Barcellona, grazie alla sua posizione strategica nel Mediterraneo, ha avuto per secoli un porto collegato al mondo, il che le ha permesso di raccogliere la testimonianza di diverse culture, razze e religioni.

In quanto forza trainante dell'industrializzazione e del conseguente sviluppo economico e artistico, ha dato origine a nuove opportunità di svago, vantando una chiara prospettiva innovativa e urbana. La città si è guadagnata la reputazione di offrire servizi eccezionali e ha la capacità di affascinare i suoi visitatori.

Se a questi fattori aggiungiamo la presenza di un insediamento di popolazione gitana, radicato in città da oltre 500 anni, scopriremo che possiede tutti i requisiti per essere una delle principali capitali del flamenco.

PRE-FLAMENCO

Come punto di partenza per questa storia, torneremo all'anno 1425, data della prima presenza documentata della popolazione zingara nella penisola, come riportato negli Archivi della Corona d'Aragona, e la città scelta per questo scopo fu Barcellona.

Furono tempi di grandi cambiamenti. Le culture andalusa e sefardita declinarono a causa delle persecuzioni dei regni cristiani in espansione. Non contenti della riconquista della Spagna meridionale, questi regni intrapresero l'avventura di attraversare l'Atlantico per raggiungere le Indie. Lì incontrarono un nuovo continente, che chiamarono America, inaugurando così un nuovo ordine mondiale. Col tempo, emerse una nuova rotta che collegava il Mediterraneo, in particolare Barcellona, con l'America, dando vita a un significativo scambio economico e culturale.

Il popolo rom ha preservato, per quattro secoli, il patrimonio andaluso, sefardita e africano, grazie alla coesistenza di queste culture nelle periferie delle città, spesso in situazioni di marginalità. Questo patrimonio, unito all'eredità musicale portata dal viaggio dall'India alle nostre terre, all'amalgama delle diverse tradizioni culturali della penisola iberica e all'influenza della nuova musica creola, è stato segretamente coltivato all'interno delle famiglie rom. Tuttavia, è solo nel XIX secolo, grazie ai viaggi in queste terre degli artisti romantici europei, che si trovano le prime tracce di un nuovo fenomeno musicale. Fuggendo dal classicismo dominante, gli intellettuali trovarono una grande fonte di ispirazione nelle figure popolari della nostra iconografia, in particolare nel mondo rom e nelle sue aree circostanti. Grazie a molte delle loro opere, quest'arte emerse dalla sfera privata, lasciando le prime tracce di quello che, pochi anni dopo, sarebbe stato conosciuto come flamenco.

FLAMENCO

A metà del XIX secolo, crocevia di culture diverse – jarchas mozarabiche, cembali greci, canti gregoriani, seguidillas e romanze castigliane, lamenti sefarditi, suoni africani, folklore nordico, musica proveniente dalle Americhe e orientalismo del popolo rom – si fusero per dare origine a un nuovo stile musicale che prese il nome di flamenco. Esso si esprime principalmente attraverso il canto, la chitarra e la danza, abbracciando diversi stili o palos che formano il complesso albero genealogico del flamenco.

Fu nel 1846 che apparve la prima testimonianza scritta di questo nuovo genere musicale. Serafín Estébanez, nel suo romanzo "Escenas Andaluzas" (Scene andaluse), dipinge un ritratto della vita andalusa dell'epoca, introducendo i cantanti zingari "El Planeta" ed "El Fillo", affermando esplicitamente che lo stile musicale da loro eseguito si chiamava flamenco, consacrandolo così ai posteri.

Nello stesso anno, il 1846, Prosper Mérimée, autore del romanzo "Carmen", scrisse una lettera alla contessa di Montijo, in occasione di una delle sue visite a Barcellona:

“Ieri sono venuti a invitarmi a una festa per celebrare la nascita del figlio di una donna zingara. Eravamo una trentina in una stanza. C'erano tre chitarre e cantavano a squarciagola, in caló e in catalano…”

Dai primi documenti scritti sul flamenco, si evince un legame profondo tra Barcellona e questa frequenza musicale. Confrontando i resoconti di Estébanez e Mérimée, si riscontrano elementi molto simili: la quarta, il grido, il suono della chitarra. La differenza sostanziale risiede nella lingua utilizzata. A Barcellona, il caló e il catalano erano parte integrante del canto, mentre in Andalusia si prediligeva lo spagnolo castigliano; il caló non rivestiva un ruolo di primo piano.

MODERNISMO E FLAMENO

Tra il 1888 e il 1929, Barcellona ospitò due Esposizioni Internazionali, che portarono la città ad espandersi oltre le sue mura. Alimentata da un boom economico, grazie all'afflusso di capitali e allo spirito imprenditoriale degli "Indianos" (spagnoli che avevano fatto fortuna nelle Americhe), stimolato dalla perdita delle ultime colonie, e unita a un potente processo di industrializzazione, Barcellona divenne una città intraprendente con una ricca scena culturale e ricreativa. La "Rosa di Fuoco", come era conosciuta in quegli anni, sarebbe diventata l'epicentro di un nuovo fenomeno culturale e sociale: il Modernismo.

Il modernismo è caratterizzato dalla libertà che apporta alla creazione artistica, privilegiando l'autenticità rispetto alla bellezza. Ciò porta gli artisti che seguono questa corrente a sviluppare un profondo interesse per la musica popolare, e in particolare per il flamenco.

La vita bohémien diventa uno dei grandi miti della modernità, ispirato dall'idealizzazione dei bohémien, del popolo zingaro, che la storia dell'arte ha sempre tipificato come simbolo di una vita senza regole e senza legami, libera dalle convenzioni istituzionali.

Sebbene i modernisti più famosi siano architetti, i primi artisti catalani ad abbracciare questa tendenza furono Santiago Rusiñol e Ramón Casas, due artisti fiamminghi.

Ramón Casas raggiunse la fama al Salon des Champs-Élysées di Parigi esponendo il suo "Autoritratto vestito da flamenco", opera che gli valse l'invito a entrare a far parte della "Société d'artistes françaises".

Di Santiago Rusiñol, vale la pena sottolineare la sua conoscenza del flamenco, che lo portò a partecipare al concorso di cante jondo a Granada, con il soprannome di "Niño de Barcelona", o a organizzare famose feste di flamenco a Sitges.

Molti altri artisti hanno cercato ispirazione nel mondo gitano e nel flamenco, tra cui:

Juli Vallmitjana, drammaturgo proveniente dagli strati più bassi della società, guidò Nonell e Picasso attraverso i quartieri gitani, dove imparò a parlare il linguaggio della Barcellona sotterranea: il caló catalano, lasciando tracce nelle sue numerose opere; fu indubbiamente un chiaro precedente alla Lorca.

Isidre Nonell diede un volto al popolo rom di Barcellona, e la sua opera si distinse per i ritratti del quartiere di Somorrostro, nonché per le sue relazioni amorose con alcune donne rom. Nel mondo della musica di formazione classica, si distinsero figure come Isaac Albéniz, Enrique Granados ed Enric Morera, che incorporarono elementi della tradizione flamenco nelle loro composizioni.

“BARRIO CHINO”, il quartiere del flamenco di Barcellona

Era uno dei quartieri più vivaci del mondo, dove ogni forma di intrattenimento, legale o meno, veniva offerta nei suoi locali. Il quartiere comprendeva il triangolo formato dal Teatro Colón, dal Teatro dell'Opera Liceu e dal Teatro Molino, dove abbondavano i locali di flamenco, che offrivano alcuni dei migliori spettacoli di flamenco del paese. Era anche conosciuto come Distretto V, come lo descrive Sebastián Gasch in una delle sue cronache:

«È proprio in questo Distretto V che i lamenti strazianti del meraviglioso canto flamenco ti perseguitano incessantemente, ossessivamente e insistentemente, e dove l'eco struggente e malinconico dei palchi tremanti ti raggiunge costantemente, lamentandosi pateticamente mentre vengono vigorosamente frustati dai talloni ardenti, disperati ed esasperati di tanti ballerini, soggiogati e ipnotizzati da un ritmo asciutto, preciso, allucinatorio. La nostra gente non sa che è proprio in questo distretto che il flamenco, senza un briciolo di messa in scena, si manifesta con una crudezza terribile e un pathos commovente. Forse in modo più puro che in Andalusia stessa.»

