla tuvo en Triana y Lole y Manuel, un movimiento vanguardista apegado a la raíz, siendo conscientes de su importancia, creando momentos musicales impresionantemente actuales en su día. Hoy siguen siendo actuales.

La inquietud sigue, llevar el flamenco al mundo, dotándolo de actualidad, antes que sea tarde.

vídeos :

Todo es de color:

Lole y Manuel y Triana

Pansequito

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 20 Nov 2020 16:44:02 GMT

Pansequito

" El problema es que mucha gente que tiene poder no tiene ni idea"

El Cantaor: José Cortés, " "PANSEQUITO ", una de las figuras fundamentales, con una voz original y una visión clara del Flamenco:

PANDEMIA

"Iba todo muy bien, pero con esto de la pandemia nos hemos tenido que adaptar a lo que hay. A ver lo que Dios quiere porque hay mucha gente que lo está pasando muy mal. Yo no lo entiendo. ¿Fue el flamenco una de las primeras cosas que se nombró Patrimonio de la Humanidad? Digo yo que eso tendrá una compensación, ¿no? ¿No hay subvenciones para eso? "

"El día 18 de este mes voy a Almería con José Mercé y el hijo de Tomatito, a la Plaza Vieja. Había una programación más grande pero la han tenido que recortar. A Málaga voy el día 28, al Museo de la Aduana, y ya no hay más, se ha ido todo para atrás. Lo malo es que no te llaman para decirte que se aplaza a otro día. Tenía muchas, pero salvo esas dos, ya no tengo ninguna."

"Gracias a Dios, yo puedo tirar, pero no estoy aquí para defenderme yo, estoy aquí para defender el flamenco. Y hay muchos artistas que lo están pasando mal y no tienen ayudas. Hay artistas fenomenales en los tablaos que están al límite."

FLAMENCO

"Antes había fenómenos para que los copien ahora, pero a los de ahora no los va a copiar nadie. Hay gente que canta muy bien, eso por supuesto. Yo les diría que en vez de aprender de los demás, que se preocupen de tener su personalidad. Tienen que probarse las voces."

"El problema es que mucha gente que tiene poder no tiene ni idea. Mire lo que está pasando con la Bienal. El otro día estuve en Málaga en el Museo de la Aduana, donde han puesto un ciclo de músicas intercaladas, no sólo flamenco. Me parece estupendo. Pero la Bienal es de flamenco, no de otras cosas. Hay muchos artistas que se han quedado fuera. A mí me da igual porque yo ya tengo una edad, pero no van Manuela Carrasco, Aurora Vargas, Juanito Villar, José de la Tomasa… Nosotros somos los pilares y este hombre que está programando no entiende. El año pasado vino uno al Lope de Vega que se sentó en un inodoro en el escenario. Este año he visto a tres o cuatro muchachos con dodotis, que habrá que darles pelargón o maicena. ¿Este qué flamenco es, Dios mío? Yo no lo entiendo y lo digo con todo el respeto para esos muchachos, no hablo de ellos, hablo del director que los pone. ¿El director qué sabe de esto? Si viene un muchacho sentado en un inodoro, lo siguiente será uno duchándose en el escenario y chillando. Y cuando esté el agua fría y grite dirá que eso es una soleá o una seguiriya."

"Si tú quieres provocar en algo, provoca, pero provoca con arte, provoca cantando bien, haciendo cosas nuevas, bailando bien y tocando la guitarra bien. El arte se provoca con más arte. Tú eres bueno y yo tengo que intentar ser mejor que tú. Provocar consiste en no casarte con nadie arriba de un escenario, como en los toros, somos muy amigos pero nos estamos jugando la vida los dos. Eso es para mí la provocación, pero una provocación para destruir no vale. En el arte no se destruye."

"No está bien tratado porque lo venden mal. Los señores de por ahí te tratan bien, pero el que lo vende no. Defienden a sus empresas, no a los artistas. Y el flamenco es nuestro nada más, no lo hay en ningún lado del mundo a nuestro nivel, ¿por qué no lo protegemos? Yo creo que el público es quien mejor les puede enseñar con su respuesta. El público es bueno siempre. El problema es que los programadores no quieren que les enseñe nadie. ¿No fueron al colegio?, ¿por qué no buscan alguien que les enseñe ahora? Yo todos los días sigo aprendiendo. Yo no soy Pansequito por gusto".