CAFFÈ CHE CANTANO

Il flamenco emerse dalla sfera familiare a metà del XIX secolo. Il primo modo per commercializzarlo fu attraverso i Café Cantante, dove gli artisti iniziarono a professionalizzarsi. Gli imprenditori dell'intrattenimento di Barcellona abbracciarono questo modello, aprendo locali principalmente nella zona tra Plaza Palacio e il Barrio Chino (Chinatown). Alcuni si avventurarono ad aprire queste attività in altre città catalane e nel resto del paese. Il Café Cantante era caratterizzato da un foyer, dove gli avventori si incontravano, e offriva caffè e servizio di ristorazione, sempre accompagnati da tavoli da gioco, noti all'epoca come "pateras". Nelle sale private, i festeggiamenti potevano durare fino alle prime ore del mattino.

Citiamo alcuni locali dove il flamenco era l'attrazione principale: Cal Manquet, La Taurina, Los Cotos, Veloz, Granada en Cataluña, El Chiringuito, Ca L'Escanyo, Candelas, El Cangrejo e Casa Juanito El Dorado. Ma il locale che vantava le feste migliori era Villa Rosa, in Carrer Arc del Teatre, dove ora si trova il club techno Moog. Gestito dal chitarrista Borrull, il locale divenne una meta imperdibile per chiunque visitasse la città, godendo di fama internazionale e ospitando alcuni dei migliori artisti del panorama musicale.

LE PRIME REGISTRAZIONI

Con l'avvento del XX secolo, un nuovo fattore contribuì ad accrescere ulteriormente la presenza degli artisti di flamenco a Barcellona: la nascita di case discografiche che incidevano le loro canzoni. Grazie alla distribuzione commerciale, il fonografo e il grammofono portarono una vera e propria rivoluzione nel flamenco. Le voci degli artisti, le loro canzoni e i loro diversi stili raggiunsero facilmente le case e poterono essere ascoltate ripetutamente nei bar e nelle taverne. Il grammofono del ristorante El Manquet divenne famoso per la riproduzione delle registrazioni dei cantanti di flamenco più in voga.

Il flamenco aveva un nuovo canale di diffusione; ha perso un po' di spontaneità ma ha guadagnato popolarità. Gli artisti hanno registrato i loro stili personali per i posteri: Antonio Chacón, Manuel Vallejo, La Niña de los Peines, El Cojo de Málaga, El Gorito, Antonio Merino, Niña de Linares, Niño de Almadén, Niño de Lucena, El Pena Hijo, Pepe Pinto, Manuel Torre, Juan Varea, Corruco de Algeciras e José Palanca, tutti registrati negli studi di Barcellona. Questi artisti hanno approfittato delle loro sessioni di registrazione per esibirsi nei locali di Barcellona.

OPERA FLAMENO

Gli anni '20, in concomitanza con la Prima Guerra Mondiale, videro un grande afflusso di borghesi e intellettuali europei in fuga dalla guerra in cerca di svago. Questo periodo rappresentò una vera e propria età dell'oro per il flamenco a Barcellona. I locali che offrivano spettacoli di flamenco si spostarono verso il centro città, aprendo i battenti intorno a Plaça Catalunya. Il più rinomato era la Bodega Andaluza, situata nel seminterrato dell'Hotel Colón (oggi un Apple Store) e gestita da Miguel Borrull Jr. Anche un altro famoso hotel, il Ritz, proponeva spettacoli di flamenco al ristorante El Farolillo, che vantava una propria compagnia di flamenco diretta da Rayito.

In questo periodo emerse una nuova forma di spettacolo: l'opera flamenco. Gli spettacoli si tenevano nelle arene e nei teatri. L'idea non aveva nulla a che fare con l'opera lirica, ma era strettamente legata al flamenco; si trattava di una questione puramente economica, dato che le tasse erano più basse. I più importanti promotori di questo tipo di spettacolo, per lo più provenienti da Barcellona, come Carcellé, Verdines e Montserrat (quest'ultima una cantante flamenco dilettante), organizzavano tournée in tutta la Spagna con diverse compagnie, ingaggiando artisti sia emergenti che affermati. Tra le figure di spicco di quest'epoca si annoverano Manuel Torre, Antonio Chacón, Pepe Marchena, Manuel Vallejo, La Niña de los Peines e Manolo Caracol.

CARMEN AMAYA

Nata dallo splendore di una città, all'epoca capitale del flamenco, emerge la figura di Carmen Amaya, emblema internazionale della danza flamenco.

Nacque nel 1913, sua madre Micaela la diede alla luce nella casa dei nonni, in una notte tempestosa, in un quartiere prevalentemente gitano: Somorrostro, sulla costa di Barcellona, la notte di Ognissanti.

“Sono catalano fino al midollo.”

Era la seconda di undici fratelli, di cui sei sopravvissero: Paco, Carmen, Antonia, Leo, Antonio e María, tutti dotati di talento per il flamenco, che intrapresero carriere al suo fianco. Imparò a danzare con le onde del Mar Mediterraneo, che lambivano la sua porta di casa.

“Anche quando mia madre mi mandava a fare commissioni, mi insegnava i balli.”

È cresciuta in un ambiente umile e povero, che ha sempre ricordato con orgoglio, cercando di vederne il lato positivo:

«A volte mi rasavano completamente la testa e mi davano del cherosene per i pidocchi. Immaginatemi, che ballo con la testa rasata e gli occhi bassi come un asino, pieni di sonno, incapaci di aprirli per il fumo di tabacco! Anche se quello che mi divertiva di più non era quello, ma prendere un pezzo di cartone, arrampicarmi sulla collina e scivolare giù da seduto.»

Suo padre, José Amaya "El Chino", chitarrista di flamenco, fu il primo a notare che la sua bambina aveva qualcosa di speciale. All'età di sei anni, iniziò a frequentare i locali di flamenco di quella vibrante Barcellona, accompagnata dal padre, in cerca di soldi da portare a casa: "per guadagnarmi da vivere", come diceva lei.

“Quando papà ed io tornavamo a casa, ci aspettavano con impazienza a qualsiasi ora. Portavamo pane appena sfornato, lo spalmavamo di pomodoro e ci aggiungevamo il prosciutto.”

Il Café Las Siete Puertas, in Plaza Palacio, ora un ristorante, fu il primo posto in cui tentò di guadagnarsi da vivere. Erano gli anni '20 e franchi, sterline, lire e marchi circolavano liberamente, grazie all'arrivo della borghesia europea in fuga dalla Prima Guerra Mondiale; gli occhi di quella bambina si illuminavano quando raccoglieva le monete che le venivano lanciate a terra dopo le sue esibizioni.

Suo padre aveva il compito di insegnare alla ragazza tutto ciò che sapeva sul canto e sulla danza.

«Prendeva la chitarra e io iniziavo a ballare. Mi diceva: no, non così, fallo di nuovo, in questo modo, in quest'altro; va bene, o va male, o non sei a tempo. Ho imparato tutto da sola. Senza insegnarmi un solo passo di danza, è stato lui a insegnarmi. La prima cosa che ho imparato è stata la zambra. Cantavo e ballavo. Poi ho iniziato a ballare i soleares, la farruca. E poi mio padre mi ha fatto indossare i pantaloni e ballare le alegrías. I pantaloni non perdonano: mostrano ogni difetto del mondo e non hai niente a cui aggrapparti.»

Sua zia, Juana, detta La Faraona, una bellezza straordinaria e una ballerina eccezionale, fu anche una delle prime compagne di ballo di Carmen. Dalla sua famiglia, dal suo quartiere e dalla sua città, Carmen imparò tutto, sia nel canto che nella danza. Come una vera zingara, non frequentò mai un corso di danza... beh, in realtà ne frequentò uno, ma non lo terminò.

«Mio padre voleva che ballassi con un'orchestra. Quelli furono i giorni più amari della mia vita, e feci delle scenate terribili. Alla fine, andai in un'accademia in Calle Nueva (Nou de la Rambla). L'insegnante si chiamava Vicente Reyes. All'epoca, ero innamorata di un brano musicale, "Los Claveles", del Maestro Serrano. Me lo suonò e iniziò a insegnarmi i passi. Dopo cinque minuti, ero già disperata. Allora gli dissi: "Maestro, le dispiacerebbe se, invece di farlo in questo modo, lo facessimo così?". Mi cacciò fuori. Quella è stata l'unica esperienza che ho mai avuto con un insegnante.»

Un'altra persona che ha segnato la sua carriera artistica è stata la sua relazione con il chitarrista gitano Agustín Castellón, originario della Navarra: Sabicas. Uno dei maestri universali della chitarra flamenca. Durante uno dei suoi soggiorni a Barcellona, scoprì questa ragazza, un vero gioiello che non aveva nemmeno bisogno di essere lucidato; era spettacolare. La conobbe a Cal Manquet.

"L'atmosfera del flamenco era davvero intensa. Sono rimasto completamente sbalordito da ciò che riusciva a fare, dalle sue mani, dai suoi piedi, ci ha conquistati tutti. L'ho vista ballare e mi è sembrato davvero soprannaturale, non avevo mai visto nessuno ballare come lei."

Sabicas aiutò El Chino a portare Carmen a Madrid affinché la gente potesse vederla ballare. Questo è il racconto della prima notte della ragazza a Villa Rosa a Madrid. Sabicas la presenta a un raduno di flamenco:

«Ecco una zingara catalana davvero brava che sa ballare come tutti vorrebbero. All'incontro c'è un vecchio cantante di flamenco, El Peluco, che, ridendo fragorosamente, commenta: "Quella catalana è proprio una frana!". Carmen si alza, si mette davanti al cantante, lo fissa con aria di sfida e si lancia in una danza impetuosa, pervasa dallo spirito del flamenco. Carmen balla per lui e solo per lui, lo circonda, lo tormenta, lo fa impazzire... El Peluco non ce la fa più e, sopraffatto dall'emozione, grida: "E io che la chiamavo frana! Questa sì che è danza, ragazza!". La notizia si diffonde per tutta Madrid; ora tutti la rispetteranno.»

Anni dopo, insieme hanno segnato tappe fondamentali nella storia del flamenco, soprattutto durante la tournée americana di Carmen Amaya. Filmati e registrazioni di questi due giganti insieme sono rimasti per i posteri. A loro si attribuiscono: la creazione del taranto, performance memorabili (immaginate Carmen Amaya che balla e Sabicas alla chitarra) e storie d'amore.

Incanta chiunque la veda ballare; il suo carisma e la sua forza non lasciano indifferente nessuno. Fin da bambina, era soprannominata "Il Capitano" e nulla ha potuto fermarla, conquistando i palcoscenici di Barcellona, Parigi e di tutta la Spagna, il tutto in giovanissima età.

I primi locali che frequentò furono quelli vicino a casa, ma ben presto si immerse nella vita notturna di Barcellona, esibendosi ovunque ci fosse bisogno di artisti di flamenco, da Somorrostro a Paral·lel. Ma il Barrio Chino (Chinatown) fu la sua altra scuola fondamentale; lì, fin da bambina, frequentò l'élite artistica, del flamenco e non solo, che animava le notti di Barcellona; e lì, al Taurina, il critico Sebastián Gasch la immortalò.

«Riusciva a malapena a raggiungere un metro da terra. Seduta su una sedia sul palco, La Capitana rimaneva impassibile e statuaria, altezzosa e nobile, con un'indescrivibile nobiltà razziale, eremitica, incurante di tutto ciò che accadeva intorno a lei. Improvvisamente, un salto. E la zingara danzò. L'indescrivibile. Anima. Anima pura. Sentimento fatto carne. Il palco vibrò con una brutalità inaudita e un'incredibile precisione.»

Carmen ci ha lasciato una testimonianza di queste sue prime esperienze professionali:

“Lavoravo alla casa di El Manquet; c'era una grande compagnia di ballo: Micaela, El Gato, El Farruquero, Tobalo, Lolilla la Cabezona, mia zia La Faraona, El Bulerías e mio padre. El Gato era fisicamente straordinario. Non c'è mai stata una donna con una vita come la sua. Non c'è mai stato un uomo come lui. El Farruquero era il migliore in assoluto.”

«Quando non c'era la polizia, mi lasciavano ballare a Villa Rosa, pensate, ero solo un ragazzino. Tutti mi davano un sacco di soldi. Arrivò un momento in cui Miguel Borrull, il proprietario del locale, si accorse che prendevo tutti i soldi delle feste e, quando arrivavamo, ci urlava: "Andatevene, andatevene, Chino, c'è la polizia!". Era una bugia. Ma dopo aver aspettato, per molte notti al gelo, dovevamo andarcene.»

Fece il suo debutto sul grande palcoscenico del Teatro Español di Barcellona, in compagnia del cantante di flamenco José Cepero, originario di Jerez. Si recò a Parigi con lo spettacolo della celebre cantante di cuplé Raquel Meller, accompagnata dalla zia La Faraona e dalla cugina María, con le quali aveva formato il Trio Amaya.

La sua fama cresce di giorno in giorno ed entra a far parte della compagnia del celebre cantante di flamenco Manuel Vallejo, con il quale si esibisce per il pubblico andaluso, che ne rimane completamente affascinato. A Siviglia, La Malena e La Macarrona sono rapite dalla danza di questa prodigio del loro genere: "È unica!" esclamano, possedute, dopo averla vista esibirsi.

“Il mio vero trionfo arrivò a Madrid, in occasione di un omaggio alla ballerina di flamenco gitana Custodia Romero. Dissero a Custodia: ‘Abbiamo portato una ragazzina gitana a ballare’. Lei rispose: ‘Benissimo, mettetela dove volete, non importa’. E poi, immaginate, entro in scena per ballare il mio fandanghillo e tutti si alzano in piedi. Mi fanno ripetere la soleá, le alegrías. Ho fatto un gran baccano! La donna che veniva omaggiata è uscita a vedermi, furiosa, gridando: ‘Avreste potuto avvertirmi che questa ragazza ballava così!’. Avrebbe dovuto ballare dietro di me, con la folla che avevo creato io.”

Il suo successo nel canto e nella danza fu accompagnato dal suo ingresso nel mondo del cinema. Aveva già fatto qualche incursione nella recitazione, in ruoli secondari, in alcuni film. Ma il suo definitivo salto sul grande schermo avvenne con i film: "La hija de Juan Simón" (La figlia di Juan Simón), in cui Luis Buñuel la incluse nel cast, e "María de la O", un film basato sull'omonima copla composta da Valverde, León e Quiroga; quest'ultimo film riscosse un successo al botteghino senza precedenti, rendendo Carmen Amaya un nome noto a tutti.