"Que no digan que pedimos mucho dinero, que eso es ojana. El flamenco no lo pagan ellos, lo paga el público. Luego hay un dinero en Cultura. ¿Dónde está ese dinero? Por cierto, por cobrar más dinero no se canta mejor. Lo que sí es verdad es que hay artistas baratos que son caros y artistas caros que son baratos. Hay que buscar un equilibrio para que todos seamos iguales. Yo no soy mejor que ninguno ni ninguno es mejor que yo. Unos cantamos peor y otros cantan mejor. Ole. Pero todos podemos vivir. Un torero se viste en un hotel igual que un becerrista. En el flamenco pasa lo mismo."

"La guitarra ha evolucionado mucho, eso es verdad, pero es otra cosa. También les digo que dejen de subir tantas cosas en youtube, que ahí lo ve todo el mundo. Hay niños que están aprendiendo a cantar y ya están ahí puestos. ¡Grabadlos para ustedes y dejadlos que aprendan! Es que, si no, cuando lleguen a una peña ya no van a sorprender. Ahora ya tienen cien mil visualizaciones en el móvil y no causan impacto."

"Están casi clonados. Y cantan muy bien, esa es la verdad, pero deberían escucharse a sí mismos para encontrar algo propio y tener personalidad. Torear, torea todo el que sea torero, pero un muletazo de Curro no es igual que el de otro. Hay gente hoy que es espectacular, pero la pureza es otra cosa."

ROSALÍA

"Yo a Rosalía la admiro. Viva ella. Están provocando a los flamencos para que hablemos mal de ella, pero yo la admiro. Le digo ole a ella y quienes le hacen los montajes. Ahí hay artista. Ya después podemos hablar del cante, pero es capaz de hacer cosas muy interesantes. Hay quienes dicen que no sabe cantar flamenco, y me parece muy bien, pero yo la respeto. Para cantar por seguiriyas no me la voy a poner, me la voy a poner para verla en un vídeo porque quienes la llevan saben lo que hacen."

"Esta chiquilla empezó cantando flamenco porque le gusta el flamenco. Ya como cante es otra cosa, pero por lo menos tiene ese mérito porque el que sabe cantar flamenco canta por todo. Al contrario, no. Sabiendo el compás del flamenco, lo puedes cantar todo. Y todo el mundo no puede ser la Niña de los Peines ni la Paquera, pero ella tiene una intercalación de músicas que a mí me gusta."

Miles Davis. Sketches of Spain

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 20 Nov 2020 16:12:50 GMT

MILES DAVIS

se despide, de una forma muy flamenca .

Unos meses antes de su muerte, de la mano de Quincy Jones , homenajea a: Afiladores y Gitanos , dos culturas errantes: de ruedas y caminos.

Nunca en su carrera se había parado a repetir una obra, sólo lo hizo con: “ Sketches of Spain ”..

Sus últimos temas en directo fueron: “Su Alborada de Vigo” y “Su Solea”, con la colaboración de un nuevo bajista, Carles Benavent .

Festival de Jazz de Montreaux , 8 de julio de 1991, dos noches antes Quincy Jones había quedado aducido por Camarón.

Ya nunca volverá a pisar un escenario, murió el 28 de septiembre.

“Hay una gran influencia africana en la música, en la arquitectura, en toda la cultura, y mucha sangre africana en la gente. Hay un sentimiento afronegro en la música, en las gaitas, las trompetas y los tambores”

“ Kind Of Blue ”, 1959, se convierte en un disco importante en su carrera, con la que cierra un ciclo y se sumerge en uno nuevo, una constante en la carrera del trompetista. Cierra el álbum con un tema llamado: “ Flamenco Sketches ”, toda una declaración de intenciones.

“Sketches of Spain - Esbozos españoles"

Miles descubre un nuevo universo musical, que le permitirá dar un giro a su carrera, no será la única vez, pero de eso hablaremos en otro momento.

“¡Yo, un negro de Saint Louis, estaba a punto de querer pensar como un español! Esta elección requirió un gran esfuerzo por identificarme como tal en cada nota”

¿Cómo descubre nuestro Sonido?, el alma no la acabo de descubrir, a lo cual, se plantea la pregunta: ¿Por qué los aficionados al jazz peninsulares, no le mostraron el flamenco o nuestras cosas? Se perdieron conocer al verdadero Miles, no al Jazzman que ellos idolatraban y les tocaba de espaldas. Ante un público flamenco, hubiese dado la cara.

Algunos de los momentos en que Davis, descubre esos esbozos españoles, tengamos en cuenta, que le sorprendió, no sólo lo flamenco, la rica y diversa música popular peninsular:

- Frances Taylor , la primera esposa de Miles, recién llegada de gira, le comenta entusiasmada:

“Sería una idea maravillosa tener tu sonido y el sonido del flamenco juntos”.