La guerra civile la colse di sorpresa mentre era in tournée a Valladolid. Decise di lasciare il paese per il Portogallo, dove attese il resto della famiglia, in modo che, una volta riuniti, potessero intraprendere l'avventura della traversata atlantica da Lisbona.

Sbarcò dalla nave Monte Pascoal il 9 dicembre 1936 nella capitale argentina. Tre giorni dopo, il 12, si esibì al Teatro Maravillas di Buenos Aires, dove rimase per oltre un anno, esibendosi sera dopo sera davanti a folle da record. Il suo successo la portò a conquistare il resto dell'Argentina. Lo stesso accadde nel resto dell'America Latina, e la reazione del pubblico fu altrettanto travolgente. La notizia fu riportata da tutti i principali giornali delle città che visitò, mentre partecipava anche a film ed eventi ufficiali. Carmen Amaya fu forse la prima star latina nel mondo dello spettacolo?

Mancavano solo gli Stati Uniti. Convocate dall'uomo d'affari Samuel Hurok, Carmen e il suo entourage di 25 persone sbarcarono a Ellis Island, la porta d'accesso a New York, nel 1941. Non sapevano né leggere né scrivere, né tantomeno una parola d'inglese, ma ridevano alla luna, come era loro abitudine: avevano contratti, un sacco di soldi e ne avrebbero avuti ancora di più dopo il loro soggiorno di un mese al Beach Comber Cabaret di Broadway e le tre apparizioni televisive per le quali avrebbero ricevuto 15.000 dollari.

Nello stesso anno, si esibì alla Carnegie Hall, accompagnata dalla chitarra di Sabicas, dal ballerino Antonio Triana e da tutta la sua famiglia. Tra i testimoni c'erano le ballerine La Argentinita e sua sorella Pilar López, quest'ultima ricordando: "Per me, Carmen Amaya è stata e sarà sempre unica. Il suo modo di ballare era esemplare e assolutamente senza precedenti".

Dopo la sua storica esibizione alla Carnegie Hall il 13 gennaio 1942, il presidente Roosevelt la invitò a ballare alla Casa Bianca. Quella fu la prima volta che Carmen e la sua compagnia salirono su un aereo; il volo era da New York a Washington. Potete immaginare i momenti che si susseguirono a bordo di quell'aereo. Roosevelt rimase affascinato e le regalò un bolero tempestato d'oro e diamanti, che lei tagliò in 30 pezzi, uno per ogni membro della sua compagnia.

Alle loro prime esibizioni a New York, le figure di spicco del mondo dell'arte erano presenti in prima fila; queste furono le loro reazioni:

Charles Chaplin: "Mi chiedete perché mi piace tanto la danza di Carmen Amaya? Andate a vederla! È un vulcano illuminato da splendidi lampi di musica spagnola."

Greta Garbo: “Carmen Amaya è arte”

Fred Astaire: "Molto da vedere, molto da ammirare, ma ancora di più da imparare"

Arturo Toscanini: “Mai in vita mia ho visto un ballerino con tanto fuoco e ritmo, e con una personalità così meravigliosa”.

Orson Welles: "È la più artistica delle ballerine e la più brillante delle artiste."

Orson Welles la ingaggiò quello stesso giorno per il suo film successivo, offrendole per un singolo ballo una cifra tre volte superiore a quella pagata alla star del film, Marlene Dietrich. Mentre conquistava Hollywood, i migliori registi dell'epoca volevano averla nei loro film.

In tournée con la sua compagnia nei migliori teatri americani, il momento clou sarà riempire l'Hollywood Bowl di Los Angeles per due sere consecutive; a Frank Sinatra ne bastava una sola.

In America registrò anche diversi album, perlopiù con la chitarra di Sabicas, che dimostrano che era anche un'ottima cantante.

Nel 1946, El Chino morì a Buenos Aires. Carmen perse una figura paterna, ma anche la persona che le aveva trasmesso tutto il suo sapere e che l'aveva accompagnata fin dagli inizi della sua carriera artistica. Nulla sarebbe più stato come prima; la famiglia iniziò a sgretolarsi.

Non tornò a Barcellona fino al 1947, e la conquistò, così come il resto del paese, l'Europa e il mondo. Si circondò di reali e anticonformisti, artisti di ogni estrazione sociale e della sua famiglia, che le fu sempre accanto, sempre con un'autenticità naturale che non perse mai. Fervente difensore della sua amata Barcellona, la portò sempre come uno stendardo. Diede un contributo significativo alla storia della rumba catalana. In tutti i paesi latinoamericani che visitò, adattò le canzoni che amava in stile rumba, come testimoniano le registrazioni. Non osò esplorare la musica anglosassone perché non volle mai imparare l'inglese. Imparò a firmare a Cuba, solo per poter entrare negli Stati Uniti; la vita le insegnò tutto. Fu la forza trainante dietro la chiusura degli spettacoli con la rumba, una tendenza che divenne di moda nella maggior parte delle esibizioni di flamenco dell'epoca.

Ecco la tua fontana. Carmen Amaya fu entusiasta della fontana che Barcellona le dedicò, nel suo quartiere natale di Somorrostro. Per questo, nel 1959, non esitò a rescindere il suo contratto a Parigi, a pagare la relativa penale e a recarsi con tutta la sua compagnia nella sua città natale per partecipare all'inaugurazione.

Qui, sulla Rambla, si sposò nel 1952 con il chitarrista della sua compagnia, José Agüero, nella cappella di Santa Mónica.

E qui girò la sua opera postuma, il film "Los Tarantos", diretto da Rovira Beleta. Nel film, interpreta un ruolo sublime, dimostrando la sua eredità gitana e le sue carismatiche doti recitative, lasciando in eredità ai posteri magistrali scene di canto e ballo. Il film fu girato in luoghi quotidiani della città nel 1962: Somorrostro, il quartiere a luci rosse, il mercato del Born, Montjuïc, Plaza España, Las Ramblas – luoghi che Carmen conosceva molto bene. Il cast comprendeva artisti come El Chocolate, La Singla, Antonio Gades, Peret, Sara Lezana, El Chacho, Andrés Batista, Pucherete e diversi gitani di Barcellona che parteciparono come comparse o in ruoli di supporto.

In quegli anni, Carmen Amaya seguì una dieta suicida a base di quattro pacchetti di sigarette Marlboro al giorno, accompagnati da 14 caffè. Quando tornò a Barcellona per girare "Los Tarantos", dopo aver viaggiato dall'altra parte del mondo, i suoi reni erano compromessi. Tutti i medici le consigliarono riposo assoluto. La regina rispose: "Se non ballo, morirò". La grave insufficienza renale le impediva di eliminare le tossine che avrebbero finito per avvelenare tutto il suo corpo, ma ballare, pur sfiancandola, la aiutava anche a eliminarle attraverso il sudore. Quando avesse smesso di ballare, sarebbe stata in balia della malattia.

Il 24 agosto terrà un'ultima, quasi spettrale, esibizione di beneficenza a Bagur. In autunno, la notizia della sua morte comincia a diffondersi; centinaia di rom provenienti da tutto il mondo arrivano in pellegrinaggio e si accampano intorno alla sua casa colonica per accompagnarla nel suo ultimo viaggio, insieme a giornalisti di ogni angolo del globo.

Non vide mai il film finito. Morì nel 1963, sulle rive del suo amato mare, il Mediterraneo, nella città di Begur, il 19 novembre. Quella notte, Antonio Gades andò in ogni locale di flamenco di Barcellona con la tragica notizia; quella notte, il flamenco di Barcellona si spense, aveva perso una stella che lo illuminava.

Il mondo del flamenco e Barcellona la conoscono.