“Como bailarina, estaba de gira por Europa y Sudamérica, cuando en Barcelona, me enamoré de la música y el baile”

Esos días estaba actuando, en Nueva York, Roberto Iglesias y su Ballet español, sólo aclarar que no era, sólo, Flamenco, era lo que su nombre indica.

“Miles, voy a conseguir entradas, tienes que venir”.

No quería ir, en esos días Miles, sólo salía de casa a buscar heroína, pocas cosas más le motivaban. Frances consigue llevarlo al teatro, quedo tan cautivado por la música, que acto seguido:

“Fuimos al famoso Colony Record Shop en la 52 y Broadway, y compró todos los discos de flamenco que había.
Al día siguiente llamó a Gil Evans :

'Esto es lo que quiero hacer'.

"Y es genial porque esa es la única vez que me dejó sentarme mientras estaba grabando".

- Joe Montdragon , un bajista mejicano amigo suyo, le puso el “ Concierto de Aranjuez ”, del maestro Joaquín Rodrigo, al tiempo que le decía:

“Escucha esto, Miles. ¡Tú puedes hacer algo así!”

Miles quedó atrapado.

“Me siento a escuchar y a mirar a Joe, diciéndome: “Maldita sea, estas líneas melódicas son fuertes”. Supe allí mismo que tenía que grabar aquella música, porque se me había metido en la cabeza”.

“Es muy fuerte. De hecho, es tan fuerte que cuanto más suave la tocas, más fuerte se vuelve y al revés, si la tocas fuerte, la debilitas”

-La actriz, Beverly Bentley , le trajo de España la “ Antología del Cante Flamenco ”, publicada por Hispavox, de donde se inspiró en la interpretación de Lolita Triana, para hacer Su Saeta.

“Tocar con la trompeta lo que alguien se supone que está cantando fue para mí lo más difícil de hacer de Sketches of Spain , especialmente cuando había que improvisar, como ocurría casi todo el tiempo. La dificultad surgía cuando intentaba tocar algo entre las palabras que el cantaor canta. Porque ahí están todas esas escalas arábicas, escalas africanas, que se pueden oír. Ellas modulan, se funden, se retuercen, serpentean y se mueven. Lo que realmente lo hacía tan difícil es que solo lo podía hacer una o dos veces. Si se hace una canción así tres o cuatro veces se pierde ese sentimiento que quieres expresar. Yo no toqué la saeta hasta que Gil la tenía completamente preparada. Mi voz tenía que ser a la vez triste y alegre, y eso es también muy difícil”

-Cuando Miles fichó por Columbia, su productor George Avakian, organizó el encuentro con Gil Evans, dos buenos amigos.
El primero de los discos, llamado “ Miles Ahead ” (1957), incluye dos composiciones que, con claridad, evocan música española:
* “ Blues for Pablo ”, basada en “El Sombrero de Tres Picos” de Falla, se dice en homenaje a Pablo Picasso y su época azul.
* El otro tema es: “ The Maids of Cadiz ”, basada en un bolero del compositor Leo Delibes.

Con toda la información y su amigo, Gil Evans :

“Como siempre, me encantaba trabajar con Gil por lo meticuloso y creativo que era. Yo tenía plena confianza en sus arreglos musicales. Siempre formamos un buen equipo”

Se inicia su grabación en los estudios de la CBS en Nueva York el 20 de noviembre de 1959 y se termina el 10 de marzo de 1960. El disco no tarda en salir al mercado. Se publica el 18 de julio de 1960 y se convierte en una de las obras más originales del maestro.

“Sketches of Spain”: de jazz poco, era cien por cien Ibérico.

Sólo le faltaban 2 conceptos nuevos, los 2 con que cerro su carrera artística, en Montreaux. Los mas difíciles, antropológicos, desnudos, se tuvo que apretar los machos, y con ellos puso fin a su carrera.

- The Pan Piper , versión personal de una llamada utilizada por los afiladores, basada en la Alborada de Vigo .

Cada año, durante cientos de años, jóvenes luchadores salieron de una zona gobernada por duendes, vacas, castaños, lobos y magia, para transitar los caminos de la vida.
La mayoría encontraron en la rueda una vía donde vivir y conocer, sin ser esclavos de nadie. Buscaron la prosperidad, un mundo nuevo para sus hijos, que cuando se quisieron dar cuenta, les agradecieron y siempre recordaran sus aventuras.

Hasta esas montañas de orense llego Allan Lomax , considerado "el hombre que grabó el mundo", inmortalizándolo, en un álbum de postales sonoras.

“Descubrí que en España el folclore no es mera fantasía o entretenimiento. Cada pueblo era un sistema cultural independiente con tradiciones que penetraban cada aspecto de la vida; y eran estas costumbres, a menudo paganas, la armadura espiritual del pueblo español contra las muchas formas de tiranía que se le había impuesto durante siglos. Fue en su folclore heredado que los campesinos, pescadores, arrieros y pastores que conocí, encontraban los modelos de comportamiento noble y sentido de lo bello que los hacía tan amistosos”.

Lomax llega a Galicia a fines de 1952. Revela a la prensa su interés por los afiladores . En la aldea de Faramontaos , conoce a José María Rodríguez, afilador, queda cautivado por su melódico reclamo, toma varias muestras. Cuando años más tarde se editó el álbum sonoro de Galicia, en la cubierta figuró por su expreso deseo la foto del afilador. Esa melodía, al cruzar el charco, llegó a oídos de Miles Davis, inspirándole, un tema que conserva el fondo de hipnótica e insistente llamada.

Reinvención, o, reinterpretación de la tradición hacia algo nuevo.

José María Rodríguez

Tuvieron su Idioma, para sólo entenderse entre ellos.
Tuvieron su música, para que los reconocieran.
Transitaron caminos, ferias y tabernas,
Igual que los Gitanos, buscaron la libertad,
sin caer en falsas intelectualidades.

-“ Soleá ” cierra Sketches of Spain y cierra la carrera de Miles, pero abre otras.

Solea es uno de los troncos principales del cante gitano y una seña de identidad.

Para Miles:
.
“Solea es un estilo básico del Flamenco. Es un cante sobre la soledad, sobre la nostalgia y el lamento. Está cerca del sentimiento del negro americano que hay en el blues.”

Poco se ha escrito sobre este tema, si lo comparamos con el resto, en él, confluyen los sentimientos próximos al Flamenco. La trompeta de Miles suena dolorida, expresiva, emite sus quejas sobre un fondo rítmico acompasado cercano a la marcha procesional de “Saeta”, más que al compas de Solea.

“A mí quien me gusta cantando saetas es la Niña de los Peines y Miles Davis ”, dijo Enrique Morente .

Como homenaje a tanto genio, otro genio.

" Solea a Enique Morente " de Miguel Toleo y Flamenco Barcelona, en directo en la sala Astoria.

Otra forma de ver la Solea en el S.XXI:

Te lo dice Camarón

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 20 Nov 2020 15:59:03 GMT

Te lo dice

Camarón

"Nunca he estado tan cerca de alguien que me hubiera enseñado su alma de esa manera"

Se lo traducen a José, que se me quedó mirando y me preguntó:

"¿Este negro quién es?”

Camarón , mueve el sentimiento de uno de los grandes, Mr. Quincy Jones .

"El flamenco es tan auténtico porque proviene del dolor"

Quincy Jones , presenta en Barcelona, la Noche Española, del 25 Festival Jazz Montreux. Para pasar desapercibido, se trae al discreto: Eddie Murphy. Los medios se vuelven locos y en sus declaraciones hizo constar:

“Un disco de Carmen Amaya está entre mis preferidos, está gastado de tanto oírlo"

¿Alguien le dijo que estaba en la ciudad donde había nacido, lo dudo?.

“Si una música como el flamenco ha perdurado durante tanto tiempo indemne y sigue conservando toda su fuerza original es por alguna razón"

"El flamenco, como el blues, proviene del dolor, conozco bien esa sensación, y cuanto más doloroso es más profundidad tiene. Es eso lo que me atrae de esa música, su autenticidad".

Hablo de sus proyectos inmediatos, que guardan también una relación con el flamenco y el festival. Recrear los “ Sketches of Spain ”, que Miles Davis grabó con Gil Evans .

"Uno de mis sueños fue trabajar con Gil Evans"

“Podré volver a interpretar su música con Miles, que no ha tocado “ El concierto de Aranjuez” ,en público, desde la época de su grabación".

El productor más premiado de los últimos años por sus trabajos personales y muy especialmente por los realizados con Michael Jackson , desea seguir produciendo nuevos discos, pero no quiso desvelar los nombres que tiene en cartera:

"Lo seguro es que no volverá a ser con Michael Jackson"

"Ver como crecía ha sido una parte de mi vida, pero ahora tiene alas propias para volar y ya no me necesita, y yo tampoco deseo meterme dos años seguidos en un estudio de grabación haciendo lo mismo".

Aún no había conocido a Camarón , después de verlo actuar, tenía claro que él era, claramente, con quien quería trabajar, dedicando los medios y el tiempo necesarios, le había dejado de piedra.

Quincy, tenía como misión personal, darle bombo a la noche dedicada al flamenco y así lo hizo.

Recibió los trofeos de la SGAE y de la AIE, así como un Cobi de plata, durante un acto protocolario celebrado en el Ayuntamiento de Barcelona.