IL FLAMENCO DOPO LA GUERRA CIVILE

Nonostante le difficoltà del dopoguerra, la città mantenne viva la sua scena flamenca, sebbene le cose non fossero mai più le stesse. A tenere viva questa tradizione furono i rifugiati della Seconda Guerra Mondiale e le truppe americane che visitavano la città in cerca di svago. Con loro arrivò la musica americana in voga all'epoca, che veniva suonata nei locali che frequentavano, ispirando i musicisti locali. Tra i marinai, il flamenco era una grande attrazione; frequentavano i locali di flamenco in cerca di divertimento e allegria. Solo dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale la città iniziò una lenta ripresa economica e un graduale afflusso di immigrati dal resto del paese.

Flamenco Jazz

L'HOT CLUB di Barcellona è stato un club jazz pionieristico in Europa, fondato nel 1935, con esibizioni del chitarrista gitano Django Reinhardt, padre del jazz manouche; ha ripreso la sua programmazione dopo la guerra civile.

Nel 1955, Lionel Hampton si esibì con la sua band, dove conobbe il pianista Tete Montoliu. Dopo 48 ore di baldoria in un tablao di flamenco, Hampton concepì l'idea di combinare il flamenco con il jazz. Colse subito le somiglianze di ritmo, colore, sentimento ed emozione tra questi due generi musicali. Ciò portò alla prima registrazione, intitolata "Jazz Flamenco", con la partecipazione di Tete Montoliu.

Barcellona ha continuato a coltivare il jazz, producendo musicisti che hanno collaborato a progetti di flamenco di alto profilo, come Carles Benavent, Jordi Bonell, Amargos o Raynald Colom.

Rumba catalana:

I rom catalani, insediati nei quartieri di Gràcia, Carrer de la Cera e Plaça Espanya, sono gli unici ad aver mantenuto il catalano come tratto distintivo dopo la guerra. Queste famiglie hanno esteso la loro presenza ad altri capoluoghi di provincia e città catalane come Mataró, Figueres, Vilanova i la Geltrú e Perpignan, nonché a diverse città in Francia, dove la lingua catalana è conosciuta come "zingara".

Furono i protagonisti della rumba, facendone la colonna sonora della loro famiglia, conferendole una chiara proiezione internazionale e uno straordinario successo di vendite negli anni sessanta e settanta.

In seguito agli spostamenti verso l'America dei membri di queste famiglie, spinti dalla crisi del dopoguerra, emerse l'ultimo dei "cante de ida y vuelta" (canti di ritorno) del flamenco: la rumba catalana. I suoni caraibici, in particolare, furono reinterpretati in chiave flamenco: chitarre, battiti di mani e bonghi, portati in vita dai gitani catalani, riscossero un enorme successo commerciale.

Nel flamenco, i canti delle Americhe (cantes de ida y vuelta) sono considerati quelli nati dalla relazione tra il flamenco e i nuovi generi musicali emersi attorno alla musica creola. Molti attribuiscono l'influenza africana, che indubbiamente ha tutta la sua portata e rilevanza, al contatto degli artisti di flamenco con la musica afro-caraibica nelle Antille. Non bisogna dimenticare che esistevano comunità africane nella penisola iberica prima dell'instaurazione dell'ordine americano, il che significa che l'influenza africana sulla nostra musica risale a tempi antichissimi. Le comunità afro-spagnole furono le prime a stabilirsi in porti come Cartagena de Indias, L'Avana e Port of Spain. Conosciuti come "negros curros" nelle Antille, arrivarono con i loro canti, le loro chitarre e la loro guasería (un tipo di canto popolare), plasmando l'immaginario collettivo di gran parte di quelle che oggi sono le tradizioni afro-latine. Non bisogna inoltre dimenticare che la presenza della popolazione rom oltremare è stata costante fin dai primi viaggi nelle Americhe. Durante il periodo di repressione contro il popolo rom, dettato dai governanti in determinate fasi della nostra storia, una delle punizioni era la galea: remare attraverso l'Atlantico su navi di stato, e se si arrivava vivi si otteneva la libertà. Pochi volevano tornare. Questa è l'origine dei canti delle galee, resi popolari da El Lebrijano. Come possiamo vedere, le origini di gran parte della musica creola avevano già una chiara componente rom e iberica.

ANTONIO GONZALEZ: IL PESCE

Una delle figure chiave per la comprensione di questo genere fu Antonio González Batista (Barcellona, 1926 - Madrid, 1999). Era conosciuto artisticamente come EL PESCADILLA e in famiglia, nel suo quartiere di Gracia, come L'Onclu Aito.

Adottò il nome d'arte del padre, noto anche come El Pescadilla, un chitarrista di flamenco cresciuto a Barceloneta, dove univa la vendita del pesce all'attività di musicista di flamenco. Nel 1920 sposò Antonia Batista, residente in via Fraternidad, e si stabilirono nel quartiere di Gràcia, dove nacquero i loro sei figli: Manuel, Baldomero (Onclu Mero), Antonio (El Pescadilla), Juan (Onclu Polla) e Josefa.

Fin da giovane, Antonio dimostrò un talento innato e una grande virtuosità come chitarrista. Già da bambino, si guadagnava da vivere con il padre e i fratelli, suonando a feste e nei locali di flamenco del centro città, dove affinò le sue abilità di chitarrista flamenco. La bodega di Calle Escudellers, conosciuta come El Charco de la Pava, decorata con motivi taurini, ospitava spettacoli di flamenco. Era uno dei luoghi in cui El Pescadilla e la sua famiglia si esibivano spesso e uno dei contesti in cui la rumba iniziò a essere presentata al pubblico. Si trovava in una strada che, a quel tempo, tra la fine degli anni '40 e gli anni '50, brulicava di attività flamenco, insieme ai locali che proponevano musica proveniente dalle Americhe, in particolare musica latina. Questi locali attiravano una clientela benestante, desiderosa di ascoltare queste canzoni in stile flamenco: soldati americani e i primi turisti.

La brezza caraibica cominciò a soffiare forte sulle chitarre, accompagnata dal ritmo incalzante dei battiti di mani del flamenco e dalla danza gitana, con i suoi ancheggiamenti e la sua andatura spavalda. La chitarra avrebbe dovuto affrontare tutta la musica di un'orchestra latina, per cui ricorsero a quello che veniva chiamato: il ventaglio.

“Quel trucco ingegnoso

e facile da implementare

che si compone sulla chitarra

"Armonia e percussioni."

Anni dopo, la regina di quella che veniva chiamata salsa, Celia Cruz, dichiarò: "El Pescadilla, con la sua chitarra, è capace di interpretare tutto ciò che fa un'orchestra cubana".

I fratelli González formarono gruppi musicali come Brisas e Los Ponchos, dove eseguivano repertorio latinoamericano con influenze flamenco. La rumba stava prendendo piede.

El Pescadilla continuò a perfezionare la sua tecnica chitarristica e fu molto richiesto dai principali cantanti di flamenco, esibendosi in tutta la Spagna. Realizzò una registrazione che metteva in luce il suo eccezionale talento come chitarrista flamenco. Accompagnò e registrò con Rafael Farina, un popolare cantante di flamenco dell'epoca. Poco dopo, Manolo Caracol lo invitò a unirsi alla sua compagnia, con la quale si esibì in tutta la Spagna. Manolo Caracol godeva di immensa popolarità in quel periodo e formò una rinomata collaborazione con Lola Flores nei suoi spettacoli Zambra. Questo sarebbe stato un momento cruciale nella storia del flamenco: Lola Flores scoprì un nuovo suono, un nuovo genere musicale e un idolo in El Pescadilla. Lola Flores lo amò profondamente e non lo dimenticò mai.

Antonio sposò a Barcellona, secondo la tradizione gitana, la ballerina di flamenco Dolores Amaya Moreno, cugina di Carmen Amaya e La Chunga, con la quale ebbe una figlia, Antonia (Toñi), nel 1955. Sua figlia Toñi vive a Madrid ed è una ballerina di flamenco.