Todo empezó un año antes.

Claude Nobs -fundador y director del festival- y Pino Sagliocco:

«Lleva a Camarón». El director del festival no lo ve claro.

«Me dice que su público es internacional y que no entiende de flamenco.

‘‘Hazme caso, Claude, va a ser la bomba’’.

Él me pregunta que cómo lo puede vender y le digo que monte una fiesta española, añade Sagliocco.

«Un día me llama y dice que haga una presentación, que para adelante»

La noche elegida fue el 6 de julio de 1991.
El lugar, el Casino de la ciudad Suiza.
Junto al lago Lemán, se reúnen un elenco selecto de artistas: Lole y Manuel, El Pele, Manolo Sanlúcar, Charo Manzano, Antonio Carbonell, Moraíto Chico, Vicente Amigo y Tino di Geraldo .

Como cabeza de cartel Camarón y Tomatito .

La expectación se palpaba en el ambiente y la tensión máxima. Las entradas estaban agotadas, unas 3000 personas.

El aspecto del cantaor no era bueno, rondaban sus problemas de salud, el compromiso era tenaz.

Los problemas en la prueba de sonido , crispan más los nervios. Manolo Sanlúcar no consigue entenderse con los técnicos, Camarón en chándal pasea por la sala, con su cigarro y detrás, José Candado, quitándoselos de la boca. Que sea lo que Dios quiera.

Quincy Jones, presenta a los dos artistas. Empieza el espectáculo:

Camarón abre con unas alegrías y cantiñas del contrabandista, que aprendió de Rafael el Tuerto, y una letra de Fernando Villalón incluida en La leyenda del tiempo.

Pide que le suban el volumen del monitor.

Camarón cambia la soleá prevista en el programa por el taranto y la guitarra al cuatro, que cierra con la cartagenera del Rojo el Alpargatero.

Los problemas de sonido siguen.

Sin apoyo armónico, por Bulerías. Tomatito haciendo compás con las cuerdas tapadas, afronta el famoso estribillo:

“tiriti ... tando de frío” que Antonio Humanes y el propio cantaor habían escrito en: " Te lo dice Camarón". i ncluye la copla "Soy tu dueño" y el huapango "La cigarra" de Raymundo Pérez y Soto.

Pide agua para afrontar los tangos y se lanza, una introducción ad libitum, da paso a la falseta de Tomatito.

Un espectador pide que cante por alegrías, a lo que responde, que es lo primero que ha cantado.

Se arranca con unos espectaculares fandangos, que cierra con los exigentes juegos rítmicos del estilo de Juan el Camas, y abandona el escenario.

El público atrapado por el misterio, reclama más.

Quincy, sale a escena y pide que los artistas que han participado en la actuación, vuelvan a escenario:

Los músicos regresan para un fin de fiesta. Se unen: Tino Di Geraldo, Moraíto, El Pele y Rosario Manzano, que dicen, los dos últimos, uno cada copla del tema "Soy gitano. La cosa acaba con una pataíta de Camarón y Rosario Manzano.

El público está encantado y lógicamente, quiere más, aunque Camarón abandona rápidamente la escena, seguido de sus compañeros.

El director del festival, Claude Nobbs, sabía que no sería un concierto más. Se grabó el concierto, en HD, para que quedase para la historia. No hace mucho tiempo se ha editado y comercializado, bajo el nombre de "Montreux 1991"

" Viviré
mientras que el alma me suene
aquí estoy para morir
cuando me llegue"

Con esta letra, se despidió, en Suiza, unos meses más tarde, el 2 de julio de 1992, en Can Ruti, se vio troncada su vida.

" La vida, la vida, la vida
La vida es
Es un contratiempo
La vida,
la vida es"

El sueño de Qu incy y la ilusión de Camarón, por llevar el flamenco a nuevos mercados, no pudo llevarse a cabo. La apuesta sigue pendiente.

B-Flamenco Jazz

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 20 Nov 2020 11:14:01 GMT

B - Flamenc - o Jazz , las primeras grabaciones.

El Jazz, como el flamenco son músicas urbanas, la Barcelona de los años veinte, reunía todas las condiciones para ser una sede privilegiada de este nuevo estilo musical. El flamenco ya llevaba muchos años arraigado en la ciudad.

En 1934 empieza a publicarse la revista dedicada el jazz: “ Música Viva ”, la cual un año después da lugar a “ Jazz Magazine ”, órgano oficial del Hot Club de Barcelona .

Con motivo de la inauguración de su nueva sede en Paseo de Gracia, 35, organizan la tercera edición de su Festival de Jazz, con el saxofonista Benny Carter , el Quinteto del Hot Club de Francia , el pianista Garnet Clark y la Orquesta del Hot Club de Barcelona , 1936 .

El Quinteto francés contaba con: Django Reinhardt , el padre del J azz Manouche , guitarrista gitano, creador de un lenguaje propio y original. Cuentan que Django Reinhardt acabó de juerga, bajo el puente de Marina, tocando junto a unos gitanos que conoció esa noche, imagínense la escena, flamenco y jazz en estado puro, lástima que nadie llevaba móvil y no se pudo grabar.

En 1955, tras el paréntesis de la fucking guerra civil, Lionel Hampton , actúa por estas tierras.

“ Yo toqué para él, la primera noche, después de la función, sin público, y por lo visto le gusté; hicimos un poco de música, él con su vibráfono y yo con el piano y llegamos a la conclusión de que parecía que habíamos tocado juntos toda la vida. Al terminar, me dijo que al día siguiente tocaría ante el público; total: que espero un telegrama para grabar discos con él en Paris y, luego, incorporarme a su orquesta .” Tete Montoliu

Después de otra juerga flamenca de 48 horas, Lionel Hampton , concibe la idea de reunir el flamenco con el jazz. Hampton capta rápidamente la semejanza en cuanto a ritmo, color, sentimiento y emoción que tienen estas dos clases de música. Así surgió la primera obra grabada bajo el título: “ Jazz Flamenco ”, con la colaboración del gran Tete y el reconocimiento de Mr. Hampton como mejor pianista de Europa, ponía a Cataluña como plaza grande del Jazz.

Video: audio de Lionel Hampton y el piano de Tete, tema “Tenderly”:

PRE-Pata Negra

Carlos García Montoya (Madrid, 1903-Nueva York, 1993) destacado guitarrista gitano de flamenco, grabo en los estudios RCA Studio, Nueva York, el disco “From St. Louis to Seville”, 1959.

Sonido Pata Negra, treinta años antes de su formación. Ole por ese Blues flamenco , le acompañan: Barry Galbraith (guitarra eléctrica), Milt Hinton (contrabajo) y Osie Johnson (batería).

Carlos Montoya: "St. Louis Blues"

Carlos Montoya:" Blues in the night"

S. XXI Agujetas, Jordi Bonell y amigos

En Flamenco Barcelona, siempre nos ha gustado la música negra, a través del Jazz ha tenido una de sus múltiples formas de expresión y hemos intentado que esos colores se junten con los flamencos

"Somos de hierro

somos de carne y hueso"

Flamenco Barcelona ( Gracia);

"Mrs. Spain" fue, sin duda, una "Gypsy woman" y se llamó: Carmen Amaya

183:850605223 (Candido Alvarez Sabin) — Fri, 20 Nov 2020 10:57:55 GMT

" Mrs . Spain " fue, sin duda, una

" Gypsy woman " y se llamó:

Carmen Amaya .

Le cantan Aretha Franklin, Curtis Mayfield , sus sobrinos jamaiquinos y del Barrio, The Uniques y Joe Bataan. Muddy Waters, tiene un blues.

" Mrs . Spain"

Lisboa rumbo a América.

“ ¡Qué vida ésta: en la tierra, los civiles, y en la mar, los tiburones! ”

El 9 de diciembre de 1936, tras quince días de navegación, desembarca en Buenos Aires.

Tres días después, debuta en el teatro Maravillas, un contrato de seis meses, acaba convirtiéndose en una gira de once años por los mejores escenarios de América.

El éxito nunca la abandonará.

Carmen Amaya tuvo que recalar unos días. en La Habana. para aprender a firmar. Con esa rúbrica , la bailaora pudo poner pie en Manhattan, convirtiéndose en portada de la revista Life, el 10 de marzo de 1941. Allí consolida su reputación internacional y sólo la muerte de su padre, en 1947, le hace pensar que debe volver a casa.

Los Amaya, como buenos gitanos, fuera de los escenarios, gustaban de vivir a su aire, siempre muy unidos y siempre ajenos a normas y convenciones, que no fueran las suyas.

Arrasó todo el continente, dejando su semilla para que germinasen músicas emergentes, cuyo fruto son la inmensa mayoría, de los nuevos estilos. La mayoría de estos sirvieron, de vuelta a las metrópolis europeas, para generar refritos, que poco han podido aportar a la música y mucho a sus economías.

La maquinaría de los cantes de ida y vuelta, estaba en uno de sus momentos más creativos, dando luz a las músicas afro y latinas, que poco tenían de inspiración europea, y más de lo que se dice, de sabor Ibérico.

"Gypsy Woman"

La música afroamericana, a través del mito de la Gitana, creará parte de su imaginario vital en el barrio.