Lola Flores viaggiò a Cuba. Ancora oggi si parla delle feste organizzate all'Avana per celebrare la sua visita. Lola conobbe la musica cubana in prima persona, guidata dai migliori artisti caraibici, che la ammiravano e la veneravano. Quel suono tropicale le ricordava Barcellona e la musica di El Pescadilla. Non si fermò finché non sposò lui, e insieme trasformarono la sua carriera artistica.

Nel 1957, El Pescadilla e Lola Flores si sposarono lontano da Barcellona, affinché la famiglia di lei, che aveva lasciato a Gracia, non rovinasse la festa. I loro figli furono Lolita, Antonio e Rosario.

El Pescadilla, nelle sue poche registrazioni per l'etichetta Belter, seppe catturare gemme della musica brasiliana, nordamericana e caraibica: "Sarandonga", "Cada vez que tú me miras", "Levántate", "Strangers in the Night", "A Garota de Ipanema" e "Sabor a mí", dando loro un'interpretazione personale e moderna con una chiara influenza flamenco. Fu uno dei precursori di un sound urbano, che sua moglie Lola Flores adottò nel suo repertorio, creando uno dei duo più esplosivi della scena tra la fine degli anni '50 e gli anni '60. Insieme girarono la Spagna e le Americhe e apparvero in film di grande successo commerciale. Si dice che Antonio sia stato messo in ombra dal potere e dalla popolarità di Lola Flores; un aspetto che Lola e tutti coloro che lo conoscevano non compresero appieno. L'artista di casa era El Pescadilla.

Dopo il matrimonio, si stabilirono a Madrid, dove Antonio gestiva un tablao: El Caripen, la culla del flamenco più autentico. Era un artista per artisti; tutti erano affascinati dalla sua personalità. Le figure di spicco del flamenco ammiravano il suo canto e lo cercavano; era un faro nella scena flamenca madrilena degli anni '60. Fu anche fonte di ispirazione per i membri più giovani delle dinastie del flamenco, come le famiglie Sordera e Habichuela, con sede nella capitale, che anni dopo avrebbero formato gruppi fusion come Ketama e La Barbería del Sur. Antonio Flores, il figlio della coppia, fu uno dei leader di questo nuovo movimento, raccogliendo l'eredità del padre e sviluppando uno stile musicale personale e inconfondibile. Lolita e Rosario sono due artisti di spicco nel panorama musicale attuale.

El Pescadilla morì di dolore, dopo la scomparsa della moglie e del figlio Antonio, nel 1999.

FAMIGLIA

Pedro Pubilíll Calaf portò la rumba al suo apice commerciale, grazie al suo talento unico nella composizione di canzoni e alla grande popolarità che godeva. Nato a Mataró il 26 marzo 1935, si trasferì anni dopo nel quartiere Portal di Barcellona. Iniziò la sua carriera artistica come chitarrista di flamenco prima di dedicarsi al canto di rumba. Tra le sue canzoni più celebri si annoverano "La noche del Hawaiño", "Una lágrima", "Es preferible", "Saboreando" e "Borriquito", oltre a molti altri successi commerciali. Lavorò anche in diversi film, in particolare in "Los Tarantos", dove cantò un garrotín per Carmen Amaya e La Singla, segnando il suo debutto cinematografico. Partecipò a numerosi programmi televisivi e fu il primo artista rom a rappresentare la Spagna all'Eurovision Song Contest con la canzone "Canta y se feliz". Un altro momento importante della sua carriera, dopo il suo ritiro evangelico, fu quello di far ballare tutti alla chiusura dei Giochi Olimpici del 1992, cantando la sua rumba a quell'incantevole donna zingara: "Barcelona has power".

È morto il 27 agosto 2014, difendendo il suo regno sulla rumba fino a quando il suo corpo non glielo ha più permesso. Non gli è mai piaciuto che venisse chiamata rumbeta, così come agli artisti del flamenco non piace il diminutivo flamenquito: le parole sono superflue! Come cantava, che nessuno gli mandi fiori, ma piuttosto menta, che rallegra il cuore.

IL TIZIO

José María Valentí, nato nel 1940, è cresciuto in un ambiente favorevole all'arte: Calle de la Cera e dintorni, dove vivevano molti cantanti e artisti, vicino al Paralelo, con i suoi locali notturni e teatri. Fin da giovanissimo ha mostrato una predisposizione per la musica; sua madre lo iscrisse al Liceu a soli dieci anni, dove si formò come pianista.

Si distinse nella scena della rumba per il fatto di accompagnarsi al pianoforte, elemento che definì non solo il suo stile ma anche la sua immagine, caratterizzata da galanteria. Agli inizi della sua carriera, suonava il pianoforte a matrimoni e feste di famiglia in locali iconici come la Sala Apolo e La Paloma.

Agli inizi della sua carriera artistica, suonò al fianco di Peret, accompagnando La Camboria, con Peret alla chitarra e Chacho alla voce. La fama arrivò nel 1965 quando registrò per l'etichetta EMI-Regal. Incise album tra il 1965 e il 1977, ma continuò a esibirsi dal vivo fino al 1994, quando decise di ritirarsi. Tornò a esibirsi nel 2008, ma senza il riconoscimento che meritava.

L'AMAYA

Duo formato dai fratelli Pepe, La Coruña, 1952, e Delfín Amaya, Oviedo, 1954, alla fine degli anni '60 a Barcellona.

La famiglia della ballerina di flamenco Carmen Amaya suonava la chitarra e cantava alle feste gitane fin da piccoli. Muovevano i primi passi nel mondo dello spettacolo sotto la guida del chitarrista di Carmen Amaya, Andrés Batista. Nel 1969, debuttarono discograficamente con canzoni come: "El bueno, el feo y el malo" (Il buono, il brutto e il cattivo); "Zapatero remendón" (Il calzolaio); "Pena, tristeza y dolor" (Dolore, tristezza e sofferenza); e "Bailadores" (Le ballerine).

Raggiunsero la fama nel 1971 con la loro hit "Caramelos". Nel 1978, sotto la produzione di Tony Ronald, svilupparono la loro carriera, adattandosi maggiormente a canzoni a ritmo medio e ballate, fino a registrare il loro brano di maggior successo commerciale: "Vete". Non riuscirono però a mantenere a lungo quel livello di eccellenza; continuarono a registrare e a esibirsi, ma senza la qualità o l'impatto di un tempo. La loro esibizione alla cerimonia di chiusura dei Giochi Olimpici di Barcellona del 1992, insieme a Peret, ne è un esempio lampante.

ALTRI ARTISTI DI RUMBA CATALANA

Poi vennero Moncho, El Noi, La Terremoto, Ramonet, Chango, Salsa Gitana, Estrellas de Gracia, Sisqueto, Chipen, Papawa, Sabor de Gracia, Pedrito y Kiki, Som com som, Arrels de Gracia, La Yumiband, Los Sobrinos e Rambo y su Timba. Oggi, la rumba rimane profondamente radicata in queste comunità, godendo di popolarità e vantando nuove generazioni di artisti di rumba.

Non dobbiamo dimenticare il lavoro svolto da Gato Pérez nel far rivivere il genere in un momento in cui era caduto nell'oblio. Musicista di origini argentine, arrivò in città da adolescente, dove scoprì che la rumba è un autentico suono urbano di Barcellona.

La rumba che conosciamo

Non proviene dalla Cina o dal Giappone.

La nostra rumba di Barcellona

Vive in un vortice di viaggi in giro per il mondo.

La rumba nasce in strada

figlia di Cuba e di una zingara

e sua sorella che è dell'Avana

È un'altalena tra i marinai

(Gato Pérez, Rumba di Barcellona)

Club di flamenco

La massiccia immigrazione andalusa nella metà del XX secolo ha dato origine e significato ai club di flamenco nelle città della Catalogna, in particolare a Barcellona, che fin dal XIX secolo è stata, e continua ad essere, uno dei principali centri di creazione e diffusione del flamenco.

Le peñas come centri di solidarietà tipici dei media popolari, legate nella transizione ai movimenti di quartiere e sindacali, e scenario di “nostalgie” anche propizie all'ideologizzazione e all'intervento politico istituzionale.

I club di flamenco come causa della cosiddetta “integrazione” e, al contempo, oggetto di emarginazione o occultamento, da parte dei media e delle istituzioni, tranne quando l’emergere di giovani artisti potrebbe far sognare la “catalanizzazione” del flamenco.

Il boom dei club di flamenco iniziò dopo l'approvazione della Legge sulle Associazioni Apolitiche del 1964. Grazie al miglioramento economico degli anni '60, lavoratori provenienti da tutta la penisola iberica si trasferirono a Barcellona, segnando un periodo di ripresa per la scena flamenca della città. Il centro perse il suo predominio e il flamenco emerse nelle periferie. Nacquero nuovi quartieri: Saint-Roc, La Mina, Nou Barris, Hospitalet e altri, mentre altri come Somorrostro e Can Valero scomparvero; il Barrio Chino (Chinatown) entrò in un periodo di profondo declino. La necessità di flamenco in questi quartieri diede vita a un nuovo palcoscenico: i club di flamenco, che divennero punti di riferimento per i migliori artisti locali. Contribuirono alla diffusione e allo sviluppo del talento, in particolare dei cantanti, in città. Molti adottarono i nomi di cantanti di spicco dell'epoca, come il club Antonio Mairena, inaugurato nel 1968 nel quartiere La Florida di Hospitalet, che continua ancora oggi la sua eccellente attività. I cantanti più importanti, figli di questa fase delle peñas, saranno Juan de la Vara, Chiqui de la Línea, Duquende, Blas Córdoba, Mayte Martin o Miguel Poveda.

I TABLAOS

Dagli anni Sessanta, i Tablaos Flamencos sono parte integrante della più importante tradizione flamenca spagnola, avendo sostituito i precedenti Café Cantantes. Questi locali intimi e accoglienti sono il luogo in cui regna sovrana l'anima del flamenco. Conosciuti come "templi del flamenco", sono luoghi in cui l'essenza di una celebrazione flamenca prende vita sul palcoscenico; l'ispirazione degli artisti e la loro capacità di entrare in sintonia con il pubblico sono fondamentali. Una magia primordiale, il duende, è l'unico obiettivo: trasmettere allo spettatore la verità antropologica del flamenco. I Tablaos sono stati gli spazi in cui, al di fuori della sfera familiare, il flamenco ha continuato a essere tramandato nella sua forma più pura, senza microfoni o grandi palcoscenici, dove la stretta connessione con il pubblico permette di sentirsi immersi nella cerimonia. Hanno rappresentato una piattaforma per gli artisti per trasmettere questa eredità vivente gli uni agli altri, diventando l'unica scuola di flamenco al di fuori del contesto familiare.

Ballerine di flamenco a Barcellona negli anni '60/'70

Sarà il momento di raccogliere l'eredità lasciata da Carmen Amaya nel mondo della danza, mettendo in luce le ballerine: La Singla, La Chunga o La Chana.

IL SINGOLO

Antonia Singla Contreras, conosciuta come La Singla, è una ballerina di flamenco gitana nata nel 1948 nel quartiere Somorrostro di Barcellona. I suoi nonni erano gitani francesi originari del Rossiglione e di Perpignan. Pochi giorni dopo la nascita, a causa di una meningite, la bambina divenne sorda e muta. Sua madre, Rosa, che si prendeva cura anche degli altri suoi 17 figli, decise di lottare per la figlia e, dopo averla portata a innumerevoli visite mediche, all'età di otto anni iniziò a parlare, seppur con grande difficoltà, con grande stupore degli abitanti di Somorrostro, che la chiamavano con il soprannome di "La Múa" (La Muta). Antoñita (la piccola Antonia) assimilò le note della chitarra attraverso le vibrazioni e le parole leggendo il labiale. La verità è che La Singla iniziò a ballare guardando la madre battere le mani, assimilandone così il ritmo e trasformandolo in una danza particolarmente suggestiva e carica di emozione.

La Singla iniziò a ballare nelle taverne di Barcellona all'età di soli 12 anni. Nel 1960, la sua carriera professionale raggiunse l'apice partecipando al progetto del Festival Flamenco Gitano, che vedeva la partecipazione di personalità come Paco de Lucía e Camarón, e che la portò in tournée in Europa e in America.

Nel 1963 partecipò come attrice e ballerina al film Los Tarantos, nel ruolo di 'Sole', dove conobbe Carmen Amaya, alla quale venne paragonata come sua erede.

Un altro importante traguardo nella carriera di La Singla fu il suo contratto con Los Califas, un club di flamenco di Madrid, nel 1965. Aveva la benedizione di Salvador Dalí e il sostegno di Vicente Escudero, che disse che era l'immagine della brillante Carmen Amaya.

Sebbene la sua carriera professionale sia stata breve, è innegabile che sia stata senza dubbio notevole, considerando il suo background e le sue circostanze.

IL CHUNGA

Micaela Flores Amaya nacque a Marsiglia nel 1938 ed era imparentata con la ballerina di flamenco Carmen Amaya. All'età di un anno si trasferì a Barcellona e a sei anni ballava già a piedi nudi nei bar, dove fu scoperta dal pittore Paco Rebés. Fu lui a guidarla nella sua carriera artistica e a introdurla al Cabaret El Emporium, dove divenne una figura popolare tra un gruppo di intellettuali catalani. Il nome "La Chunga" iniziò ad apparire su tutti i giornali catalani, con il sostegno di diversi intellettuali dell'epoca.

Nel 1953, l'artista fece il grande passo verso la capitale, dove i primi locali di flamenco erano all'apice del successo, esibendosi all'El Corral de la Morería e da lì negli Stati Uniti. Si esibì a Las Vegas e in vari programmi televisivi, affascinando il pubblico americano, che rimase "incantato dai suoi piedi nudi". A Madrid, conobbe Ava Gardner, l'attrice americana alla moda della vita notturna madrilena, e grazie a lei apparve in due film di Hollywood.

Negli anni Sessanta, ha girato la Costa Brava, esibendosi in vari locali di flamenco della zona. Al Los Claveles di Calella, ha lavorato per la nuova moda estiva: i turisti, insieme al cantante di rumba Peret.

La Chunga divenne fonte d'ispirazione per scrittori come Blas de Otero, Rafael Alberti, José Manuel Caballero Bonald e León Felipe. Ispirò anche pittori come Picasso, Dalí e Paco Rebés, quest'ultimo dei quali la conobbe da bambina e la consacrò come figura affascinante tra gli intellettuali. Fu Rebés a incoraggiarla a dipingere ed espose le sue opere in stile naif in città come Parigi e Madrid. La potenza che La Chunga trasmetteva attraverso la sua danza affascinò il pittore Salvador Dalí, che le commissionò un'opera unica. Su una tela stesa sul pavimento, sulla quale aveva disposto diversi colori, La Chunga danzò a piedi nudi, spargendo il colore e creando così una nuova forma d'arte: dipingere con i piedi.

Fu ingaggiata per l'inaugurazione del Tablao El Cordobés a Barcellona nei primi anni Settanta. Partecipò a numerose tournée mondiali e apparve in diversi film, tra cui "La cogida y la muerte" (La sgozzamento e la morte). Sposò il regista José Luis Gonzalvo, con il quale ebbe tre figli: Curro, Luis e Pilar.