"De ninguna parte, a través de una caravana

Alrededor de la luz de la fogata

Una mujer encantadora en movimiento

Con el pelo tan oscuro como la noche

Sus ojos eran como los de un gato en la oscuridad

Que me hipnotizó con amor

Ella era una mujer gitana,

Ella era una mujer gitana

Ella bailaba y giraba con una melodía de guitarra

Desde el fuego, su rostro estaba radiante

Cómo me encantó

Oh, cómo me gustaría tenerla cerca

Y besar y susurrar para siempre en su oído

Te amo gitana

A lo largo de la caravana

Ella estaba bailando con todos los hombres

Esperando el sol naciente

Todos se estaban divirtiendo

Odio ver ir a la dama

Sabiendo que ella nunca lo sabrá

Que la amo, la amo

Ella era una mujer gitana

Una gitana, una gitana, una gitana"

The Impressions:

Curtis Mayfield , cantante, compositor y guitarrista, sin duda una pieza clave en el desarrollo del Soul y el Funk. Activista, en el empoderamiento, de la cultura afroamericana, como queda reflejado en sus composiciones. Mostro, sin tregua, un total desprecio a la corriente pop. en boga en los mercados financieros.

En la década de los 70, inicia su carrera en solitario, inmerso en el Funk. y añadiendo rasgos urbanos, del momento, a la música Soul, siempre con su saber hacer.

Como la mayoría de los grandes activistas afroamericanos, conoce una realidad y una cultura, que les llego por transmisión oral y para nada consta en los manuales de lo políticamente correcto. conectada totalmente con nuestras culturas locales, en general. y en particular, con la flamenca y la gitana.

Uno de sus primeros éxitos fue "Gypsy Woman", número 2 en la lista de R&B en1962, con The Impressions: los padres del Soul machine.

Curtis Mayfield, con 14 años, compuso este tema, que tiene intenciones flamencas y gitanas. De una forma, muy evidente, incluye en el arreglo musical, unas castañuelas, lo quería dejar muy claro.

"Conozco el flamenco, lo que más admiro del flamenco es la técnica de los guitarristas. Nadie utiliza la mano derecha como ellos."

Este tema fue múltiples veces versionado y se convirtió en pieza clave para el desarrollo de lo Latino y lo Jamaicano.

El Soul Latino

Joe Bataan , nació en El Barrio, Spanish Harlem, de madre afroamericana y padre filipino. Con 15 años, se enrola en una banda boricua y cae arrestado.

Durante el tiempo que pasó encarcelado, estudió música y aprendió a tocar piano.

Perfil de una nueva generación, nacida en el Barrio, con sangre afro, latina y otros aliños como el asiático. Lo Latino, cuenta en la calle, y acaba creando una comunión natural con los afroamericanos y se expresa en español.

Justo al salir en libertad, emprende su carrera y formó su primer grupo: Joe Bataan and the Latin Swingers.

No fue el primer artista, ni el único, en mezclar el Doo-wop con los ritmos latinos, en particular el Bogaloo, pero su talento llamó la atención del recién creado sello Fania Records.

Firmó con la Fania en 1966 y publicó "Gypsy Woman" en 1967,la canción fue un total éxito en el mercado latino, creando los fundamentos del Latin soul.

Joe Batan : Gypsy Woman

Smile you are in Jamaica. Rocksteady-Reggae.

La zona bañada por el Caribe fue el catalizador de nuevas formas musicales , que unían actualidad y tradición, cada rincón aporto su personalidad.

Jamaica , contó con acento cubano desde sus inicios.

La influencia ejercida por el puerto habanero sobre el resto de la zona, fue, y es hoy, evidente.

Cuba es el corazón sonoro del caribe, ni Kingston ni New Orleans, le hacían sombra.

De otro lado, la proximidad entre el oriente cubano y Jamaica, permitieron un notable intercambio.

La emigración a Estados Unidos , después de la segunda guerra mundial, y las emisoras de radio, acercaron los nuevos éxitos musicales a la isla. El soul y sus conjuntos vocales, dan paso a la nueva música jamaicana.

The Uniques , forman un grupo vocal y se convierten en lideres del nuevo sonido, que en unos años conquistará la metrópolis británica, ya bautizado como Reggae.

Servirá de detonante de bandas sajonas, que no dejarán de ser refritos antillanos con mucho apoyo mediático. Sirvan de ejemplo Police, que hubiese sido de ellos sin sus colonias.

Gypsy Woman, The Uniques, Jamaican style.

" Puedo hablar tu propio idioma, si escuchas, oirás

Entiendo tu llanto, entiendo tu miedo"

Aretha Franklin

Tenía sólo 30 años, pero ya era una figura indiscutible e icono de la comunidad afroamericana, hija de un pastor bautista, se había hecho rica, famosa y respetada en el terreno de los blancos, vetados hasta entonces a gente como ella.