LA CHANA

Antonia Santiago Amador, ballerina di flamenco autodidatta, è nata all'Hospital Clínic di Barcellona il 24 dicembre 1946 ed è cresciuta in via Juventud, nel quartiere di Hospitalet. È una figlia del dopoguerra e il ricordo di quel periodo non si è mai affievolito.

“Le fette di pane e il vino scuro con lo zucchero che mia nonna mi dava per placare la fame mentre aspettavamo mia madre.” Fin da piccolissima, sentiva qualcosa scorrerle nelle vene; scoprì che il flamenco era la sua anima e la sua vita. Da sola, con una radio, ascoltava e memorizzava il ritmo, le melodie, e poi iniziava a ballare.

"La vita era dura a quei tempi, e la gente aveva dei sogni, il mio era quello di ballare."

Gli inizi non furono facili. Suo padre non voleva che una donna uscisse di casa per ballare "perché diceva che le artiste donne erano cattive". Fu suo zio El Chano, un chitarrista, ad aiutarla nei suoi esordi artistici, senza il consenso della famiglia.

Nel 1961 iniziò a ballare nei locali notturni della Costa Brava. La sua danza fu, fin dall'inizio, improvvisata; le sue uniche armi erano il gioco di gambe e i riflessi. Non provava mai, allenando solo la velocità e la forza in modo che, quando saliva sul palco, il suo corpo obbedisse alla sua mente; la sua padronanza del ritmo era assoluta.

Diventò madre a 18 anni, con il primo uomo che le disse di amarla. All'inizio, tutto sembrava perfetto, finché non arrivarono rabbia, percosse e gelosia. Trovò la felicità solo nella danza, finché alla fine non lasciò il marito.

Al teatro Los Tarantos, in Plaza Real, dove lavorava, fu scoperta dall'attore britannico Peter Sellers, che chiuse il locale per filmarla e includerla nel film "The Bobo" di Robert Parrisch, nel 1967. L'attore le propose di intraprendere la carriera artistica a Hollywood, cosa che la famiglia non avrebbe approvato.

Nel 1968, Manolo Caracol gestiva il suo club di flamenco, Los Canasteros, a Madrid. Inizialmente Caracol era riluttante ad assumerla perché era bionda e proveniva da Barcellona, dicendo, e cito testualmente: "Assolutamente no, non da Barcellona e bionda!". Dopo averla vista ballare, la assunse immediatamente ed esclamò: "Viva la Catalogna!". In quegli anni, si esibì in tutta Europa e in Australia, dove vinse il primo premio al Concorso Internazionale di Danza di Perth.

Negli anni '70, con l'avvento della televisione, raggiunse l'apice della popolarità. José María Íñigo la presentò nel suo programma di punta, "Esta noche fiesta" (Stasera è festa), che le valse la fama nazionale. Durante il suo periodo a Madrid, debuttò con lo spettacolo "Flamenco 73" al Teatro Arniches e si esibì al Parco Florida e al Music Hall Xairo. Nel 1978, al culmine della sua carriera, decise di assicurare i suoi piedi presso la Compagnia Nazionale di Assicurazione francese.

Smise completamente di ballare per cinque anni; ancora una volta, suo marito le proibì di esibirsi. A 39 anni, tornò sul palcoscenico con la compagnia del ballerino Luisillo, incoraggiata da impresari e artisti. Lavorò per quattro anni per il Flamenco Summit diretto da Paco Sánchez, al fianco di Antonio Canales, Cristóbal Reyes, Juana Amaya, El Veneno e Los Losada. Fece tournée in tutto il mondo con grande successo.

Nel 1990 sposò Félix Comas, residente a Premiá de Mar. Nello stesso anno si esibì al Joyce Theater di New York, ricevendo ottime recensioni dalla critica.

A 45 anni ha iniziato il suo ritiro dalle scene, ma continua a esibirsi sporadicamente. Si è esibita alla diciassettesima edizione del Festival di Flamenco di Ciutat Vella e alla Biennale di Flamenco di Siviglia del 2016, partecipando come artista ospite allo spettacolo della ballerina Rocío Molina. Rocío Molina stessa ha rilasciato queste entusiastiche dichiarazioni:

“Ora parlerò della mia Dea, la mia ispirazione… lei ha il suo Dio per il quale vive, danza e ama, ma non sa che per me lei è la mia Dea. Ti adoro, Chana! E non so spiegarlo, ma vorrei essere come te nel ballo. Grazie non basta. Sia io, sia il pubblico e gli artisti che hanno avuto l'onore di vederti, siamo rimasti sbalorditi dalla tua arte! Noi artisti del flamenco non dobbiamo mai dimenticare questa grande ballerina. Chana, quando sarò grande, voglio essere come te…”

La Chana balla ancora, ora seduta su una sedia. Una delle poche cose che le danno ancora gioia è il flamenco, ma come dice lei, "solo quello naturale. Il flamenco di gente come la famiglia Farruco o Antonio Canales", che considera colleghi, una famiglia che la apprezza per quello che è stata: una delle migliori ballerine di flamenco della storia.

Il Nuovo Flamenco

“La leyenda del tiempo” (La leggenda del tempo), la prima registrazione di Camarón senza Paco de Lucía, fu pubblicata nel 1979. Fu la prima opera di un cantante flamenco con un chiaro senso dell'innovazione, introducendo strumenti fino ad allora insoliti come batteria, basso, chitarre elettriche, tastiere e strumenti a fiato.

Qualche anno prima di questa pietra miliare, il movimento Musica Laietana emerse attorno al locale Zeleste di Barcellona, fondendo jazz e rock con influenze mediterranee come salsa, rumba e flamenco. Avrebbe avuto una chiara influenza sulla musica fusion spagnola, e molti dei suoi protagonisti, come Carles Benavent e Joan Albert Amargós, avrebbero in seguito collaborato con artisti come Camarón e Paco de Lucía.

Ma Camarón de la Isla non fu il solo: Paco de Lucía, Enrique Morente, Agujetas e Lole Manuel, tra molti altri, iniziarono a cercare nuove sonorità nell'universo del flamenco, creando opere che aprirono il genere a un pubblico più ampio, conferendogli maggiore attrattiva commerciale.

Sebbene La Leyenda del Tiempo non abbia riscosso un grande successo commerciale, ha ispirato nuove generazioni che hanno deciso di seguirne le orme. Dagli anni '80 in poi, grazie al lavoro dell'etichetta discografica Nuevos Medios, è emerso un nuovo movimento: il Nuevo Flamenco (Nuovo Flamenco), di cui artisti come Pata Negra, Antonio Flores, Ketama, Miguel Poveda, La Barbería del Sur, Diego Carrasco, Mayte Martín, Jorge Pardo, Tomasito, Carles Benavent, Ray Heredia e Duquende sono diventati ambasciatori di questo stile moderno.

BARCELLONA FLAMENCO: XXI SECOLO

Il flamenco a Barcellona continua a prosperare, con nuove generazioni di artisti di talento che eccellono nel canto, nella chitarra e nella danza, e che rimangono fedeli alla tradizione. I tempi sono cambiati e, dopo i Giochi Olimpici del 1992, Barcellona è diventata una meta turistica di primaria importanza, con un numero di visitatori in costante aumento di anno in anno.

Barcellona continua a dare il suo tocco unico alla scena del flamenco, con profili diversi. Alcuni restano fedeli alla tradizione, a un fuoco ancestrale che mantiene viva questa grande arte, soprattutto tra le nuove generazioni rom. Altri trovano nel flamenco il loro mezzo di espressione e lo percorrono su strade personali, senza essere schiavi della tradizione. Barcellona continua a vivere.