Después de veinte discos, once sencillos número uno y cinco grammies, Franklin había decidido volver a sus orígenes, a la comunidad, y grabar un disco de versiones de gospel en dos sesiones, acompañada del reverendo James Cleveland y el coro de la Iglesia Bautista The New Temple Missionary de Los Ángeles.

Un año después, de esta vuelta a sus raíces y dentro del álbum "Hey now hey (the other side of the sky) coproducido por la propia Aretha y Quincy Jones , nos muestra su lado ibérico.

Mr. Spain :

" Puedo sentir tu negrura

y tu virilidad y tu amor

Puedo tocar tu blancura

y tus naranjas, y tu poder

Sí, Mr. Spain

Van a poner una estrella al lado de tu nombre

Si lo son, Mr. Spain

Puedo hablar tu propio idioma, si escuchas, oirás

Entiendo tu llanto, entiendo tu miedo

Y sé que estás solo, sí, lo sé (sí, lo hago)

Y sé lo que te estás perdiendo, cariño, tú también lo sabes

Mr. Spain

No, no hagas eso, Mr. Spain

No pongas otra aguja en tu vena, oh

Señor España, por favor

Puedo sentir llover sobre tus secretos y tus sueños

Y entiendo tus razones, y sé lo que quieres decir

Sí lo hago, sí lo hago, sí lo hago

Por favor, Mr. Spain

No dejes que la hija de nadie sienta tu vergüenza

(Te amo, Mr. Spain)

Tu vergüenza, tu vergüenza, Mr. Spain

(Te amo, Mr. Spain, ooh, ooh)

Puedo sentir tu negrura y tu virilidad y tu amor

Puedo tocar tu blancura y tus naranjas y tu poder

Así que déjame escuchar tu risa de inmediato

Puedes darte la vuelta ahora, está bien

Mr. Spain

Ooh, Mr. Spain

Van a poner una estrella al lado de tu nombre

Ríe, ríe, Mr. Spain

Ríe, Mr. Spain"

Carolyn Plummer AYANA, una prolífica compositora, poetisa, dramaturga, músico y provocativa intérprete afroamericana, es la autora de "Mr. Spain".

Mr. Spain, literalmente sería Sr. España.

Un auténtico Blues.

En 1947, Muddy Waters , había grabado otra versión de "Gypsy Woman" en Chicago, con Sunnyland Slim (piano), Ernest "Big" Crawford (bajo) y batería anónimo.

En clave de blues, la historia de una gitana que le ha advertido que compruebe lo que su mujer está haciendo a sus espaldas.

Otro de los mitos de la Gitana, su conexión con fuerzas sobrenaturales no oficiales, algo muy valorado entre la población negroamericana.

" Sabes que la gitana me dijo

Que eres el hijo de la mala suerte de tu madre

Bueno, la estás pasando bien ahora

Pero eso será un problema después de un tiempo

Bueno, ya sabes que fui con una gitana

Que me diga mi fortuna

Dijo "Será mejor que vuelvas a casa, hijo

Y mira por tu, tu ojo de la cerradura"

Bueno, ahora sabes que volví a casa

Tomé a la gitana como ella dijo

Miré por el ojo de la cerradura

Había otro hombre acostado en mi cama"

CARMEN AMAYA, Mrs. Spain y Gitana.

Con aromas Andalusís, por Zambra, conexión afro, esta gitana si que tiene soul y toda una declaración de principios.

" Mi mare se llamó Tana

desde la pila de su bautismo,

y yo por nacer gitana

el pare cura me puso lo mismo.

Y al compás de palillos y guitarras

a este mundo vine yo

y me truje toa la gracia de la tribu faraón,

por eso dicen que soy una gitana sincera

los gachés cuando me miran

me dicen de esta manera,

¡ay gitana, gitana, gitana!

Nací donde quiso Dios,

mi cuna fue una canasta.

Y mi familia también,

y mis hermanos también,

gitanos de buena casta,

¡ay gitana, gitana, gitana!,"

Carmen Amaya, " Mi mare Tana ", canta Carmen, por lo que siempre fue elogiada por " El Chino ", su padre.

Que hay de mito o realidad,. El legado Amaya , sigue vivo, con grandes artistas y un entorno cultural, social, que lo hace único.

Capaz de ser actualidad y referencia para la evolución de la música.

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¡ JORDI BONELL, ya no está !

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La Guitarra Eléctrica con sabor a Barcelona.

Quiero ser Libre LOS CHICHOS Ni más, ni menos.

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